Tomando como disparador del relato un hecho histórico (el ultimo duelo registrado en Argentina en el año 1968 entre un periodista y un militar), nos lleva a recorrer el interior de un matrimonio, donde los reclamos, las verdades y las contradicciones entre ellos deriva en una comedia en la que se confunden lo absurdo y lo profundo.

A partir de ahí, pareciera que los planetas se alinean y todo lo referente al espectáculo esta en su lugar. El texto de Enrique Papatino es de una gran belleza y combina en dosis perfectas  sentimientos profundos con momentos desopilantes.  La puesta de Emiliano Samar se aprovecha de un espacio desprovisto para darle agilidad al relato, encontrando los puntos justos donde maridar dramatismo con momentos musicales, que incluyen divertidas coreografiás muy de la época.

Destacadas actuaciones de Yamila Ulanovsky y Mateo Chiarino, que logran componer dos personajes contradictorios y muy verosímiles. Imperdible para los amantes del buen teatro, un espectáculo maravilloso.

Sabados 22 hs. Teatro del Pueblo, Lavalle 3636, C.A.B.A.

En este 2024 se estrenó nuevamente la obra musicales «Rock of Ages», esta vez de la mano de Covershow que ha convocado talento joven para montar este espectáculo lleno de música de rock de los 80′ y que ofrece una propuesta más que entretenida para disfrutar los miércoles en el Teatro Lola Membrives.

La obra nos presenta muchas historias en paralelo pero vamos comentando las principales.  Tenemos la necesaria historia de amor, donde un joven aspirante a estrella de rock y una actriz que buscar su lugar en Hollywood se encuentran. El punto de encuentro es un bar, que al estilo Hard Rock, ha sido la cuna de muchas estrellas de la música y donde este templo está a punto de perderse por la idea de una renovación de la ciudad, que implica eliminar al rock de la misma. Los jóvenes se enamoran pero la inexperiencia y algunas confusiones llevan a que sus destinos se separen, mientras la llegada de una estrella ya consagrada complica aún más las cosas.

Uno de los elementos más importante de la puesta son sus canciones, en el cual podemos disfrutar de temas como «Here i go again» «I wanna Rock» «I want to know what love is» entre otras. Toca aclarar que es muy importante, que cada tema de puede disfrutar en su idioma original, aunque cuenta con algunos pequeños tramos en español, en los momentos que es necesario conectar con la narrativa de la historia pero luego te permiten que la cantes como realmente conoces aquellos temas. El elenco ha dado muy buenas interpretaciones, destacando las voces y algunas coreos que sirven para hacer un espectáculo con cada número en la obra.

Rock of ages es una comedia, que usa desde la narración un sentido parodico tanto de las comedias románticas como de los musicales de Broadway, haciendo uso y también burla de los clichés que existen en estas historias y conectando con el público al romper la cuarta pared en ciertas ocasiones. La música en vivo también es un factor fundamental en el que resulta un lujo contar en una producción.

Rock of ages es un musical muy divertido y que también nos trae reconocidas canciones para que las podamos entonar y también bailar desde nuestra Butaca. Los miércoles en el Lola Membrives están listos para rockear con una propuesta que cuenta con mucho talento, tanto desde la producción como de los actores que dan todo para ofrecernos una gran noche de teatro.

El Teatro Colón guarda un secreto subterráneo. un lugar que solo los curiosos conocen, no solo una gran sala lírica de  2478 butacas, es mucho más. 

El CETC (Centro Experimental del Teatro Colón) funciona como un espacio donde la música experimental. contemporánea y de investigación se fusionan para ofrecer una experiencia diferente y poco ortodoxa.
El pasado 25 de agosto tuvimos el privilegio de asistir a la premiere de Kassandra, Ópera de cámara Pablo Ortiz y Sergio Blanco. Coproducción entre el Alternative Stage de la Ópera Nacional de Grecia y el Centro de Experimentación del Teatro Colón.

Casandra forma parte de la mitología griega como hija de Hécuba y Príamo, reyes de Troya, y hermana de Paris y Héctor, siendo esta mujer quien predijo la guerra y condenada por sus actos carnales y al olvido.

La estrella de esta ópera es María Castillo de Lima, soprano brasileña  que forma parte del coro estable del Colón, así como también ha tenido papeles importantes en obras como Madame Butterfly. Cabe destacar que Castillo de Lima es la primera soprano trans del Teatro y una de las pocas de América. Su gran talento y presencia hizo encarnar a una  Casandra apoteósica,estrambótica  y con influencias de la comunidad afro de Queens.

Sergio Blanco escribe este libreto en inglés para su internacionalización, los espectadores podrán leer los subtítulos en dos pantallas dentro del escenario pues más allá del despliegue musical de la composición de Pablo Ortiz, está la historia que narra Castillo de Lima, la desgracia de Casandra.

Castillo de Lima tiene presencia y fuerza, acá vemos como se desplaza en el escenario con gran carisma, picardía, seducción pero también fragilidad. Los músicos de la obra son solo cuatro (cello, violín, percusión y clarinete); esto permite generar una experiencia más íntima en la cual la soprano es la máxima estrella.

Teatral, jocosa, trágica y pícara, así podemos definir Kassandra. Un escenario de luces tenues conformado por banquetas y mesitas que recrean un bar de mala muerte, Gonzalo Córdova es parte de la escena, sabe como capturar la historia y el monólogo de Sergio Blanco.

Kassandra fue un show diferente que el Colón incorporó a su repertorio. Una manera diferente de ver la ópera, deconstruirla y hacerla más inmersiva, menos ortodoxa y más personal. Una María Castillo de Lima desafiante.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Nancy Benegas

Sinopsis:
Las hermanas Dolores y María tienen muy pocas cosas en común, estas diferencias las lleva a tener vidas distantes y verse muy poco. Hasta que un día, la más joven de ellas, encuentra en las redes sociales de su sobrino Iván, que su madre, una mujer viuda de unos 80 años, se ha ganado miles de suscriptores haciendo monólogos controversiales sobre la vida de sus hijas. Esta repentina fama de su progenitora la lleva a unirse con su hermana para encontrar la manera de detener a su propia madre.

Reseña:
En tono profundo sin perder la diversión, la historia fruye planteando mucho más que la falta de comunicación en tiempos de redes sociales y el cómo nos afecta la opinión ajena. La obra plantea como ante una causa en común podemos descubrir que tan desconocidas pueden ser, incluso, las personas que tenemos cerca.

Matar a mamá no es una comedia dramática del montón, más bien, es el trabajo bien logrado de la escritura precisa y lograda de Laura Oliva, bajo la dirección de Paula Ransenberg; con la gran interpretación del trio protagónico María Rosa Fugasot, Florencia Raggi y la maravillosa Inés Estévez.
Detalle. Es un verdadero lujo ver en escena a las tres protagonistas. La historia está muy bien contada, quizás la velocidad del desarrollo, en algún momento, le quite ese toque de emoción al que te hacen llegar y salir muy… muy rápido.

Ficha Técnica
Dirección: Paula Ransenberg
Reparto: Inés Estévez, Florencia Raggi y María Rosa Fugazot
Año/País: 2024 – Argentina
Duración: 70 minutos
Funciones: Viernes y Sábados a las 20 hs y Domingos a las 19.30 hs. Teatro Politeama, Paraná 353

Muy buena versión libre del cuento de Abelardo Castillo «Negro Ortega»; mantiene toda la esencia, los saltos temporales del relato original y nos transporta al mundo del boxeo de los años 50 con la gran disyuntiva que envuelve al protagonista.
Ortega se debate entre lo que debe o no hacer, lo que corresponde o no; entre el bien y el mal; y lo resuelve como puede, a las piñas.

Una puesta en escena que acompaña el relato llevándonos a ese mundo de ring side y bares sombríos; personajes nostálgicos, acostumbrados a perder. Totalmente convincentes y deslumbrantes las coreografías boxisticas que le agregan un plus de atractivo a las ya de por si muy buenas actuaciones de todo el elenco ( Lorenzo Martelli, Santiago Maurig, Juan Mende, Federico Milman, Leandro Orellano y Fabian Petroni).

También esta muy logrado el aspecto musical con la interpretación de un par de tangos por los protagonistas acompañados de un bandoneon, que con sus sonidos acompaña y embellece la puesta. Dramaturgia y dirección de Maxi Rofrano. No dejen de ir a verla.

Viernes 20:00 horas, ESPACIO CALLEJÓN Humahuaca 3759, C.A.B.A.

Todos los miércoles a las 21hs, NÜN Teatro Bar alberga a “La hermana infame”.

¿Cómo hacer un homenaje? ¿Qué contar? ¿Qué no? ¿Qué ocurrió? El recuerdo como lugar incierto, cambiante, jamás verdad única y, sin embargo y a la vez, verdad de ese “yo”.  Recuerdo como forma de mantener vivo lo que ya no. Una obra biográfica. Una hermana, Gilda, rememora a su hermana muerta Sofía. Sofía en un pasado fue Raúl, Sofía fue licenciada en letras y profesora universitaria, Sofía falleció. Gilda  no endulza su historia, expone el dolor, el silencio, la alegría y la contradicción del amor. Gilda y Sofía: la memoria, la vida, la muerte.
Un monólogo agrietado. Momentos donde el pasado se cuela y se vuelve presente, donde el “yo- Gilda” enuncia, narra y, también, calla. Silencios. Un viaje por la relación de estas dos hermanas desde la perspectiva de Gilda. Todo lo complejo y, quizás, por eso tan profundo, inexplicable y, en algún punto, inenarrable del amor. 
Una mujer sola rodeada de libros. Respira, se mueve tranquila, con naturalidad, casi como si nos recibiera en el living de su casa y nos invitara a ser parte de un relato que ella quiere, quizás necesita, contar. Gilda habla desde su humanidad, no le da lugar a clichés ni subrayados, habla de su hermana desde ella, con todas las contradicciones que la atraviesan. La historia se despliega, los momentos suceden como imágenes. El público acompaña, quiere escuchar la risa rota, el amor dolido, las preguntas que retumban como eco.
“La hermana infame”, una obra de teatro que es homenaje sin los formalismos que los homenajes suponen. Un recuerdo vivo, tierno y contradictorio. “Ser o no ser” quizás sea siempre la cuestión. O no. ¿Acaso importa?
“La hermana infame”- NÜN TEATRO BAR (Juan Ramirez de Velasco 419)- Miércoles 21:00hs.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Dramaturgia: Sebastián Suñé/ Dirección:Elena AcuñaActúan: Gilda Scarpetta/ Vestuario y Escenografía: Vera Aricó/ Audiovisuales: BORIA AUDIOVISUAL/ Visuales: Leticia Barbitta/ Música original: Mauro Conde/ Diseño De Iluminación: Matías Sendón/ Asistencia artística: Leticia Barbitta/ Producción: Carola Parra/ Diseño de movimientos: Aymará Abramovich



Escribió: Micaela Steinbach

Sueños andaluces

El pasado 21 de agosto pudimos presenciar »Manual para armar un sueño «, obra original de la  compañía andaluza La Zaranda. Gracias al Complejo Teatral de Buenos Aires se dio el estreno en el Teatro Regio el cuàl estará solo por tres funciones, los miércoles hasta el 8 de septiembre.

»En el breve espacio que va de un camarín al escenario, un actor realiza un viaje infinito por la historia. Un sueño tan delgado como el hilo de un barrilete, aunque capaz de resistir tempestades». Así resume Eusebio Calonge su texto original.

Es importante señalar que »Manual para armar un sueño» es una obra que valga la redundancia, posee una narrativa y estilo onírico. Nos vamos a sumergir en la mente  del hombre entre sus pesadillas, anhelos y viajes astrales. Para ello tendremos a dos actores que interpretan  a un mismo personaje y un narrador presente en la última parte interpretando a Morfeo o al mismo diablo.

Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez y Enrique Bustos son los actores veteranos de esta obra. Los tres se van a desenvolver en un escenario a oscuras, con una narrativa poética y exageraciones. tal cual representa un sueño. Con su jocosidad andaluza harán reír a los asistentes del Teatro Regio.

Paco de la Zaranda además de productor y director de la obra, es el escenógrafo de la misma. Solo una luz amarilla y lámparas guiarán  a los personajes dentro de una escena que no podremos ver, es en esa oscuridad donde ocurrirán efectos prácticos para darle el aspecto físico a la narrativa.
Metales, leds, lámparas de cabeza, tablas y fierros son los elementos que se mezclan en tablas, solo se va a revelar cuando se enciendan las luces de sala

Manual para armar un sueño es una obra diferente y muy andaluza que llega a  Corrientes y con la calidad que solo puede traer el Complejo Teatral de Buenos Aires.

Escribiò Sebastián Arismendi para La  Butaca Web. .

Una divertida obra con una temática muy actual que nos entretiene durante 80 minutos, que parecen muchos menos gracias a un texto ( de Eva Halac) plagado de situaciones reconocibles para la mayoría de los espectadores, pero aquí tratadas con mucho humor; y una puesta en escena ( de la misma Eva Halac junto con Hernan Marquez) muy ágil y con un ritmo arrollador.

Si bien el texto va abriendo distintas ventanas temáticas con humor,  hay un tema central en donde la obra se pone profunda e interesante que tiene que ver con la soledad, la carencia de afecto y la inmediatez de pensamiento/deseo de los personajes.

Con un uso inteligente del espacio y los objetos escenográficos, que van transformando el ámbito de las distintas escenas sin apagones ni grandes movimientos que atenten contra el ritmo del relato; nos va llevando de las narices entre chistes y guiños a identificarnos con alguno de los personajes y cuestionarnos sobre nuestras conductas.
Apoyada en muy buenas actuaciones (Fernando Migueles, Natalia Giardinieri, Mora Monteleone y Nahuel Monasterio) que componen unos personajes contradictorios pero queribles, con los que es imposible no verse representado.

En síntesis, un espectáculo altamente recomendable que combina el humor con la profundidad de planteos; que divierte, entretiene y que vale la pena ver.
Teatro Del Pueblo (Lavalle 3636), Viernes 20 hs.

A.R

Por Sofía Luna Roberts

La dicha del reencuentro. La incomodidad en los cuerpos, ¿se acordará de mí?, los miles de pensamientos inseguros, los abrazos que destapan recuerdos y las anécdotas que sirven como puente a ese pasado tan lejano y delicado como es la infancia. Ese reencuentro de ex compañeros con su maestra de primaria es lo que “La habitación blanca” nos viene a mostrar, de manera única, en Timbre 4 (México 3554) todos los domingos a las 19 horas.

Con autoría de Josep María Miró y dirección teatral de Lautaro Perotti, ésta obra nos cuenta la historia de Carlos, Laura y Manuel y su reencuentro con la señorita Mercedes, la maestra que les enseñó a leer y escribir cuando eran chicos. La historia nos posiciona en esa habitación blanca donde se abrirán nuevas y viejas heridas del pasado que se entremezclan en un diálogo activo lleno de conmociones e interrogantes.

Las actuaciones (Andrés Ciavaglia, Melisa Hermida, Miriam Odorico y Alfredo Staffolani) son el verdadero corazón de la pieza. La dirección de Perotti se centra en la interpretación emocional y el realismo psicológico, lo que permite a lxs actores transmitir las capas de complejidad que atraviesan sus personajes de manera impecable. Sus actuaciones mantienen la tensión y el misterio a lo largo de toda la obra, generando en el espectador una sensación de querer saber que hay detrás de toda esa nostalgia dialogada entre los personajes. Lxs actores logran transmitir la angustia, el desconcierto y la búsqueda de sentido. Podemos dar cuenta de que las emociones en sí no se desbordan dentro del límite de la puesta en escena, sino que están contenidas haciendo que el espectador participe activamente al leer entre líneas y silencios.

Es de llamativa atención la minimalista puesta en escena compuesto únicamente por una habitación limitada, blanca y con alguna que otra mesa y silla. Éste diseño amplifica las emociones dejando que el foco principal recaiga sobre los personajes y sus interacciones. Resalta, de alguna manera, como una metáfora del vacío existencial y la confusión emocional que rodean a los personajes. La iluminación también juega un papel crucial, con una predominación de tonos blancos y fríos que acompañan el tinte introspectivo de la obra constantemente.

“La habitación blanca” es una obra íntima que dialoga (in)directamente con nosotros mediante el humor y el drama. Nos enfrenta y obliga a reflexionar sobre esos niños/as que alguna vez fuimos. La pieza teatral pone en valor el rol fundamental del docente, del ámbito escolar y de las relaciones entre compañerxs de escuela. Refleja los primeros años de nuestra infancia y en cómo eso influye en la naturaleza de las personas que somos hoy en día.

Tuvimos el gusto de asistir en Ítaca Complejo teatral a la obra “Guacho” escrita por Sandra Franzen y dirigida por Cintia Miraglia, actúa Martín Urbaneja. Es una obra gauchesca en forma de unipersonal que relata la cruda historia de un hombre marginal de campo que vive un penoso destierro en el monte y que ha encontrado, oculto con paja para que no se lo coman los perros salvajes, un bebé abandonado.

De rancho; de peón y patrón; de “La Girasol” vaca flaca; de mal tiempo y malos presagios y de dolor e injusticia están compuestas sus escenas. Una botella de bebida blanca que de a ratos este rudo hombre traga cuando se le nubla la mente y el espíritu de tanto sufrimiento, sin embargo surge un brillo en sus ojos y una esperanza de vida. Interpretado con maestría por Martín Urbaneja.

La escenografía por Víctor Salvatore y el vestuario por La Maine están muy bien realizados y denotan trabajo y esfuerzo! Las luces a cargo de Mateo García y Cintia Miraglia lograron sombríos efectos con una buena gama de claros y oscuros que la obra necesitó en su desarrollo.

La música con guitarras, bombos y la voz de María Colloca es original de Gonzalez Dominguez. Su interpretación es cálida y musical, ¡destaca también que está muy bien grabada!

La obra “Guacho” con contemporaneidad hace gran honor al teatro nacional argentino, una obra con compromiso social y artístico. Se disfrutó y se recomienda! Las funciones son Jueves 20hs en Ítaca complejo teatral, dirección Humahuaca 4027, CABA.




Matías Vanacor para la Butaca Web