El pasado miércoles, el Teatro Regina se convirtió en el escenario del estreno de «Libre Cautiverio», un musical que desafía las convenciones y nos sumerge en una trama de misterio y supervivencia. Esta obra nos transporta a un mundo distópico, donde un grupo de personajes vive oculto en una guarida, temiendo una amenaza externa. Su vida, regida por la vigilancia y el encierro, se ve alterada por la llegada de una misteriosa mujer herida.

Esta forastera, capturada y mantenida en cautiverio, siembra la duda sobre la naturaleza de la supuesta amenaza. ¿Es real o solo una excusa para seguir escondidos mientras los recursos se agotan? Este es el dilema central que impulsa el drama de los personajes. La obra explora las miradas y los conflictos internos de una comunidad dividida: mientras unos defienden la vigilancia y el statu quo, otros, incluso algunos que no han conocido otro mundo más allá de la guarida, se atreven a cuestionar la verdad y anhelan explorar lo que hay afuera.

La puesta en escena es un punto fuerte de la producción. El diseño de la guarida es meticuloso y detallado, utilizando elementos como una torre de vigilancia, una jaula y los adornos de un viejo teatro para crear una ambientación inmersiva. El uso de todo el espacio del teatro, incluyendo los pasillos entre butacas, sumerge al público directamente en el refugio de estos personajes. Las coreografías, especialmente las que incorporan el uso de armas con luces láser, son un espectáculo visual que complementa la narrativa.

El elenco principal, compuesto por talentos como Ivanna Rossi, Guido Botto Fiora, Matías Zajic, Bianca Cuscuna, Fernanda Provenzano, Federico Dryzun y Santiago Leguizamo, brilla en sus interpretaciones. Están excelentemente acompañados por un numeroso ensamble que potencia las escenas grupales y los momentos de mayor tensión.

Si bien la trama requiere un poco de tiempo para que el espectador se adapte a su contexto, una vez que se logra, la historia se revela como una experiencia mas que  interesante. En conjunto, «Libre Cautiverio» es una propuesta original y musicalmente atractiva, que invita a la reflexión y mantiene al público cautivo de principio a fin.

Libro – Idea Original: Nicolás Manasseri

Música Original: Nahuel Tamargo



Elenco:

Ivanna Rossi es “Libertad”

Guido Botto Fiora es “Domingo”

Matias Zajic es “Pacífico”

Bianca Cuscuna es “Alma”

Fernanda Provenzano es “Brisa”

Federico Dryzun es “León”

Santiago Leguizamo es “Rojo”

Luli Zabala es “Rosa”

Gonzalo Rivarola es “Emme”



Ensamble:

Aldana Trillini

Jazmin Lorenzo

Cecilia Mariel Petrino

Alessandrina Deminicis

Agustin Lopez



Dirección musical: Facundo Cicciu

Arreglos vocales: Facundo Cicciu

Diseño de Escenografía: PHEPANDÚ

Diseño y Realización de Vestuario: La Costurera Teatro – Fernanda Provenzano

Diseño Gráfico: Marian Morelli

Diseño de Luces: Nicolás Manasseri – Fernanda Provenzano

Coreografías: Fernanda Provenzano

Asistencia General y de Dirección: Valentina Cavicchia – Nadia Zajic

Prensa y Difusión: BMZ Comunicaciones

Coordinadora de Prensa: Vero Larrea

Estreno: miércoles 17 de septiembre a las 20:00 h

en el Teatro Regina (Av. Santa Fe 1235, CABA)

Las voces y la tentación del encierro

¿Que estaban pensando los polacos antes de las invasiones alemanes?
Una  pregunta que genera horror, pero, durante ese encierro, ¿Qué hacían ante el tedio y la monotonía?

»Las casas se desmayan porque el odio ha entrado; el país está ocupado y yo tengo miedo al futuro. Esta espera tensa rebota como un eco asesino en las habitaciones; no tengo a dónde ir, no hay a dónde ir. Mientras afuera el lujurioso plomo baila sensual, adentro todos estamos abrumados, pero de golpe, una idea me perforó como una bala, como una sigilosa misión». Alejandro Radawski reflexiona para definir lo que es la Pelea de la carne.

El autor rosarino/polaco trae un drama que se adapta muy bien a la comedia oscura; el contexto histórico lo permite. Navega en las mentes de la sociedad aterrorizada ante el peligro inminente de la invasión, la monotonía del encierro y la pérdida de la cordura.

Radawski y  el harén de actrices que lo acompañan, junto a Marcos Diaz se meten en las cabezas de estos personajes trastornados por la religión, el deseo, la guerra  y la perversión. Es una pelea por la carne si, también una pelea por el control.

Valentina Cutuli, Marcos Díaz, Malena Lopez, Giselle Scarcella, Tatiana Schreiner y Mariana Turiaci protagonizan la obra. Los actores son frenéticos ante la dirección y el libreto de Radawski.  Van  a perseguir  a una cámara broadcast todo el tiempo hablándole directamente para llevar el relato a primera persona, sus soliloquios son televisados.

Mientras mueven las sillas y una tabla para adaptar el escenario austero  a su antojo, se  apoyaran de lámparas para enfocar sus expresiones de terror en la oscuridad. El vestuario es otro personaje más, permite que se rompa el género de los personajes pero además, Emilse Benítez es digna de un aplauso ante la elegancia y sotisficación de sus telas, maneja muy bien su monocromático del negro.

Cualquiera puede participar en la obra y con esto me refiero al público, este forma parte del mismo al pisar el escenario, no sientan pudor ante las tablas porque los actores, sin salirse del personaje. harán que completen la narrativa de la historia. Contará como parte del CV esta aparición de extra en la pelea de la carne.

Radawski escribe, dirige, produce, monta el escenario y el sonido de su obra. La pelea de la carne es una mezcla entre la comedia, el terror y el lenguaje meta teatral que no es fácil de mantener pero el rosarino sabe como hacerlo y ofrece un producto original.

La pelea de la carne está disponible los jueves a las 20:30 en el Teatro Beckett.

Escribió Sebastián Arismendi para La butaca web.

El pasado tres de septiembre se presentó en el Teatro Colón ‘Werther’, el clásico francés de Jules Massenet, la última gran ópera del siglo XIX.

La última vez que la casa lírica de Buenos Aires presentó esta ópera fue en 1991, anteriormente era un estreno de cada diez años. La puesta en escena de Rubén Szuchmacher nos lleva a la década de los veinte, época donde el estilo era sutil, delicado y de colores pastel.

»Pourquoi tu me reveiller?» es el aria más famosa de esta ópera, su nivel de complejidad  se asemeja a las  notas que realizó Wagner en Tristán und Isolda y el tenor francés invitado para representarla Jean-François Borras que  logró cautivar al público porteño, las lágrimas se quedaron en las cuencas de aquellos que tuvieron la dicha de escucharlo.

Werther es una ópera extensa (cuatro actos, tres horas de duración), los entreactos del show fueron tres ya que, cada uno llevaba a un clímax diferente y aunque es cierto que el dramatismo exagerado del libreto de Édouard Blau logra chocar (hablamos de que Werther sigue cantando luego de haberse provocado la muerte), es una obra que nos lleva a los inicios donde el sentimiento pesaba más que la lógica.

En 2023, el teatro Colón había estrenado Fausto, otra ópera francesa pero esta vez más temprana que la de Bassinet, una obra que dividió al público en dos.  Ambas adaptaciones de Goethe, la primera con un tono sombrío y la segunda es romántica.

En 1893  fue el estreno de Werther y la razón por la cual ha durado su presencia en el mundo, ha sido por las arias del tenor, así como Nabucco de Verdi el protagonista y el mayor apoyo era el coro, acá es el principal carácter masculino, un hombre atormentado y muerto por su obsesión.
Las obsesiones amorosas son un tema frecuente en la literatura y cine francés.

Rubén Szuchmacher nos regala una escenografía impoluta donde el espacio es clave, no es recargada ni barroca, más bien se acopla en la época en que se decidió adaptar (años veinte). El tono naranja está muy presente en la obra junto al amarillo, verde, violeta y azul. Son colores opacos pero con fuerza que complementan la falta de mobiliario y decoraciones de la obra, la iluminación de Gonzalo Cordova es la clave, una simbiosis parte del escenario.

Durante la presentación de la obra vemos el sofisticado  vestuario que acompaña el diseño de luces y la puesta en escena. Jorge Ferrari compone las telas que usarán los intérpretes y podemos ver que se acopla a la cinematografía que intenta proyectar Szuchmacher.

¿Fue Werther una ópera cinematográfica?  

Punto especial para resaltar la labor del coro infantil estable del Teatro Colón, niños que van desde los siete hasta los catorce años y que aportan dulzura a la obra. Helena Cánepa es su directora y carga con la responsabilidad de que estos niños hayan dado la apertura con su canción de navidad. Un encanto.

Werther se presentó este invierno de 2025 en el Teatro Colón y seguro volverá con más fuerza y con más drama dentro de unos años.

Escribió Sebastián Arismendi para La butaca web.

El pasado lunes, el Teatro Ítaca nos abrió sus puertas para presenciar una obra teatral fascinante y sumamente interesante: «Incógnito», dirigida por Marcelo Moncarz. Esta pieza es una exploración brillante y vertiginosa de la identidad humana y la naturaleza de la conciencia, un desafío intelectual que deleita y exige al espectador en igual medida.

«Incógnito» entrelaza tres narrativas aparentemente dispares en un tapiz complejo y no lineal. En Princeton, 1955, el doctor Thomas Stoltz Harvey realiza la autopsia de Albert Einstein y roba su cerebro para la ciencia. Paralelamente, en Bath, 1953, Henry se somete a una cirugía cerebral pionera que le cambia la vida y marca un hito en la neurociencia. Finalmente, en el Londres actual, la neuropsicóloga clínica Martha lidia con el colapso de su matrimonio, lo que la impulsa a tomar decisiones radicalmente diferentes. A medida que avanza la obra, estas historias se van conectando, revelando que el cerebro, con su habilidad para construir narrativas, es la clave para entender la ilusión del «yo» y la compleja relación entre memoria e identidad.

Lo que hace que «Incógnito» sea una experiencia teatral tan memorable es la audacia de su puesta en escena.  La escenografía, sencilla pero efectiva, presenta un dibujo de un cerebro en el suelo que sirve como mapa de este viaje temporal. La música en vivo, a cargo de Herlene Mattos, es una partitura que se fusiona perfectamente con la obra, en sintonía con cada escena. El diseño de iluminación de Ricardo Sica añade detalle y sensibilidad, realzando la atmósfera de cada momento.

Pero el corazón de la obra son sus intérpretes: Mateo Chiarino, Tom CL, Cecilia Cósero y Anna Fantoni. Cada uno asume múltiples personajes con una plasticidad exquisita, entrando y saliendo de ellos sin preámbulos. Su capacidad para transitar entre las distintas tramas, caracterizando a cada personaje con matices únicos, es lo que permite que el espectador no se pierda en este fascinante laberinto narrativo. Su trabajo es de una profundidad notable, resultado de una elaboración minuciosa de cada rol.

En sus casi dos horas de duración, «Incógnito» es un espectáculo movilizador y pensante que respeta la inteligencia del público, invitándolo a mantenerse concentrado y expectante. La recompensa es un final satisfactorio que une todas las piezas de este complejo rompecabezas. Es una obra de calidad que definitivamente vale la pena ver.

Funciones: Lunes 20:30 hs. Ítaca Complejo Teatral – Humahuaca 4027- Entrada general $17.000. Compra online: http://www.alternativateatral.com

Autoría: Nick Payne

Traducción: Nicolás Zaharya

Actuación: Mateo Chiarino, Tom CL, Cecilia Cósero, Anna Fantoni

Dirección y Puesta en escena: Marcelo Moncarz


Duración: 100 minutos

Cuatro obras madrileñas, cuatro millones de risas

Hace menos de un mes, el Teatro San Martín tuvo la oportunidad de recibir al grupo catalán »La calórica». El público porteño recibió con abrazos abiertos y con carcajadas la propuesta de la adaptación de »Las aves» de Aristófanes. Anoche, Madrid tuvo la oportunidad de presentar con 4×4, cuatro obras del grupo Ron lalá.

Ron Lalá, compañía madrileña de teatro, humor y música fundada en 1996, regresa a Buenos Aires con una retrospectiva de sus primeros cuatro espectáculos. Con música en vivo, humor crítico y poesía escénica, los “ronlaleros” presentan su inconfundible estilo. Sus productores y creadores son Ron Lalá y Emilia Yagüe. 

Juan Cañas, Miguel Magdalena, Diego Morales, Luis Retana y Daniel Rovalher son los actores en escena, los primeros cuatro, miembros originales; además de interpretar, son músicos en escena. El talento y energía es incomparable y el público se dará cuenta apenas se abra el telón.



Con poca utilería y un escenario austero, los actores se las ingenian para desarrollar la narrativa frenética e hilarante que se les propone. Los instrumentos musicales suben el nivel pero los ligeros cambios de vestuario junto al plausible diseño de luces, complementan la puesta en escena,



Cuatro obras al mejor estilo del microteatro interactivo: La primera habla sobre el poder las palabras y las personas capicúas, la segunda relata el fin del mundo, la tercera los últimos minutos de una flor recién cortada y una abeja y la última es una parodia a la España del siglo de oro.



El humor absurdo, las onomatopeyas, rompimiento de la cuarta pared, la improvisación y el clown son los elementos actorales que podemos ver en Ron lalá 4×4. Es una retrospectiva y homenaje al grupo que, a sus casi treinta años, sigue haciendo largar carcajadas a los espectadores y ahora, Buenos Aires es la ciudad que más ríe en Avenida Corrientes.



Buenos Aires tiene mucho del alma de Madrid: Noches interminables, cultura, amigos, fiesta, cenas de casi medianoche y teatro, mucho teatro; por suerte el acento madrileño no es impedimento pues, el porteño también comparte algo  de este humor tosco; lo más importante es que el público gozó cada minuto de la obra.



4×4  de Ron lalá, se presentó el 29, 30 y 31 de agosto en la maravillosa sala Casacuberta del Teatro San Martín.



Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

«La Ballena» es una conmovedora obra de teatro dirigida por Ricky Pashkus que te sumerge en la íntima y dolorosa historia de Charlie, un profesor de escritura que, tras una pérdida, se ha abandonado a sí mismo, confinado en su hogar debido a su obesidad. Esta adaptación teatral, curiosamente, retoma el formato original del texto, que iba a ser concebida para el teatro antes de convertirse en la aclamada película de Darren Aronofsky protagonizada por Brendan Fraser.

La puesta en escena destaca por las sólidas interpretaciones de su elenco. Julio Chávez da vida a Charlie con una profundidad asombrosa, no solo a través de la caracterización física lograda con prótesis, sino también con un trabajo de interpretación magistral que transmite un sufrimiento tanto espiritual como físico. El resto del reparto complementa de manera excepcional, creando una dinámica rica y emotiva. Laura Oliva encarna a la amiga y enfermera de Charlie, un pilar de apoyo que también lo confronta con la cruda realidad. Emilia Mazer, en el papel de su exmujer, evoca un profundo dolor y las secuelas de un amor perdido. Manuela Yantorno interpreta a Ellie, la hija de Charlie, transmitiendo el resentimiento y el anhelo de respuestas de una joven herida. Finalmente, Máximo Meyer completa el círculo de personajes que rodean al protagonista.

La obra se siente más cercana e intensa que la versión cinematográfica, ya que su formato teatral acentúa el drama de una manera muy particular. Toda la acción se desarrolla en la casa de Charlie, una única locación que, junto con el desarrollo de los personajes, resalta el origen teatral del texto. Estar tan cerca de los personajes te permite sentir la intensidad de la historia, cómo todo gira alrededor de Charlie y la carga de sus decisiones pasadas. La dirección de Pashkus resalta la vulnerabilidad humana, y la escenografía logra envolver al espectador, invitándolo a una profunda reflexión sobre las relaciones familiares y la búsqueda del perdón.

PASEO LA PLAZA – SALA PICASSO

FICHA TECNICA:



Autor: Samuel D. Hunter
Escenografía: Jorge Ferrari
Vestuario: La Polilla
Música: Diego Vainer
Maquillaje FX: Germán Pérez

Dirección: Ricky Pashkus

Actúan: Julio Chávez, Laura Oliva, Máximo Meyer, Carolina Kopelioff y Emilia Mazer

Producción: Rimas – Maximiliano Córdoba – Juan Pelosi – Quality Producciones

Más información
Instagram: @Laballenateatro

La versión argentina de «Gutenberg: El musical», basada en la obra de Scott Brown y Anthony King, ha llegado al Paseo La Plaza para robarse las risas del público. Protagonizada por Germán Tripel y Santiago Otero Ramos, esta comedia musical no solo es una adaptación, sino una sátira brillante sobre el propio género del teatro musical.
La puesta en escena nos presenta una historia dentro de otra. Por un lado, vemos a dos soñadores escritores y compositores que, con la esperanza de ser contratados por un productor, han alquilado una sala de teatro para hacer una «lectura» de su próximo gran musical: una épica obra sobre la vida de Johannes Gutenberg. Lo interesante es que el público se convierte en ese potencial productor, rompiendo la cuarta pared de una forma muy divertida y haciéndonos sentir parte de la historia.

Por el otro lado, tenemos la parodia del musical sobre Gutenberg. Y es aquí donde la versatilidad de Tripel y Otero Ramos realmente brilla. Ambos actores dan vida a una enorme cantidad de personajes, usando únicamente gorras para identificarlos, demostrando un talento actoral y cómico impresionante. Aunque la historia es una sátira, está tan bien construida que logra mantener el interés del espectador.
Un aspecto clave de esta adaptación es su impecable localización. El guion fue adaptado al contexto argentino, con chistes internos y referencias que el público local entiende y celebra. Pequeños detalles como el acento cordobés de un personaje o las bromas sobre la escena de los musicales en Buenos Aires hacen que la obra se sienta cercana y auténtica sin perder la esencia del material original.

A pesar de su aparente simplicidad, la puesta en escena es ingeniosa y utiliza los recursos de manera muy efectiva, incluso bromeando sobre su bajo presupuesto (como el chiste de los músicos «de canje»). Con solo dos actores en el escenario y música en vivo, «Gutenberg: El musical» logra ser una producción que, lejos de ser austera, explota su potencial al máximo.

En definitiva, esta obra es una comedia musical sumamente divertida que garantiza las risas. Es un espectáculo que, gracias a las actuaciones estelares y un guion adaptado de forma brillante, te hará sentir parte de la historia.

Funciones: Martes 20:30 horas Paseo La Plaza

Las entradas pueden adquirirse a través de Plateanet o en la boletería de la sala, Avenida Corrientes 1660.

«Relatividad» es una obra mas que curiosa  que nos sumerge en la vida personal de Albert Einstein, un genio que todos conocemos, pero nos invita a descubrir al hombre detrás de la ciencia.

La trama se desata cuando Einstein, interpretado por el talentoso Luis Machín, recibe la visita de una misteriosa periodista, encarnada por Gabriela Toscano. Lo que comienza como una simple entrevista para alimentar el ego del científico, pronto se convierte en un profundo cuestionario sobre su vida personal. A través de este intenso interrogatorio, se revelan las complejidades y los sacrificios que Einstein hizo para alcanzar la grandeza, incluyendo su tensa y conflictiva relación con sus hijos. La interacción entre ambos personajes es un debate que va más allá de lo superficial, profundizando en problemas personales que resuenan en ambos protagonistas.

El verdadero corazón de la obra reside en las actuaciones estelares. Luis Machín y Gabriela Toscano ofrecen interpretaciones magistrales, logrando que el personaje de Einstein sea reconocido como el genio que es, pero también como el «monstruo» que puede ser en su vida personal, con una mirada profundamente humana. Los diálogos entre ellos son exquisitos y mantienen al espectador completamente enganchado. La presencia de su secretaria, interpretada por Catherine Biquard, añade una capa adicional a la narrativa, mostrando a alguien que protege los logros del genio a toda costa, a pesar de recibir un trato que no merece. Biquard ofrece un respiro en el drama central, con momentos clave que nos permiten entender sus propias motivaciones y la firmeza de su postura.

La dirección de la obra es directa y eficaz, utilizando un escenario simple —una sala llena de pizarras— para ambientar el drama de los personajes. Esta simpleza escénica permite que el foco principal esté en las poderosas actuaciones y en el texto.

En resumen, «Relatividad» es una obra imperdible que no solo desentraña al genio, sino que también nos recuerda la importancia del talento actoral. Si buscas una propuesta teatral con diálogos inteligentes y actuaciones memorables, esta obra es una excelente opción.

RELATIVIDAD
Viernes y Sabado, 22:00 Hs
Domingo, 20:30 Hs
Teatro Picadero, Pje Santos Discepolo 1857, C.A.B.A.

https://www.plateanet.com/obra/31490?obra=RELATIVIDAD…

Con su estilo ácido, honesto y siempre cercano, Sebastián Wainraich protagoniza Frágil, un unipersonal en el que conviven un hincha de fútbol fanático, un anciano, una mujer sin filtros y hasta un rabino: alter egos que le permiten al actor recorrer temas cruciales como la pareja, la religión, el paso del tiempo, la paternidad y el fútbol, todo atravesado por un humor agudo y certero. En este espectáculo dirigido por Florencia D’Agostino, Wainraich reafirma su versatilidad artística.

Ficha técnica:
Actúa: Sebastián Wainraich
Dirección: Florencia D’Agostino

Acerca de Teatrix
Teatrix es la plataforma de teatro online más grande de habla hispana. Con contenidos filmados en Full HD, cuenta con un catálogo rigurosamente curado con más de 400 obras teatrales completas y 600 contenidos audiovisuales.
Fundada por Mirta Romay, hija del célebre productor teatral y televisivo Alejandro Romay.
Más información en teatrix.com

Por @soynancybenegas

Sinopsis
El Grincho vive aislado del mundo proclamando su odio hacia la navidad. Su única conexión a la sociedad y la encargada de hacerlo sentir parte de la familia de la mejor manera posible es su hermana Alina, y un antiguo compañero que ahora interpreta a Papa Noel. Juntos compartirán un 24 de diciembre que será muy distinto a cualquier otra navidad.

Reseña
La obra se basa en un cuento de Dr. Seuss adaptada a un contexto argentino. Esta propuesta teatral reinventa la historia del Grinch, ese icónico personaje que detesta la navidad y todo lo que las fiestas de finde año representan.
Se trata de una fábula disruptiva, atrevida e incómoda. Esta narración no teme desbordar los limites y juega sagaz con un humor negro por demás filoso. Su carácter de comedia absurda le calza cómoda y es difícil no ser parte de alguna de esas inquietudes que atraviesan los personajes.

Con un guion complejo que se anima a cuestionar y revelarse contra todo lo formalmente establecido, se atreve a explorar con una mitrada profunda temas como los vínculos familiares, los amigos, la navidad, la vida, la soledad y la búsqueda de encontrar un propósito en medio de tanto ruido social.
Personajes atractivos y excéntricos interpretados con frescura y entrega, en la que se destaca Florencia Mazza por el ensamble y la complicidad que genera. Con una puesta en escena original que lleva a contar una historia conocida de una manera muy diferente. Y con un mensaje esperanzador que nos invita a mirar la Navidad y la mismísima vida de una manera diferente.

Detalles
Entretiene y engancha. Mas allá de entender de que va la historia desde un principio algunos chistes, como el de los animales, se sienten como de más.
Ficha Técnica
Dirección: Clara Charrúa
Reparto: Tomas Daumas, Florencia Mazza, Andrés Terigi
Duración: 90 minutos
Funciones: Domingo a las 20 hs en el Teatro Área 623, ubicado en Pasco 623