La síntesis argumental diría se trata del encuentro obligado de dos personajes opuestos, en este caso oficinistas que quedan atrapados en un ascensor, que poco a poco se irán sincerando y descubriendo que son complementarios. Ustedes bien podrían pensar que la obra peca de falta de originalidad, y no estarían equivocados, pero nada de esto resulta molesto al momento de verla.

No es una obra mas; la dupla de autores, los uruguayos Patricia Álvarez y Sebastián Slepovich,  nos entregan un texto lleno de matices que logra emocionarnos profundamente por momentos y causarnos mucha gracia en otros. Texto portador de un humor muy sutil, con toques de humor negro y que se las ingenia siempre para escaparse del chiste fácil o a grosero.

Evidentemente Esteban Prol, director de la puesta, entendió a la perfección las características del texto y le saca gran provecho al mismo montando un espectáculo sumamente entretenido, que pese a las limitaciones de movimiento corporal que propone el texto, nos pasea por una montaña rusa de emociones que no da tiempo para aburrirse, todo lo contrario.

Cuenta con la complicidad de un dúo de buenos actores que se lucen componiendo personajes creíbles, que transmiten emociones constantemente y que al mismo tiempo saben usar con maestría las herramientas del humor.

Susana Giannone compone a una mujer empoderada, muy segura de si misma, acostumbrada a dar ordenes y a la que poco a poco iremos descubriendo como una mujer bloqueada emocionalmente que se niega a asumir su soledad.

El personaje interpretado por Juan Paya, opuesto complementario del anterior, es inseguro, dubitativo y acostumbrado a la monotonía; con pocas pretensiones y acostumbrado a la soledad. Al mismo tiempo no deja de enternecernos, resultando muy empático para el espectador.

Entre ellos se complementan, se enfrentan , se agreden y terminaran por abrir sus sentimientos; confesiones mediante se entenderán y saldrán del encierro juntos.

Escenografía mas que sencilla pero que sirve para realzar el trabajo impecable de los actores, que se lucen y nos entregan un espectáculo muy logrado y agradable; que vale la pena ver. Vayan sin dudarlo, que lo van a disfrutar.

Jueves 21 hs. Multiescena CPM; Av. Corrientes 1764, C.A.B.A.

                                                                                                            A.R.

Por María Barci

“Regresando vencedor de una batalla decisiva contra los invasores, Macbeth es interceptado por las brujas fatídicas del páramo de huesos, quienes le profetizan un provenir de gloria y poder. A partir de ese encuentro inesperado y del influjo de su esposa, se internará en un derrotero de crímenes con los que intentará precipitar los vaticinios. Pero las profecías de las sombras esconden una trampa para los que a ellas se confían».

Esta obra es una sucesión de personajes fuertes, impactantes, débiles, abusivos, traidores manipuladores y todos magistralmente interpretados por el brillante Pompeyo Audivert.Audivert le presta su cuerpo (diría “sus” cuerpos porque cada personaje parece estar hecho por un cuerpo distinto) a cada uno de sus personajes, sus voces que son todas diferentes, sus gestos y sus sentimientos.

En un poco más de una hora el genial Audivert es (porque no hace de, él ES) Hécate, cada una de las 3 brujas, Lady Macbeth, Banquo, el sirviente de Macbeth, el rey Duncan y el propio y torturado Macbeth.
El contraste de Lady Macbeth y del propio Macbeth en una escena en que ambos tienen una conversación, sólo, a proscenio con un marco de cuadro en la cara y alumbrando él mismo su cara una vez con una luz roja y otra con una luz azul (dependiendo de si es Lady Macbeth o su marido) es IMPRESIONANTE y podría seguir puntualizando cada momento porque cada uno es mágico pero quiero que no se pierdan de descubrirlo ustedes mismos y así sentir la magia que sucede cuando hay talento arriba del escenario.

Como dije, cada personaje tiene su propia voz, su propio cuerpo, su propia historia y todos surgidos de un solo y enorme actor.
La escenografía es mínima y es totalmente suficiente, diría más, que es utilería, que entra y sale de la mano del sirviente, que habla en alemán, sólo y como protestando, es increíble

El vestuario es simplemente una camisa grande color nude y no necesita más, todo su talento hace el resto. Lo acompaña en cello Claudio Peña, acentuando los momentos fuertes, importantes y violentos con su bella música (original) y con un talento exquisito.
Audivert además es el autor de esta versión para un solo actor de la tragedia del genial Shakespeare, pero también es el director. Tres en uno, y uno mejor que otro. El escenario del teatro Metropolitan es grande pero a este enorme actor no le queda grande, él sólo en escena habita el espacio con soltura, con profesionalismo y con un talento increíble.
Estuvo mucho tiempo en el Centro Cultural de la Cooperación con localidades agotadas siempre y ahora pasó al teatro Metropolitan que seguro seguirá agotando sus localidades.

No se pierdan esta master class de actuación, no se pierdan de ver a un enorme y talentoso actor, no se pierdan esta versión de un Macbeth para un sólo actor porque un solo y enorme actor es un montón de personajes a cada cual mejor.

Gracias señor Pompeyo Audivert por una noche a puro talento, la magia se produce y salí plena.

Actuación, dirección y versión para un solo actor: Pompeyo Audivert
Música y cello en vivo: Claudio Peña
Asistentes: Mónica Goizueta, Marta Davico, Verónica Costa, Iván Altschuler
Producción ejecutiva: Mónica Goizueta, Marta Davico
Vestuario: Luciana Gutman
Diseño de luces: Horacio Novelle
Escenografía: Lucía Rabey
Fotos prensa: Santiago Martinelli
Diseño/Redes: Verónica Costa, Micaela Borlasca
Foto afiche: Bernabé Rivarola

Romina Robledo


El pasado 10 d enero, presenciamos el reestreno de la comedia musical: El funeral de los objetos. Esta obra, dirigida por Nicolas Manasseri y María Fernanda Provenzano, es un disparador de estímulos constantes como las luces, la música en vivo, las coreografías y las voces de los actores que desempeñan un talento increíble tanto en lo vocal, así como en lo teatral.

Esta comedia disfrazada de musical o viceversa, analiza las relaciones entre los sujetos y los objetos, a los que les damos afecto e importancia, porque depositamos algo de nosotros mismos en ellos. La terapia de un grupo de desconocidos con historias tragicómicas se desarrolla mientras un pianista toca en vivo las diferentes piezas musicales que colaboran con la construcción de los personajes.

La obra muestra lo que un objeto puede obsesionar a una persona, como un bien material crea tantos sentimientos y condiciona el comportamiento de los personajes en su vida diaria.
Un objeto puede representar miedos y frustraciones, los cuales intentan ser superado en este funeral en donde las lagrimas son solo por las risas.

La obra fue nominada a los Hugo en el 2022, a los Estrella de Mar en el 2023 y ganadora como «mejor comedia musical» en los premios Luisa Vehil 2022.

La cuarta temporada, tendrá lugar en el Paseo La Plaza y las entradas se encuentran disponibles en la boletería del teatro Av. Corrientes 1660 y plateanet.

«EL FUNERAL DE LOS OBJETOS»

Libro – Idea Original: Nicolás Manasseri – Fernanda Provenzano

Música Original: Nicolás Manasseri – Fernanda Provenzano

Elenco: Eugenia Fernández – Fernanda Provenzano – Nicolás Manasseri – Victor Hugo Araguas – Martina Alonso – Matias Zajic – Rafael Escalante – Daniela Rubiatti

Covers: Christian Edelstein – Nicolás Hernán Quaglini – Alejandra Oteiza – Estefania Alati – Nicolle Scher

Pianista: Facundo Cicciu

Diseño de Escenografía: PHEPANDÚ

Diseño de Vestuario: La Costurera Teatro

Diseño Gráfico: Mariano Morelli

Fotografía: Fiorella Romay

Asistente General: Aldana Alessandroni

Prensa: BMZ Comunicaciones

Coordinadora de Prensa: Vero Larrea

Dirección Musical y Arreglos Musicales: Facundo Cicciu

Coreografías: Fernanda Provenzano

Dirección de actores – Puesta en escena – Dirección General: Nicolás Manasseri

PRODUCCIÓN GENERAL: PHEPANDÚ


EL FUNERAL DE LOS OBJETOS

DURACIÓN: 80 MINUTOS



Desde el 10 de enero 2024, todos los miércoles a las 20 hs.

Sala Pablo Picasso – Paseo La Plaza

Av Corrientes 1660 – CABA



Entradas en la boletería del teatro y en Plateanet

La semana pasada tuvimos el placer de asistir al estreno de la obra » Permitidos» adaptación teatral de la película que fue protagonizada por Martín Piroyanski y Lali Esposito, que sigue a una pareja que entran en conflicto al envolverse con sus «Permitidos» en una trama cómica y alocada.

En cuanto a la puesta en escena, se nota el esfuerzo por sacar el máximo provecho a los recursos teatrales. Aunque tiene una limitante al recrear los escenarios de la película y al no contar con la cantifad de actores que puede tener en cines, la obra logra transmitir la esencia de la historia y mantener el interés del espectador. Los cambios de escenografía se realizan de manera fluida y eficiente, permitiendo una transición suave entre las diferentes situaciones que se presentan.

La historia es ligera, manteniendo la trama de enredos amorosäs pero teniendo un ritmo ágil y divertido, que engancha al espectador enganchado en cada momento.

En resumen, «Permitidos» es una obra teatral entretenida que cuenta con buenas actuaciones y nos hace pasar momentos amenos. Si buscas una comedia divertida y disfrutaste de la película, esta adaptación teatral seguramente te hará pasar un buen rato.

PERMITIDOS es una historia de amor, tentación y autenticidad que promete cautivar a todos los amantes del teatro, y llegará el 5 de enero de 2024 a la sala Pablo Neruda del Paseo La Plaza y tendra funciones viernes (20:30 hs), sábados (21:30 hs) y domingos (21:00 hs) y las entradas se pueden conseguir a través de Plateanet.

Por Juan Esteban Fernandez

Disney conmemora 100 años de vida y lo hace presentando un espectáculo musical, donde repasa todas las canciones íconas de sus películas. Es un show que promete devolver el alma de niños/as a todos aquellos que tuvieron que irse del país de nunca jamás para ser adultos.

¿Será posible de hacerlo?, ¿Podrá volver a encantar a grandes y chicos?

La caja mágica, ¿Será tan mágica como dice ser?

Siendo sincero fui a ver este espectáculo no esperando mucho, ya que a Disney le conocía una que otra película y unas cuantas canciones (las más populares), no me esperaba que este show fuese lo que fue.
Durante casi una hora y media, sobre un escenario donde pasa la magia, te muestran en un show redondo, profundo y sin fallas los cien años que han marcado a generaciones. El espectáculo comienza tal cual como si estuviésemos en Disneyworld; Nos hacen subir con la imaginación a un tren que nos lleva a encontrarnos con Mara, la protagonista de este show.

Ella nos muestra con una grandeza lo que nos pasó a muchos; dejamos de creer en la magia y ese niño/a interior se esfumo o desapareció. Al encontrarse con la caja que está en el centro del escenario y que al principio se ve pequeña pero cuando Mara se acerca, la caja se expande a un tamaño gigante de donde aparece Wendy proyectada en sombra quien es quien lleva a Mara a adentrarse a esta caja, ¿Y saben lo que pasa cuando esa caja se abre?, comienza un show que se compone de 78 canciones de sus más famosas películas que se van mezclando y haciendo que el espectador vuelva a sentirse, encontrarse y disfrutar con aquel niño/a interior que sólo estaba dormido.

Sobre el escenario 19 bailarines y cantantes van repasando con emotividad y jugando con los años, vestimenta y momentos sobre la historia que van contando y si se preguntan si aparecen los íconos personajes Disney. ¡Sí! Aparecen y se mezclan y son parte de la historia, lo cual hace que todo el complemento de este espectáculo sea único.
El cierre de este viaje con todos sus componentes mostrados a la perfección va haciendo que por muchos momentos el público cante, aplauda, ría, llore y se sienta parte de todo lo que es Disney.

Es un musical totalmente recomendable y se lo dice alguien que cuando se sentó en la butaca pensó que se iba a aburrir, pero termine cantando y disfrutando a plenitud.

La obra «El Sonido» es una comedia hilarante que aborda temas de la corrupción política y la manipulación a través del uso de un curioso aparato que puede recuperar sonidos a lo largo de la historia de la humanidad. La trama gira en torno a Berta, una joven trastornada que cree oír la voz de su madre muerta en el sótano de su casa, a pesar de que sus hermanos mayores no aceptan su estado mental. A esto se suma la presencia de su ex niñera, una diputada corrupta, una leyenda del rock nacional y su coequiper.

La llegada de un personaje llamado Olaf, un sueco sin escrúpulos que trae consigo el curioso aparato, desencadena una serie de situaciones estrafalarias y divertidas que mantienen a los espectadores entre risas durante toda la obra. Los actores realizan actuaciones convincentes, destacándose el personaje de Ramiro Delgado, quien interpreta a Olaf, por su histrionismo y por como desencadena las acciones de los demás personajes.

La dirección de Javier Daulte aprovecha al máximo el escenario, utilizando recursos de efectos de sonido creados por los actores fuera de escena. La obra logra combinar una historia sólida y profunda con momentos de locura que hacen reír al público. En resumen, «El sonido» es una obra recomendable que ofrece un gran trabajo actoral, una dirección creativa y una trama que entretiene y hace reflexionar a partes iguales.

Funciones: Martes 20hs / Entradas: $3.500 general / $3.000 descuento estudiantes y jubilados. Compra por Alternativa Teatral

ESPACIO CALLEJON – Humahuaca 3759 – CABA

La obra que empezó su recorrido en el 2009, vuelve al Centro Cultural Thames todos los sábados de noviembre a las 21hs.

Cuatro monólogos encarnados por una misma actriz. Una francesa despechada confiesa, una psicóloga presenta su libro, una ex diva toma vino y recuerda, una conductora de radio FM realiza su programa. Con ellas la risa, el crimen, la pasión, el dolor, la ternura, el amor. 

La actuación de Ximena Banús (también dramaturga y directora) es para aplaudir. Ella es la francesa despechada que confiesa un crimen (en un “franceñol” que despierta la risa); es también la curiosa psicóloga que presenta su libro “El psicoanálisis y sus vericuetos”; es la ex diva que, con su sonrisa llorona, rememora su vida; es la conductora de radio FM que reproduce acapella la música que le piden los oyentes. Ximena Banús destaca por los manejos del tiempo, por los cambios corporales y vocales para pasar de un personaje a otro, por la generación de material escénico en presente a partir de lo que el público le da en ese “aquí y ahora”. Su actuación escapa de lo solemne y del “hacer reír”. Ximena Banús está y conecta, desde esa simplicidad provoca el todo. Nada de soledad en ese ritual colectivo que genera. 

El espacio vacío se llena de vida con las visitas de esas cuatro “ellas”. Entre monólogo y monólogo, en la pared se proyectan imágenes que van de lo privado a lo público y se conectan, de una u otra forma, con lo que vendrá. 

Sobre el cierre, la conductora del programa se saca la peluca: esa que canta ya no lo hace a los oyentes ficticios de la radio, sino al público. Ximena canta desde las entrañas en un presente de silencio. Resuenan los versos de Fandermole: “(…) canto, canto/ no sé más qué hacer en esta tierra incendiada/ sino cantar”. Ximena canta. Y actúa. “Desvelada y sola” es la combinación sutil y precisa entre soledad y conjunto, horror y humor, dolor y risa. “Desvelada y sola” produce encuentro, se respira ternura, estar en un presente vital y necesario.

“Desvelada y sola”- Centro Cultura Thames (Thames 1426)- Sábados 21hs

Escribió: Micaela Steinbach

La locura de ser un genio

Los tormentos de Van Gogh terminaron con su vida, una vida llena de tragedias pero siempre de arte. Se supone que el arte nutre pero para él era su condena y escape. Si viviera, el pintor holandés no sabría cómo reaccionar ante el éxito desmedido de su obra, es decir, una pintura original van Gogh puede costar decenas de millones de dólares. La vida es hipócrita e irónica pues, unas monedas de florines le pagaron»El viñedo rojo», una de las pocas pinturas que si logró vender.

La familia Berthold entiende al personaje y lo coloca en una puesta teatral desafiante: Un actor, una pantalla, muchas voces. Flor Berthold escribe y dirige este monólogo y Joaquín Berthold es el protagonista. No es casualidad que el actor tenga un parecido al Vicent, pero esto es lo de menos pues en su cuerpo está el personaje histórico y su locura.

Se dice que para ser genio hay que estar loco pero, ¿Cuál es el precio que debemos pagar?
Flor Berthold realiza este monólogo que transita la vida de Van Gogh; para ello más que elegir datos o anécdotas, nos mete en su psiquis y sus tormentos, creando empatía y dolor en el espectador.

La puesta en escena de manos de Queli Bethold es simple pero tiene dos puntos a favor: el uso de la utilería y el diseño de video que irá en proyección cuando se desarrolla el monólogo, aportando conmoción y destreza. Este trabajo visual es gracias a Guillermo Bethold, también las luces del artista,Vicent en rojo no sería nada sin el diseño de iluminación el cual destaca el púrpura, rojo y verde.

La familia Bethold nos regala un monólogo biografico diferente, dónde Van Gogh más que ser un cliché histórico, es un humano cualquiera, creíble y sincero. Vicent el loco rojo está disponible los sábados a las 20:39 en el Teatro El grito.

Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.

Por Sofía Luna Roberts

Con el correr del tiempo, se torna indispensable la enseñanza y el aprendizaje sobre la historia de nuestro país. A pocos meses de cumplir 40 años de democracia ininterrumpida, también es necesario escuchar las historias de esas personas que fueron invisibilizadxs y apartadxs durante años en los relatos tradicionales y manuales académicos. Es importante el conocimiento sobre los hechos históricos que marcaron el levantamiento de nuestra Argentina tan querida. Siguiendo esta línea, el director Francisco Civit nos presenta una obra sobre personajes femeninos poco visibilizados en la historia de las Islas Malvinas. “Voces de Malvinas” se exhibe todos los viernes a las 20.30 en El Crisol Teatro (Malabia 611, Villa Crespo).

Ni bien ingresamos a la sala, tres actrices (Rosario Albornoz, Natalia Olabe y Marta Pomponio) nos esperan y observan a que nos sentemos para poder escucharlas atentamente. El espacio se nutre de armoniosas canciones que nos van guiando durante todo el relato de la obra. Las letras y melodías nos ayudan a comprender los sucesos y sentimientos de estas protagonistas que muy pocas veces fueron escuchadas. Frente a nosotros, los espectadores, se nos presenta una escenografía muy particular y acorde a las necesidades de la historia. Un perchero repleto de vestuarios que ayudarán a las actrices a convertirse en figuras históricas. El piso se llenará de materiales importantísimos tales como: cartas, documentos, imágenes. Estos elementos reflejarán los pensamientos y emociones de una generación que necesita ser recordada para no olvidar y reivindicar nuestras luchas como sociedad dándole origen a la soberanía nacional.

Las actrices dan el cuerpo y mutan en la piel de esas madres, esposas, hijas, hermanas que no participaron de la guerra pero que igualmente fueron afectadas. La ausencia, incertidumbre, el miedo y el terror fueron algunas de las sensaciones que se mencionan y se lloran. El abordaje histórico convertido en hecho teatral está muy bien manejado, ya que logra conectar con el espectador mediante la exposición de la crudeza y lo trágico sobre lo que sucedió en aquél 1982.

Con dramaturgia de Lucía Laragione, la pieza comienza a darnos una gran clase de historia que empieza en el año 1829 hasta el presente, utilizando una gran cantidad de información mediante distintos dispositivos: testimonios, documentos históricos, imágenes y pistas auditivas. Se nos invita a reflexionar e informarnos sobre las otras voces que también son parte de la historia de las Islas. A remover el polvo y llevar a la luz todas las investigaciones que también generan un lazo afectivo e irrompible con esas islas que forman parte de nuestra identidad nacional.

El pasado lunes tuvimos la oportunidad de asistir al estreno de la obra «Ana Karenina en halloween», protagonizada por Flor Torrente y Federico Salles. Ellos interpretan a una pareja que regresan de una fiesta de halloween, estando ella vestida de Ana Karenina, surge la discusión de ciertos problemas que habían en el matrimonio, haciendo también referencia al personaje de Tolstoi llevado a una pareja de la actualidad.

Los protagonistas son una pareja que acaban de llegar de una fiesta de halloween, el se encuentra vestido de El Zorro, mientras ella se encuentra con un vestido y un velo, alegando a un antiguo personaje reconocido de una pieza literaria rusa. Los personajes se encuentran con un departamento con juguetes desperdigados por ahí, y mientras ordenan comienzan a hablar sobre lo que fue la noche de la fiesta. Al parecer no fue una buena noche porque ella terminó hablando con otro hombre durante un buen tiempo, mientras el diputado no fue más que una decoración en la noche.

Luego al enterarnos que la actriz estaba vestida de Ana Karenina, nos enteramos que era un personaje que iba a interpretar antes de que quedara embarazada y deba dejar atrás su carrera en la actuación durante un tiempo para dedicarse a la maternidad. Es ahí cuando comienza la discusión entre la pareja, sobre las cosas que quizá dieron por sentado pero en su interior tenían otros deseos para su vida.

La química entre los actores es muy buena, pero si me gustaría destacar a Flor Torrente, que con su personaje es quien le da mayor intensidad a obra. Ya que es la que tenía muchas palabras que se había guardado y en los momentos que saca a la luz todos sus sentimientos, es todo un deleite lo que nos transmite su actriz.

Ana Karenina en halloween es una buena propuesta que reluce gracias al despliegue de dos grandes actores. Nos pone un poco en referencia sobre el personaje que está en el título de la obra, aunque se trate de una reflexión actual sobre un matrimonio que busca mantener la relación pero también estar felices con su vida personal.

Ana Karenina en halloween puede verse los Lunes a las 20 Horas en el Teatro El Picadero.