Romper con el pudor como acto revolucionario

Marina Otero regresa a Argentina con fuerza y con polémica, quién no esté acostumbrado a su estilo se llevará una sorpresa al ver la cantidad de cuerpos desnudos en Fuck me, su más reciente obra perfomatica.

Más allá de abrir la mente y romper con el pudor, hay que estar preparado para la intensidad que ofrece la propuesta de Otero. Fuck me es un viaje del cuerpo hacia los cuerpos, una muestra del dolor y las limitaciones del mismo, un estudio de la anatomía del creador en su fase más narcisista.

Esta obra se ejecuta como un ensayo y repasa las anteriores presentaciones de Otero, siendo la última de esta trilogía. Un biodrama potente que repasa la niñez, la familia, el arte, el sexo y la protesta. La catarsis de la artista es contundente y se refleja en cuerpos masculinos desnudos, cada uno diferente, entre hegemonico y andrógino.

Augusto Chiappe, Diego Gómez, Juan Francisco Lopez Bubica, Fred Raposo, Matias Rebossio, Miguel Valdivieso y Cristian Vega son los interpretes de Fuck Me, la misma Marina Otero además de dirigir y ser la creadora, es la protagonista. Es un ejercicio de ella y para ella, pero nosotros somos el espectador atónito ante su show.

En una hora atravesaremos diversas emociones, la primera el pudor al ver gónadas colgar y poses subjetivas en una coreografía desafiante. Sudor, sexo y expresión son los ingredientes de Fuck me.

Lucio Bazzalo es el artista visual que comprende la idea de Otero, sin su colaboración, la obra quedaría concentrada en los bailarines desnudos. Su composición visual nos expande el testimonio para hacer de la historia más sensible y menos pudorosa.

Fuck me es un espectáculo no apto para moralistas ni conservadores; en el primer segundo se muestra como es y si no se acepta la propuesta, el espectador tiene la opción de cerrar los ojos o irse, pero si se queda, será testigo de cómo romper con el pudor puede ser un acto revolucionario.

Fuck me se presenta este martes 30 de enero en el Teatro Metropolitan Sura.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

El sábado pasado tuvimos el agrado de asistir, en la cómoda Sala Córtazar del Paseo de la Plaza, a “Mylch, descubrí quién es” escrita por Edu Blacher. Actúa junto a él Emmanuel Degracia y ambos hacen de esta comedia musical-teatral algo único. Edu Blacher como Mylch, pianista de bar, con una interpretación de muy buena calidad musical e  instrumental y buenas canciones y Emmanuel Degracia como Rodolfo, el mesero del bar, quien con títeres da vida de manera muy expresiva y con buena técnica a seis personajes más!

Los seis títeres son la dueña del bar y sus habitués de la noche que dialogan con el pianista del bar, anclado a sus historias y que pone en canciones los deseos, las problemáticas, las humanidades profundas de estos. La escenografía de tonalidades amarillo pastel y blanco, construida sobre las palabras e imágenes de margaritas y chanchos son: el piano, una mesa con sillas, una barra y el baño.

Es una obra que canta a la vida y destaca por su humor, el bien preciado humor. Nos motiva y despierta nuestra pasión por el teatro y nos anima a disfrutar e ir más seguido a propuestas como estas! Las funciones son los sábados 20:30hs en la Sala Córtazar del Paseo de la Plaza. 

Matías Vanacor para La Butaca Web

Por Maria Barci

“La obra nos cuenta la historia de cinco mujeres que son atravesadas por las décadas y por los diferentes sucesos sociales o políticos de la Argentina. Nos muestra cómo sus vidas, ideales y conceptos van mutando por decisión propia o por obligación al tener que adaptarse”

Esta obra es para pensar, para reir, para emocionarse, para llorar, para empatizar y para entender un montón de cosas.
Julia Calvo es la esposa de un senador de la nación, una dama patricia de la sociedad argentina. Cecilia Milone es la esposa de un general del ejército. Romina Richi es una feminista de comienzos de siglo. Andrea Politti es la esposa de un anarquista y Mica Riera es la esposa de un almacenero de la cuadra.

Actúan también Maite González como la sirvienta de la casa del senador y Rodolfo González Estévez en unos cuantos personajes.
Cinco mujeres protagonistas, todas diferentes y en un punto tan iguales, mujeres liberadas, mujeres sometidas, mujeres amadas y amantes, encuentran en cada reunión un punto de inflexión en cada una de sus vidas. Parecen tener conflictos tan alejados de las vidas de las otras y sin embargo todas buscan y desean lo mismo: “Lograr que la libertad y el amor estén por encima de las creencias y de los intereses”

Estas actrices se sacan chispas, son tan talentosas que emocionan. La obra está dividida en cinco cuadros y cada uno tiene a una de ellas con un monólogo tan interesante y tan genuino que uno no puede dejar de pensar y de emocionarse.

En poco más de una hora y media el tiempo pasa desde 1909 hasta 1985, pero ellas no envejecen, son “eternas”, “inmortales”.
Un párrafo aparte para el vestuario, magestuoso, de Calandra-Hock, cada detalle de bijou, zapatos, carteras, sombreros es impecable, dan ganas de usar todos esos atuendos.

Nunca pensé emocionarme con una obra que habla sobre la historia argentina, pero lo hice, no se pierdan esta joya del teatro argentino, no se pierdan de ver buen teatro, no se pierdan de disfrutar el talento de estas mujeres (y un actor).

TEATRO ASTRAL – AV. CORRIENTES 1639

FUNCIÓN ESTRENO: MIÉRCOLES 10 DE ENERO 20.30HS

RESTO DE LAS FUNCIONES. DE JUEVES A DOMINGO
DÍAS Y HORARIOS:

JUEVES 19:00 HS
VIERNES 20:00 HS
SÁBADOS 20:00 HS
DOMINGOS 19:00 HS


FICHA TÉCNICA
Actúan: Julia Calvo, Cecilia Milone, Romina Richi, Andrea Politti, Mica Riera, Maite González / Rodolfo González Estevez
Libro: Manuel González Gil y Daniel Botti
Dirección: Manuel González Gil
Diseño Original de Escenografía: Carlos Di Pasquo
Escenografía: Fernando Diaz
Asistente de Escenografía: Julia Seras Rodriguez
Diseño de Vestuario: Calandra-Hock
Asistente de Dirección: Manuela González Gil
Operador de Audio: Esteban Luquez Iturriaga
Asistente: Nicolas Hernández Garro
Diseño de Luces: Hernando Tejeiro
Maquinistas de Compañía: Sergio Muñoz
Jefe Técnico: Hector “Pata” Esquivel
Vestuaristas: Sara Ferreyra, Verónica Ayame, Mariana Nier
Pelucas: Fabián Sigona / Carla Pereyra
Fotos: Gaby Machado
Diseño Gráfico: Lucila Gejtman
Prensa y Comunicación: Raquel Flotta
Coordinador de Producción: Juan Cruz Millozzi
Producción Ejecutiva: Adriana Perewozki
Asistente de Producción: Rocío Gómez Wlosko
Producción General: Juan Manuel Caballé, Espectáculos Gallo, José y Ricardo Gallo

El viernes pasado tuvimos el agrado y el gusto de asistir al estreno de “La novia de mi mejor amigo” escrita por Sebastián Padilla, quien recientemente arribó a la Argentina desde su país natal Chile y nos trae esta buena comedia teatral. Actúan junto a él, Brian D’Ricco y Laura Demartino. Los tres jóvenes destacan y demuestran compromiso y pasión para con el escenario y el espectador en esta trama que, justificadamente, sorprende y se atreve.
Julio(Sebastián Padilla), Cristóbal(Brian D’Ricco) y Paloma, la novia de Cristóbal(Laura Demartino) nos entretienen, nos atrapan y nos inquietan desde lo cotidiano y rutinario de nuestros días hasta temáticas universales que hacen honor al teatro más clásico.

La escenografía, de una paleta de azules y plateados, es simple pero cuidada al detalle; hábilmente se producen y desarrollan diferentes líneas de tiempo-espacio. La musicalización es otro de los destaques, la versión de George Michael de “Roxanne” acierta grandiosamente en el ambiente y el espectador; pudimos oír también funk-soul, a Vicentico y música clásica!

En la sala 1 del teatro Multiescena de la calle Corrientes, vivimos una pequeña batería de expresión, ideas y humor. Nos divertimos y se disfrutó!
Las funciones son Viernes de Enero y Febrero a las 20hs.





Matías Vanacor para La Butaca Web

La síntesis argumental diría se trata del encuentro obligado de dos personajes opuestos, en este caso oficinistas que quedan atrapados en un ascensor, que poco a poco se irán sincerando y descubriendo que son complementarios. Ustedes bien podrían pensar que la obra peca de falta de originalidad, y no estarían equivocados, pero nada de esto resulta molesto al momento de verla.

No es una obra mas; la dupla de autores, los uruguayos Patricia Álvarez y Sebastián Slepovich,  nos entregan un texto lleno de matices que logra emocionarnos profundamente por momentos y causarnos mucha gracia en otros. Texto portador de un humor muy sutil, con toques de humor negro y que se las ingenia siempre para escaparse del chiste fácil o a grosero.

Evidentemente Esteban Prol, director de la puesta, entendió a la perfección las características del texto y le saca gran provecho al mismo montando un espectáculo sumamente entretenido, que pese a las limitaciones de movimiento corporal que propone el texto, nos pasea por una montaña rusa de emociones que no da tiempo para aburrirse, todo lo contrario.

Cuenta con la complicidad de un dúo de buenos actores que se lucen componiendo personajes creíbles, que transmiten emociones constantemente y que al mismo tiempo saben usar con maestría las herramientas del humor.

Susana Giannone compone a una mujer empoderada, muy segura de si misma, acostumbrada a dar ordenes y a la que poco a poco iremos descubriendo como una mujer bloqueada emocionalmente que se niega a asumir su soledad.

El personaje interpretado por Juan Paya, opuesto complementario del anterior, es inseguro, dubitativo y acostumbrado a la monotonía; con pocas pretensiones y acostumbrado a la soledad. Al mismo tiempo no deja de enternecernos, resultando muy empático para el espectador.

Entre ellos se complementan, se enfrentan , se agreden y terminaran por abrir sus sentimientos; confesiones mediante se entenderán y saldrán del encierro juntos.

Escenografía mas que sencilla pero que sirve para realzar el trabajo impecable de los actores, que se lucen y nos entregan un espectáculo muy logrado y agradable; que vale la pena ver. Vayan sin dudarlo, que lo van a disfrutar.

Jueves 21 hs. Multiescena CPM; Av. Corrientes 1764, C.A.B.A.

                                                                                                            A.R.

Por María Barci

“Regresando vencedor de una batalla decisiva contra los invasores, Macbeth es interceptado por las brujas fatídicas del páramo de huesos, quienes le profetizan un provenir de gloria y poder. A partir de ese encuentro inesperado y del influjo de su esposa, se internará en un derrotero de crímenes con los que intentará precipitar los vaticinios. Pero las profecías de las sombras esconden una trampa para los que a ellas se confían».

Esta obra es una sucesión de personajes fuertes, impactantes, débiles, abusivos, traidores manipuladores y todos magistralmente interpretados por el brillante Pompeyo Audivert.Audivert le presta su cuerpo (diría “sus” cuerpos porque cada personaje parece estar hecho por un cuerpo distinto) a cada uno de sus personajes, sus voces que son todas diferentes, sus gestos y sus sentimientos.

En un poco más de una hora el genial Audivert es (porque no hace de, él ES) Hécate, cada una de las 3 brujas, Lady Macbeth, Banquo, el sirviente de Macbeth, el rey Duncan y el propio y torturado Macbeth.
El contraste de Lady Macbeth y del propio Macbeth en una escena en que ambos tienen una conversación, sólo, a proscenio con un marco de cuadro en la cara y alumbrando él mismo su cara una vez con una luz roja y otra con una luz azul (dependiendo de si es Lady Macbeth o su marido) es IMPRESIONANTE y podría seguir puntualizando cada momento porque cada uno es mágico pero quiero que no se pierdan de descubrirlo ustedes mismos y así sentir la magia que sucede cuando hay talento arriba del escenario.

Como dije, cada personaje tiene su propia voz, su propio cuerpo, su propia historia y todos surgidos de un solo y enorme actor.
La escenografía es mínima y es totalmente suficiente, diría más, que es utilería, que entra y sale de la mano del sirviente, que habla en alemán, sólo y como protestando, es increíble

El vestuario es simplemente una camisa grande color nude y no necesita más, todo su talento hace el resto. Lo acompaña en cello Claudio Peña, acentuando los momentos fuertes, importantes y violentos con su bella música (original) y con un talento exquisito.
Audivert además es el autor de esta versión para un solo actor de la tragedia del genial Shakespeare, pero también es el director. Tres en uno, y uno mejor que otro. El escenario del teatro Metropolitan es grande pero a este enorme actor no le queda grande, él sólo en escena habita el espacio con soltura, con profesionalismo y con un talento increíble.
Estuvo mucho tiempo en el Centro Cultural de la Cooperación con localidades agotadas siempre y ahora pasó al teatro Metropolitan que seguro seguirá agotando sus localidades.

No se pierdan esta master class de actuación, no se pierdan de ver a un enorme y talentoso actor, no se pierdan esta versión de un Macbeth para un sólo actor porque un solo y enorme actor es un montón de personajes a cada cual mejor.

Gracias señor Pompeyo Audivert por una noche a puro talento, la magia se produce y salí plena.

Actuación, dirección y versión para un solo actor: Pompeyo Audivert
Música y cello en vivo: Claudio Peña
Asistentes: Mónica Goizueta, Marta Davico, Verónica Costa, Iván Altschuler
Producción ejecutiva: Mónica Goizueta, Marta Davico
Vestuario: Luciana Gutman
Diseño de luces: Horacio Novelle
Escenografía: Lucía Rabey
Fotos prensa: Santiago Martinelli
Diseño/Redes: Verónica Costa, Micaela Borlasca
Foto afiche: Bernabé Rivarola

Romina Robledo


El pasado 10 d enero, presenciamos el reestreno de la comedia musical: El funeral de los objetos. Esta obra, dirigida por Nicolas Manasseri y María Fernanda Provenzano, es un disparador de estímulos constantes como las luces, la música en vivo, las coreografías y las voces de los actores que desempeñan un talento increíble tanto en lo vocal, así como en lo teatral.

Esta comedia disfrazada de musical o viceversa, analiza las relaciones entre los sujetos y los objetos, a los que les damos afecto e importancia, porque depositamos algo de nosotros mismos en ellos. La terapia de un grupo de desconocidos con historias tragicómicas se desarrolla mientras un pianista toca en vivo las diferentes piezas musicales que colaboran con la construcción de los personajes.

La obra muestra lo que un objeto puede obsesionar a una persona, como un bien material crea tantos sentimientos y condiciona el comportamiento de los personajes en su vida diaria.
Un objeto puede representar miedos y frustraciones, los cuales intentan ser superado en este funeral en donde las lagrimas son solo por las risas.

La obra fue nominada a los Hugo en el 2022, a los Estrella de Mar en el 2023 y ganadora como «mejor comedia musical» en los premios Luisa Vehil 2022.

La cuarta temporada, tendrá lugar en el Paseo La Plaza y las entradas se encuentran disponibles en la boletería del teatro Av. Corrientes 1660 y plateanet.

«EL FUNERAL DE LOS OBJETOS»

Libro – Idea Original: Nicolás Manasseri – Fernanda Provenzano

Música Original: Nicolás Manasseri – Fernanda Provenzano

Elenco: Eugenia Fernández – Fernanda Provenzano – Nicolás Manasseri – Victor Hugo Araguas – Martina Alonso – Matias Zajic – Rafael Escalante – Daniela Rubiatti

Covers: Christian Edelstein – Nicolás Hernán Quaglini – Alejandra Oteiza – Estefania Alati – Nicolle Scher

Pianista: Facundo Cicciu

Diseño de Escenografía: PHEPANDÚ

Diseño de Vestuario: La Costurera Teatro

Diseño Gráfico: Mariano Morelli

Fotografía: Fiorella Romay

Asistente General: Aldana Alessandroni

Prensa: BMZ Comunicaciones

Coordinadora de Prensa: Vero Larrea

Dirección Musical y Arreglos Musicales: Facundo Cicciu

Coreografías: Fernanda Provenzano

Dirección de actores – Puesta en escena – Dirección General: Nicolás Manasseri

PRODUCCIÓN GENERAL: PHEPANDÚ


EL FUNERAL DE LOS OBJETOS

DURACIÓN: 80 MINUTOS



Desde el 10 de enero 2024, todos los miércoles a las 20 hs.

Sala Pablo Picasso – Paseo La Plaza

Av Corrientes 1660 – CABA



Entradas en la boletería del teatro y en Plateanet

La semana pasada tuvimos el placer de asistir al estreno de la obra » Permitidos» adaptación teatral de la película que fue protagonizada por Martín Piroyanski y Lali Esposito, que sigue a una pareja que entran en conflicto al envolverse con sus «Permitidos» en una trama cómica y alocada.

En cuanto a la puesta en escena, se nota el esfuerzo por sacar el máximo provecho a los recursos teatrales. Aunque tiene una limitante al recrear los escenarios de la película y al no contar con la cantifad de actores que puede tener en cines, la obra logra transmitir la esencia de la historia y mantener el interés del espectador. Los cambios de escenografía se realizan de manera fluida y eficiente, permitiendo una transición suave entre las diferentes situaciones que se presentan.

La historia es ligera, manteniendo la trama de enredos amorosäs pero teniendo un ritmo ágil y divertido, que engancha al espectador enganchado en cada momento.

En resumen, «Permitidos» es una obra teatral entretenida que cuenta con buenas actuaciones y nos hace pasar momentos amenos. Si buscas una comedia divertida y disfrutaste de la película, esta adaptación teatral seguramente te hará pasar un buen rato.

PERMITIDOS es una historia de amor, tentación y autenticidad que promete cautivar a todos los amantes del teatro, y llegará el 5 de enero de 2024 a la sala Pablo Neruda del Paseo La Plaza y tendra funciones viernes (20:30 hs), sábados (21:30 hs) y domingos (21:00 hs) y las entradas se pueden conseguir a través de Plateanet.

Por Juan Esteban Fernandez

Disney conmemora 100 años de vida y lo hace presentando un espectáculo musical, donde repasa todas las canciones íconas de sus películas. Es un show que promete devolver el alma de niños/as a todos aquellos que tuvieron que irse del país de nunca jamás para ser adultos.

¿Será posible de hacerlo?, ¿Podrá volver a encantar a grandes y chicos?

La caja mágica, ¿Será tan mágica como dice ser?

Siendo sincero fui a ver este espectáculo no esperando mucho, ya que a Disney le conocía una que otra película y unas cuantas canciones (las más populares), no me esperaba que este show fuese lo que fue.
Durante casi una hora y media, sobre un escenario donde pasa la magia, te muestran en un show redondo, profundo y sin fallas los cien años que han marcado a generaciones. El espectáculo comienza tal cual como si estuviésemos en Disneyworld; Nos hacen subir con la imaginación a un tren que nos lleva a encontrarnos con Mara, la protagonista de este show.

Ella nos muestra con una grandeza lo que nos pasó a muchos; dejamos de creer en la magia y ese niño/a interior se esfumo o desapareció. Al encontrarse con la caja que está en el centro del escenario y que al principio se ve pequeña pero cuando Mara se acerca, la caja se expande a un tamaño gigante de donde aparece Wendy proyectada en sombra quien es quien lleva a Mara a adentrarse a esta caja, ¿Y saben lo que pasa cuando esa caja se abre?, comienza un show que se compone de 78 canciones de sus más famosas películas que se van mezclando y haciendo que el espectador vuelva a sentirse, encontrarse y disfrutar con aquel niño/a interior que sólo estaba dormido.

Sobre el escenario 19 bailarines y cantantes van repasando con emotividad y jugando con los años, vestimenta y momentos sobre la historia que van contando y si se preguntan si aparecen los íconos personajes Disney. ¡Sí! Aparecen y se mezclan y son parte de la historia, lo cual hace que todo el complemento de este espectáculo sea único.
El cierre de este viaje con todos sus componentes mostrados a la perfección va haciendo que por muchos momentos el público cante, aplauda, ría, llore y se sienta parte de todo lo que es Disney.

Es un musical totalmente recomendable y se lo dice alguien que cuando se sentó en la butaca pensó que se iba a aburrir, pero termine cantando y disfrutando a plenitud.

La obra «El Sonido» es una comedia hilarante que aborda temas de la corrupción política y la manipulación a través del uso de un curioso aparato que puede recuperar sonidos a lo largo de la historia de la humanidad. La trama gira en torno a Berta, una joven trastornada que cree oír la voz de su madre muerta en el sótano de su casa, a pesar de que sus hermanos mayores no aceptan su estado mental. A esto se suma la presencia de su ex niñera, una diputada corrupta, una leyenda del rock nacional y su coequiper.

La llegada de un personaje llamado Olaf, un sueco sin escrúpulos que trae consigo el curioso aparato, desencadena una serie de situaciones estrafalarias y divertidas que mantienen a los espectadores entre risas durante toda la obra. Los actores realizan actuaciones convincentes, destacándose el personaje de Ramiro Delgado, quien interpreta a Olaf, por su histrionismo y por como desencadena las acciones de los demás personajes.

La dirección de Javier Daulte aprovecha al máximo el escenario, utilizando recursos de efectos de sonido creados por los actores fuera de escena. La obra logra combinar una historia sólida y profunda con momentos de locura que hacen reír al público. En resumen, «El sonido» es una obra recomendable que ofrece un gran trabajo actoral, una dirección creativa y una trama que entretiene y hace reflexionar a partes iguales.

Funciones: Martes 20hs / Entradas: $3.500 general / $3.000 descuento estudiantes y jubilados. Compra por Alternativa Teatral

ESPACIO CALLEJON – Humahuaca 3759 – CABA