Los diez años de Mi hijo camina solo un poco más lento

Hace diez años, dentro del ambiente teatral under y en un horario poco convencional (de mañana), se estrenó Mi Hijo sólo camina un poco más lento, una obra que supo soportar dos crisis económicas y una pandemia, pero hoy en día prevalece como un clásico del teatro porteño.

El texto de Ivor Martinić pasó por muchos directores y recambio de parte del elenco, la esencia estuvo allí y los porteños apoyaron este proyecto en esta década. Un drama familiar que se resume en una apropiada sinopsis:
»Branko padece una enfermedad degenerativa y rechaza la lástima de su madre, aprecia el amor de su potencial novia, sortea las miradas familiares y busca una suerte de emancipación en el marco de su condición».

Con un elenco que atraviesa todas las generaciones y experiencias conformado por: Alejandro Guerscovich, Paula Fernández Mbarak, Antonio Bax, Romina Padoan, Pochi Ducasse, Luis Blanco, Clarisa Korovsky, Aldo Alessandrini, Julia Gárriz, Gonzalo San Millán y Juan Andrés Romanazzi; Mi Hijo sólo camina un poco más lento es una comedia dramática familiar cargada de emociones.

Guillermo Cacece es el encargado de dirigir esta obra original del dramaturgo croata Ivor Martinić, el cual Nikolina Zidek traduce.  Los once actores están en constante movimiento,  a su modo, rodean un gran rectángulo donde unas sillas reposan, dentro de esas sillas hay una de ruedas, esta será el protagonista o villano. De fondo suena Nao sé va de Thiago Pethit.

El movimiento será clave en la obra. Hay personas que  no se quieren mover, otros que no se paran de mover, otros que nunca descansan y luego está Branko, quien no camina, solo camina un poco más lento.

Los diálogos son acelerados, una vez que arrancan no paran hasta que solo queda el silencio que trae la culpa y angustia de tener un familiar en silla de ruedas. Madre e hijo enfrentan esta realidad, ella desde la negación y él aceptándola.

Mi Hijo sólo camina un  poco más lento es una muestra de las dinámicas familiares marcadas por la culpa, el movimiento y el recuerdo de los tiempos mejores. Una obra que en momentos es divertida pero busca generar empatía y emoción.

La obra se despide luego de diez años de funciones, por la cual se harán diez funciones en el Teatro Alvear hasta el 14 de abril. En un futuro próximo quizá la veamos venir de nuevo.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Raul Meoz

Quien rió último, al menos ríe

Si bien el término gaslighting ha sido usado frecuentemente en el marco del feminismo, su origen es poco conocido. Hacer «luz de gas», es decir, gas light, proviene del título de Patrick Hamilton, estrenada en 1938. La fábula de este texto se centra en el límite entre la verdad y la mentira, en la fina línea que separa la confianza de la ingenuidad, en definitiva, en la manipulación. La definición de gaslighting indica que se trata de un tipo de manipulación ejercida mediante el cuestionamiento continuo de las percepciones y recuerdos de una persona hasta el punto de que duda de absolutamente todo. Justo eso es lo que le ocurre a Bella, la protagonista de esta historia. Y justo este es el motivo por el que se utilizó este título para denominar esa estrategia.

La producción de este espectáculo es sobria y destaca más por los derroteros por los que no ha ido que por los que sí: perfectamente podrían haber decidido optar por una reivindicación política más acuciante; por estereotipar todavía más a los protagonistas; o incluso por reinterpretar la fábula; sin embargo, han sabido mantener una compostura que favorece mucho al mensaje. Julieta Bermúdez encarna a una Bella que se aleja de todo cliché; no es una loca paranoica que sucumba al torrente de psicosis y de los aspavientos, sino una persona manipulada en busca de respuestas para salir de la cárcel mental en la que se le ha encerrado. Por su parte, Gonzalo Álvarez se luce con un seductor Jack Manningham, tan seguro de sí mismo que es capaz de cautivar a cualquier ser viviente para su propio beneficio, como si hubiese nacido directamente para ser un terrorista emocional. Juntos hacen una dupla perfecta para esta relación desequilibrada, cimentada en la mentira, que se ve complementada por los personajes secundarios, bien diseñados (textualmente) e interpretados. Además, un acierto es presentar la obra en su totalidad, sin hacer recortes (al menos grandes), de manera que hay cabida para un buen desarrollo de personaje, que culmina con la risa ambigua de Bella: ¿es mejor estar loca y así no ver lo malo de las personas que nos rodean? ¿Llora porque ha visto la verdad o porque se ha dado cuenta de la mentira?

Ficha Técnica
Actúan: Julieta Bermúdez, Matías Antonio Durini, Gonzalo Álvarez, María Rosa Frega y Fiorella Luciana Muzzopappa
Diseño escenográfico: Micaela Sleigh
Diseño de vestuario: Victoria Chacón
Diseño de luces: Stefany Briones Leyton
Diseño gráfico: Lucila Getjman
Maquillaje: Ivana Ferreira
Fotografía: Nacho Lunadei
Redes: Carolina Tomé, Camila Lucía Ciarlo
Producción ejecutiva: Anggie Zamora Valladares
Asistente de dirección: Anggie Zamora Valladares
Dirección: Carolina Perrotta

Funciones lunes 20.30 hs a partir del 1° de abril
Localidades por http://www.alternativateatral.com y en la boletería del teatro
Sala: Hasta Trilce (Maza 177, CABA)

Encantadoramente desopilante por donde se la mire; desopilante el texto de Martín Bontempo que combina la triste historia de una humilde prostituta con un relato onírico con tintes de ciencia ficción. También desopilante la puesta en escena que con elementos técnicos simples, pero muy bien explotados, nos lleva a un viaje imaginario muy divertido y lleno de contenido a la vez.
Desopilante y descollante la actuación de Camila Peralta, que se apodera del texto y se monta en un recorrido por distintos personajes, que encarna con credibilidad, con un gran despliegue de matices vocales y corporales y que transmite con verosimilitud los distintos estados por los que atraviesa su personaje.

Las escenas se van sucediendo sin una correlación directa, alternando entre lo onírico y lo real, con verdaderas transformaciones muy bien realizadas; que poco a poco se van ordenando como piezas de un rompe cabezas, conformando un gran cuadro imposible de mejorar.

La explotación de la mujer, la divinidad, el mito, el convivir y aceptar un don y el limite entre la vida y la muerte, se plantean en el escenario con altas dosis de humor y fantasía; con un texto excelso y una enorme actuación. Teatro en estado puro,sin interferencias. Para disfrutar de principio a fin. Súper recomendable.

Caras y caretas 2037; Viernes y Sábados 20 hs. A.R.

Por Raúl Meoz

Mujer de ciencia. Mujer de fe.

La pugna entre realidad y fantasía ha sido un constante en el escenario, desde La vida es sueño de Calderón hasta Melocotón en almíbar de Miguel Mihura son incontables las obras que se han adentrado en esta dualidad.  En realidad, es normal, pues se trata de un tema que nos interpela directamente: ¿debemos vivir la vida que tenemos o la vida que queremos? En Memorias de una maga tienen clara la respuesta.

Este texto escrito por Leni González se centra en la historia (real) de Kamia, la primera maga argentina. En aproximadamente una hora el público es testigo de cómo pasa de ser una bióloga a toda una eminencia en el mundo de las ilusiones. Los dos espacios de trabajo de Kami representan la realidad y la fantasía; la ciencia y la magia. Por un lado, un laboratorio anodino, por el otro, un mundo lleno de purpurina. En esta historia la protagonista se da cuenta de que su vida no le llena como persona, así que decide dedicarse a aquello que siempre la ha movido desde el interior, ha vivir la vida como ella quiere vivirla. Abandona la ciencia para habitar en la fe (o mejor dicho, en las ilusiones).

La dramaturgia, por su parte, es rompedora con el esquema clásico, pues el conflicto principal aparece de forma muy sutil: Kamia sabe lo que quiere y no va a dejar que nada se interponga en su camino. Si bien es cierto que hay pinceladas (situación política del país en la época de Perón, un trabajo convencional que domina al ser humano, todas las normas sociales a las que las mujeres tenían que hacerle frente a mediados del siglo XX o la figura de un padre exitoso que ejerce presión a su hija), la fuerza del personaje las anula por completo. La mayor dificultad a la que se enfrente ella es la del dominio de un arte que no ha practicado anteriormente. Es un tipo de viaje que no se suele ser muy frecuente sobre el escenario, aunque se agradece verlo de vez en cuando.

Eugenia Alonso ofrece una interpretación decidida, firme y, sobre todo carismática, pues una maga ha de contar una personalidad arrolladora. A pesar de que esta historia podría perfectamente prestarse a contar con más personajes, ella no necesita a nadie para despertar el interés en el espectador e invitarnos a su espectáculo. Los trucos de magia, hilo conductor de la historia, son sencillos pero efectivos (recordemos que es una obra de teatro y no un espectáculo de magia al uso). De hecho, si no estuviesen, se echarían de menos. Además, el acompañamiento de Pablo Viotti enriquece todavía más la experiencia, ya que su música sumerge a Kamia en el mundo de lentejuelas que ella tanto ansía.

Ficha artística:

Dramaturgia: Leni González
Interpretación: Eugenia Alonso
Música en vivo: Pablo Viotti
Dirección: Cecilia Meijide
Asistencia artística: Julieta Kvasina
Diseño de escenografía y vestuario: Gabriella Gerdelics
Diseño de iluminación: Ricardo Sica
Fotografía: Juan Ferrari
Asesoramiento en magia: Pablo Kusnetzoff
Prensa: Carolina Alonso
Producción: Pablo López
Sábados 17hs en Teatro El Extranjero.

Todos los sábados a las 20 horas en La Carpintería sucede “Las Juanas, una herejía cósmica”, el viajado y reconocido unipersonal creado por la compañía santafesina Toia & Calacci.

Un eco, un viaje. Juana Manso, Juana La loca, Juana de Arco, Juana Azurduy, La Papisa Juana, Giovanna Marturano, Juana de Ibarboreau y Sor Juana Inés de la Cruz, espectros que gritan al presente. Las une la sangre, el olvido, la condena.
Poesía y declaración. Un unipersonal mutante en donde cada momento corresponde a una Juana distinta. Un texto que sacude, que es tierno y crudo a la vez.

Agustina Toia es quien es todas ellas. Para aplaudir de pie la versatilidad de la actriz que construye todas estas otredades que la habitan en este (no)espacio y (no)tiempo. Toia es, también, quien modifica, a la vista del público, la escenografía para cada una de las Juanas que la poseen. Ella baila, se golpea, maneja los objetos con delicadeza y precisión. Toia se entrega al juego de ser portadora de esas otras, da cauce a una catarata expresiva que necesita salir.

La obra es visualmente potente. Inteligentes decisiones de luces, texturas, colores, vestuario, objetos, máscaras. La escenografía es versátil y se transforma. Una obra que es pura metáfora y a la vez no.  Todo narra y apela a un mundo sensible. Lo sonoro no puede quedar afuera. La obra es un ritual.
En “Las Juanas, una herejía cósmica”, los elementos de la puesta crean ese algo secreto, efímero, único. El público sale movilizado por el qué se cuenta y el cómo. Una obra que no deja de sorprender, que retumba y grita.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Dramaturgia y actuación:Agustina Toia/ Voz en Off: Neli Ramello/ Vestuario: Rosa Arena, Kitty Di Bártolo, Laura Perales/ Escenografía: Lucas Comparetto/ Máscaras: Cristián Medrano/ Música: Sol Gabetta/ Sonido: Ernesto Figge/ Fotografía: Pane Marucco/ Arte Gráfico: Adriano DI Mauro/ Producción general: Toia&callaci/  Puesta en escena: Severo Callaci / Dirección: Severo Callaci
“Las Juanas, una herejía cósmica”- LA CARPINTERÍA (Jean Jaures 858)- Sábado – 20:00 hs – Hasta el 06/04/2024
Escribió: Micaela Steinbach

Por Ignacio Asseph

Perdidamente es una comedia de carácter dramático, que se desarrolla en el living de una lujosa casa.

La historia comienza cuando una jueza de la nación al ver que su memoria no es la misma de antes decide juntar a las 4 mujeres más importantes de su vida, su hija, su mejor amiga y abogada , su empleada doméstica y su hermana.

En el transcurso de la historia se van mostrando cuáles son los verdaderos intereses de cada una de estas mujeres, sus verdades y secretos, sus penas y sus miedos.
Una obra que te invita a pensar y reflexionar sobre lo importante de recordar, de la familia y la amistad y de lo importante de esta vida.

De excelente actuación y interpretación de estás 5 grandes actrices, sonoramente y escenicamente excelente, Perdidamente es una comedia para todo público que te hará pasar un excelente momento y te hará reflexionar.

Funciones de Miércoles a Domingos en Multiteatro Comafi , entradas en boleterias o por Plateanet.

El pasado 29 de marzo tuvimos la oportunidad de asistir al hermoso Teatro El Picadero para disfrutar del estreno de «Comienzo», una obra protagonizada por Gaston Cocchiarale y Vanesa González. Dos personas se conocen en una noche de fiesta, ellos no sabiendo nada del otro comparten una velada en el departamento donde acabó de terminar el festejo. La atracción se hace presente pero también las inseguridades, secretos e intenciones ocultas que forman parte de esta interesante propuesta.

La obra inicia en un departamento, donde se nota que hubo una celebración que ya terminó, se quedan dos personas ahí, la anfitriona del departamento y un amigo de un invitado que terminó quedándose para terminar de tomar unas cervezas y luego irse. Ellos comentan sobre la atracción que han tenido durante la fiesta, mientras ella directamente comunica sus intenciones de pasar la noche con el, el comienza a tener actos torpes debido a los nervios que trae consigo. Todo esto lleva a que los personajes comiencen a expresar cosas más profundas, como su vida sentimental, laboral y también económica. Hacia el último tramo de la obra, esta toma un giro donde se revelan otras intenciones que los personajes tenían de un inicio y que sirve también para responder el porque esta cita seguía en pie a pesar de las diferencias.

La obra resulta muy interesante gracias también a la labor que hacen los actores, más allá de los diálogos y la expresividad que estos manejan, lo que más valor se da es la química que existe entre los intérpretes, que a pesar de ser personajes que cuentan con muchas diferencias, se hace creíble la conexión que ellos tienen.

Comienzo es una obra más que interesante, con una historia que parece ser una comedia romántica en un principio, pero que luego va tomando forma para profundizar las emociones de los personajes y el porqué se encuentran ellos y no más que ellos en una noche donde la conexión es el comienzo de todo.

La obra tendrá funciones todos los sábados a partir de las 22 horas y los domingos desde las 18, con entradas que se podrán adquirir en la boletería del recinto ubicado sobre el Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857 o bien por el sistema PlateaNet.

Mi hermano, mi compañero, mi amigo

Los hermanos son los compañeros de la vida, un vínculo de sangre que jamás se rompe… A veces son nuestros rivales y las personas más opuestas a nosotros mismos. Tener seis hermanos significa preferencia por algunos y distancia con otros, por suerte solo tuve una hermana la cual quiero mucho pero no logro entenderla. Brotherhood describe todo este caos familiar pero en el fondo, el amor se esconde.

»Brotherhood es un momento en la vida de siete hermanos, el momento en que los padres comienzan su etapa de deterioro. Los siete enfrentarán la pérdida desde la vivencia que cada uno tuvo como hijo, desde los lugares que ocupan, sus propios miedos, egos, inseguridades, y vivencias». Es la sinopsis de la obra original de Anahí Ribero la cual se presenta en el Teatro Beckett.

Con un elenco de siete hermanos o más bien actores, conformado por Agustin Corsi, María Forni, Julia Funari, Bárbara Majnemer, Ingrid Mosches, Mariano Sacco, Alfredo Sánchez. Cada uno diferente entre sí, en edad, morfología y trasfondo pero con un mismo problema: ¿Quién se hará cargo de cuidar a los padres?

En Brothethood se juegan los recuerdos de la infancia y las vivencias del hoy. Siete adultos emparentados pero distantes, muchas excusas y peleas, secretos que salen a la luz y muy en el fondo, el difícil amor de hermanos. Ribero sabe como capturar el clima familiar que consiste en tener padres de tercera edad  en un ambiente de disputas de mesa. Cada actor estará sentado de frente en una silla e irá soltando todo lo que sienten y sin mirar al otro, los pensamientos se hacen altavoz.


Demián Ledesma Becerra es el encargado de la puesta en escena. Esta se basa en una animación que irá detrás de una pared en blanco donde están sentados los actores. El diseño gráfico irá acompañado con emoticones, chats de WhatsApp y efectos para cada personaje. Esta apuesta es ingeniosa y divertida, ayuda a darle más dinamismo  a la obra.

Brotherhood es una comedia dramática que nos hará reflexionar sobre el vínculo que tenemos con nuestros hermanos, los recuerdos que traemos desde la infancia y las risas que se vuelven cómplices en momentos difíciles. Una obra cargada de energía, humor, lágrimas  y mucha hermandad.

Disponible los jueves a las 21 horas en el Teatro Beckett.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

“Antígona en el baño”: una comedia que despierta la risa de los Dioses.

La trama de la obra se desarrolla íntegramente en un baño – cabe destacar una escenografía perfecta – donde Ignacia, una famosa diva de la televisión sufre una crisis de nervios antes de su regreso al teatro después de años de hacer solo televisión. Y nada menos que con el papel de Antígona. A pesar de considerar su presentación teatral como un evento de gran importancia para toda Latinoamérica, la protagonista se encuentra completamente desorientada y confunde los nombres de los personajes de la obra en un divertido trabalenguas que despierta carcajadas entre el público.

En este espacio íntimo y privado como es el baño, solo su asistente y un terapeuta excéntrico tienen acceso, intentando calmarla mientras la tragedia griega irrumpe en sus vidas.El acierto de la obra radica en cómo el contexto de la tragedia griega se entrelaza con la vida de una estrella de otros tiempos, cuya búsqueda de legitimidad artística se ve contrastada con la frivolidad de la fama y la exposición mediática.

El primer acto transcurre entre la protagonista (Verónica Llinás) y su asistente (Esteban Lamothe) que intenta calmarla con métodos poco convencionales. Y el ritmo de la obra se intensifica con la llegada del terapeuta (Héctor Díaz) un coach ontológico quien ofrece extraños métodos para calmar los nervios de la actriz, añadiendo un elemento de surrealismo a la trama.
Los tres brillan cada uno en su papel, generando momentos de humor catártico gracias a sus interpretaciones. Risas aseguradas por casi 75 minutos!!

TEATRO ASTRAL: Av. Corrientes 1639, Buenos Aires, CABA
PROTAGONISTAS:
• Verónica Llinás
• Esteban Lamothe
• Héctor Díaz
FICHA TÉCNICA:
• LIBRO: Facundo Zilberberg – Verónica Llinás
• DIRECCION: Laura Paredes – Verónica Llinás
• ESCENOGRAFÍA: Julieta Ascar
• VESTUARIO: Sofía Di Nunzio
• ILUMINACIÓN: Eli Sirlin
• PRENSA: Raquel Flotta
• COMUNICACION: Raquel Flotta
• PRODUCCIÓN GENERAL: Juan Manuel Caballé – Ricardo y José Luis Gallo

ANDREA PARISE CALAMERA

Por María Barci

“Un día de mayo de 1975, el famoso cazador de nazis Simón Wiesental recibió una inesperada visita en su oficina del Centro de Documentación de Viena. Su visitante era nada menos que Albert Speer, el ex arquitecto y ministro de Armamentos de Hitler.
¿Cuál era el motivo de este encuentro? ¿De qué hablaron? Qué se dijeron? ¿Qué diálogo era posible entre un victimario y una víctima del Holocausto?

Esta hermosa obra es protagonizada por dos grandes actores, Jean-Pierre Noher (como el cazador) y Ernesto Claudio (como el buen nazi)

Es una obra emocionante, dolorosa, que te deja pensando en la impunidad de los psicópatas para asumir sus culpas y en la fortaleza de los sobrevivientes.

Dos grandes actores que se sacan chispas, ellos solos, en casi una hora y media de función, en un contrapunto realmente interesante y muy ejemplificador.

El encuentro sucede en las oficinas de Simon Wiesental (el cazador) adonde llega una tarde Albert Speer, después de haber estado en prisión por haber pertenecido al régimen de Hitler.

Hay una carta con una confesión que sale a la luz en ese momento y de la que Speer no se hizo cargo en su juicio y que cambió radicalmente su condena, pero no quiero adelantar nada más, porque tienen que verla. Van a ver a dos actores muy creíbles en sus personajes, con una historia excelentemente contada y con una gran dirección de Daniel Marcove.

Muy emocionantes las palabras finales de Jean-Pierre Noher  cuando cuenta que esta historia le toca realmente muy de cerca al actor y ya no al personaje, algo que tampoco quiero adelantar pero que les aseguro  que es tan emocionante como todo lo que pasa arriba del escenario.

Están en su tercera temporada, esta vez en el Teatro Metropolitan (antes estuvieron entre otros lugares en El Tinglado)

No se la pierdan, vean buen teatro, vean a gente talentosa que honra el escenario

ACTUAN: Jean-Pierre Noher y Ernesto Claudio

AUTORIA: Mario Diament

DISEÑO ESCENOGRAFÍA: Héctor Calmet

DISEÑO GRAFICO: Nahuel Lamoglia

DISEÑO ILUMINACIÓN: Miguel Morales

DISEÑO VESTUARIO: Daniela Taiana

PRENSA: Marcos Mutuverría

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Mauro J. Pérez – Alberto Teper

FOTOGRAFÍA: Gianni Mestichelli

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Christian De Miguel

MUSICALIZACION: Jean Pierre Noher

DIRECCION: Daniel Marcove

REALIZACIÓN DE VESTUARIO: Volodymyr Hlavadskyy

REALIZACIÓN DE ESCENOGRAFÍA: Paula Molina

VOZ EN OFF: Gabriela Licht

Teatro Metropolitan

Av. Corrientes 1343

Funciones: domingos 17 hs