La semana pasada tuvimos el placer de asistir al estreno de la obra » Permitidos» adaptación teatral de la película que fue protagonizada por Martín Piroyanski y Lali Esposito, que sigue a una pareja que entran en conflicto al envolverse con sus «Permitidos» en una trama cómica y alocada.

En cuanto a la puesta en escena, se nota el esfuerzo por sacar el máximo provecho a los recursos teatrales. Aunque tiene una limitante al recrear los escenarios de la película y al no contar con la cantifad de actores que puede tener en cines, la obra logra transmitir la esencia de la historia y mantener el interés del espectador. Los cambios de escenografía se realizan de manera fluida y eficiente, permitiendo una transición suave entre las diferentes situaciones que se presentan.

La historia es ligera, manteniendo la trama de enredos amorosäs pero teniendo un ritmo ágil y divertido, que engancha al espectador enganchado en cada momento.

En resumen, «Permitidos» es una obra teatral entretenida que cuenta con buenas actuaciones y nos hace pasar momentos amenos. Si buscas una comedia divertida y disfrutaste de la película, esta adaptación teatral seguramente te hará pasar un buen rato.

PERMITIDOS es una historia de amor, tentación y autenticidad que promete cautivar a todos los amantes del teatro, y llegará el 5 de enero de 2024 a la sala Pablo Neruda del Paseo La Plaza y tendra funciones viernes (20:30 hs), sábados (21:30 hs) y domingos (21:00 hs) y las entradas se pueden conseguir a través de Plateanet.

Por Juan Esteban Fernandez

Disney conmemora 100 años de vida y lo hace presentando un espectáculo musical, donde repasa todas las canciones íconas de sus películas. Es un show que promete devolver el alma de niños/as a todos aquellos que tuvieron que irse del país de nunca jamás para ser adultos.

¿Será posible de hacerlo?, ¿Podrá volver a encantar a grandes y chicos?

La caja mágica, ¿Será tan mágica como dice ser?

Siendo sincero fui a ver este espectáculo no esperando mucho, ya que a Disney le conocía una que otra película y unas cuantas canciones (las más populares), no me esperaba que este show fuese lo que fue.
Durante casi una hora y media, sobre un escenario donde pasa la magia, te muestran en un show redondo, profundo y sin fallas los cien años que han marcado a generaciones. El espectáculo comienza tal cual como si estuviésemos en Disneyworld; Nos hacen subir con la imaginación a un tren que nos lleva a encontrarnos con Mara, la protagonista de este show.

Ella nos muestra con una grandeza lo que nos pasó a muchos; dejamos de creer en la magia y ese niño/a interior se esfumo o desapareció. Al encontrarse con la caja que está en el centro del escenario y que al principio se ve pequeña pero cuando Mara se acerca, la caja se expande a un tamaño gigante de donde aparece Wendy proyectada en sombra quien es quien lleva a Mara a adentrarse a esta caja, ¿Y saben lo que pasa cuando esa caja se abre?, comienza un show que se compone de 78 canciones de sus más famosas películas que se van mezclando y haciendo que el espectador vuelva a sentirse, encontrarse y disfrutar con aquel niño/a interior que sólo estaba dormido.

Sobre el escenario 19 bailarines y cantantes van repasando con emotividad y jugando con los años, vestimenta y momentos sobre la historia que van contando y si se preguntan si aparecen los íconos personajes Disney. ¡Sí! Aparecen y se mezclan y son parte de la historia, lo cual hace que todo el complemento de este espectáculo sea único.
El cierre de este viaje con todos sus componentes mostrados a la perfección va haciendo que por muchos momentos el público cante, aplauda, ría, llore y se sienta parte de todo lo que es Disney.

Es un musical totalmente recomendable y se lo dice alguien que cuando se sentó en la butaca pensó que se iba a aburrir, pero termine cantando y disfrutando a plenitud.

La obra «El Sonido» es una comedia hilarante que aborda temas de la corrupción política y la manipulación a través del uso de un curioso aparato que puede recuperar sonidos a lo largo de la historia de la humanidad. La trama gira en torno a Berta, una joven trastornada que cree oír la voz de su madre muerta en el sótano de su casa, a pesar de que sus hermanos mayores no aceptan su estado mental. A esto se suma la presencia de su ex niñera, una diputada corrupta, una leyenda del rock nacional y su coequiper.

La llegada de un personaje llamado Olaf, un sueco sin escrúpulos que trae consigo el curioso aparato, desencadena una serie de situaciones estrafalarias y divertidas que mantienen a los espectadores entre risas durante toda la obra. Los actores realizan actuaciones convincentes, destacándose el personaje de Ramiro Delgado, quien interpreta a Olaf, por su histrionismo y por como desencadena las acciones de los demás personajes.

La dirección de Javier Daulte aprovecha al máximo el escenario, utilizando recursos de efectos de sonido creados por los actores fuera de escena. La obra logra combinar una historia sólida y profunda con momentos de locura que hacen reír al público. En resumen, «El sonido» es una obra recomendable que ofrece un gran trabajo actoral, una dirección creativa y una trama que entretiene y hace reflexionar a partes iguales.

Funciones: Martes 20hs / Entradas: $3.500 general / $3.000 descuento estudiantes y jubilados. Compra por Alternativa Teatral

ESPACIO CALLEJON – Humahuaca 3759 – CABA

La obra que empezó su recorrido en el 2009, vuelve al Centro Cultural Thames todos los sábados de noviembre a las 21hs.

Cuatro monólogos encarnados por una misma actriz. Una francesa despechada confiesa, una psicóloga presenta su libro, una ex diva toma vino y recuerda, una conductora de radio FM realiza su programa. Con ellas la risa, el crimen, la pasión, el dolor, la ternura, el amor. 

La actuación de Ximena Banús (también dramaturga y directora) es para aplaudir. Ella es la francesa despechada que confiesa un crimen (en un “franceñol” que despierta la risa); es también la curiosa psicóloga que presenta su libro “El psicoanálisis y sus vericuetos”; es la ex diva que, con su sonrisa llorona, rememora su vida; es la conductora de radio FM que reproduce acapella la música que le piden los oyentes. Ximena Banús destaca por los manejos del tiempo, por los cambios corporales y vocales para pasar de un personaje a otro, por la generación de material escénico en presente a partir de lo que el público le da en ese “aquí y ahora”. Su actuación escapa de lo solemne y del “hacer reír”. Ximena Banús está y conecta, desde esa simplicidad provoca el todo. Nada de soledad en ese ritual colectivo que genera. 

El espacio vacío se llena de vida con las visitas de esas cuatro “ellas”. Entre monólogo y monólogo, en la pared se proyectan imágenes que van de lo privado a lo público y se conectan, de una u otra forma, con lo que vendrá. 

Sobre el cierre, la conductora del programa se saca la peluca: esa que canta ya no lo hace a los oyentes ficticios de la radio, sino al público. Ximena canta desde las entrañas en un presente de silencio. Resuenan los versos de Fandermole: “(…) canto, canto/ no sé más qué hacer en esta tierra incendiada/ sino cantar”. Ximena canta. Y actúa. “Desvelada y sola” es la combinación sutil y precisa entre soledad y conjunto, horror y humor, dolor y risa. “Desvelada y sola” produce encuentro, se respira ternura, estar en un presente vital y necesario.

“Desvelada y sola”- Centro Cultura Thames (Thames 1426)- Sábados 21hs

Escribió: Micaela Steinbach

La locura de ser un genio

Los tormentos de Van Gogh terminaron con su vida, una vida llena de tragedias pero siempre de arte. Se supone que el arte nutre pero para él era su condena y escape. Si viviera, el pintor holandés no sabría cómo reaccionar ante el éxito desmedido de su obra, es decir, una pintura original van Gogh puede costar decenas de millones de dólares. La vida es hipócrita e irónica pues, unas monedas de florines le pagaron»El viñedo rojo», una de las pocas pinturas que si logró vender.

La familia Berthold entiende al personaje y lo coloca en una puesta teatral desafiante: Un actor, una pantalla, muchas voces. Flor Berthold escribe y dirige este monólogo y Joaquín Berthold es el protagonista. No es casualidad que el actor tenga un parecido al Vicent, pero esto es lo de menos pues en su cuerpo está el personaje histórico y su locura.

Se dice que para ser genio hay que estar loco pero, ¿Cuál es el precio que debemos pagar?
Flor Berthold realiza este monólogo que transita la vida de Van Gogh; para ello más que elegir datos o anécdotas, nos mete en su psiquis y sus tormentos, creando empatía y dolor en el espectador.

La puesta en escena de manos de Queli Bethold es simple pero tiene dos puntos a favor: el uso de la utilería y el diseño de video que irá en proyección cuando se desarrolla el monólogo, aportando conmoción y destreza. Este trabajo visual es gracias a Guillermo Bethold, también las luces del artista,Vicent en rojo no sería nada sin el diseño de iluminación el cual destaca el púrpura, rojo y verde.

La familia Bethold nos regala un monólogo biografico diferente, dónde Van Gogh más que ser un cliché histórico, es un humano cualquiera, creíble y sincero. Vicent el loco rojo está disponible los sábados a las 20:39 en el Teatro El grito.

Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.

Por Sofía Luna Roberts

Con el correr del tiempo, se torna indispensable la enseñanza y el aprendizaje sobre la historia de nuestro país. A pocos meses de cumplir 40 años de democracia ininterrumpida, también es necesario escuchar las historias de esas personas que fueron invisibilizadxs y apartadxs durante años en los relatos tradicionales y manuales académicos. Es importante el conocimiento sobre los hechos históricos que marcaron el levantamiento de nuestra Argentina tan querida. Siguiendo esta línea, el director Francisco Civit nos presenta una obra sobre personajes femeninos poco visibilizados en la historia de las Islas Malvinas. “Voces de Malvinas” se exhibe todos los viernes a las 20.30 en El Crisol Teatro (Malabia 611, Villa Crespo).

Ni bien ingresamos a la sala, tres actrices (Rosario Albornoz, Natalia Olabe y Marta Pomponio) nos esperan y observan a que nos sentemos para poder escucharlas atentamente. El espacio se nutre de armoniosas canciones que nos van guiando durante todo el relato de la obra. Las letras y melodías nos ayudan a comprender los sucesos y sentimientos de estas protagonistas que muy pocas veces fueron escuchadas. Frente a nosotros, los espectadores, se nos presenta una escenografía muy particular y acorde a las necesidades de la historia. Un perchero repleto de vestuarios que ayudarán a las actrices a convertirse en figuras históricas. El piso se llenará de materiales importantísimos tales como: cartas, documentos, imágenes. Estos elementos reflejarán los pensamientos y emociones de una generación que necesita ser recordada para no olvidar y reivindicar nuestras luchas como sociedad dándole origen a la soberanía nacional.

Las actrices dan el cuerpo y mutan en la piel de esas madres, esposas, hijas, hermanas que no participaron de la guerra pero que igualmente fueron afectadas. La ausencia, incertidumbre, el miedo y el terror fueron algunas de las sensaciones que se mencionan y se lloran. El abordaje histórico convertido en hecho teatral está muy bien manejado, ya que logra conectar con el espectador mediante la exposición de la crudeza y lo trágico sobre lo que sucedió en aquél 1982.

Con dramaturgia de Lucía Laragione, la pieza comienza a darnos una gran clase de historia que empieza en el año 1829 hasta el presente, utilizando una gran cantidad de información mediante distintos dispositivos: testimonios, documentos históricos, imágenes y pistas auditivas. Se nos invita a reflexionar e informarnos sobre las otras voces que también son parte de la historia de las Islas. A remover el polvo y llevar a la luz todas las investigaciones que también generan un lazo afectivo e irrompible con esas islas que forman parte de nuestra identidad nacional.

El pasado lunes tuvimos la oportunidad de asistir al estreno de la obra «Ana Karenina en halloween», protagonizada por Flor Torrente y Federico Salles. Ellos interpretan a una pareja que regresan de una fiesta de halloween, estando ella vestida de Ana Karenina, surge la discusión de ciertos problemas que habían en el matrimonio, haciendo también referencia al personaje de Tolstoi llevado a una pareja de la actualidad.

Los protagonistas son una pareja que acaban de llegar de una fiesta de halloween, el se encuentra vestido de El Zorro, mientras ella se encuentra con un vestido y un velo, alegando a un antiguo personaje reconocido de una pieza literaria rusa. Los personajes se encuentran con un departamento con juguetes desperdigados por ahí, y mientras ordenan comienzan a hablar sobre lo que fue la noche de la fiesta. Al parecer no fue una buena noche porque ella terminó hablando con otro hombre durante un buen tiempo, mientras el diputado no fue más que una decoración en la noche.

Luego al enterarnos que la actriz estaba vestida de Ana Karenina, nos enteramos que era un personaje que iba a interpretar antes de que quedara embarazada y deba dejar atrás su carrera en la actuación durante un tiempo para dedicarse a la maternidad. Es ahí cuando comienza la discusión entre la pareja, sobre las cosas que quizá dieron por sentado pero en su interior tenían otros deseos para su vida.

La química entre los actores es muy buena, pero si me gustaría destacar a Flor Torrente, que con su personaje es quien le da mayor intensidad a obra. Ya que es la que tenía muchas palabras que se había guardado y en los momentos que saca a la luz todos sus sentimientos, es todo un deleite lo que nos transmite su actriz.

Ana Karenina en halloween es una buena propuesta que reluce gracias al despliegue de dos grandes actores. Nos pone un poco en referencia sobre el personaje que está en el título de la obra, aunque se trate de una reflexión actual sobre un matrimonio que busca mantener la relación pero también estar felices con su vida personal.

Ana Karenina en halloween puede verse los Lunes a las 20 Horas en el Teatro El Picadero.

Por Sofía Luna Roberts

“Eva Duarte, una verdad que incomoda” es una obra con dramaturgia de Susana Barbato y dirección de Martín Hache que nos propone una versión original sobre la vida de Eva Duarte. La pieza comienza a cuestionarse si su figura realmente ha muerto o sigue vive como los seres que son elegidos para un destino superior; hay un gran balance entre la vida y la muerte, la salud y la enfermedad, los derechos humanos y la opresión. La obra se va a presentar todos los domingos a las 16 hs en el Beckett Teatro (Guardia Vieja 3556).

Lo que se presenta en escena son las distintas facetas del cuerpo y la vida de ella. Ya que, desde el título de la pieza, podemos presentir que nos vamos a encontrar con la vida de Eva antes de convertirse en la Evita del pueblo. Si bien, se alude a una misma persona, los nombres no significan lo mismo. Pienso que la obra nos quiere enseñar eso, que las etapas de la vida de Eva Duarte van mutando y evolucionando hasta la Santa Eva que todos conocemos. Esto se puede corroborar gracias a los simbolismos que se presentan en las diferentes versiones de la persona: de niña con su actitud ya desafiante que la va acompañar durante toda su vida, de adulta siendo una referente política que pisa fuerte en la toma de decisiones siempre en beneficio del pueblo culminando con una Eva enferma y angustiada porque su cuerpo no va al mismo ritmo que sus convicciones.

Maria Ines Alvarez, Mayra Blaiotta, Rocío Estévez, Lourdes Fargi, Alejandra Figueras, Max Flügel, Martin Hache y Kevin Agustin Lanza se ponen en la piel de los personajes de una manera auténtica, interpretando figuras importantes en la historia argentina, con una tonalidad dramática y nostálgica que embellece la pieza en sí. La delicadeza y fuerza que le dan al cuerpo de Eva traspasa el espacio escénico y llega al espectador de una manera única dándonos a entender la importancia de su figura tanto en su trayectoria como después de ella.

Es muy interesante cómo su corporalidad va mutando a la par que su vida ya que, con el tiempo, va cobrando cada vez más dolor por las propias exigencias que carga a lo largo de su vida política. Es cautivador el detalle que le dan a los pies de Eva, ya que desde la portada de la obra nos llama la atención la presencia en primer plano de esos pies que dejan atrás los zapatos cotidianos. Durante el desarrollo de la obra, la primera aparición de ella es descalza en búsqueda de aquella pequeña Eva en la que está comenzando a germinar el espíritu de la rebeldía Se puede arriesgar en interpretar que esos pies dejaron de estar calzados cuando el cuerpo de Evita se convierte en una persona santificada que deja atrás la vida civil (esos zapatos negros) para quedarse eternamente tanto en la historia argentina como en los corazones de cada ciudadano que pudo gozar de los derechos que ella tanto defendió.

El pasado martes tuvimos la posibilidad de asistir a la función de prensa de la obra Wasabi. En esta puesta, asistimos a una reunión de cumpleaños y con sushi de por medio, se nos agrega un ingrediente picante que hará que todos los personajes indaguen sobre sus intimidades.

La obra nos lleva a una cena de amigos, a un festejo de cumpleaños que resulta ser una celebración doble, ya que el cumpleañero fue fichado para jugar como futbolista en el Bayern Munich, por lo que debería mudarse a Alemania para ello. Es así como vemos un inicio en el que los protagonistas son un grupo de amigos, que si bien se conocen desde hace años y han tenido buenos momentos, parece que muchos se están escondiendo detrás de una máscara ya que no todo está tan bien como antes. Para romper el hielo, y acompañar el sushi para la cena, la anfitriona (y novia del cumpleañero) decide comenzar un juego donde todos deben dejar una pregunta en una caja para que todos la respondan o tomen un shot si se niegan a hacerlo. Esto supuestamente funciona para conocerse más, ya que las preguntas pueden ser íntimas.

A medida que se responden las preguntas, van saliendo cuestiones que ponen en discusión a los participantes. Como cuando se les consulta si tendrían sexo con otra persona que no es su pareja o simplemente saber si son felices. De este modo nos damos cuenta de lo que sucede con las tres parejas en el escenario, cada una con una forma de llevar su relación bastante diferenciada pero que todas atraviesan una problemática de la que uno tal vez pueda sentirse identificado. Mientras una pareja parece ser la más feliz, que les va bien económicamente y disfrutan su sexualidad de forma plena y libre, nos damos cuenta que no todo es como se ve desde la superficie. Otros tienen problemas puntuales , como no lograr la paternidad o ser padres que sienten que no pueden con todas sus responsabilidades y la pareja queda en segundo plano.

Tenemos que decir que si bien la obra tiene mucho para reflexionar e identificarse , se trata de una comedia pura que no tiene miedo de ir hacia lo absurdo. Es así por el cual aparece el personaje de Dan Breitman, como una especie de médium que fue contratado para contactar con espíritu en el medio de la fiesta. Si , es una comedia muy alocada y que cumple con el objetivo de sacar carcajadas con situaciones muy locas. Aunque no se olvida de que todo el conflicto que se logró en medio de la noche, se termine resolviendo de una manera seria, coherente y reflexiva.

Wasabi es una comedia que te hace reír de una manera genuina y que le agrega cierto picante a lo cotidiano de tres parejas distintas. La recomendamos como una buena opción de martes, que nos hará pasar un buen rato y también nos invita a reflexionar.

Los cuervos del Rey Lear

Shakespeare demostró el foco de interés en las relaciones familiares  en su periodo tardío. Dejando a un lado la épica de  su narrativa se fue más hacia el melodrama familiar, entrelazando las complicadas relaciones entre padres  e hijos. Esto lo demostró con La Tempestad (1611)  y el Rey Lear (1605); especialmente en la segunda donde refleja la ingratitud y desprecio de los herederos al trono, aplicando así el famoso refran »Cria cuervos y te sacaràn los ojos». 

La idea de romper con el mito de la devoción de los hijos hacia sus padres causa conmoción y controversia hoy en día, en su medida lo hizo el Rey Lear hace cuatro siglos. Christian Forteza  y Daniela Rizzo entienden la intención de Shakespeare y sin necesidad de modernizar, la condensan y presentan un unipersonal.

»Luego de que el rey anciano decide abdicar y delegar tanto su poder como sus bienes a dos de sus hijas, es traicionado por ellas. Despojado de todo, entonces, se lanza hacia un camino errante con su compañero bufón y un extraño vagabundo» Esta es la premisa del Rey Lear, Forteza la toma y la traslada todo en una sola actriz, esto requiere una responsabilidad mayor pero Daniela Rizzo supo llevar toda una obra en sus hombros.

Rizzo es toda la obra y todos los personajes. Esta labor titánica es posible gracias a su nivel actoral donde cambia su voz, expresiones faciales, lenguaje corporal, postura y energía para hacer  del Rey Lear, sus hijas y el bufón. Gracias a la iluminación de Horacio Chino Novelle, la actriz obtiene un color y tono distinto para cada rol.En una hora se presenta este texto clásico adaptado para ser un unipersonal que podría ser un monólogo, un cuento dramatizado o las distintas personalidades del senil Rey Lear. Este último aspecto se puede interpretar de esa manera, abre el espectro de los trastornados personajes shakesperianos. La locura reflejada en un hombre que absorbe todo el trauma de la guerra y la decepción familiar.

La dupla de Rizzo y Forteza es digna de todos los aplausos por hacer el estudio del personaje y llevarlo a un nivel interpretativo íntimo, minimalista y abierto a todas las interpretaciones.

Disponible los domingos a las 20 horas en el CC de la Cooperación.

Escribió Sebastián Arismendi para La  Butaca Web.