Por Sofía Luna Roberts

“Eva Duarte, una verdad que incomoda” es una obra con dramaturgia de Susana Barbato y dirección de Martín Hache que nos propone una versión original sobre la vida de Eva Duarte. La pieza comienza a cuestionarse si su figura realmente ha muerto o sigue vive como los seres que son elegidos para un destino superior; hay un gran balance entre la vida y la muerte, la salud y la enfermedad, los derechos humanos y la opresión. La obra se va a presentar todos los domingos a las 16 hs en el Beckett Teatro (Guardia Vieja 3556).

Lo que se presenta en escena son las distintas facetas del cuerpo y la vida de ella. Ya que, desde el título de la pieza, podemos presentir que nos vamos a encontrar con la vida de Eva antes de convertirse en la Evita del pueblo. Si bien, se alude a una misma persona, los nombres no significan lo mismo. Pienso que la obra nos quiere enseñar eso, que las etapas de la vida de Eva Duarte van mutando y evolucionando hasta la Santa Eva que todos conocemos. Esto se puede corroborar gracias a los simbolismos que se presentan en las diferentes versiones de la persona: de niña con su actitud ya desafiante que la va acompañar durante toda su vida, de adulta siendo una referente política que pisa fuerte en la toma de decisiones siempre en beneficio del pueblo culminando con una Eva enferma y angustiada porque su cuerpo no va al mismo ritmo que sus convicciones.

Maria Ines Alvarez, Mayra Blaiotta, Rocío Estévez, Lourdes Fargi, Alejandra Figueras, Max Flügel, Martin Hache y Kevin Agustin Lanza se ponen en la piel de los personajes de una manera auténtica, interpretando figuras importantes en la historia argentina, con una tonalidad dramática y nostálgica que embellece la pieza en sí. La delicadeza y fuerza que le dan al cuerpo de Eva traspasa el espacio escénico y llega al espectador de una manera única dándonos a entender la importancia de su figura tanto en su trayectoria como después de ella.

Es muy interesante cómo su corporalidad va mutando a la par que su vida ya que, con el tiempo, va cobrando cada vez más dolor por las propias exigencias que carga a lo largo de su vida política. Es cautivador el detalle que le dan a los pies de Eva, ya que desde la portada de la obra nos llama la atención la presencia en primer plano de esos pies que dejan atrás los zapatos cotidianos. Durante el desarrollo de la obra, la primera aparición de ella es descalza en búsqueda de aquella pequeña Eva en la que está comenzando a germinar el espíritu de la rebeldía Se puede arriesgar en interpretar que esos pies dejaron de estar calzados cuando el cuerpo de Evita se convierte en una persona santificada que deja atrás la vida civil (esos zapatos negros) para quedarse eternamente tanto en la historia argentina como en los corazones de cada ciudadano que pudo gozar de los derechos que ella tanto defendió.

El pasado martes tuvimos la posibilidad de asistir a la función de prensa de la obra Wasabi. En esta puesta, asistimos a una reunión de cumpleaños y con sushi de por medio, se nos agrega un ingrediente picante que hará que todos los personajes indaguen sobre sus intimidades.

La obra nos lleva a una cena de amigos, a un festejo de cumpleaños que resulta ser una celebración doble, ya que el cumpleañero fue fichado para jugar como futbolista en el Bayern Munich, por lo que debería mudarse a Alemania para ello. Es así como vemos un inicio en el que los protagonistas son un grupo de amigos, que si bien se conocen desde hace años y han tenido buenos momentos, parece que muchos se están escondiendo detrás de una máscara ya que no todo está tan bien como antes. Para romper el hielo, y acompañar el sushi para la cena, la anfitriona (y novia del cumpleañero) decide comenzar un juego donde todos deben dejar una pregunta en una caja para que todos la respondan o tomen un shot si se niegan a hacerlo. Esto supuestamente funciona para conocerse más, ya que las preguntas pueden ser íntimas.

A medida que se responden las preguntas, van saliendo cuestiones que ponen en discusión a los participantes. Como cuando se les consulta si tendrían sexo con otra persona que no es su pareja o simplemente saber si son felices. De este modo nos damos cuenta de lo que sucede con las tres parejas en el escenario, cada una con una forma de llevar su relación bastante diferenciada pero que todas atraviesan una problemática de la que uno tal vez pueda sentirse identificado. Mientras una pareja parece ser la más feliz, que les va bien económicamente y disfrutan su sexualidad de forma plena y libre, nos damos cuenta que no todo es como se ve desde la superficie. Otros tienen problemas puntuales , como no lograr la paternidad o ser padres que sienten que no pueden con todas sus responsabilidades y la pareja queda en segundo plano.

Tenemos que decir que si bien la obra tiene mucho para reflexionar e identificarse , se trata de una comedia pura que no tiene miedo de ir hacia lo absurdo. Es así por el cual aparece el personaje de Dan Breitman, como una especie de médium que fue contratado para contactar con espíritu en el medio de la fiesta. Si , es una comedia muy alocada y que cumple con el objetivo de sacar carcajadas con situaciones muy locas. Aunque no se olvida de que todo el conflicto que se logró en medio de la noche, se termine resolviendo de una manera seria, coherente y reflexiva.

Wasabi es una comedia que te hace reír de una manera genuina y que le agrega cierto picante a lo cotidiano de tres parejas distintas. La recomendamos como una buena opción de martes, que nos hará pasar un buen rato y también nos invita a reflexionar.

Los cuervos del Rey Lear

Shakespeare demostró el foco de interés en las relaciones familiares  en su periodo tardío. Dejando a un lado la épica de  su narrativa se fue más hacia el melodrama familiar, entrelazando las complicadas relaciones entre padres  e hijos. Esto lo demostró con La Tempestad (1611)  y el Rey Lear (1605); especialmente en la segunda donde refleja la ingratitud y desprecio de los herederos al trono, aplicando así el famoso refran »Cria cuervos y te sacaràn los ojos». 

La idea de romper con el mito de la devoción de los hijos hacia sus padres causa conmoción y controversia hoy en día, en su medida lo hizo el Rey Lear hace cuatro siglos. Christian Forteza  y Daniela Rizzo entienden la intención de Shakespeare y sin necesidad de modernizar, la condensan y presentan un unipersonal.

»Luego de que el rey anciano decide abdicar y delegar tanto su poder como sus bienes a dos de sus hijas, es traicionado por ellas. Despojado de todo, entonces, se lanza hacia un camino errante con su compañero bufón y un extraño vagabundo» Esta es la premisa del Rey Lear, Forteza la toma y la traslada todo en una sola actriz, esto requiere una responsabilidad mayor pero Daniela Rizzo supo llevar toda una obra en sus hombros.

Rizzo es toda la obra y todos los personajes. Esta labor titánica es posible gracias a su nivel actoral donde cambia su voz, expresiones faciales, lenguaje corporal, postura y energía para hacer  del Rey Lear, sus hijas y el bufón. Gracias a la iluminación de Horacio Chino Novelle, la actriz obtiene un color y tono distinto para cada rol.En una hora se presenta este texto clásico adaptado para ser un unipersonal que podría ser un monólogo, un cuento dramatizado o las distintas personalidades del senil Rey Lear. Este último aspecto se puede interpretar de esa manera, abre el espectro de los trastornados personajes shakesperianos. La locura reflejada en un hombre que absorbe todo el trauma de la guerra y la decepción familiar.

La dupla de Rizzo y Forteza es digna de todos los aplausos por hacer el estudio del personaje y llevarlo a un nivel interpretativo íntimo, minimalista y abierto a todas las interpretaciones.

Disponible los domingos a las 20 horas en el CC de la Cooperación.

Escribió Sebastián Arismendi para La  Butaca Web.

Por Florencia Gorini

Hermosa interpretación de la gran obra escrita por Ibsen Henrik, un dramaturno noruego del siglo XIX.

Nora es madre, esposa y parece cumplir con lo que se espera de ella: es el gran adorno de su casa, la alegría del hogar. Pero Nora tiene un secreto que va a enfrentarla con quién es ella y quiénes son los demás en realidad. Esta es la historia de una mujer, como tantas otras, que advierte lo injusto del mundo a su alrededor. Y una vez que esto sucede, permanecer indiferente no es una opción. Nora se parece a muchas. Existe hace muchos años. Y todavía se sigue escribiendo.

Se destaca en sí (tras el personaje de Nora, quien es la protagonísta de la historia), la fuerza y voluntad de desprenderse del circulo social donde uno no puede ser quien es y lograr así encontrar su propio ser y su propia felicidad.

Muy bien logrado en cuanto a la interpretación de la letra, los diversos matices tras el transcurso de la obra y los actores muy comprometidos con sus personajes.

La super recomiendo!.

«Casa de muñecas» puede verse los días viernes a las 22:30 horas en La Pausa Teatral (Luis Viale 625). Las reservas puede hacerse a través de Alternativa Teatral.

La montaña rusa maternal

En la actualidad se ha deconstruido la idea de la maternidad abnegada y divina. La idea de la bendición de tener un hijo, criarlo y protegerlo no es lineal y atraviesa diferentes tipos de crisis: Emocional, física, hormonal y social.
¿Ser madre es un regalo o una condena?

Marisa Villar expone la maternidad en Mamá peluda, una obra perfomatica donde las expresiones hablan más que mil palabras.

Mamá peluda consiste en dos actrices caracterizadas de igual manera, una es el complemento de la otra y ambas poseen una cabellera caótica (cómo la maternidad misma).

Lola Capua, Cecilia Capuzzuello y la misma Marisa Villar hacen el perfomance de Mamá peluda. Una muestra dónde más allá de saber expresar la angustia, el desequilibrio, el estrés y el miedo; las actrices deben bailar tap, boleros y danza interpretativa. Esta coreografía es propiedad del trío artístico, lo cuál demuestra una entrega total.

Estela Cristiani es la codirectora de la obra pero también la encargada del diseño y dirección audiovisual, esta se proyectará al fondo del escenario e irá marcando el acompañamiento de la escena, siendo retazos de dibujos animados, documentales y filmaciones artísticas que componen el guión.

Mamá peluda es un espectáculo que pone en jaque a la maternidad más que adorarla, no es un reproche ni condena sino una muestra de cómo se lleva este largo y difícil proceso para las mujeres, más allá de la endulcorada visión que la sociedad, la religión y el cine han retratado.

Mamá peluda está disponible los viernes a las 22 horas en el Espacio Callejón.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

«Como todos los días» es una encantadora adaptación de un musical del off de Broadway que transporta al espectador a la apasionante ciudad de Nueva York. A través de la historia de cuatro personajes, la obra nos invita a reflexionar sobre nuestras propias vidas y deseos, además que sacarnos más de una sonrisa.

En primer lugar, nos encontramos con una joven preocupada por su futuro, quien pierde el cuaderno con las anotaciones para su tesis. Esta situación desencadena una serie de eventos inesperados que conectan a los personajes de manera sorprendente. Por otro lado, tenemos a un asistente de un artista que se debate entre diferentes caminos a seguir en su vida, mientras trabaja para un artista encarcelado. La forma en que ambos personajes se encuentran y la manera en que se desenvuelven a lo largo de la trama es cautivadora.

La obra también nos presenta a una pareja que se encuentra en una etapa crucial de su relación: el momento de dar el paso de vivir juntos. Sin embargo, los miedos e inseguridades de cada uno generan conflictos y tensiones que deben ser superados. Esta parte de la historia es especialmente interesante, ya que nos permite reflexionar sobre nuestras propias relaciones y los temores que pueden surgir a la hora de comprometerse.

«Como todos los días» es un musical simpático que cuenta con melodías muy interesantes. La música, combinada con un componente de humor, crea una atmósfera alegre y relajada. Sin embargo, más allá de su lado divertido, la obra también invita a la reflexión sobre nuestros propios sueños y aspiraciones. En particular, el personaje que debe devolver el cuaderno a la joven desesperada por terminar su tesis destaca por su capacidad para transmitir la importancia de perseguir nuestros sueños y no dejarlos de lado.

Los cuatro actores que protagonizan la obra se desenvuelven de manera impecable en sus respectivos roles. Cada uno logra transmitir la complejidad y las emociones de sus personajes de manera convincente, lo que contribuye a crear una experiencia teatral cautivadora.

El escenario, decorado con hermosas pinturas que representan imágenes característicos de la ciudad de Nueva York, y una escalera que permite el constante ir y venir de los personajes, añade un toque visualmente atractivo a la puesta en escena.

«Como todos los días» es una obra muy bonita que combina momentos de risa con momentos de reflexión. Es perfecta para disfrutar un viernes por la noche y te hará pensar en lo que realmente quieres para tu vida. Sin duda, es una experiencia teatral que vale la pena.

Funciones: Viernes a las 22:30 horas en el Teatro Border (Godoy Cruz 1838).

Elenco: Warren: Jerónimo Dodds, @jerododds
Debb: Milagros Fabián, @milliefabiann
Jason: Facundo Godino, @facu_godino
Claire: Lucía Krüsemann, @luciakrusemann
Covers: Warren: Pedro Krause, @pedro.krause
Debb: María Morejón, @mariamorejon_
Jason: Francisco Desimoni, @fran.desimoni
Claire: Celeste Gamba, @celestegamba


Libro, Letra y Música: Adam Gwon
Adaptación: Marcos Micheloni, @fat_marcos
Dirección General: Mario Micheloni, @maritomicheloni
Dirección Musical: Facundo Cicciú, @facucicciu
Dirección vocal: Victoria Giorello, @vgiorello
Dirección de arte: Marcela Santantón, @marcelasantanton
Diseños: Justo Santillan, @justosantillan
Creación de contenidos: Pato Ariel, @patitoariel
Puesta Original: Colton Pometta (Director de la versión presentada en 2018), @coltonjamespometta
Comunicación y Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa), @0kmprensa

Fotografía: Mel Ercoli, @notyourshow.arg
Producción Ejecutiva: Lula Rizzi, @lularizzi
Producción General: Cincoemes Producciones, @cincoemes.producciones

Todos los sábados a las 21:30hs, “Cuatro (una cena)” habita la sala del Jufré Teatro Bar.

Como todos los años, una pareja va a cenar a la casa de otra pareja amiga para conmemorar a Ramiro, amigo en común. En la mesa son cuatro. La cena es el ritual, el evento que obliga el encuentro por y a pesar de todos. Los cuatro mantienen las apariencias. Todo está en ebullición. 

La dramaturgia, a cargo de Pablo Bellocchio (también director), está plagada de flashbacks que juegan con el presente de “la cena”. El historial de cada personaje y de cada pareja se reconstruye a partir de estas vueltas al pasado. La conmemoración de Ramiro se carga de tensión, los vínculos entre personajes se profundizan, las líneas internas se develan de a poco y construyen un encuentro donde lo falso es el protagonista.

Guido Guarino, Déborah Monzón, Lulai Paulini, Maximiliano Ricciardi (elenco) llevan de forma dinámica y espeluznante las máscaras de estos que se aman y no, que se odian y no. Los cuerpos van acumulando ese pasado, es notable el manejo corporal y de objetos de todo el elenco. Los textos adquieren un ritmo vertiginoso que mantiene al espectador activo: diálogos picados, réplicas largas, silencios, cualquier cosa puede ser desenmascarada y desatar la catástrofe. Lo cierto es que todos están en peligro y el elenco lleva al extremo el ambiente tenso. Si cae uno, caen todos. Los cuatro al acecho. Entre risas y lágrimas, la amenaza. 

Todos visten unos monos naranjas: todos podrían ser el otro en este mundo de apariencias y verdades ocultas. La  escenografía es austera. Con apenas algunos elementos alusivos, se construye una casa entera. La puesta sorprende al púbico por su originalidad y su sencillez.  Este espacio extraño, semi vacío, permite ese ir y venir, ese vagar entre lo que fue y lo que es (¿y será?). La música y los cambios de luz colaboran con esto último y generan las atmósferas de intimidad y recuerdo. 

“Cuatro (la cena)” propone ser un encuentro entre quienes no quieren, pero deben (¿deben?) encontrarse. El público se entera de a poco del trasfondo y ríe, llora, se sorprende. Ellos cuatro viven con sus fantasmas, sus fantasías, sus presentes, sus alegrías, sus frustraciones. Más temprano que tarde, la basura  debajo de la alfombra sale. Siempre sale. 

FICHA TÉCNICA: 

Dramaturgia, diseño de vestuario, diseño de escenografía, dirección: Pablo Bellocchio// Actúan: Guido Guarino, Déborah Monzón, Lulai Paulini, Maximiliano Ricciardi// Asistencia de dirección: Mónica Silva

CUATRO (la cena)- El Jufré Teatro Bar (Jufré 444)- Sábados 21:30hs

Escribió: Micaela Steinbach

El turco en El Colón

Luego de 23 años sin presentarse, regresa Il Turco in Italia, la operetta de Giacocchino Rossini al Teatro Colón. El resultado fue una ovación total y una puesta en escena ambiciosa y detallista.

Rossini le dio un giro jocoso a la estructurada y rígida ópera, si bien en sus operetas el uso de la comedia era frecuente, haciéndolas bufonas pero siempre dejando un espacio para el drama. Las oberturas y el uso del aria eran tan importantes como los coros, ya que los personajes brillaban sin necesidad de un equipo coral de soporte.
Estrenada en 1814 en Milàn, la historia del acaudalado comerciante otomano que arriba a costas italianas y causa sensación entre las mujeres, supuso un èxito dentro de la carrera de Rossini luego de haber presentado el aclamado El Barbero de Sevilla (1775) y La Italiana en el Ángel (1810).

Bajo la dirección musical del maestro catalan Jordi Bernacer y la puesta en escena de Pablo Maritano, »El turco en Italia» consta de dos actos de 90 minutos cada uno.

La apertura melódica y acelerada de la ópera que Bernacer dirige es acompañada con créditos animados (original de Matias Otàlora), como si se tratara de un filme de los años cuarenta. Luego se abre el telón y se muestra la ambiciosa puesta en escena de Maritano: Un escenario que gira en 360 grados y que consta de cuatro partes del hotel donde se basa la historia: La recepción, el jardín de la pileta, las habitaciones y el espacio de la cocina y administración.

El uso de madera pulida, terciopelo, vinotintos pronunciados y hasta un elevador componen la recepción. El resto es el mínimo detalle para recrear el hotel. Los cantantes y el coro se irán desplazando entre habitaciones y pasillos, haciendo esto un set donde van a interactuar.Todos estos detalles de estructura y utilería de la escena fueron gracias Gonzalo Còrdoba Estevez.

Renata Schussheim confecciona los trajes de los personajes que iràn desde los empleados del hotel, los turistas y los habituè del lugar. Cada uno està definido y poseen un estilo acorde al holllywood clàsico donde los colores amarillo. violeta, negro y rojo destacan.

El gran reparto de voces nacionales e internacionales que se reparten entre las funciones, ejecutan un perfomance digno de todos los aplausos. Los artistas saben cómo actuar con la picardía necesaria para una obra de Rossini, a su vez, sus dotes vocales son capaces de deleitar a todos y aun asi, saben como hacer reir al publico. Selim fue interpretado por Erwin Schrott y Marko Mimica. Fiorilla por Irina Lungu y Constanza Díaz Falú.

El Turco en Italia fue un regreso necesario de Rossini al Colòn, el cual significa un respiro entre las clásicas tragedias y los shows posmodernistas. Un clásico sobre el amor libre y sus enredos que no envejece.

Escribiò Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

«Antigona en el baño» es una divertida comedia teatral que cuenta con un elenco estelar compuesto por Verónica Llinás, Héctor Díaz y Esteban Lamothe. Ambientada en un baño, la obra nos sumerge en la vida de una exitosa actriz de televisión, interpretada brillantemente por Llinás, quien se encuentra ensayando el papel de Antígona para volver al teatro.

La trama gira en torno a la relación de la actriz con su joven y despreocupado manager (Lamothe) y las tensiones sexuales que se desatan entre ellos, a pesar de llevarse mal. A medida que se acerca el día del estreno, la protagonista sufre una crisis, sintiendo que no está a la altura del personaje de Antígona, lo que la lleva a considerar suspender nuevamente la función. Para resolver esta situación, deciden buscar la ayuda de un terapeuta.

«Antigona en el baño» destaca por su desenfado y situaciones disparatadas que provocan risas constantes en el público. La trama guarda ciertas similitudes con la obra clásica de Antígona y la tragedia de Edipo y Yocasta, lo que agrega una capa interesante a la historia.

El talento de Verónica Llinás brilla en esta producción, demostrando su gran habilidad para la comedia. Su interpretación es encantadora y logra conectar fácilmente con el espectador, mostrando una amplia gama de emociones a lo largo de la obra. Además, Héctor Díaz y Esteban Lamothe complementan de manera eficiente las locuras de Llinás, aportando su propio humor y buen desempeño actoral.

La puesta en escena también merece mencionarse, con un buen trabajo de luces que contribuye a la ambientación del baño, lugar donde transcurren todos los hechos. Este elemento escenográfico ayuda a sumergir al espectador en la intimidad de los personajes y a crear un ambiente propicio para el desarrollo de la comedia.

En conclusión, «Antigona en el baño» es una comedia teatral que cumple su objetivo de hacer reír y relajar al público. Con un elenco destacado, situaciones disparatadas y un toque de similitud con obras clásicas, la obra logra entretener y mantener la atención del espectador durante toda la función. Una propuesta teatral ideal para disfrutar y desconectar del día a día.

Por Florencia Gorini

Tuvimos el placer de asistir a una de las funciones de «Dora, un ingrediente especial» Se trata de una obra muy hermosa que provoca muchas risas, llantos y emociones.
Guionada y dirigida por Martín Goldber y protagonizada por Cristina Maresca.

Dora es una mujer mayor de edad que vive su vida en relación a su entorno: la casa, su cocina, su familia y cercanos lo todo para ella. Lo que más quiere es que estén bien y no preocuparlos ante alguna situación.

El guion me pareció muy dinámico y llevadero, su trama remonta a la famosa frase “cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia”.Le puede generar al espectador mucha empatía y catarsis ante las situaciones dadas trasmitiendo en sí un mix de emociones.

Los personajes no solo interactúan con el cuerpo a través de sus reacciones y gestos sino también utilizan tanto todo el espacio en sí como los recursos a su alcance. Me pareció interesante porque conyebaban movimientos a las escenas, aunque el único medio donde transcurre la obra es en la cocina de Dora.

Una obra dinámica, llevadera y entretenida que resigna en un mundo muy habitual y ocasional. La súper recomiendo <3.