La obra que empezó su recorrido en el 2009, vuelve al Centro Cultural Thames todos los sábados de noviembre a las 21hs.

Cuatro monólogos encarnados por una misma actriz. Una francesa despechada confiesa, una psicóloga presenta su libro, una ex diva toma vino y recuerda, una conductora de radio FM realiza su programa. Con ellas la risa, el crimen, la pasión, el dolor, la ternura, el amor. 

La actuación de Ximena Banús (también dramaturga y directora) es para aplaudir. Ella es la francesa despechada que confiesa un crimen (en un “franceñol” que despierta la risa); es también la curiosa psicóloga que presenta su libro “El psicoanálisis y sus vericuetos”; es la ex diva que, con su sonrisa llorona, rememora su vida; es la conductora de radio FM que reproduce acapella la música que le piden los oyentes. Ximena Banús destaca por los manejos del tiempo, por los cambios corporales y vocales para pasar de un personaje a otro, por la generación de material escénico en presente a partir de lo que el público le da en ese “aquí y ahora”. Su actuación escapa de lo solemne y del “hacer reír”. Ximena Banús está y conecta, desde esa simplicidad provoca el todo. Nada de soledad en ese ritual colectivo que genera. 

El espacio vacío se llena de vida con las visitas de esas cuatro “ellas”. Entre monólogo y monólogo, en la pared se proyectan imágenes que van de lo privado a lo público y se conectan, de una u otra forma, con lo que vendrá. 

Sobre el cierre, la conductora del programa se saca la peluca: esa que canta ya no lo hace a los oyentes ficticios de la radio, sino al público. Ximena canta desde las entrañas en un presente de silencio. Resuenan los versos de Fandermole: “(…) canto, canto/ no sé más qué hacer en esta tierra incendiada/ sino cantar”. Ximena canta. Y actúa. “Desvelada y sola” es la combinación sutil y precisa entre soledad y conjunto, horror y humor, dolor y risa. “Desvelada y sola” produce encuentro, se respira ternura, estar en un presente vital y necesario.

“Desvelada y sola”- Centro Cultura Thames (Thames 1426)- Sábados 21hs

Escribió: Micaela Steinbach

La locura de ser un genio

Los tormentos de Van Gogh terminaron con su vida, una vida llena de tragedias pero siempre de arte. Se supone que el arte nutre pero para él era su condena y escape. Si viviera, el pintor holandés no sabría cómo reaccionar ante el éxito desmedido de su obra, es decir, una pintura original van Gogh puede costar decenas de millones de dólares. La vida es hipócrita e irónica pues, unas monedas de florines le pagaron»El viñedo rojo», una de las pocas pinturas que si logró vender.

La familia Berthold entiende al personaje y lo coloca en una puesta teatral desafiante: Un actor, una pantalla, muchas voces. Flor Berthold escribe y dirige este monólogo y Joaquín Berthold es el protagonista. No es casualidad que el actor tenga un parecido al Vicent, pero esto es lo de menos pues en su cuerpo está el personaje histórico y su locura.

Se dice que para ser genio hay que estar loco pero, ¿Cuál es el precio que debemos pagar?
Flor Berthold realiza este monólogo que transita la vida de Van Gogh; para ello más que elegir datos o anécdotas, nos mete en su psiquis y sus tormentos, creando empatía y dolor en el espectador.

La puesta en escena de manos de Queli Bethold es simple pero tiene dos puntos a favor: el uso de la utilería y el diseño de video que irá en proyección cuando se desarrolla el monólogo, aportando conmoción y destreza. Este trabajo visual es gracias a Guillermo Bethold, también las luces del artista,Vicent en rojo no sería nada sin el diseño de iluminación el cual destaca el púrpura, rojo y verde.

La familia Bethold nos regala un monólogo biografico diferente, dónde Van Gogh más que ser un cliché histórico, es un humano cualquiera, creíble y sincero. Vicent el loco rojo está disponible los sábados a las 20:39 en el Teatro El grito.

Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.

Por Sofía Luna Roberts

Con el correr del tiempo, se torna indispensable la enseñanza y el aprendizaje sobre la historia de nuestro país. A pocos meses de cumplir 40 años de democracia ininterrumpida, también es necesario escuchar las historias de esas personas que fueron invisibilizadxs y apartadxs durante años en los relatos tradicionales y manuales académicos. Es importante el conocimiento sobre los hechos históricos que marcaron el levantamiento de nuestra Argentina tan querida. Siguiendo esta línea, el director Francisco Civit nos presenta una obra sobre personajes femeninos poco visibilizados en la historia de las Islas Malvinas. “Voces de Malvinas” se exhibe todos los viernes a las 20.30 en El Crisol Teatro (Malabia 611, Villa Crespo).

Ni bien ingresamos a la sala, tres actrices (Rosario Albornoz, Natalia Olabe y Marta Pomponio) nos esperan y observan a que nos sentemos para poder escucharlas atentamente. El espacio se nutre de armoniosas canciones que nos van guiando durante todo el relato de la obra. Las letras y melodías nos ayudan a comprender los sucesos y sentimientos de estas protagonistas que muy pocas veces fueron escuchadas. Frente a nosotros, los espectadores, se nos presenta una escenografía muy particular y acorde a las necesidades de la historia. Un perchero repleto de vestuarios que ayudarán a las actrices a convertirse en figuras históricas. El piso se llenará de materiales importantísimos tales como: cartas, documentos, imágenes. Estos elementos reflejarán los pensamientos y emociones de una generación que necesita ser recordada para no olvidar y reivindicar nuestras luchas como sociedad dándole origen a la soberanía nacional.

Las actrices dan el cuerpo y mutan en la piel de esas madres, esposas, hijas, hermanas que no participaron de la guerra pero que igualmente fueron afectadas. La ausencia, incertidumbre, el miedo y el terror fueron algunas de las sensaciones que se mencionan y se lloran. El abordaje histórico convertido en hecho teatral está muy bien manejado, ya que logra conectar con el espectador mediante la exposición de la crudeza y lo trágico sobre lo que sucedió en aquél 1982.

Con dramaturgia de Lucía Laragione, la pieza comienza a darnos una gran clase de historia que empieza en el año 1829 hasta el presente, utilizando una gran cantidad de información mediante distintos dispositivos: testimonios, documentos históricos, imágenes y pistas auditivas. Se nos invita a reflexionar e informarnos sobre las otras voces que también son parte de la historia de las Islas. A remover el polvo y llevar a la luz todas las investigaciones que también generan un lazo afectivo e irrompible con esas islas que forman parte de nuestra identidad nacional.

El pasado lunes tuvimos la oportunidad de asistir al estreno de la obra «Ana Karenina en halloween», protagonizada por Flor Torrente y Federico Salles. Ellos interpretan a una pareja que regresan de una fiesta de halloween, estando ella vestida de Ana Karenina, surge la discusión de ciertos problemas que habían en el matrimonio, haciendo también referencia al personaje de Tolstoi llevado a una pareja de la actualidad.

Los protagonistas son una pareja que acaban de llegar de una fiesta de halloween, el se encuentra vestido de El Zorro, mientras ella se encuentra con un vestido y un velo, alegando a un antiguo personaje reconocido de una pieza literaria rusa. Los personajes se encuentran con un departamento con juguetes desperdigados por ahí, y mientras ordenan comienzan a hablar sobre lo que fue la noche de la fiesta. Al parecer no fue una buena noche porque ella terminó hablando con otro hombre durante un buen tiempo, mientras el diputado no fue más que una decoración en la noche.

Luego al enterarnos que la actriz estaba vestida de Ana Karenina, nos enteramos que era un personaje que iba a interpretar antes de que quedara embarazada y deba dejar atrás su carrera en la actuación durante un tiempo para dedicarse a la maternidad. Es ahí cuando comienza la discusión entre la pareja, sobre las cosas que quizá dieron por sentado pero en su interior tenían otros deseos para su vida.

La química entre los actores es muy buena, pero si me gustaría destacar a Flor Torrente, que con su personaje es quien le da mayor intensidad a obra. Ya que es la que tenía muchas palabras que se había guardado y en los momentos que saca a la luz todos sus sentimientos, es todo un deleite lo que nos transmite su actriz.

Ana Karenina en halloween es una buena propuesta que reluce gracias al despliegue de dos grandes actores. Nos pone un poco en referencia sobre el personaje que está en el título de la obra, aunque se trate de una reflexión actual sobre un matrimonio que busca mantener la relación pero también estar felices con su vida personal.

Ana Karenina en halloween puede verse los Lunes a las 20 Horas en el Teatro El Picadero.

Por Sofía Luna Roberts

“Eva Duarte, una verdad que incomoda” es una obra con dramaturgia de Susana Barbato y dirección de Martín Hache que nos propone una versión original sobre la vida de Eva Duarte. La pieza comienza a cuestionarse si su figura realmente ha muerto o sigue vive como los seres que son elegidos para un destino superior; hay un gran balance entre la vida y la muerte, la salud y la enfermedad, los derechos humanos y la opresión. La obra se va a presentar todos los domingos a las 16 hs en el Beckett Teatro (Guardia Vieja 3556).

Lo que se presenta en escena son las distintas facetas del cuerpo y la vida de ella. Ya que, desde el título de la pieza, podemos presentir que nos vamos a encontrar con la vida de Eva antes de convertirse en la Evita del pueblo. Si bien, se alude a una misma persona, los nombres no significan lo mismo. Pienso que la obra nos quiere enseñar eso, que las etapas de la vida de Eva Duarte van mutando y evolucionando hasta la Santa Eva que todos conocemos. Esto se puede corroborar gracias a los simbolismos que se presentan en las diferentes versiones de la persona: de niña con su actitud ya desafiante que la va acompañar durante toda su vida, de adulta siendo una referente política que pisa fuerte en la toma de decisiones siempre en beneficio del pueblo culminando con una Eva enferma y angustiada porque su cuerpo no va al mismo ritmo que sus convicciones.

Maria Ines Alvarez, Mayra Blaiotta, Rocío Estévez, Lourdes Fargi, Alejandra Figueras, Max Flügel, Martin Hache y Kevin Agustin Lanza se ponen en la piel de los personajes de una manera auténtica, interpretando figuras importantes en la historia argentina, con una tonalidad dramática y nostálgica que embellece la pieza en sí. La delicadeza y fuerza que le dan al cuerpo de Eva traspasa el espacio escénico y llega al espectador de una manera única dándonos a entender la importancia de su figura tanto en su trayectoria como después de ella.

Es muy interesante cómo su corporalidad va mutando a la par que su vida ya que, con el tiempo, va cobrando cada vez más dolor por las propias exigencias que carga a lo largo de su vida política. Es cautivador el detalle que le dan a los pies de Eva, ya que desde la portada de la obra nos llama la atención la presencia en primer plano de esos pies que dejan atrás los zapatos cotidianos. Durante el desarrollo de la obra, la primera aparición de ella es descalza en búsqueda de aquella pequeña Eva en la que está comenzando a germinar el espíritu de la rebeldía Se puede arriesgar en interpretar que esos pies dejaron de estar calzados cuando el cuerpo de Evita se convierte en una persona santificada que deja atrás la vida civil (esos zapatos negros) para quedarse eternamente tanto en la historia argentina como en los corazones de cada ciudadano que pudo gozar de los derechos que ella tanto defendió.

El pasado martes tuvimos la posibilidad de asistir a la función de prensa de la obra Wasabi. En esta puesta, asistimos a una reunión de cumpleaños y con sushi de por medio, se nos agrega un ingrediente picante que hará que todos los personajes indaguen sobre sus intimidades.

La obra nos lleva a una cena de amigos, a un festejo de cumpleaños que resulta ser una celebración doble, ya que el cumpleañero fue fichado para jugar como futbolista en el Bayern Munich, por lo que debería mudarse a Alemania para ello. Es así como vemos un inicio en el que los protagonistas son un grupo de amigos, que si bien se conocen desde hace años y han tenido buenos momentos, parece que muchos se están escondiendo detrás de una máscara ya que no todo está tan bien como antes. Para romper el hielo, y acompañar el sushi para la cena, la anfitriona (y novia del cumpleañero) decide comenzar un juego donde todos deben dejar una pregunta en una caja para que todos la respondan o tomen un shot si se niegan a hacerlo. Esto supuestamente funciona para conocerse más, ya que las preguntas pueden ser íntimas.

A medida que se responden las preguntas, van saliendo cuestiones que ponen en discusión a los participantes. Como cuando se les consulta si tendrían sexo con otra persona que no es su pareja o simplemente saber si son felices. De este modo nos damos cuenta de lo que sucede con las tres parejas en el escenario, cada una con una forma de llevar su relación bastante diferenciada pero que todas atraviesan una problemática de la que uno tal vez pueda sentirse identificado. Mientras una pareja parece ser la más feliz, que les va bien económicamente y disfrutan su sexualidad de forma plena y libre, nos damos cuenta que no todo es como se ve desde la superficie. Otros tienen problemas puntuales , como no lograr la paternidad o ser padres que sienten que no pueden con todas sus responsabilidades y la pareja queda en segundo plano.

Tenemos que decir que si bien la obra tiene mucho para reflexionar e identificarse , se trata de una comedia pura que no tiene miedo de ir hacia lo absurdo. Es así por el cual aparece el personaje de Dan Breitman, como una especie de médium que fue contratado para contactar con espíritu en el medio de la fiesta. Si , es una comedia muy alocada y que cumple con el objetivo de sacar carcajadas con situaciones muy locas. Aunque no se olvida de que todo el conflicto que se logró en medio de la noche, se termine resolviendo de una manera seria, coherente y reflexiva.

Wasabi es una comedia que te hace reír de una manera genuina y que le agrega cierto picante a lo cotidiano de tres parejas distintas. La recomendamos como una buena opción de martes, que nos hará pasar un buen rato y también nos invita a reflexionar.

Los cuervos del Rey Lear

Shakespeare demostró el foco de interés en las relaciones familiares  en su periodo tardío. Dejando a un lado la épica de  su narrativa se fue más hacia el melodrama familiar, entrelazando las complicadas relaciones entre padres  e hijos. Esto lo demostró con La Tempestad (1611)  y el Rey Lear (1605); especialmente en la segunda donde refleja la ingratitud y desprecio de los herederos al trono, aplicando así el famoso refran »Cria cuervos y te sacaràn los ojos». 

La idea de romper con el mito de la devoción de los hijos hacia sus padres causa conmoción y controversia hoy en día, en su medida lo hizo el Rey Lear hace cuatro siglos. Christian Forteza  y Daniela Rizzo entienden la intención de Shakespeare y sin necesidad de modernizar, la condensan y presentan un unipersonal.

»Luego de que el rey anciano decide abdicar y delegar tanto su poder como sus bienes a dos de sus hijas, es traicionado por ellas. Despojado de todo, entonces, se lanza hacia un camino errante con su compañero bufón y un extraño vagabundo» Esta es la premisa del Rey Lear, Forteza la toma y la traslada todo en una sola actriz, esto requiere una responsabilidad mayor pero Daniela Rizzo supo llevar toda una obra en sus hombros.

Rizzo es toda la obra y todos los personajes. Esta labor titánica es posible gracias a su nivel actoral donde cambia su voz, expresiones faciales, lenguaje corporal, postura y energía para hacer  del Rey Lear, sus hijas y el bufón. Gracias a la iluminación de Horacio Chino Novelle, la actriz obtiene un color y tono distinto para cada rol.En una hora se presenta este texto clásico adaptado para ser un unipersonal que podría ser un monólogo, un cuento dramatizado o las distintas personalidades del senil Rey Lear. Este último aspecto se puede interpretar de esa manera, abre el espectro de los trastornados personajes shakesperianos. La locura reflejada en un hombre que absorbe todo el trauma de la guerra y la decepción familiar.

La dupla de Rizzo y Forteza es digna de todos los aplausos por hacer el estudio del personaje y llevarlo a un nivel interpretativo íntimo, minimalista y abierto a todas las interpretaciones.

Disponible los domingos a las 20 horas en el CC de la Cooperación.

Escribió Sebastián Arismendi para La  Butaca Web.

Por Florencia Gorini

Hermosa interpretación de la gran obra escrita por Ibsen Henrik, un dramaturno noruego del siglo XIX.

Nora es madre, esposa y parece cumplir con lo que se espera de ella: es el gran adorno de su casa, la alegría del hogar. Pero Nora tiene un secreto que va a enfrentarla con quién es ella y quiénes son los demás en realidad. Esta es la historia de una mujer, como tantas otras, que advierte lo injusto del mundo a su alrededor. Y una vez que esto sucede, permanecer indiferente no es una opción. Nora se parece a muchas. Existe hace muchos años. Y todavía se sigue escribiendo.

Se destaca en sí (tras el personaje de Nora, quien es la protagonísta de la historia), la fuerza y voluntad de desprenderse del circulo social donde uno no puede ser quien es y lograr así encontrar su propio ser y su propia felicidad.

Muy bien logrado en cuanto a la interpretación de la letra, los diversos matices tras el transcurso de la obra y los actores muy comprometidos con sus personajes.

La super recomiendo!.

«Casa de muñecas» puede verse los días viernes a las 22:30 horas en La Pausa Teatral (Luis Viale 625). Las reservas puede hacerse a través de Alternativa Teatral.

La montaña rusa maternal

En la actualidad se ha deconstruido la idea de la maternidad abnegada y divina. La idea de la bendición de tener un hijo, criarlo y protegerlo no es lineal y atraviesa diferentes tipos de crisis: Emocional, física, hormonal y social.
¿Ser madre es un regalo o una condena?

Marisa Villar expone la maternidad en Mamá peluda, una obra perfomatica donde las expresiones hablan más que mil palabras.

Mamá peluda consiste en dos actrices caracterizadas de igual manera, una es el complemento de la otra y ambas poseen una cabellera caótica (cómo la maternidad misma).

Lola Capua, Cecilia Capuzzuello y la misma Marisa Villar hacen el perfomance de Mamá peluda. Una muestra dónde más allá de saber expresar la angustia, el desequilibrio, el estrés y el miedo; las actrices deben bailar tap, boleros y danza interpretativa. Esta coreografía es propiedad del trío artístico, lo cuál demuestra una entrega total.

Estela Cristiani es la codirectora de la obra pero también la encargada del diseño y dirección audiovisual, esta se proyectará al fondo del escenario e irá marcando el acompañamiento de la escena, siendo retazos de dibujos animados, documentales y filmaciones artísticas que componen el guión.

Mamá peluda es un espectáculo que pone en jaque a la maternidad más que adorarla, no es un reproche ni condena sino una muestra de cómo se lleva este largo y difícil proceso para las mujeres, más allá de la endulcorada visión que la sociedad, la religión y el cine han retratado.

Mamá peluda está disponible los viernes a las 22 horas en el Espacio Callejón.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

«Como todos los días» es una encantadora adaptación de un musical del off de Broadway que transporta al espectador a la apasionante ciudad de Nueva York. A través de la historia de cuatro personajes, la obra nos invita a reflexionar sobre nuestras propias vidas y deseos, además que sacarnos más de una sonrisa.

En primer lugar, nos encontramos con una joven preocupada por su futuro, quien pierde el cuaderno con las anotaciones para su tesis. Esta situación desencadena una serie de eventos inesperados que conectan a los personajes de manera sorprendente. Por otro lado, tenemos a un asistente de un artista que se debate entre diferentes caminos a seguir en su vida, mientras trabaja para un artista encarcelado. La forma en que ambos personajes se encuentran y la manera en que se desenvuelven a lo largo de la trama es cautivadora.

La obra también nos presenta a una pareja que se encuentra en una etapa crucial de su relación: el momento de dar el paso de vivir juntos. Sin embargo, los miedos e inseguridades de cada uno generan conflictos y tensiones que deben ser superados. Esta parte de la historia es especialmente interesante, ya que nos permite reflexionar sobre nuestras propias relaciones y los temores que pueden surgir a la hora de comprometerse.

«Como todos los días» es un musical simpático que cuenta con melodías muy interesantes. La música, combinada con un componente de humor, crea una atmósfera alegre y relajada. Sin embargo, más allá de su lado divertido, la obra también invita a la reflexión sobre nuestros propios sueños y aspiraciones. En particular, el personaje que debe devolver el cuaderno a la joven desesperada por terminar su tesis destaca por su capacidad para transmitir la importancia de perseguir nuestros sueños y no dejarlos de lado.

Los cuatro actores que protagonizan la obra se desenvuelven de manera impecable en sus respectivos roles. Cada uno logra transmitir la complejidad y las emociones de sus personajes de manera convincente, lo que contribuye a crear una experiencia teatral cautivadora.

El escenario, decorado con hermosas pinturas que representan imágenes característicos de la ciudad de Nueva York, y una escalera que permite el constante ir y venir de los personajes, añade un toque visualmente atractivo a la puesta en escena.

«Como todos los días» es una obra muy bonita que combina momentos de risa con momentos de reflexión. Es perfecta para disfrutar un viernes por la noche y te hará pensar en lo que realmente quieres para tu vida. Sin duda, es una experiencia teatral que vale la pena.

Funciones: Viernes a las 22:30 horas en el Teatro Border (Godoy Cruz 1838).

Elenco: Warren: Jerónimo Dodds, @jerododds
Debb: Milagros Fabián, @milliefabiann
Jason: Facundo Godino, @facu_godino
Claire: Lucía Krüsemann, @luciakrusemann
Covers: Warren: Pedro Krause, @pedro.krause
Debb: María Morejón, @mariamorejon_
Jason: Francisco Desimoni, @fran.desimoni
Claire: Celeste Gamba, @celestegamba


Libro, Letra y Música: Adam Gwon
Adaptación: Marcos Micheloni, @fat_marcos
Dirección General: Mario Micheloni, @maritomicheloni
Dirección Musical: Facundo Cicciú, @facucicciu
Dirección vocal: Victoria Giorello, @vgiorello
Dirección de arte: Marcela Santantón, @marcelasantanton
Diseños: Justo Santillan, @justosantillan
Creación de contenidos: Pato Ariel, @patitoariel
Puesta Original: Colton Pometta (Director de la versión presentada en 2018), @coltonjamespometta
Comunicación y Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa), @0kmprensa

Fotografía: Mel Ercoli, @notyourshow.arg
Producción Ejecutiva: Lula Rizzi, @lularizzi
Producción General: Cincoemes Producciones, @cincoemes.producciones