Por @soynancybenegas

Sinopsis
Dos viudas heredan un hotel del que desean desprenderse prontamente. Mientras atraviesan el duelo, llega a sus vidas una joven embarazada, dispuesta a hacer lo que sea necesario para parir. La llegada de esta chica y el desprejuicio con el que se maneja las invita a repensar sus propias vidas, tomar decisiones inesperadas y redescubrir su manera de vivir.

Reseña
Comedia dramática que utiliza el humor para hablar de esas cosas incomodas que muchos prefieren evitar. Entre risas, se deslizan temas que incomodan y tan bien logra diseñar en el guion con destreza y audacia su autora y directora Julieta Cayetina.

Un relato fresco y entretenido donde dos mujeres encuentran en la unión potenciar sus personalidades y animarse a redescubrirse desde otra mirada. Trayendo temas como el deseo, la sexualidad, enfrentar los cambios y entender que la edad nunca será un límite para seguir aprendiendo de uno mismo.
Un trio poderoso de mujeres populares y reconocidas que ensamblan con gracia y logran una química por demás interesante. Con un guion creativo que acorde pasan los minutos se vuelve fluido, fabulosamente osado y transgresor, transformando la historia en una obra que entretiene y nos deja un mensaje para reflexionar.

Graciela Stefani entiende el juego de los ritmos y maneja con soltura el hijo de la trama que tan bien se encuentra con la osadía de Miriam Odorico, una actriz dinámica y carismática que fluye natural a lo largo de la trama. Y claro, Dalma Maradona, simpática, divertida encontrando su momento para lucirse y demostrar que tiene su lugar muy bien ganado y es mucho más que un apellido
La obra convoca por cada una de sus actrices y es válido. Pero lo genial de esta propuesta es que se van a encontrar con un texto valiente, diálogos divertidos con una idea interesante que tiene el porcentaje justo de humor, ternura y risas.

Ficha Técnica
Dirección: Julieta Cayetina
Reparto: Dalma Maradona, Miriam Odorico, Graciela Stefani
Duración: 80 minutos
Funciones: Sábado a las 20.30 hs en el Teatro Timbre 4, ubicado en México 3554

Por @soynancybenegas

Sinopsis
Comedia dramática musical con una narrativa no lineal, que entrelaza diferentes historias situadas en pasado, presente y futuro. La obra emplea el humor y la ironía como herramienta principal para atravesar la incertidumbre y la inestabilidad, que nos permita encontrar sentido a la vida en medio del caos.

Reseña
Una propuesta diferente con un género que no es tan habitual de encontrar en el teatro como es la comedia musical con elementos de ciencia ficción, un cruce de géneros que transforma la obra, sin ninguna duda, en una propuesta interesante.

La historia es un recorrido sobre diferentes escenarios de tiempo, que proyecta las diversas posibilidades de un sistema que cada vez de independiza más del otro y busca su propia conveniencia para salvarse. 
A través de un concurso con un costo bastante elevado se habilita la posibilidad de viajar para sumergirnos en las diferentes expectativas del relato que combina con eficiencia buenos diálogos, surrealismo, música y humor para hablar sobre la condición humanas y las propias contradicciones de la sociedad. Mostrando que lo único constante es lo impredecible.
Un elenco que se complementa y fluye muy bien en escena, en la interpretación de diversos y particulares personajes, está formado por el grupo teatral Los Cometa Brás, artistas de extensa trayectoria que trabajan juntos hace 38 años en variados proyectos. Su experiencia encuentra en sus composiciones la frescura, ritmo y dinamismo que mantiene la energía del relato con la misma energía de principio a fin.

La velocidad de los cambios y el constante juego escénico, acompañado por una efectiva puesta de luces se complementan muy bien a los recursos del diseño visual que se presenta en cada relato; con un texto que requiere atención para no perderse los detalles y la magia de dejarse llevar por el humor, desde donde es posible soltar el drama que esconde la trama y llevarnos a la reflexión.

Ficha Técnica:

Autor y director: Leandro Rosati

Reparto: Dalila Real, Leandro Rosati, Marcela Trajtenberg, Seba Tutt

Prensa:Adriana Schottlender

Duración: 60 minutos

Funciones: El próximo domingo 13 de julio a las 18 hs en la última función en el Teatro El Popular, ubicado en Chile 2080. A partir de agosto la obra se presentará los Viernes a las 20.30 en el mismo espacio teatral.

Por @soynancybenegas

Sinopsis

“Lo que esta naturalizado puede resultar insoportable. Nada es más violento que lo que aprendimos a tolerar”. Es en esta premisa donde una historia que podría ser cotidiana, gira drásticamente al cambiar los roles de sus personajes con una mirada provocadora sobre la desigualdad. Una propuesta interesante planteada con situaciones que incomodan y te van a hacer reír mucho.

Reseña
Comedia dramática escrita por Yvonne Eisenring, adaptada demasiado bien por Cecilia Bassano a una obra que podría ser originalmente argentina, por su temática fuerte, profunda e incomoda, con un texto que se anima a hablar, cuestionar y hacernos reflexionar sobre el lugar que ocupa cada rol femenino-masculino en los diferentes entornos.

Una obra de teatro en la que sus protagonistas interpretan a actores que hacen una obra de teatro, en donde desde el guion se invierten los roles de escena y toda la historia toma otro sentido; es en ese juego discursivo donde se abren un montón de interrogantes sociales y se expone en un relato atrevido las diferencias personales y laborales que prevalecen en la diferencia de sexo.

Gran elección de elenco que ensamblan con naturalidad y les suman fuerza y presencia a las escenas donde los cambios de emociones se disparan a velocidad furiosa y aún en esa impronta de velocidad, uno llega a empatiza con la situación de su personaje. La presencia de Thelma Fardin, le suma un plus a su lugar ganado y tan bien logrado en un personaje con el que sus similitudes personales se terminan asociando y potencian aún más su buena interpretación.

Es muy interesante el recorrido de escena, y la posibilidad de jugar fuera de los espacios centrales le da un dinamismo interesante al desarrollo. Quiero destacar la intensidad y entrega del total del equipo que logran potenciar un relato con el que todos nos vamos a sentir identificados por el simple hecho de ser, para bien y para mal, parte de esta sociedad

Ficha Técnica
Dirección: Cecilia Bassano, Matías Sendón
Reparto: Fabian Carrasco, Agostina Fabrizio, Thelma Fardin, Emanuel Parga
Duración: 60 minutos
Funciones: Miércoles a las 20 hs en el Teatro Dumont, ubicado en Santos Dumont 4040

La paleontología del gran villano de Shakespeare

Han pasado 400 años desde la primera publicación oficial de la tragedia más oscura de Shakespeare: Ricardo III (La vida y muerte del Rey Ricardo III).
El infame rey de York que para alcanzar el trono tuvo que asesinar a familiares directos y conspirar en la corte, sus crímenes no fueron enjuiciados  y murió  en combate durante el final de La Guerra de las Dos Rosas.

Shakespeare dejó este legado para las futuras generaciones de dramaturgos y actores, especialmente para los últimos, el poder encarnar a este personaje tan complejo, oscuro y desequilibrado es el mayor reto para un actor de teatro.
Joaquin Furriel asume el reto y el resultado es impresionante.

»Agosto de 2012. En un estacionamiento de Leicester, debajo de un sector con una R marcada en el asfalto, son hallados los restos de Ricardo III. No es un lugar habitual para el enterramiento de un rey. Así empieza nuestra historia: una disección, no solo del turbulento pero breve reinado de Ricardo, sino también de la maldad humana que, consciente o inconscientemente, forma parte de nuestra naturaleza biológica y psicológica».
Esta es la nueva versión del clásico que Adrià Reixach realiza. Una adaptación moderna donde la ciencia, la sátira, lo irracional y lo oscuro se juegan en una posición donde el espectador decidirá: ¿Quién es realmente el villano?

Protagonizada por un  soberbio Joaquín Furrie junto a Luis Ziembrowski, Ingrid Pelicori, Belén Blanco, María Figueras, Marcos Montes, Luciano Suardi, Iván Moschner, Luis «Luisón» Herrera y Silvina Sabater; esta adaptación coloca a los actores en un estacionamiento donde irán yendo y viniendo y  el Furriel con su magnetismo y seducción, será el depredador, las víctimas inminentes de  la ambición de Ricardo III.



La puesta en escena es austera pero con elementos del cine noir, uso de verdes, negros y rojos. Ricardo III es un gangster, un gigoló y un psicópata. Barbora Horáková Joly es la encargada de representar la idea de Calixto Bieito, siendo lo más desafiante, colgar un chevrolet rojo clásico y que los actores pasen por abajo. El uso de pantallas  y luces led aporta una vibra provocativa y sesentera.



Bieito se encarga de dirigir pero también del diseño de luces, su visión postmoderna de Shakespeare atrapa desde el principio, junto al diseño de video que realizó Adrià Reixach para promocionar la obra, estos realizadores se comprometen en llevar la tragedia más allá, hacia el cinismo, la crueldad y el erotismo.



La verdadera historia de Ricardo III es un giro de tuerca renovador  y una visión descarada hacia el infame rey.



Disponible de miércoles a sábado a las 20 horas y domingo a las 19 en el Teatro San Martín (Sala Martin Coronado)



Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por A.R

Esta vesion argenta deLisandro Fiks sobre la obra Hedda Gabler, del noruego Henrik Ibsen; nos trae a esta aristocrática mujer que con sus juegos de manipulación termina desencadenando un verdadera tragedia, que la arrastra a ella misma a un proceso destructivo que nadie podrá evitar.

El aburrimiento, el resentimiento, los celos, el despecho por un amor que no fue, el desprecio por las clases sociales inferiores, son algunos de los posibles motivos del accionar de Eda, una mujer aristócrata que padece la desventaja femenina frente al machismo de su entorno. Su matrimonio la condena a una vida aburrida, su casa es una prisión doméstica, pero la llegada de una antigua compañera de colegio que viene a pedir ayuda, la motiva para llevar adelante un juego peligroso de manipulación y destrucción, tanto de ella misma cómo de su entorno, y finalmente, todo se le va de las manos. ¿Qué otros motores guían los actos de Eda? Este es uno de los grandes interrogantes que Ibsen nos deja, lo que sí queda claro es que es una mujer que considera que una muerte digna tiene más valor que una vida patética, y quizás éste sea uno de los puntos fundamentales del por qué hace todo lo que hace. 

Un texto que fluye con ritmo y que nos resulta mucho mas cercano que el original,una puesta en escena (también de Lisandro Fiks) prolija y seductora que no le escapa al humor ni a la tragedia, que atrapa al espectador con su trama y ágil relato.
Un elenco compacto (Lisandro Fiks, Sofía González, Federico Marrale, Ezequiel Rodriguez, MartIna Zalazar) que se luce con interpretaciones mas que destacadas y siempre dando el tono justo que reclama el espectáculo.

Muy agradable de ver, muy bien realizado y muy recomendable.
Viernes 20hrs. En el galpón de Guevara

Por @soynancybenegas

Sinopsis
Comedia dramática que hace un recorrido interesante sobre la historia de Frida Kahlo. Desde el accidente que cambio su vida para siempre, hasta el complejo triángulo amoroso que compartió con su esposo Diego Rivera y su hermana Cristina. Este es el relato sobre una mujer poderosa que cambio con su pintura la forma de mirar el arte.

Reseña
Un recorrido amoroso, desde una mirada íntima y emotiva de la gran artista Frida Kahlo. Yo no soy Frida inicia en el Día de los muertos, una fecha tan emblemática para la cultura mexicana, donde el recuerdo constante de su persona no la deja descansar en paz, y es allí donde un poco en serio y un poco en broma comienza este relato.
Un relato que no teme pasar por los sinsabores y luchas que la llevaron a explotar cada faceta de su arte como un grito de expresión al mundo. La obra nos habla de su vínculo con Diego Rivera, el muralista que enamoro y acompaño a Frida más allá de sus reveces románticos; fue su amor, apasionado y tóxico el que la acompaño a lo largo de su vida y funcionó a modo de influencia artística mutua. La historia también rescata a Cristina, su hermana menor, cuya vida quedo atrapada a la sombra de Frida, delegando a un segundo plano su imagen.
Dentro de un espacio pequeño y cálido, la puesta de luces y el juego visual se impone y vuelve el argumento atractivo y entretenido. La trama se cuenta con agilidad y no deja de sorprender a todos aquellos que saben sobre la vida de la artista, ni de despertar curiosidad a quienes se acercan por primera vez a descubrir su maravilloso universo.
Flor Berthold, su escritora y directora demuestra una vez más su capacidad para construir relatos de personajes complejos de manera íntima y sensible, dentro de un marco simpático que guarda la profundidad de vidas intensas y pasionales. Artistas que han marcado con sus pinturas una visión diferente, que han sabido atravesar y marcar su propio recorrido personal.

Cada uno de los artistas que son parte de la obra, logra ensamblar y encontrar su espacio para que la historia fluya; encontrando el tiempo justo para emocionar, conmover y también arrancar varias risas. Logra una trama contada a tiempo preciso, que no apura el desenlace y consigue atrapar a la audiencia con diálogos interesantes, llevados por una acertada puesta en escena.

Detalle
Flor Berthold, es también la autora y directora de Vincent, el Loco rojo que nos cuenta de la apasionante vida del artista Vincent Van Gogh, y está protagonizada por Joaquín Berthod (un tremendo actor, quien es su hermano).

Ficha Técnica
Dirección: Flor Berthold
Reparto: Mavy Yunes, Martina Simeoni, Braian Ross
Duración: 70 minutos
Funciones: Viernes 20 hs en el Teatro El Grito, ubicado en Costa Rica 5459

Por @soynancybenegas

Sinopsis

Rocky Balboa, un boxeador amateur que trabaja como cobrador de deudas, recibe un día la inesperada oportunidad de enfrentarse al campeón mundial de peso pesado Apollo Creed en una pelea que cambiara su vida para siempre. Una historia que habla de resiliencia, el valor de la perseverancia y la lucha contra la adversidad.

Reseña
Seguramente todos, en algún momento hemos visto Rocky; la historia del boxeador en busca de una oportunidad que le permita cambiar su destino que tan bien logro llevar al cine Sylvester Stallone en los años 70. El gran éxito que la película logro tener desde entonces se mantiene en la memoria de los fans de la saga, que aguardan con altas expectativas la versión teatral que tiene como protagonista y director a Nico Vázquez, en esta puesta en escena con sello argentino.
Lo valioso de esta adaptación es,  no solo el respecto que la narración tiene en esta gran adaptación teatral hacia su versión original, sino el cuidado y la prolijidad hacia los detalles de momentos claves e inolvidables para el público, siendo una experiencia única y emocionante ser parte de la función.
La puesta en escena y cada espacio recreado, desde el gimnasio, hasta la casa de los protagonistas, y otros recorridos que cuenta la trama se han logrado recrear de manera imponente y acertada. El despliegue en el espacio escénico junto a cada detalle inmersivo, logran algo visualmente sorprendente lo que hace de la obra no solo un gran texto llevado al escenario, sino un logro creativo del que como espectadores nos sentimos orgullosos.

Nico Vázquez construye un Rocky humilde, intenso y carismático que se sumerge en la complejidad del personaje a través todo su ser. Con sus gestos, en cada movimiento, incluso con su voz; evidencia el compromiso notable con el que se preparo a lo largo de muchos meses y demuestra con altura estar preparado para brindar con convicción un personaje que requiere fuerza, sensibilidad y humildad.

Con compañeros de elenco correctamente elegidos que más allá de sus destacadas actuaciones guardan similitudes físicas notables con los personajes a los que dan vida. Daiana Fernández, logra capturar la esencia de Adrian, aportando calidez en su rol de compañera fiel y sensible que enamora a Rocky. La fabulosa y creíble interpretación de David Masajnik, logra transmitir la dureza y dedicación de Mickey, el entrenador que acompaña e impulsa al boxeador. Merlyn Nouel como Apollo Creed, le da la contraparte tan característica de oponente, mostrando un rival preparado que destaca con actitud y presencia escénica.
La puesta de luces, la ambientación y los escenarios que cambian oportunamente son un acierto absoluto, pensado y creado cuidadosamente a detalle para sumergirnos en la emoción, alegría y nostalgia sin dejar de sorprender. Una propuesta super recomendable, pensada para los que vieron la peli varias veces y también para quienes recién la descubren, con un mensaje simple y directo que nos invita a nunca bajar los brazos y seguir peleando por nuestros sueños.

Detalles
La película se estreno en el año 1976, fue escrita y protagonizada por Sylvester Stallone, dirigida por John G. Avildsen. Ganó el Premio Oscar a la Mejor Película y Director.

Ficha Técnica
Dirección: Nicolas Vázquez y Mariano Demaria
Reparto: Nicolas Vázquez, Daiana Fernández, David Masajnik, Merlyn Nouel, Georgina Tirotta, Mercedes Oviedo
Duración: 100 minutos
Funciones: Jueves 20.30 hs, Viernes 21 hs, Sábado 19 y 21.30 hs, Domingo 21.30 hs en el Teatro Lola Membrives, ubicado en Avenida Corrientes 1280

Por @soynancybenegas
Sinopsis
Dos monjas brindan refugio inesperado, a un joven activista perseguido por las fuerzas militares. En este acto de compasión, las hermanas se enfrentan a dilemas éticos y personales que la llevan a cuestionar el papel de la iglesia frente a la represión, y su propia fe en tiempos de censura y temor.

Reseña
Historia provocativa, tan bien escrita por el gran autor Juan Carlos Gené, que a pesar del tiempo transcurrido desde su creación mantiene un mensaje vigente y necesario. Un relato profundo, íntimo y sensible que aborda el crudo enfrentamiento entre el poder y la defensa de los ideales.

Una escenografía de carácter minimalista, que enfatiza el peso de la historia. Con diálogos profundos, música precisa y una puesta de luces sugerente, que construye una atmosfera tensa, que incomoda y la vez atrapa. El transcurso de la trama es ágil, con momentos de suspenso y adrenalina bien dosificados que logra mantener la atención y el interés.

Gran selección de todo el elenco, que permite encontrar el equilibrio justo para cada personaje, sin descuidar la sensibilidad y la fuerza que el texto necesita. Bella y profunda interpretación de Eva Capusotto que sostiene y fortalece el fluir del relato. Todo esto bajo la acertada dirección de Gustavo Armas, quien con sutileza y firmeza construye una escena que respeta la esencia de la obra y realza su mensaje atemporal

Destacan especialmente los momentos de tensión; los gritos, los susurros, la intimidación sonora junto a la velocidad de las acciones a tan corta distancia, logran provocar una sensación de impotencia constante sumergiendo al espectador en la urgencia dramática de la historia.
Una historia que no teme abordar lo incomodo, en esa difícil relación entre política y religión, tan distantes y tan incómodamente cercanas. Una confrontación que encuentra matices, exponiendo si acaso es posible, alcanzar acuerdos, en contextos adversos. Un llamado a sostener nuestras creencias, sin dejar desmoronar la fe para reconstruir desde la convicción.

Ficha Técnica
Dirección: Gustavo Armas
Reparto: Nico Bustos, Eva Capusotto, Guadalupe Farina, Jonás Labarriel, Leandro Mayer, Gabriela Mefano, Pablo Paillaman Pieretti, Nayla Perujo, Khalil Romero, Juan Tammaro.
Duración: 70 minutos
Funciones: Viernes 21.30 hs, en el Espacio Cultural La Fragua, ubicado en Avenida Rivadavia 4127

La cordura de la educación

Luego de siete años de su estreno, se despide (al menos por ahora) »Pundonor», clásico  del teatro porteño y de calle Corrientes.

Seis temporadas y una gira internacional que abarcó países como España y Venezuela, el monólogo de Andrea Garrote no envejece y se mantiene fresco al día de  hoy.

»Pérez Espinosa: una profesora universitaria, Doctora en Sociología, que vuelve al aula después de tomarse unos meses de licencia. Pero la clase que debe dar, una introducción a la obra de Michel Foucault se interrumpe constantemente debido a su frágil situación. Necesita dar explicaciones sobre su comportamiento, aparentemente necesita redimirse».

Hay un folklore que rodea el área de sociales y filosofía, una guerra de ideas y teorías que van más allá de lo personal. Es en la facultad de PUAN donde lo real y lo lógico se pierden, este es el caso del personaje construido por Andrea Garrote, una mujer que lleva lo personal y lo filosófico a su clase pero,  ¿Qué es lo normal y que es lo aceptado?

Santiago Badillo recrea a la perfección un aula de universidad pública, madera de pino, una pizarra de tiza, una silla de cuero y un escritorio cuya edad data de la fundación del instituto; ayudan a la actriz  a desenvolverse. El juego de luces que ejerce Badillo, sobre todo al final, es increíble. sabe cómo lograr el clímax con su puesta en escena.

Si bien Andrea Garrote escribe y actúa,  Rafael Spregelburd acompaña  en la dirección. Aunque el monólogo lleva siete años en escena, el paso del tiempo lo va puliendo.

Lo interesante de Pundonor es que al ser una obra intelectual, no aburre ni llega a espantar al público con sus citas filosóficas, se basa más en la historia de una profesora cuya cordura se va perdiendo a lo largo de su clase. Somos testigos de su decadencia emocional pero a su vez, entendemos cómo funcionan los mecanismos de control y moral que impone la sociedad.

Pundonor es un monólogo imperdible que no pasa de moda y que transporta el mundo de la educación, el drama personal y la locura a las risas del espectador.

Disponible los domingos a las 18 en el Teatro Picadero.

Escribe Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Sofía Luna Roberts

Hay obras que no necesitan grandes escenografías ni elencos numerosos para provocar una experiencia intensa. Muerde, escrita y dirigida por Francisco Lumerman e interpretada por Luciano Cáceres, es una de ellas. En apenas cincuenta minutos, la obra logra sumergirnos en un universo duro y silencioso: el de René, un hombre con retraso madurativo que ha sido encerrado en el taller familiar desde que era niño. Lo encontramos manchado de sangre, confundido, y a partir de allí comienza un viaje emocional donde los recuerdos, el cuerpo y el lenguaje se mezclan de forma inquietante. Muerde se presentará los días domingo (del 22/06 al 29/06) a las 16:00 h, el sábado 09/08 a las 20:30 h, los domingos (del 10/08 al 17/08) a las 20:15 h y el jueves 21/08 a las 21:00 h en la Sala Timbre 4 (México 3554).

La escenografía es minimalista: en el medio se presentan una mesa de madera, algunas herramientas y mucho aserrín. Pero no hace falta más. La iluminación, diseñada con precisión, marca los momentos de mayor tensión emocional (hay luces rojas que parecen gritar lo que René no puede decir), y el diseño sonoro aporta una sensación constante de amenaza, con ladridos o golpes que llegan desde afuera. Todo en la puesta está pensado detenidamente para que entremos en ese encierro no sólo físico, sino también mental y afectivo.

Luciano Cáceres sostiene el relato con una entrega conmovedora. Su cuerpo, su respiración, sus silencios dicen tanto como sus palabras. En su interpretación hay algo profundamente humano y vulnerable: René es frágil, sí, pero también salvaje, confuso, herido. Cáceres no actúa para emocionar, sino para ser fiel a ese personaje quebrado, y eso lo vuelve aún más impactante. Es un trabajo corporal y emocional muy bien cuidado.

Lo que llama la atención de Muerde es que no da respuestas fáciles. La obra toca temas sensibles y comunes como el abandono, la discapacidad, la violencia familiar y la exclusión social, pero sin caer en lo obvio ni en el golpe bajo. Todo se insinúa, se sugiere, y es el espectador quien completa lo que falta en la historia. Esa ambigüedad narrativa, lejos de ser una traba, se convierte en una herramienta poética que da profundidad al drama.

Muerde no busca ser una obra cómoda. Es una propuesta honesta, cruda y cuidada. Lumerman acierta con un texto y una dirección que no sobreactúan, y Cáceres se entrega por completo a un personaje que es todo dolor y verdad. La obra deja una marca, no sólo por su calidad artística, sino por la potencia de lo que propone: mirar lo marginal sin filtros, sin estereotipos, sin metáforas innecesarias, con la contundencia de una mordida que no se olvida fácilmente.