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“Borges y yo. Recuerdo de un amigo futuro” no es una obra tradicional y eso se siente desde el primer minuto. No es una historia concreta, ni una narración con principio y fin. La obra pone en escena una selección de cuentos cortos del escritor proponiendo una experiencia escénica íntima y profundamente sensible, que se construye a partir del universo literario de Jorge Luis Borges, pero no desde la lógica de una biografía ni del homenaje clásico. Bajo la dirección de Hanna Schygulla, la puesta despliega una exploración poética en la que Borges es evocado como una presencia fantasmática, casi onírica que habita en los bordes de la memoria y el deseo.
Andrea Bonelli no interpreta a Borges ni cuenta su vida. Lo recuerda, lo imagina, le habla. A veces parece estar sola en escena; otras, acompañada por ese “amigo futuro” que es el Borges que dejó su huella. Su actuación es sutil, sin exageraciones pero con una profundidad emocional que te envuelve. Hay momentos donde lo que dice parece ser más un susurro hacia adentro que un discurso hacia el público.
Uno de los grandes aciertos de la puesta es cómo combina los distintos dispositivos escénicos para construir una narración pluralizada: la palabra actoral convive con la voz en off (a veces en alemán, con acento borgeano), las proyecciones de video aportan capas visuales que expanden la intimidad de lo dicho y la música en vivo (a cargo de Shino Ohnaga en el piano y Cristina Titi Chiappero en el violoncello) le otorga un espesor emocional que va desde lo melancólico hasta lo introspectivo. Incluso el tango como signo borgeano, pero también como marca cultural que le da textura a lo que pasa en escena. Todo esto no está ahí presente para adornar, sino para sumar capas, para hacer que la obra se sienta más como un estado que como una historia.
La escenografía es mínima, pero todo está pensado con precisión: luces tenues, silencios largos, movimientos medidos. No hay nada de más. Es interesante porque el escenario se vuelve un espacio de memoria, una especie de cápsula del tiempo donde los recuerdos se mezclan con las fantasías y los textos con los susurros. Schygulla construye una poética visual donde lo importante no es lo que sucede sino lo que se recuerda, lo que se pierde y lo que permanece.
“Borges y yo” se transforma en una conversación con el propio recuerdo, con lo que no está pero insiste. No busca entretener ni explicar. Es una invitación a entrar en un clima, a escuchar con otros sentidos, a quedarse en lo sutil. El encuentro que sucede en escena con Borges no está solamente en la oralidad de los textos: está en el aire, en la música, en la emoción que te queda cuando salís de la sala.
“Borges y yo. Recuerdo de un amigo futuro” se presenta todos los domingos a las 20 h en el Teatro Hasta Trilce (Maza 177, CABA).
La adaptación del musical «Despertar de Primavera» dirigida por Fer Dente se erige como una puesta en escena renovada y vibrante de una obra icónica, que ya en 2010 cautivó al público argentino con Dente mismo como protagonista. Esta nueva versión, producto de un casting abierto que buscó talento joven y a la altura, logra una reinterpretación profunda y conmovedora de la obra de Steven Sater.
Ambientada en la Alemania de finales del siglo XIX, la narrativa nos sumerge en las vidas de jóvenes como Wendla, Melchior y Moritz, quienes luchan contra las complejidades del despertar sexual, la identidad y las abrumadoras presiones parentales y educativas. La obra no teme abordar temas delicados como la represión sexual, la falta de comunicación intergeneracional, el abuso infantil, el suicidio y la incansable búsqueda de identidad en la adolescencia. Es un crudo retrato de una juventud que anhela libertad en un mundo que les exige conformidad y les niega la exploración de sus propios cuerpos y deseos.
La dirección de Dente imprime una visión distintiva y lúgubre. El escenario presenta una estructura giratoria que, funcionando como atril y transformándose para cada escena, acompaña el devenir de los personajes. Detrás, una pintura de paisaje en tonos grises refuerza la atmósfera oscura, generando un impactante contraste con los vivos colores de los vestuarios de los protagonistas. Esta puesta en escena logra destacar las diversas historias entrelazadas: la de Melchior, eje del caos adolescente; la de Moritz, que, aunque aporta humor, es arrastrado al trauma por las presiones; y la de Wendla, cuya poderosa interacción con Melchior aborda un tema aún tabú. La obra también da espacio a personajes como Martha, cuyo conflicto intrafamiliar es central en su desarrollo. Aunque contextualizada en otra época, el abordaje de la adolescencia, las presiones sociales y la sexualidad resulta sorprendentemente actual.
Estética Minimalista y un elenco brillante desde el punto de vista técnico, la decisión de adoptar una estética minimalista y oscura es un acierto. A pesar de la escasez de elementos escenográficos, cada detalle está cuidadosamente trabajado. El contraste entre los uniformes y el fondo gris, la iluminación precisa y el impactante rojo presente en los personajes adultos, contribuyen a una experiencia visual potente. Las coreografías están impecablemente implementadas, resaltando a los personajes que lideran cada número. El uso del micrófono de mano para que los personajes «desaten sus verdades» en conjunto con el ensamble es un recurso ingenioso y efectivo.
El elenco es, sin duda, uno de los pilares de esta producción. Se evidencia el éxito del casting, que reunió a una nueva generación de jóvenes talentos, muchos de ellos ya con trayectoria en el teatro musical. Octavio Murillo (Melchior), Trini Montiel (Wendla) y Tomás Wicz (Moritz) lideran este conjunto con interpretaciones vibrantes y conmovedoras. El universo adolescente se completa con destacadas actuaciones de Paz Gutierrez (Ilse), Joaquín Scotta (Hanschen), Valentina Pergolini (Anna), Mariel Percossi (Martha), Felipe Paissanidis (Georg), Lare (Otto), Marto Rodríguez (Ernst) y Sol Tobías Córdoba (Thea). Las figuras adultas, interpretadas por Vanesa Butera e Iñaky Agustín Baldassarre.
En definitiva, «Despertar de Primavera» es una gran obra musical cuya adaptación, hecha propia por Dente, ofrece una experiencia teatral inolvidable. Es un placer disfrutar de esta producción en la cartelera porteña, resultado de un gran trabajo de todo el elenco y una historia que, a pesar del tiempo, resuena con una innegable actualidad.
ÚLTIMAS 4 FUNCIONES: Viernes 25 de julio – 20 hs Sábado 26 de julio – 20 hs Domingo 27 de julio – 20 hs Sábado 2 de agosto – 20 hs – Despedida Teatro Opera Entradas en venta únicamente a través de http://www.ticketek.com.ar
FICHA TÉCNICA
ELENCO: TRINI MONTIEL “WENDLA” OCTAVIO MURILLO “MELCHIOR” TOMAS WICZ “MORITZ” PAZ GUTIERREZ “ILSE” VANESA BUTERA “ROLES ADULTOS FEMENINOS” IÑAKY AGUSTÍN “ROLES ADULTOS MASCULINOS» MARIEL PERCOSSI “MARTHA” JOAQUIN SCOTA “HANSCHEN” MARTO RODRIGUEZ “ERNST” VALENTINA PERGOLINI “ANNA” SOL TOBIAS CORDOVA “THEA” LARE “OTTO” FELIPE PAISSANIDIS “GEORG” AZUL MAZZEO SWING SANTIAGO TOLEDO SWING
MÚSICOS: Piano- Giuliana Sosa,Teclado- Pedro Sosa,Bajo electrico- Francisco Sarmiento,Guitarras acústicas y eléctricas – Nicolás Valese,Percusión – Federico Taboada Bateria- Juan Pablo Sosa,Violin- Lucia Cuesta,Viola- Juan Pablo Gómez Zurita Violonchelo- Titi Chiappero, Contrabajo- Fernando Oviedo
PRODUCCIÓN GENERAL: CLUB MEDIA junto a VE8 y ALEPH MEDIA
DIRECCIÓN GENERAL : FER DENTE DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: VANESA GARCÍA MILLÁN DIRECCIÓN VOCAL: EUGENIA GIL RODRÍGUEZ DIRECCIÓN MUSICAL: GIULIANA SOSSA DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: GONZALO CORDOBA ESTEVEZ DISEÑO DE VESTUARIO: LA POLILLA DISEÑO DE SONIDO: GASTÓN BRISKI DISEÑO DE LUCES: LUCAS GABRIEL GRINGAS
DISEÑO DE MAKEUP : GUILLERMINA FERNANDEZ DISEÑO DE PEINADOS: CLAUDIA ZUCCHI y MIGUEL ÁNGEL GONZÁLEZ PARA MB SALON
PRODUCCIÓN CLUB MEDIA: TOMÁS BRU MASSA PRODUCCIÓN EJECUTIVA: STELLA MARIS BLANCO PRODUCCIÓN DE CONTENIDOS Y COMUNICACIÓN: M.CECILIA CALLES MANAGEMENT DE PRODUCCIÓN: SEBASTIÁN VÁZQUEZ – M. EUGENIA SANCHO GOÑALONS – TOMAS BRU MASSA ADMINISTRACIÓN CLUB MEDIA SIMARAY REVERÓN COMPANY MANAGER: MÓNICA SVARINSKI DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN TÉCNICA JUAN MANUEL RIPARI PRODUCCIÓN TÉCNICA: FER “FELPA” ESCOBAR PRODUCCIÓN MUSICAL: SANTI CAVALLERO – FEDE CAVALLERO TRADUCCIÓN: MARCELO KOTLIAR
ASISTENTE DE DIRECCIÓN: AGUSTINA VERA COORDINADORA DE INTIMIDAD: TATI ROJAS COACH ACTORAL: NAYLA POSE ASISTENTE COREOGRAFÍA: SANTIAGO TOLEDO ASISTENTE VOCAL: FRANCISCA BODAS ASISTENTE DE ESCENOGRAFÍA: URIEL CISTARO ASISTENTE DE COMUNICACIÓN Y PRODUCCIÓN: ANTONIA MASSA ASISTENTE DE PRODUCCIÓN : ALMENDRA SARUBBI- MILAGROS CIPRES PERNIA EQUIPO LA POLILLA: Gustavo Alderete, Rodrigo Lico Lorente, María Pía Marino,Brian Bustos, Nicolás Conte, Laura Martínez, Ezequiel Endelman, Juan Martín Icardo. Realización de sombreros: Cecilia Denegrí Pérez. Agradecimientos Vestuario: Victoria Wallace, Gabriel Dávila, El Rey del Pantalón, Maximiliano Ponti.
JEFE DE MAQUINISTAS: RAUL VILLAVERDE- MAQUINISTAS: MIGUEL VILLAVERDE- ALEJANDRO DANIEL PERALTA ASISTENTE DE ESCENARIO: DARIO MENDOZA UTILERÍA: NORMA “KICHI” GATTI OPERADOR DE SONIDO: PABLO AIDELMAN MICROFONISTA: SOHAR HERNAN SAAVEDRA OPERADORES DE LUCES: STEFANIA NELA BONATO SEGUIDORISTAS: OMAR CIPRÉS – VESTUARISTAS: AILIN GUTIERREZ “PINA” – JUAN POMILLO PEINADOS Y PELUCAS: CLAUDIA ZUCCHI Y MIGUEL ÁNGEL GONZÁLEZ SET ELECTRIC – ELÉCTRICO DE PISO: GUSTAVO ¨OSO¨ SEQUEIRA
REALIZACIÓN DE ESCENOGRAFÍA: TRAMOYISTAS FOTOGRAFÍA: BRUNO ILUSORIO FOTOGRAFÍA PARA REDES y REALIZACIÓN AUDIOVISUAL: TAMARA GALEANO y LAILA MAUGERI DISEÑO GRÁFICO: LUCAS PRENSA Y COMUNICACIÓN: LOLA BARREDO
Sinopsis Una actriz en crisis entra por voluntad propia a una clínica de rehabilitación para enfrentar sus adicciones. En su intento por recuperar el control de su vida, atraviesa un viaje crudo, conmovedor y profundamente humano de aprendizaje. Un relato valiente sobre como alejarse de las personas, lugares y cosas que nos lastiman contado con inteligencia y sensibilidad.
Reseña Una propuesta inteligente, con una puesta en escena que irrumpe y provoca. Entiende como contar el humor en medio de una historia dramática que nos busca volverse rosa, sino que eleva la apuesta abriendo un camino sin anestesia a la reflexión personal. Humana y profunda; cruda y honesta. La narración te sumerge en una trama dinámica, visualmente lograda e ingeniosa, con un recorrido escénico interesante sin momentos forzados. La obra tiene una duración de 2:30 que entretienen y atrapan, con el tiempo preciso muy bien estructurado. Flor Otero, tiene el poder de traspasar la escena, dejándose llevar por un personaje complejo que atraviesa todos los estadios difíciles de una desintoxicación. Hay un trabajo cuidado que le permite arriesgarse a vivir los diferentes climas emocionales que tiene su interpretación con mucha soltura y naturalidad.
Cada uno de los artistas que acompañan y contienen a la protagonista son empáticos, divertidos y se animan a jugar entre los espacios emocionales y el humor negro. Resulta interesante que la obra se atreva a abordar un tema tan difícil de una manera atractiva y equilibrada. Como en la vida misma los finales no siempre son cerrados ni felices. Sin embargo, el camino está ahí, para arriesgarnos a vivir de la mejor manera que somos capaces de animarnos en el día a día.
Detalle La obra tiene un intermedio en el que se invita al a público que desea a subir a bailar en el escenario con un dj en vivo. La idea que se recibe con entusiasmo y le sienta perfecto al momento.
Ficha Técnica Dirección: Julio Panno Reparto: Flor Otero, Carlos Kaspar, Nelson Rueda, Estela Garelli, Santiago Racca, Fiore Provenzano, María Latzina, Rocco Sáenz, Diana Santini Duración: 150 minutos Funciones: Martes 20 hs en el Teatro Astral, ubicado en Avenida Corrientes 1639
Mayumana regresó a la Argentina y presentó «Currents”. El colectivo de percusión y danza, logró fusionar la magia clásica del mundo Mayumana con nuevas piezas para crear un show único e interactivo. Ver la música y escuchar el movimiento es el lema de este show.
Currents es un espectáculo que combina música en vivo, percusión, danza, humor y acrobacia. El estreno de prensa con alfombra roja se realizó en el Teatro Broadway y conto con reconocidos artistas del mundo del arte y espectáculo como Graciela Alfano, Anamá Ferreira y José María Muscari. Tras recorrer más de 40 países, Mayumana se presentará en Buenos Aires, todos los miércoles de julio. Ocho artistas en escena con elementos simples como tubos de PVC, tachos de basura, bolsas y baldes crean sonidos que derivan en música que es acompañada con coreografías y recursos visuales de alto impacto. A su vez, las pantallas ubicadas estratégicamente en escenario acompañan el ritmo y los movimientos de los protagonistas. Durante la función, el público, interactúa en ciertos momentos con los artistas, logrando así un show dinámico, colaborativo, divertido, apto y entretenido para la familia. La duración es de 75 minutos, que transcurren con rapidez,ya que la atención del público no se pierde por un instante. Los movimientos y detalles sonoros hacen de Mayunana unos de los espectáculos más reconocidos del mundo. El show posee un formato no verbal que invita al público a utilizar diferentes sentidos. Basado en la histórica “guerra de las corrientes” entre Nikola Tesla y Thomas Edison, la propuesta en el escenario representa esa batalla de energías desde lo físico, lo sonoro y lo visual.
Mayumana significa habilidad o destreza y como compañía de danza ha sido reconocida por su estilo inconfundible que lo demuestra en cada show. Esta compañía fue fundada en Israel en 1997, ya ha visitado nuestro país en los años 2003, 2006 y el 2010, sin dejar de sorprender en ninguna de estas ocasiones. Para concluir el show, el elenco de Mayumana salió a la vereda del teatro a pura percusión, junto al público y bailando en plena calle Corrientes. Las personas que paseaban por la puerta del teatro se sumaron a esta fiesta de batucada, como broche de oro, finalizó en la vereda con una invitada de lujo como Graciela Alfano, quien se sumo bailando al ritmo de tambores de Mayunana.
Sinopsis Dos viudas heredan un hotel del que desean desprenderse prontamente. Mientras atraviesan el duelo, llega a sus vidas una joven embarazada, dispuesta a hacer lo que sea necesario para parir. La llegada de esta chica y el desprejuicio con el que se maneja las invita a repensar sus propias vidas, tomar decisiones inesperadas y redescubrir su manera de vivir.
Reseña Comedia dramática que utiliza el humor para hablar de esas cosas incomodas que muchos prefieren evitar. Entre risas, se deslizan temas que incomodan y tan bien logra diseñar en el guion con destreza y audacia su autora y directora Julieta Cayetina.
Un relato fresco y entretenido donde dos mujeres encuentran en la unión potenciar sus personalidades y animarse a redescubrirse desde otra mirada. Trayendo temas como el deseo, la sexualidad, enfrentar los cambios y entender que la edad nunca será un límite para seguir aprendiendo de uno mismo. Un trio poderoso de mujeres populares y reconocidas que ensamblan con gracia y logran una química por demás interesante. Con un guion creativo que acorde pasan los minutos se vuelve fluido, fabulosamente osado y transgresor, transformando la historia en una obra que entretiene y nos deja un mensaje para reflexionar.
Graciela Stefani entiende el juego de los ritmos y maneja con soltura el hijo de la trama que tan bien se encuentra con la osadía de Miriam Odorico, una actriz dinámica y carismática que fluye natural a lo largo de la trama. Y claro, Dalma Maradona, simpática, divertida encontrando su momento para lucirse y demostrar que tiene su lugar muy bien ganado y es mucho más que un apellido La obra convoca por cada una de sus actrices y es válido. Pero lo genial de esta propuesta es que se van a encontrar con un texto valiente, diálogos divertidos con una idea interesante que tiene el porcentaje justo de humor, ternura y risas.
Ficha Técnica Dirección: Julieta Cayetina Reparto: Dalma Maradona, Miriam Odorico, Graciela Stefani Duración: 80 minutos Funciones: Sábado a las 20.30 hs en el Teatro Timbre 4, ubicado en México 3554
Sinopsis Comedia dramática musical con una narrativa no lineal, que entrelaza diferentes historias situadas en pasado, presente y futuro. La obra emplea el humor y la ironía como herramienta principal para atravesar la incertidumbre y la inestabilidad, que nos permita encontrar sentido a la vida en medio del caos.
Reseña Una propuesta diferente con un género que no es tan habitual de encontrar en el teatro como es la comedia musical con elementos de ciencia ficción, un cruce de géneros que transforma la obra, sin ninguna duda, en una propuesta interesante.
La historia es un recorrido sobre diferentes escenarios de tiempo, que proyecta las diversas posibilidades de un sistema que cada vez de independiza más del otro y busca su propia conveniencia para salvarse. A través de un concurso con un costo bastante elevado se habilita la posibilidad de viajar para sumergirnos en las diferentes expectativas del relato que combina con eficiencia buenos diálogos, surrealismo, música y humor para hablar sobre la condición humanas y las propias contradicciones de la sociedad. Mostrando que lo único constante es lo impredecible. Un elenco que se complementa y fluye muy bien en escena, en la interpretación de diversos y particulares personajes, está formado por el grupo teatral Los Cometa Brás, artistas de extensa trayectoria que trabajan juntos hace 38 años en variados proyectos. Su experiencia encuentra en sus composiciones la frescura, ritmo y dinamismo que mantiene la energía del relato con la misma energía de principio a fin.
La velocidad de los cambios y el constante juego escénico, acompañado por una efectiva puesta de luces se complementan muy bien a los recursos del diseño visual que se presenta en cada relato; con un texto que requiere atención para no perderse los detalles y la magia de dejarse llevar por el humor, desde donde es posible soltar el drama que esconde la trama y llevarnos a la reflexión.
Ficha Técnica:
Autor y director: Leandro Rosati
Reparto: Dalila Real, Leandro Rosati, Marcela Trajtenberg, Seba Tutt
Prensa:Adriana Schottlender
Duración: 60 minutos
Funciones: El próximo domingo 13 de julio a las 18 hs en la última función en el Teatro El Popular, ubicado en Chile 2080. A partir de agosto la obra se presentará los Viernes a las 20.30 en el mismo espacio teatral.
“Lo que esta naturalizado puede resultar insoportable. Nada es más violento que lo que aprendimos a tolerar”. Es en esta premisa donde una historia que podría ser cotidiana, gira drásticamente al cambiar los roles de sus personajes con una mirada provocadora sobre la desigualdad. Una propuesta interesante planteada con situaciones que incomodan y te van a hacer reír mucho.
Reseña Comedia dramática escrita por Yvonne Eisenring, adaptada demasiado bien por Cecilia Bassano a una obra que podría ser originalmente argentina, por su temática fuerte, profunda e incomoda, con un texto que se anima a hablar, cuestionar y hacernos reflexionar sobre el lugar que ocupa cada rol femenino-masculino en los diferentes entornos.
Una obra de teatro en la que sus protagonistas interpretan a actores que hacen una obra de teatro, en donde desde el guion se invierten los roles de escena y toda la historia toma otro sentido; es en ese juego discursivo donde se abren un montón de interrogantes sociales y se expone en un relato atrevido las diferencias personales y laborales que prevalecen en la diferencia de sexo.
Gran elección de elenco que ensamblan con naturalidad y les suman fuerza y presencia a las escenas donde los cambios de emociones se disparan a velocidad furiosa y aún en esa impronta de velocidad, uno llega a empatiza con la situación de su personaje. La presencia de Thelma Fardin, le suma un plus a su lugar ganado y tan bien logrado en un personaje con el que sus similitudes personales se terminan asociando y potencian aún más su buena interpretación.
Es muy interesante el recorrido de escena, y la posibilidad de jugar fuera de los espacios centrales le da un dinamismo interesante al desarrollo. Quiero destacar la intensidad y entrega del total del equipo que logran potenciar un relato con el que todos nos vamos a sentir identificados por el simple hecho de ser, para bien y para mal, parte de esta sociedad
Ficha Técnica Dirección: Cecilia Bassano, Matías Sendón Reparto: Fabian Carrasco, Agostina Fabrizio, Thelma Fardin, Emanuel Parga Duración: 60 minutos Funciones: Miércoles a las 20 hs en el Teatro Dumont, ubicado en Santos Dumont 4040
Han pasado 400 años desde la primera publicación oficial de la tragedia más oscura de Shakespeare: Ricardo III (La vida y muerte del Rey Ricardo III). El infame rey de York que para alcanzar el trono tuvo que asesinar a familiares directos y conspirar en la corte, sus crímenes no fueron enjuiciados y murió en combate durante el final de La Guerra de las Dos Rosas.
Shakespeare dejó este legado para las futuras generaciones de dramaturgos y actores, especialmente para los últimos, el poder encarnar a este personaje tan complejo, oscuro y desequilibrado es el mayor reto para un actor de teatro. Joaquin Furriel asume el reto y el resultado es impresionante.
»Agosto de 2012. En un estacionamiento de Leicester, debajo de un sector con una R marcada en el asfalto, son hallados los restos de Ricardo III. No es un lugar habitual para el enterramiento de un rey. Así empieza nuestra historia: una disección, no solo del turbulento pero breve reinado de Ricardo, sino también de la maldad humana que, consciente o inconscientemente, forma parte de nuestra naturaleza biológica y psicológica». Esta es la nueva versión del clásico que Adrià Reixach realiza. Una adaptación moderna donde la ciencia, la sátira, lo irracional y lo oscuro se juegan en una posición donde el espectador decidirá: ¿Quién es realmente el villano?
Protagonizada por un soberbio Joaquín Furrie junto a Luis Ziembrowski, Ingrid Pelicori, Belén Blanco, María Figueras, Marcos Montes, Luciano Suardi, Iván Moschner, Luis «Luisón» Herrera y Silvina Sabater; esta adaptación coloca a los actores en un estacionamiento donde irán yendo y viniendo y el Furriel con su magnetismo y seducción, será el depredador, las víctimas inminentes de la ambición de Ricardo III.
La puesta en escena es austera pero con elementos del cine noir, uso de verdes, negros y rojos. Ricardo III es un gangster, un gigoló y un psicópata. Barbora Horáková Joly es la encargada de representar la idea de Calixto Bieito, siendo lo más desafiante, colgar un chevrolet rojo clásico y que los actores pasen por abajo. El uso de pantallas y luces led aporta una vibra provocativa y sesentera.
Bieito se encarga de dirigir pero también del diseño de luces, su visión postmoderna de Shakespeare atrapa desde el principio, junto al diseño de video que realizó Adrià Reixach para promocionar la obra, estos realizadores se comprometen en llevar la tragedia más allá, hacia el cinismo, la crueldad y el erotismo.
La verdadera historia de Ricardo III es un giro de tuerca renovador y una visión descarada hacia el infame rey.
Disponible de miércoles a sábado a las 20 horas y domingo a las 19 en el Teatro San Martín (Sala Martin Coronado)
Esta vesion argenta deLisandro Fiks sobre la obra Hedda Gabler, del noruego Henrik Ibsen; nos trae a esta aristocrática mujer que con sus juegos de manipulación termina desencadenando un verdadera tragedia, que la arrastra a ella misma a un proceso destructivo que nadie podrá evitar.
El aburrimiento, el resentimiento, los celos, el despecho por un amor que no fue, el desprecio por las clases sociales inferiores, son algunos de los posibles motivos del accionar de Eda, una mujer aristócrata que padece la desventaja femenina frente al machismo de su entorno. Su matrimonio la condena a una vida aburrida, su casa es una prisión doméstica, pero la llegada de una antigua compañera de colegio que viene a pedir ayuda, la motiva para llevar adelante un juego peligroso de manipulación y destrucción, tanto de ella misma cómo de su entorno, y finalmente, todo se le va de las manos. ¿Qué otros motores guían los actos de Eda? Este es uno de los grandes interrogantes que Ibsen nos deja, lo que sí queda claro es que es una mujer que considera que una muerte digna tiene más valor que una vida patética, y quizás éste sea uno de los puntos fundamentales del por qué hace todo lo que hace.
Un texto que fluye con ritmo y que nos resulta mucho mas cercano que el original,una puesta en escena (también de Lisandro Fiks) prolija y seductora que no le escapa al humor ni a la tragedia, que atrapa al espectador con su trama y ágil relato. Un elenco compacto (Lisandro Fiks, Sofía González, Federico Marrale, Ezequiel Rodriguez, MartIna Zalazar) que se luce con interpretaciones mas que destacadas y siempre dando el tono justo que reclama el espectáculo.
Muy agradable de ver, muy bien realizado y muy recomendable. Viernes 20hrs. En el galpón de Guevara
Sinopsis Comedia dramática que hace un recorrido interesante sobre la historia de Frida Kahlo. Desde el accidente que cambio su vida para siempre, hasta el complejo triángulo amoroso que compartió con su esposo Diego Rivera y su hermana Cristina. Este es el relato sobre una mujer poderosa que cambio con su pintura la forma de mirar el arte.
Reseña Un recorrido amoroso, desde una mirada íntima y emotiva de la gran artista Frida Kahlo. Yo no soy Frida inicia en el Día de los muertos, una fecha tan emblemática para la cultura mexicana, donde el recuerdo constante de su persona no la deja descansar en paz, y es allí donde un poco en serio y un poco en broma comienza este relato. Un relato que no teme pasar por los sinsabores y luchas que la llevaron a explotar cada faceta de su arte como un grito de expresión al mundo. La obra nos habla de su vínculo con Diego Rivera, el muralista que enamoro y acompaño a Frida más allá de sus reveces románticos; fue su amor, apasionado y tóxico el que la acompaño a lo largo de su vida y funcionó a modo de influencia artística mutua. La historia también rescata a Cristina, su hermana menor, cuya vida quedo atrapada a la sombra de Frida, delegando a un segundo plano su imagen. Dentro de un espacio pequeño y cálido, la puesta de luces y el juego visual se impone y vuelve el argumento atractivo y entretenido. La trama se cuenta con agilidad y no deja de sorprender a todos aquellos que saben sobre la vida de la artista, ni de despertar curiosidad a quienes se acercan por primera vez a descubrir su maravilloso universo. Flor Berthold, su escritora y directora demuestra una vez más su capacidad para construir relatos de personajes complejos de manera íntima y sensible, dentro de un marco simpático que guarda la profundidad de vidas intensas y pasionales. Artistas que han marcado con sus pinturas una visión diferente, que han sabido atravesar y marcar su propio recorrido personal.
Cada uno de los artistas que son parte de la obra, logra ensamblar y encontrar su espacio para que la historia fluya; encontrando el tiempo justo para emocionar, conmover y también arrancar varias risas. Logra una trama contada a tiempo preciso, que no apura el desenlace y consigue atrapar a la audiencia con diálogos interesantes, llevados por una acertada puesta en escena.
Detalle Flor Berthold, es también la autora y directora de Vincent, el Loco rojo que nos cuenta de la apasionante vida del artista Vincent Van Gogh, y está protagonizada por Joaquín Berthod (un tremendo actor, quien es su hermano).
Ficha Técnica Dirección: Flor Berthold Reparto: Mavy Yunes, Martina Simeoni, Braian Ross Duración: 70 minutos Funciones: Viernes 20 hs en el Teatro El Grito, ubicado en Costa Rica 5459
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