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Sinopsis Una abogada estructurada y una recreóloga extrovertida, coinciden como vecinas de asiento en un colectivo que viaja desde Buenos Aires hacia San Clemente del Tuyú. Este encuentro fortuito entre dos opuestos tan marcados cambiara sus vidas para siempre. Un viaje íntimo y humano, con mucho humor, que nos invita a mirarnos hacia adentro.
Reseña Comedia musical donde el punto fuerte son las diferencias que rompen las estructuras y te van llevando por un camino donde los parecidos con la vida real se parecen demasiado, lo que hace sencillo empatizar con los personajes. Y es ahí, desde un relato bien contado con sencillez y mucha calidez, donde la historia nos trasmite un mensaje de las cosas que somos capaces de aceptar, cambiar y aprender, dejándonos ser parte de un recorrido amoroso lleno de humor con pinceladas de drama.
Una propuesta escenográfica minimalista pero efectiva, capaz de crear un universo inmenso para hablar de las presiones sociales, los mandatos familiares autoimpuestos, los sueños y la libertad personal. Un viaje interesante que encuentra el equilibrio justo para el humor, la introspección, la sensibilidad y la emoción. Con dos protagonistas histriónicas y encantadoras que se animan a transitar con encanto los distintos matices de los personajes y logran ensamblar con frescura y naturalidad cada escena. El resultado es un relato que te llevara a pensar y revisar las decisiones en la vida.
Detalle La adaptación del guion estuvo a cargo de la protagonista Julieta Sverdlick, con el plus de contar con la experimentada dirección de su padre Ricardo Sverdlick.
Ficha Técnica Dirección: Ricardo Sverdlick Elenco: Lucia Krusemann, Julieta Sverdlick Duración: 70 minutos Funciones: Sábado 22.30 hs en el Nun Teatro Bar, ubicado en Juan Ramírez de Velasco 419
En Yepeto, Roberto “Tito” Cossa pone en escena su gran capacidad para explorar los vínculos humanos con una profundidad que no necesita de mucho cotillón. La historia es simple y gira en torno a un triángulo muy particular: un profesor universitario de literatura; un joven lleno de impulsos y Cecilia, la mujer que ambos desean. Lo que parece un juego de celos y rivalidades se va convirtiendo en un retrato sobre cómo nos paramos frente al amor, la vida y el paso del tiempo según la edad que tengamos y las ganas que nos queden de seguir arriesgando.
La historia es contada con una estructura de diálogos casi artesanal que parecen casuales, pero están cargados de tensión. No hay artificios innecesarios, sino un vaivén de palabras y miradas que van revelando capas de cada personaje. Cabré, como director, potencia esa intimidad de las palabras y entiende que son necesarios ciertos respiros entre los diálogos. Hay algo cinematográfico en cómo maneja los silencios: no son baches, son segundos que abren grietas para que el público complete lo que no se dice. Hay como una suerte de movimiento interno, casi invisible, que va cambiando la temperatura de la escena sin que te des cuenta.
En las actuaciones, el contrapunto es todo. Roly Serrano le da al profesor una humanidad que evita el cliché del “profesor sabio”, es tierno pero al mismo tiempo irritable encontrando un equilibrio perfecto entre la sabiduría y la fragilidad. Alan Madanes entra con una energía que descoloca, es directo, provocador y por momentos, brutalmente sincero. Su frescura se convierte en el motor que saca al profesor de su zona de confort. Y Luisina Arito logra darle una presencia muy concreta a Cecilia en donde tiene algunas apariciones escénicas, pero de igual manera, es constantemente evocada por los otros dos personajes, aunque solamente el profesor pueda verla y conversar con ella en escena.
En Yepeto, uno de los recursos más potentes y llamativos es el paralelismo que se establece entre la realidad concreta de los personajes y la ficción poética que atraviesa sus vidas. El profesor escribe sus propias poesías y Cecilia también lo hace. La diferencia está en cómo cada uno usa la palabra para posicionarse frente al mundo. El profesor escribe con el peso de los años, sus poemas son refugio frente a una realidad que ya le queda incómoda, una forma de mantener vivo algo que teme perder: la intensidad del deseo, la frescura de la primera vez. En cambio, Cecilia escribe desde la inmediatez, desde el vértigo de lo que todavía no tiene forma. Sus poemas no son refugio, sino lanzas: exploran, arriesgan, buscan. En esa diferencia está la clave del choque generacional que sostiene la obra. La poesía no es solo un adorno literario, sino un espejo que amplifica lo que cada personaje quiere y teme.
Siguiendo con este juego de espejos entre ficción y realidad, también se plantea una pregunta interesante: ¿cuánto de lo que decimos (y escribimos) es realmente lo que vivimos? El profesor y Cecilia construyen versiones de sí mismos en sus poemas que no siempre encajan con sus actos. Esa grieta entre la voz poética y la persona real le da a la obra un aire melancólico, porque muestra que a veces escribimos más para inventarnos que para contarnos. Aquí la metáfora funciona doblemente, por un lado, la poesía es una proyección como una cierta “ficción personal” que les permite lidiar con lo que no puede resolver en la vida concreta; por otro, es una forma de seducción. El profesor y el joven no compiten solo por Cecilia como mujer, sino por su mundo simbólico, por su forma de mirar y de decir. En ese sentido, la obra sugiere que la atracción va más allá del plano físico, sino que también se juega en el terreno de las palabras y las ideas.
La escenografía acompaña de manera acertada, con elementos que tienen peso narrativo. El escritorio del profesor repleto de libros, las sillas, las bibliotecas, la iluminación tenue, todo construye un espacio íntimo, como si tuviéramos colándonos en la sala de estar del personaje. Ese realismo sirve para reforzar la sensación de que lo que pasa podría estar ocurriendo en la vida real, ahora mismo. Y ahí está el verdadero golpe de Yepeto: te hace sentir que la historia podría ser la tuya, que esas conversaciones sobre amor, tiempo y deseo no son solo teatro, sino parte de las preguntas que todos nos hacemos en silencio.
Yepeto se presenta los miércoles y domingos, a las 20.30 h, en el Teatro Picadilly (Av. Corrientes 1524, CABA).
El pasado sábado 2 de agosto, estrenó “Hasta la Gloria Bouchard” en Área 623.
Una balsa que navega perdida. El frío, la tormenta, la noche, una tierra que no aparece. Ellos son tres soldados hermanos con una misión: participar de la tercera guerra que se desarrolla en las Eurolands. Viaje sin rumbo, espera sin tiempo. En ese mar, la visita de lo inesperado está a la orden del día.
Quien asiste a “Hasta la Gloria Bouchard” se mantiene todo el tiempo estimulado. Una obra que no frena. Un ambiente eléctrico en donde la desesperación por llegar a destino se construye con todos los elementos de la puesta. Los momentos de pausa, silencio y respiración son interrumpidos por personajes extraños que irrumpen desde el fondo del mar.
Tomás Rodini, director y dramaturgo, logra un texto complejo: diálogos vertiginosos y cortados; citas textuales (que resuenan en el oído del público y crean el destiempo en el que deambula esta balsa); pasajes cargados de imágenes y figuras poéticas que quedan resonando en las butacas. Un material complejo que mantiene la intriga y encuentra su cauce.
Thiago Abalo, Ignacio Caballero y Nicolás Concilio son estos tres soldados. En sus cuerpos, la firmeza de la milicia convive con el cansancio y el abatimiento de la espera y la soledad. La desesperación los atraviesa y va creciendo. Desafìo vocal y físico del que se apropian y hacen cargo. Chano Itzcovich y Serafín Klarich, actores y músicos en escena, hacen sus apariciones dando respiros al naufragio en el que se encuentran esos tres. A través de instrumentos de percusión y de vientos, construyen el clima extrañado de este gran viaje hacia la nada. Ornella Cimarelli es quien encarna todos los personajes que visitan a la balsa perdida. Ella y la versatilidad para pasar de una máscara a otra. Su presencia da aire a la crispación construida y al estado de desesperanza que cada vez crece más y más.
Escenografía austera, no menos curiosa y prolija: un proyector y una balsa con ruedas que le dan movimiento. El vértigo en la escena se respira. El detalle y lo minucioso. Una obra que exhala trabajo.
“Hasta la gloria Bouchard”, una ficción sostenida de principio a final, una apuesta por un teatro que hable del presente desde la metáfora y la síntesis. La comunicación es imposible en ese navegar que se alarga hasta que la desesperación lo inunda todo. Tiempos de guerras ajenas, de lazos cortados, de comunicación rota, de discursos revisitados. Tiempos de ahora y de antes. “Hasta la Gloria Bouchard”, una invitación a entrar en otra frecuencia y estado. Una balsa que navega en el mar, aún en la tormenta, aún en el remanso, aún y por y a pesar de todo.
Ficha técnico artística Dramaturgia y direcciòn: Tomás Emiliano Rodini// Actúan: Thiago Abalo, Ignacio Caballero, Ornella Cimarelli, Nicolás Concilio, Chano Itzcovich, Serafín Klarich// Músicos: Chano Itzcovich, Serafín Klarich// Diseño De Proyección: Ariel Mayorga// Diseño de escenografía: Raúl Rodini// Diseño de luces: Sol Miranda// Realización de escenografía: Raúl Rodini// Redes Sociales: Nina Hack// Confección de vestuario: Camila Ohlobiak// Fotografía: Nina Hack// Diseño de imagen: Julián Rodini// Asistencia de dirección: Martina Femayor// Producción ejecutiva: Victoria Bonora//
2400 años después de que Aristófanes estrenase su comedia »Los pájaros», una compañía catalana llega a tierras porteñas a estrenar su versión, sin alejarse mucho del clásico griego pero poniendo el pie en el presente donde, los valores que hicieron especiales a los helénicos en su momento, hoy suenan prescindibles y old fashion.
La compañía de teatro La Calórica fue fundada hace quince años en Barcelona, producto de un proyecto final de un grupo de estudiantes de artes escénicas. Su trayectoria en Barcelona y en el resto de España los ha colocado en un podio donde se les puede llamar ‘referentes’ del humor político.
Esta compañía formada por los actores Xavi Francés, Aitor Galisteo Rocher, Marc Ruis y Esther López se presenta por primera vez en Argentina durante una larga gira internacional. Bajo la dirección de Israel Solà, llega uno de los favoritos del público: La versión postmodernista del clásico de Aristófanes.
»El joven empresario Pistetero y su compañera Evélpides no pueden volver a casa. Tampoco se les ocurre dónde podrían vivir la vida cómoda, relajada y libre de impuestos que anhelan. A partir del encuentro accidental con una inocente abubilla en mitad del bosque se plantearán un cambio de estrategia: ¿Y si renunciaran a su condición humana y se convirtieran en aves? O todavía mejor: ¿y si convencieran a las aves del mundo para crear una nueva sociedad basada en los principios fundamentales de individuo, propiedad y competencia?» Esta es la sinopsis de la adaptación de Joan Yago.
Este espectáculo de 90 minutos es un show con todas sus formas. Una lluvia de referencias históricas, políticas y una mordaz sátira a la sociedad actual. Mediante el uso del clown, la parodia, el performance y el rompimiento de la cuarta pared; los actores entregan toda la energía de sí para ofrecernos una obra que no para y no descansa con su mensaje. Es ácida, cómica y nos pone de frente los tiempos modernos en los que vivimos pero no para darnos una lección, para reírnos de lo ridículo que se ha vuelto el sistema.
Albert Pascual es el encargado del diseño de iluminación, escenografía y vestuario, respecto a este último, es increible la cantidad de cambios que poseen los actores, incorporando vestidos plumosos que presentan a algún ave emblemática, sotanas, trajes y uniformes.
La obra cuenta con momentos musicales muy divertidos donde el público podrá interactuar, también con gags afinados y otros punzantes que son flechas hacia la realidad latinoamericana.
A pesar de que La Calórica no hable de vos ni con yeísmo rehilado, el mensaje es universal y la conexión que causa con el público porteño es única. Es por eso que el teatro porteño y el barcelonés suelen congeniar muy bien: Un uso atinado del humor y el tratamiento de la realidad política.
Las Aves se presenta hasta este domingo en la sala Casacuberta del San Martín.
«Quien no sabe de amores llorona, no conoce el martirio» Esta es la frase más demoledora de la canción ‘La llorona’, que si bien fue creada en la década de los cuarenta, fue inmortalizada por Chavela Vargas.
Nacida en Costa Rica pero de alma 100 % mexicana, la cantante rompió todos los moldes de género al ser una referente de la música ranchera, dominada por hombres. Una mujer que le cantaba a otras mujeres y al tequila, esto causó conmoción no solo en México sino en el resto del mundo. Chavela murió en 2012 a los 93 años bajo una vida sufrida pero plena, su música es inmortal y el musical de Leo Rizzi rinde el homenaje que necesitábamos.
»La noche antes de su recital en el Olympia de París, Vargas entrelaza recuerdos y canciones, evocando su increíble historia de vida y lucha. Las clásicas canciones de la Chamana nos van contando su historia de superación y resistencia». Esta es la reseña de La Vargas, escrita y dirigida por Leo Rizzi.
Protagonizada por Karina Levine (Chavela) y Mona de Marco (periodista y Frida Kahlo). Las actrices entregan un perfomance poderoso al interpretar grandes éxitos de los corridos mexicanos, boleros y rancheras de despecho. El gran trabajo de voz y sus expresiones, son capaces de conmover a cada espectador, que sin conocer quien fue Chavela Vargas o no estar interiorizado en la cultura mexicana, puede sentir esta historia y sufrir con ella.
Leo Rizzi además de hacer el estudio de la cantante, hace un homenaje a los amores imposibles y a aquellas personas que, al elegir ser libres y al defenderse del mundo con violencia, terminan en el camino de la soledad.
Mona de Marco además de actuar, diseña los vestidos inspirados en el folclore musical mexicano. El blanco y las flores están presente y ambas actrices poseen la habilidad de hacer los cambios de vestuario y peluquería mientras se desarrolla la obra
Levine y de Marco poseen una química actoral enternecedora. Ambas abrazan a sus personajes y perdonan sus defectos. La pasión que colocan al cantar rancheras es sublime.
La Vargas está disponible en Buenos Aires luego de una gran gira por Mar del Plata. Está disponible los sábados de agosto a las 21 horas.
Obra del autor ya conocido por los teatreros porteños, Ivor Martinic, nos lleva a recorrer el mundo de personajes que rodean a una mujer de mediana edad. Que se desdobla en demasiadas facetas para poder cumplir con todos sus roles; es madre, hija, ex, amante y buena amiga también; pero pese a esa intensidad de obligaciones, se siente sola y con el paso del tiempo que la acecha.
“Yo soy Mirjana: Estoy sentada a la mesa. Tomé un sorbo de café de la taza, le agregué un poco de leche. Tomé un atado de cigarrillos y me prendí uno. Estoy fumando. En el fondo se escucha una música ligera”.
Con una necesidad contante de reacomodar su vida y sus muebles; de liberarse de las incomodidades, como la de los zapatos; esta mujer avanza como puede, presentado batalla.
Roberto Aguirre, experimentado director, lleva aquí el relato con firmeza y buen ritmo. Destacada labor de Yamila Ulanovsky al frente de un elenco que cumple con creces ( Amanda Bond, Daniela Caldora, Graciela Cirigliano, Lucia Clavel, Juan Creus, Miguel Octavio Luna, Gonzalo Martinez Castro). Jueves 21 hrs. En Muy Teatro, Humahuaca 4310, C.A.B.A.
El martes pasado por la tarde, el Teatro Colón abrió sus puertas a la prensa para presentar oficialmente lo que será una de las noches más esperadas del año: la Gala por los 100 años del Ballet Estable que se celebra hoy, 7 de agosto, a las 20 h en el escenario principal.
El encuentro se llevó a cabo en el Centro de Experimentación del Teatro y reunió autoridades, artistas, periodistas y muchas emociones. Estuvieron presentes la Ministra de Cultura de la Ciudad, Gabriela Ricardes; el Director General del Colón, Gerardo Grieco; y la Directora Adjunta del Ballet, África Guzmán, quienes compartieron su entusiasmo por esta celebración que pone en valor un siglo de historia, arte y excelencia.
También participaron varias de las figuras que van a brillar esta noche: artistas argentinos que triunfan en el exterior como Marianela Núñez (The Royal Ballet), Herman Cornejo (American Ballet Theatre), María Celeste Losa (Teatro alla Scala), Ludmila Pagliero (Ópera National de París) y Sergio Neglia, entre otros/as. Asimismo, participarán invitados internacionales como Nicola Del Freo (Teatro alla Scala), Tiler Peck (New York City Ballet) y Viengsay Valdés (Ballet Nacional de Cuba), entre muchos otros nombres de primer nivel que formaron parte del Ballet Estable y hoy regresan al Colón para celebrar este aniversario tan especial.
Durante la presentación, las autoridades remarcaron que la Gala no sólo es un homenaje al pasado, sino también una declaración de futuro: “Esta gala es un grito artístico de lo que fuimos y lo que somos. Y una promesa de lo que vamos a seguir siendo”, dijo Gerardo Grieco. Por su parte, la Ministra Ricardes destacó que “cada bailarín y bailarina es un embajador cultural del Colón en el mundo”.
El programa de esta noche combina clásicos del repertorio como El lago de los cisnes, Paquita o Carmen, con obras contemporáneas tales como Chacona, Romance del Diablo y After the Rain. También se suman la Orquesta Estable, bajo la dirección de Beatrice Venezi y Manuel Coves, y el Coro Estable del Teatro.
Con entradas agotadas y una gran expectativa, la función promete ser un viaje emotivo y nostálgico por la historia del Ballet Estable, una compañía que no sólo forma parte del patrimonio cultural argentino, sino que sigue escribiendo su legado con cada paso, cada salto y cada función.
Sinopsis Una pareja fanática del cine de acción secuestra a su vecino al sospechar que se trata de un espía del Estado, por quien podrían exigir una importante recompensa. Esta circunstancia cargada de enredos, los llevará a situaciones extremas que revelaran lo que se oculta detrás de cada uno de los personajes.
Reseña Comedia de suspenso con gran dinamismo narrativo, llena de momentos intrépidos y un humor bien dosificado. El elenco, integrado por actores histriónicos y versátiles que saben encontrar el tiempo justo para desbordarse con sus personajes y generar situaciones desopilantes y bizarras sumamente encantadoras.
Leo Prestia sabe cómo ordenar historias para que, con el paso de los minutos, se vayan potenciando y den como resultado obras completas, bien construidas y con finales interesantes. Una de película es una comedia ingeniosa, entretenida y fresca que logra sostener la adrenalina, la emoción y el ritmo, dejando como resultado una obra entretenida con diálogos ocurrentes.
La puesta en escena se destaca por una escenografía eficaz, una iluminación bien lograda y una acertada musicalización que crea momentos interesantes propios de la trama de suspenso. Una obra con un guiño para los cinéfilos de corazón que llega como una opción ideal para reírse y dejarse sorprender.
Detalle Leo Prestia es también el director de Claveles rojos (Viernes 20.30 hs en Teatro El Ojo) un drama basado en hecho reales del que es imposible no enamorarse.
Ficha Técnica Dirección: Leo Prestia Reparto: Alfredo Castellani, Irene Almus, Pablo Finamore, Florencia Patiño Duración: 70 minutos Funciones: Lunes 20 hs en el Teatro Del Pueblo, ubicado en Lavalle 3636
Después de tres funciones en el mes de julio, el miércoles 6 de agosto vuelve “Menos detalles” al Galpón de Guevara.
Madre e hija. Un viaje. Parten las dos. Vuelve sólo una, la hija. La vida dada vuelta. La pérdida, la ausencia hecha sombra, el recuerdo borroso, el intento imposible por comunicar. Silencio. Silencio. Silencio. Por favor, menos detalles.
“Menos detalles” apuesta por contar una historia con la menor cantidad de palabras posibles. ¿Cómo narrar la ausencia? ¿Cómo describir la contundencia de una vida que cambia radicalmente? ¿Y el dolor? ¿Y la pérdida? Teatro de objetos, teatro de sombras, humor y drama, canción. Ella ahí, en soledad, se vale de todo lo posible para dar vida al recuerdo. En cuanto el fluir de la palabra asoma, pausa. El afuera pide menos. Siempre al borde del llanto que no sale, la risa que brota y frena, Carolina Saade encarna a la niña- mujer- hija que vaga en este nuevo presente. De un viaje que prometía ser maravilloso a una realidad marcada por el desconcierto y la oscuridad, la actriz encuentra el humor sutil con el cual abordar esa, su nueva vida. Carolina Saade baila, canta, actúa en distintos registros, construye la densidad de un momento lúgubre para pasar a la alegría inocente de quien aún no se ha dado cuenta de que debajo del mar navega un monstruo por momentos horrible, por momentos hermoso… Como la memoria, quizás. Carolina no está sola, comparte el escenario con Gerardo Porión, responsable del manejo de objetos y marionetas en escena. Entre ambos, logran dar vida a los extraños con los que esta hija se va encontrando: un elenco formado por hombres de goma eva, peces monstruosos, gatos negros. Sola y no tanto.
Casi no hay información concreta, datos. En los huecos, el relato silenciado surge de otro modo por y a pesar del entorno que pide “Por favor, menos detalles”. El silencio, lo que no se dice, encuentra su cauce en otros lenguajes escénicos que se combinan para narrar el todo. El aspecto visual cautiva y sorprende. Además de los objetos y marionetas, la obra exprime las posibilidades del teatro de sombras, creando un espacio onírico propio del recuerdo. La sombra, también como modo de abordar la ausencia, lo fantasmal: siempre presentes a la vez que intangibles. La música y el sonido también tienen un lugar especial. Las canciones dan aire y cuentan. Canciones jugadas, canciones que atraviesan, canciones que se hacen propias. La obra se construye como un material con fuerte identidad visual, sonora y actoral.
Espacio de ensueño, de inanimados animados, de recuerdo hecho cuerpo y canción, de imágenes y climas, de fantasmas que sólo hablan a través del yo que los convoca. “Menos detalles” y el dolor, la pérdida, el humor, la magia y la ilusión. Una forma otra de narrar en escena.
FICHA ARTÍSTICO- TÉCNICA Guión: Gustavo Tarrío// Texto: Rocío Gómez Cantero// Actúan:Gerardo Porión, Carolina Saade// Vestuario: Paola Delgado// Diseño de arte: Paola Delgado// Diseño de títeres: Gerardo Porión// Realización de escenografia: Francisco Arando, Agustin Valle// Canciones: Gustavo Tarrío, Pablo Viotti// Realización de títeres: Gerardo Porión// Música original: Pablo Viotti// Diseño De Iluminación: Fernando Berreta// Fotografía: Nacho Lunadei// Comunicación: Rebeca Crespo Diaz// Diseño gráfico: Estudio Gráfico Trineo// Asistencia de dirección: Julian Gimenez Zapiola// Prensa: Marisol Cambre// Producción general: Valeria Casielles, Rocío Gómez Cantero// Diseño de movimientos: Milva Leonardi// Dirección: Gustavo Tarrío
Sinopsis Abre tus alas es el nuevo espectáculo del Circo Anima creado por Flavio Mendoza. Un show plagado de magia, color y música, que reúne a talentosos acróbatas, trapecistas, contorsionistas y artistas de múltiples disciplinas. Una propuesta interesante que no puede faltar en tu agenda, para estas vacaciones de invierno.
Reseña Escandalosamente atractivo, provocador e irreverente. Un cachetazo de belleza visual, tallado con la calidad estética y el cuidado tan característico de Flavio Mendoza. Sí, Flavio Mendoza, un profesional capaz de provocar asombro y emoción no solo a niños, sino también, a adultos fascinados ante esta puesta en escena.
Con un vestuario que deslumbra y se destaca en calidad y extravagancia. Desde una estética visual que cuida el detalle de los pequeños momentos, en donde cada elemento cobra vida detrás de un artista, con coreografías que derrochan talento y se atreven a ir a jugar con el riesgo. La presencia de Flavio Mendoza enaltece cada instante que está en escena; siempre es grato descubrirlo en su constante búsqueda de la perfección, transmitiendo su entrega absoluta a todo lo que ofrece. Sin temor a las alturas, a la adrenalina, a cada truco con obstáculo que enfrenta desafiante, es hermoso encontrarlo entregándose a cada disciplina.
Todo en el universo de Circo Anima respira vida propia, y lo atractivo de ese movimiento constante lo hace bellamente pretencioso, no deja de sorprender desde todos los ángulos que es posible que todo pase y nos lleve a su universo inmersivo.
Pero hay algo mejor, entender el motivo que mueve la pasión e impulsa a un espectáculo que, en la calma del final, cuando en lo simple, se encuentra al artista hablando del verdadero sentido de todo. En ese pequeño instante de emoción uno entiende lo que mueve a un protagonista capaz de crear su propio mundo y compartirlo con los que quieran apreciar la belleza y su universo de magia.
Ficha Técnica Dirección: Flavio Mendoza Reparto: Acompañan a Flavio Mendoza en el espectáculo músicos, cantantes, bailarines y artistas que se desempeñan en múltiples disciplinas.
Duración: 120 minutos Funciones: De Miércoles a Viernes a las 20 hs, Sábados y Domingos doble función a las 17 y a las 20 hs. en la Carpa instalada en el predio del Casino de Puerto Madero, Avenida Elvira Rawson de Dellepiane 1.
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