Por A.R

Esta vesion argenta deLisandro Fiks sobre la obra Hedda Gabler, del noruego Henrik Ibsen; nos trae a esta aristocrática mujer que con sus juegos de manipulación termina desencadenando un verdadera tragedia, que la arrastra a ella misma a un proceso destructivo que nadie podrá evitar.

El aburrimiento, el resentimiento, los celos, el despecho por un amor que no fue, el desprecio por las clases sociales inferiores, son algunos de los posibles motivos del accionar de Eda, una mujer aristócrata que padece la desventaja femenina frente al machismo de su entorno. Su matrimonio la condena a una vida aburrida, su casa es una prisión doméstica, pero la llegada de una antigua compañera de colegio que viene a pedir ayuda, la motiva para llevar adelante un juego peligroso de manipulación y destrucción, tanto de ella misma cómo de su entorno, y finalmente, todo se le va de las manos. ¿Qué otros motores guían los actos de Eda? Este es uno de los grandes interrogantes que Ibsen nos deja, lo que sí queda claro es que es una mujer que considera que una muerte digna tiene más valor que una vida patética, y quizás éste sea uno de los puntos fundamentales del por qué hace todo lo que hace. 

Un texto que fluye con ritmo y que nos resulta mucho mas cercano que el original,una puesta en escena (también de Lisandro Fiks) prolija y seductora que no le escapa al humor ni a la tragedia, que atrapa al espectador con su trama y ágil relato.
Un elenco compacto (Lisandro Fiks, Sofía González, Federico Marrale, Ezequiel Rodriguez, MartIna Zalazar) que se luce con interpretaciones mas que destacadas y siempre dando el tono justo que reclama el espectáculo.

Muy agradable de ver, muy bien realizado y muy recomendable.
Viernes 20hrs. En el galpón de Guevara

Por @soynancybenegas

Sinopsis
Comedia dramática que hace un recorrido interesante sobre la historia de Frida Kahlo. Desde el accidente que cambio su vida para siempre, hasta el complejo triángulo amoroso que compartió con su esposo Diego Rivera y su hermana Cristina. Este es el relato sobre una mujer poderosa que cambio con su pintura la forma de mirar el arte.

Reseña
Un recorrido amoroso, desde una mirada íntima y emotiva de la gran artista Frida Kahlo. Yo no soy Frida inicia en el Día de los muertos, una fecha tan emblemática para la cultura mexicana, donde el recuerdo constante de su persona no la deja descansar en paz, y es allí donde un poco en serio y un poco en broma comienza este relato.
Un relato que no teme pasar por los sinsabores y luchas que la llevaron a explotar cada faceta de su arte como un grito de expresión al mundo. La obra nos habla de su vínculo con Diego Rivera, el muralista que enamoro y acompaño a Frida más allá de sus reveces románticos; fue su amor, apasionado y tóxico el que la acompaño a lo largo de su vida y funcionó a modo de influencia artística mutua. La historia también rescata a Cristina, su hermana menor, cuya vida quedo atrapada a la sombra de Frida, delegando a un segundo plano su imagen.
Dentro de un espacio pequeño y cálido, la puesta de luces y el juego visual se impone y vuelve el argumento atractivo y entretenido. La trama se cuenta con agilidad y no deja de sorprender a todos aquellos que saben sobre la vida de la artista, ni de despertar curiosidad a quienes se acercan por primera vez a descubrir su maravilloso universo.
Flor Berthold, su escritora y directora demuestra una vez más su capacidad para construir relatos de personajes complejos de manera íntima y sensible, dentro de un marco simpático que guarda la profundidad de vidas intensas y pasionales. Artistas que han marcado con sus pinturas una visión diferente, que han sabido atravesar y marcar su propio recorrido personal.

Cada uno de los artistas que son parte de la obra, logra ensamblar y encontrar su espacio para que la historia fluya; encontrando el tiempo justo para emocionar, conmover y también arrancar varias risas. Logra una trama contada a tiempo preciso, que no apura el desenlace y consigue atrapar a la audiencia con diálogos interesantes, llevados por una acertada puesta en escena.

Detalle
Flor Berthold, es también la autora y directora de Vincent, el Loco rojo que nos cuenta de la apasionante vida del artista Vincent Van Gogh, y está protagonizada por Joaquín Berthod (un tremendo actor, quien es su hermano).

Ficha Técnica
Dirección: Flor Berthold
Reparto: Mavy Yunes, Martina Simeoni, Braian Ross
Duración: 70 minutos
Funciones: Viernes 20 hs en el Teatro El Grito, ubicado en Costa Rica 5459

Por @soynancybenegas

Sinopsis

Rocky Balboa, un boxeador amateur que trabaja como cobrador de deudas, recibe un día la inesperada oportunidad de enfrentarse al campeón mundial de peso pesado Apollo Creed en una pelea que cambiara su vida para siempre. Una historia que habla de resiliencia, el valor de la perseverancia y la lucha contra la adversidad.

Reseña
Seguramente todos, en algún momento hemos visto Rocky; la historia del boxeador en busca de una oportunidad que le permita cambiar su destino que tan bien logro llevar al cine Sylvester Stallone en los años 70. El gran éxito que la película logro tener desde entonces se mantiene en la memoria de los fans de la saga, que aguardan con altas expectativas la versión teatral que tiene como protagonista y director a Nico Vázquez, en esta puesta en escena con sello argentino.
Lo valioso de esta adaptación es,  no solo el respecto que la narración tiene en esta gran adaptación teatral hacia su versión original, sino el cuidado y la prolijidad hacia los detalles de momentos claves e inolvidables para el público, siendo una experiencia única y emocionante ser parte de la función.
La puesta en escena y cada espacio recreado, desde el gimnasio, hasta la casa de los protagonistas, y otros recorridos que cuenta la trama se han logrado recrear de manera imponente y acertada. El despliegue en el espacio escénico junto a cada detalle inmersivo, logran algo visualmente sorprendente lo que hace de la obra no solo un gran texto llevado al escenario, sino un logro creativo del que como espectadores nos sentimos orgullosos.

Nico Vázquez construye un Rocky humilde, intenso y carismático que se sumerge en la complejidad del personaje a través todo su ser. Con sus gestos, en cada movimiento, incluso con su voz; evidencia el compromiso notable con el que se preparo a lo largo de muchos meses y demuestra con altura estar preparado para brindar con convicción un personaje que requiere fuerza, sensibilidad y humildad.

Con compañeros de elenco correctamente elegidos que más allá de sus destacadas actuaciones guardan similitudes físicas notables con los personajes a los que dan vida. Daiana Fernández, logra capturar la esencia de Adrian, aportando calidez en su rol de compañera fiel y sensible que enamora a Rocky. La fabulosa y creíble interpretación de David Masajnik, logra transmitir la dureza y dedicación de Mickey, el entrenador que acompaña e impulsa al boxeador. Merlyn Nouel como Apollo Creed, le da la contraparte tan característica de oponente, mostrando un rival preparado que destaca con actitud y presencia escénica.
La puesta de luces, la ambientación y los escenarios que cambian oportunamente son un acierto absoluto, pensado y creado cuidadosamente a detalle para sumergirnos en la emoción, alegría y nostalgia sin dejar de sorprender. Una propuesta super recomendable, pensada para los que vieron la peli varias veces y también para quienes recién la descubren, con un mensaje simple y directo que nos invita a nunca bajar los brazos y seguir peleando por nuestros sueños.

Detalles
La película se estreno en el año 1976, fue escrita y protagonizada por Sylvester Stallone, dirigida por John G. Avildsen. Ganó el Premio Oscar a la Mejor Película y Director.

Ficha Técnica
Dirección: Nicolas Vázquez y Mariano Demaria
Reparto: Nicolas Vázquez, Daiana Fernández, David Masajnik, Merlyn Nouel, Georgina Tirotta, Mercedes Oviedo
Duración: 100 minutos
Funciones: Jueves 20.30 hs, Viernes 21 hs, Sábado 19 y 21.30 hs, Domingo 21.30 hs en el Teatro Lola Membrives, ubicado en Avenida Corrientes 1280

Por @soynancybenegas
Sinopsis
Dos monjas brindan refugio inesperado, a un joven activista perseguido por las fuerzas militares. En este acto de compasión, las hermanas se enfrentan a dilemas éticos y personales que la llevan a cuestionar el papel de la iglesia frente a la represión, y su propia fe en tiempos de censura y temor.

Reseña
Historia provocativa, tan bien escrita por el gran autor Juan Carlos Gené, que a pesar del tiempo transcurrido desde su creación mantiene un mensaje vigente y necesario. Un relato profundo, íntimo y sensible que aborda el crudo enfrentamiento entre el poder y la defensa de los ideales.

Una escenografía de carácter minimalista, que enfatiza el peso de la historia. Con diálogos profundos, música precisa y una puesta de luces sugerente, que construye una atmosfera tensa, que incomoda y la vez atrapa. El transcurso de la trama es ágil, con momentos de suspenso y adrenalina bien dosificados que logra mantener la atención y el interés.

Gran selección de todo el elenco, que permite encontrar el equilibrio justo para cada personaje, sin descuidar la sensibilidad y la fuerza que el texto necesita. Bella y profunda interpretación de Eva Capusotto que sostiene y fortalece el fluir del relato. Todo esto bajo la acertada dirección de Gustavo Armas, quien con sutileza y firmeza construye una escena que respeta la esencia de la obra y realza su mensaje atemporal

Destacan especialmente los momentos de tensión; los gritos, los susurros, la intimidación sonora junto a la velocidad de las acciones a tan corta distancia, logran provocar una sensación de impotencia constante sumergiendo al espectador en la urgencia dramática de la historia.
Una historia que no teme abordar lo incomodo, en esa difícil relación entre política y religión, tan distantes y tan incómodamente cercanas. Una confrontación que encuentra matices, exponiendo si acaso es posible, alcanzar acuerdos, en contextos adversos. Un llamado a sostener nuestras creencias, sin dejar desmoronar la fe para reconstruir desde la convicción.

Ficha Técnica
Dirección: Gustavo Armas
Reparto: Nico Bustos, Eva Capusotto, Guadalupe Farina, Jonás Labarriel, Leandro Mayer, Gabriela Mefano, Pablo Paillaman Pieretti, Nayla Perujo, Khalil Romero, Juan Tammaro.
Duración: 70 minutos
Funciones: Viernes 21.30 hs, en el Espacio Cultural La Fragua, ubicado en Avenida Rivadavia 4127

La cordura de la educación

Luego de siete años de su estreno, se despide (al menos por ahora) »Pundonor», clásico  del teatro porteño y de calle Corrientes.

Seis temporadas y una gira internacional que abarcó países como España y Venezuela, el monólogo de Andrea Garrote no envejece y se mantiene fresco al día de  hoy.

»Pérez Espinosa: una profesora universitaria, Doctora en Sociología, que vuelve al aula después de tomarse unos meses de licencia. Pero la clase que debe dar, una introducción a la obra de Michel Foucault se interrumpe constantemente debido a su frágil situación. Necesita dar explicaciones sobre su comportamiento, aparentemente necesita redimirse».

Hay un folklore que rodea el área de sociales y filosofía, una guerra de ideas y teorías que van más allá de lo personal. Es en la facultad de PUAN donde lo real y lo lógico se pierden, este es el caso del personaje construido por Andrea Garrote, una mujer que lleva lo personal y lo filosófico a su clase pero,  ¿Qué es lo normal y que es lo aceptado?

Santiago Badillo recrea a la perfección un aula de universidad pública, madera de pino, una pizarra de tiza, una silla de cuero y un escritorio cuya edad data de la fundación del instituto; ayudan a la actriz  a desenvolverse. El juego de luces que ejerce Badillo, sobre todo al final, es increíble. sabe cómo lograr el clímax con su puesta en escena.

Si bien Andrea Garrote escribe y actúa,  Rafael Spregelburd acompaña  en la dirección. Aunque el monólogo lleva siete años en escena, el paso del tiempo lo va puliendo.

Lo interesante de Pundonor es que al ser una obra intelectual, no aburre ni llega a espantar al público con sus citas filosóficas, se basa más en la historia de una profesora cuya cordura se va perdiendo a lo largo de su clase. Somos testigos de su decadencia emocional pero a su vez, entendemos cómo funcionan los mecanismos de control y moral que impone la sociedad.

Pundonor es un monólogo imperdible que no pasa de moda y que transporta el mundo de la educación, el drama personal y la locura a las risas del espectador.

Disponible los domingos a las 18 en el Teatro Picadero.

Escribe Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Sofía Luna Roberts

Hay obras que no necesitan grandes escenografías ni elencos numerosos para provocar una experiencia intensa. Muerde, escrita y dirigida por Francisco Lumerman e interpretada por Luciano Cáceres, es una de ellas. En apenas cincuenta minutos, la obra logra sumergirnos en un universo duro y silencioso: el de René, un hombre con retraso madurativo que ha sido encerrado en el taller familiar desde que era niño. Lo encontramos manchado de sangre, confundido, y a partir de allí comienza un viaje emocional donde los recuerdos, el cuerpo y el lenguaje se mezclan de forma inquietante. Muerde se presentará los días domingo (del 22/06 al 29/06) a las 16:00 h, el sábado 09/08 a las 20:30 h, los domingos (del 10/08 al 17/08) a las 20:15 h y el jueves 21/08 a las 21:00 h en la Sala Timbre 4 (México 3554).

La escenografía es minimalista: en el medio se presentan una mesa de madera, algunas herramientas y mucho aserrín. Pero no hace falta más. La iluminación, diseñada con precisión, marca los momentos de mayor tensión emocional (hay luces rojas que parecen gritar lo que René no puede decir), y el diseño sonoro aporta una sensación constante de amenaza, con ladridos o golpes que llegan desde afuera. Todo en la puesta está pensado detenidamente para que entremos en ese encierro no sólo físico, sino también mental y afectivo.

Luciano Cáceres sostiene el relato con una entrega conmovedora. Su cuerpo, su respiración, sus silencios dicen tanto como sus palabras. En su interpretación hay algo profundamente humano y vulnerable: René es frágil, sí, pero también salvaje, confuso, herido. Cáceres no actúa para emocionar, sino para ser fiel a ese personaje quebrado, y eso lo vuelve aún más impactante. Es un trabajo corporal y emocional muy bien cuidado.

Lo que llama la atención de Muerde es que no da respuestas fáciles. La obra toca temas sensibles y comunes como el abandono, la discapacidad, la violencia familiar y la exclusión social, pero sin caer en lo obvio ni en el golpe bajo. Todo se insinúa, se sugiere, y es el espectador quien completa lo que falta en la historia. Esa ambigüedad narrativa, lejos de ser una traba, se convierte en una herramienta poética que da profundidad al drama.

Muerde no busca ser una obra cómoda. Es una propuesta honesta, cruda y cuidada. Lumerman acierta con un texto y una dirección que no sobreactúan, y Cáceres se entrega por completo a un personaje que es todo dolor y verdad. La obra deja una marca, no sólo por su calidad artística, sino por la potencia de lo que propone: mirar lo marginal sin filtros, sin estereotipos, sin metáforas innecesarias, con la contundencia de una mordida que no se olvida fácilmente.

«Una Navidad de Mierda»: Risas Aseguradas en un Caos Familiar

«Una Navidad de Mierda» es una comedia desopilante que promete una noche de pura diversión y risas ininterrumpidas. La obra, dirigida por la talentosa Verónica Llinás junto a Peto Menahem, nos sumerge en el caótico reencuentro de una familia que lleva tres años sin dirigirse la palabra. La excusa: la llegada de la hija menor desde Londres, acompañada de su novia Cindy.
Lo que empieza como un intento de reconciliación y aceptación rápidamente se desbarranca en una cena delirante. La expectativa de conocer a Cindy se convierte en desconcierto cuando, misteriosamente, nadie parece verla o encontrarla. Este punto de partida tan particular es solo el inicio de una noche llena de secretos, engaños y viejas heridas que salen a la luz. Los regalos «odiados» y la dinámica disfuncional de la familia contribuyen a un ambiente de comedia absurda y muy efectiva.

La trama, aunque simple en su concepto, logra ser el telón de fondo perfecto para el lucimiento de un elenco de lujo. Verónica Llinás, Alejo García Pintos, Tomás Fonzi y Anita Gutiérrez demuestran su gran talento, llevando al escenario personajes con situaciones personales complejas y no siempre agradables. La forma en que sus desgracias, el amor y sus comportamientos se entrelazan es lo que convierte a «Una Navidad de Mierda» en una gran comedia.
La combinación de un equipo sólido, desde la dirección hasta la producción de RGB Entertainment, asegura una obra bien lograda que cumple con su objetivo: hacer reír. Si buscas desconectarte, pasar un buen rato y olvidarte de todo por un momento, esta «Navidad de Mierda» es el plan perfecto. Te garantizamos que no pararás de reír.

Lo absurdo es político

Lo ridículo, lo absurdo y lo increíble forma  (y siempre formó) parte de la política. La silla presidencial ya no se alcanza con experiencia y competencia, se llega con carisma; un encanto Tik Tok: Quien tiene más likes es quien gana y las ¿Elecciones? Son solo un papeleo.

»»En una de las reuniones más importantes del país, los dirigentes tienen que ponerse de acuerdo en las medidas a seguir. Sin embargo, tanto los unos como los otros y los contrarios se pierden en sus propios intereses hasta el punto de distorsionar los límites de la realidad y del lenguaje con tal de no ceder a su… cuti po cuti si cuti ción.» Es la sinopsis de La Convención, clásico del humor satírico venezolano, original del maestro Humbero Osirni, fallecido hace casi diez años.

Estrafalaria, frenética, crítica y alocada, es ‘La Convención’, obra adaptada por Raul Meoz y dirigida por Andrés Machillanda.

Con un elenco aparatoso que va desde jóvenes promesas y actores experimentados, diez sindicalistas deben elegir un presidente y en el contexto actual las indirectas a los partidos clàsicos y el regente no se van a escapar.

Keila Eidelstein, Julián La Regina, Sofia Leis, Naiara Luque, Marcos Luquin, Lucas Miguel, Luisina Pereyra, Matt C, Paloma Santos y  Víctor Wolf son los actores de La Convención. En cincuenta minutos y en un espacio reducido, soltarán ideas sin sentido al aire hasta que logren chocar con la realidad absurda; el equipo de intérpretes posee una coordinación increíble para no tropezar entre sí, es un perfomance de muchísimo movimiento, energía y locura. La dirección de actores de Machillanda es eficiente, no solo para coordinar a esta decena de chicos, sino para mantener el ritmo de la obra bien arriba, desde que comienza cuando estos rompen la cuarta pared y saludan al público y  hacia el final.


El diseño de luces del teatro Artesán es plausible al saber  como usar la paleta de colores e introducirnos en una distopía política que está pasando frente nuestras narices y al salir del teatro.La convención regresa el mes de julio el Teatro Artesán.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Reseña de «La Sirenita» en el Teatro Gran Rex

El Gran Rex se ha vestido de gala con el esperado estreno de prensa de «La Sirenita», una vibrante adaptación musical de 90 minutos del clásico animado de Disney de 1989. Esta producción promete ser la apuesta fuerte de la temporada, trayendo a la vida la entrañable historia de Ariel, una joven sirena cautivada por el mundo humano, cuya aventura se ve coronada por el triunfo del amor al conocer a un apuesto príncipe.

En cuanto a la trama, la obra se mantiene notablemente fiel al relato cinematográfico original, aunque se toma ciertas licencias creativas para enriquecer los números musicales, potenciar la puesta teatral y añadir algunos guiños locales que contextualizan la adaptación. El resultado es un espectáculo sumamente divertido, con escenas musicales en las que el ensamble brilla con luz propia. La escenografía, los vestuarios y la puesta en escena, llenos de colorido, realmente deslumbran y contribuyen a la magia del mundo submarino y terrestre.

«La Sirenita» es un personaje icónico y muy querido, no solo por los más jóvenes, sino también por aquellos que crecieron con la era dorada de los films animados de Disney. La elección de Albana Fuentes como Ariel ha sido, sin duda, la más acertada. La actriz logra transmitir el carisma necesario para el papel, y su potente voz, uno de los pilares fundamentales de la historia y la puesta, es impecable. Su interpretación consigue emocionar al público, consolidándola como una de las grandes revelaciones de la temporada.
El resto del elenco también se destaca con interpretaciones memorables. José María Listorti ofrece un Sebastián muy divertido, mientras que Evelyn Botto encarna a una elocuente y malvada Úrsula. Pablo Turturiello interpreta al príncipe, y Osvaldo Laport da vida al rey Tritón, completando un reparto sólido y talentoso.

La producción general de la obra es impecable. Desde los coloridos vestuarios que definen a cada personaje hasta las elaboradas escenografías que recrean los diversos ambientes de la historia, cada detalle ha sido cuidado. El sonido en el teatro es excelente, lo que, sumado a las potentes voces del elenco, crea una experiencia auditiva muy disfrutable. La única observación, aunque mínima, es en relación a algunas imágenes de fondo proyectadas en pantalla que, en ciertos momentos, parecen generadas por inteligencia artificial, desentonando ligeramente con el nivel general de la escenografía.

En definitiva, «La Sirenita» es la gran propuesta de este año, superando las expectativas y encantando tanto a grandes como a chicos. Con la destacada actuación de Albana Fuentes a la cabeza, esta producción del Gran Rex está destinada a ser el éxito indiscutible de la temporada de invierno.

Las entradas pueden adquirirse en hasta 6 cuotas sin interés con tarjeta SANTANDER VISA. La compra de entradas puede realizarse de manera online en TUENTRADA.COM y en la boletería del Gran Rex.



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Carmen, la obra creada por George Bizet, se presenta en el Teatro Broadway con un fusión de ópera y ballet, al cumplirse cincuenta años de su estreno lírico. La pieza artística, dirigida por Nelson Coccalotto, se presenta en un formato original que tiene a Anabella Carnevali en el rol de la cigarrera sevillana que mantiene una relación pasional con Don José, interpretado en esta ocasión por Andrés Novero.

En esta oportunidad, el personaje de Micaela es interpretado por la soprano Sophia Haro y el torero granadino Escamillo estará al cuidado del bajo Román Coccalotto. En los roles de Frasquita y Mercedes Cecilia Vaca Cardoso y Mora Vulcano. El cuerpo de baile está compuesto por el ballet Glamoree dirigido por Pecky Land. El coro Ópera Studio Rosario es dirigido por Tomás Mingardo.

Esta adaptación se desarrolla en el año 1880 en Sevilla. Tras la salida de las cigarreras, al lado del cuartel del regimiento, se produce el «fatal» encuentro entre don José y Carmen, una joven gitana quien expone su filosofía del amor en la célebre habanera, “El amor es un pájaro rebelde” y desde allí vivirán un amor una gran desventura. Más de 50 artistas en escena, gran vestuario, iluminación, la danza que recorrerá el clásico, el flamenco y la escuela bolera, las grandes voces de primeras figuras del canto lírico cobrarán vida el sábado 21 de junio en la calle Corrientes.