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¡Una obra excelente donde no paras de reír! Para pasar un buen rato, despejarse, divertirse y entretenerse. Bien lograda con pocos actores en escena, pero muy destacados y privilegiados en el ámbito artístico: • Verónica Llinás: quien también es la directora junto a Peto Menahem. • Alejo García Pintos. • Tomás Fonzi. • Anita Gutiérrez. La trama es simple, una familia en una reunión familiar en navidad tras tres años sin verse todos juntos. Cada uno de ellos tienen situaciones distintas y no muy agradables que tienen que enfrentar. El amor, la desgracias que reflejan y la manera que se comportan los personajes es lo que logra ser una gran comedia.
Grandes actores, buen equipo, dirección y producción. RGB Entertainment. Días de función: Jueves, Viernes, Sábados y Domingos Ubicación: Teatro Premier.
Sinopsis Cassandra nos cuenta a través de esta historia los fragmentos de su vida en un recorrido por las diferentes casas en las que vivió. Los vínculos que la acompañaron en este camino, y las experiencias aprendidas. Una comedia dramática para sentirnos identificarnos, que nos lleva a reflexionar sobre la fragilidad de las conexiones humanas.
Reseña Comedia con un poco de drama, mucha buena música, un poco de acrobacia y grandes buenos momentos. Que a través del recorrido por las vivencias de su protagonista Cassandra, nos sumerge en una historia que nos habla de relaciones humanas, la búsqueda constante del verdadero amor, y el redescubrirnos con una mirada amorosa a nosotros mismos con nuestros propios temores y desencuentros personales. En este recorrido contado con todos los sentidos, empatizamos ante un relato amoroso plagado de imaginación y adrenalina. Mientras todo parece pasar rápido entre risas e ironías, música dinámica y los cambios constantes de casas que van narrando su propia dinámica, se centra un mensaje profundo que nos invita a reflexionar sobre los inestables vínculos humanos y la dificultad para relacionarse con el prójimo.
Creo que lo mejor esta ahí, en el inevitable encontrarnos detrás de la vivencia y la búsqueda constante de ser bien queridos, mientras en la sabiduría del paso del tiempo vamos conociendo las distintas personas que nos ayudan a encontrarnos con nosotros mismos, en el maravilloso aprendizaje de conocer al otro. Su protagonista, Guadalupe Docampo, carismática y decidida nos dirige hacia ese mundo que ella logra armar armoniosa y prolijamente a toda velocidad en cada capitulo de la historia, tan bien acompañada por Facundo Livio Mejías, Julián Rodríguez Rona y Irene Vivanco, tremenda acróbata, capaz de sorprender y dar otro vuelo al relato.
Gran puesta escénica que crea un mundo nuevo en cada capítulo y requiere un cambio de vestuario y mobiliario constante en la dinámica de la obra. Una obra creativa, entretenida, dinámica y versátil tan bien pensada por la sensibilidad e ingenio de su autora y directora Victoria Almeida, quien recorre con armonía y delicadeza los rincones humanos a un ritmo que invita a estar atenta al momento.
La evolución del personaje principal y el modo en que se va contando su vida hace del texto algo poderoso e interesante. Con lo que la audiencia femenina puede sentirse absolutamente identificada. Para divertirse en un formato que pasa delicadamente por los dramas cotidianos de la vida misma y dejarse llevar por la sorpresa de un mundo bien pensado.
Ficha Técnica Dirección: Victoria Almeida Reparto: Guadalupe Docampo, Facundo Livio Mejías, Julián Rodríguez Rona, Irene Vivanco Duración: 70 minutos Funciones: Domingos a las 20 hs, en el Teatro Armenia, ubicado en Armenia 1366
La reciente llegada al Teatro Metropolitan de «Cuestión de género» trae al escenario a la aclamada dupla conformada por Jorge Marrale y Moria Casán. Esta obra, lejos de ser una comedia más, se sumerge en las profundidades de la identidad y los prejuicios contemporáneos, provocando tanto carcajadas como momentos de reflexión.
La trama nos presenta a Jade y Francisco, un matrimonio que lleva 30 años juntos. Sin embargo, su unión se ve sacudida cuando Jade decide confesarle a su esposo, un político en plena campaña electoral, que padece cáncer de próstata. Esta revelación no solo impacta por la enfermedad en sí, sino porque desvela una verdad oculta: Jade nació biológicamente como hombre y es una mujer transgénero que realizó su transición mucho antes de conocer a Francisco, un detalle que nunca le había revelado.
La noticia desata el lado más homofóbico de Francisco, quien hasta ese momento se había mostrado públicamente a favor de la diversidad sexual. Su hipocresía se hace evidente al negarse a seguir viendo a Jade como su esposa, llegando incluso a buscar la nulidad del matrimonio. Es en este punto donde Jade emerge con una fuerza conmovedora, defendiendo su identidad y recordando su compleja trayectoria de vida, desde su niñez hasta su transición. Aunque la obra no evade la realidad de que ella ocultó detalles importantes, como la razón por la que no podía tener hijos (lo que llevó a la pareja a adoptar), este punto añade capas a la complejidad del personaje. La situación se vuelve aún más disparatada con la llegada de la hija adoptada de la pareja, quien revela estar en una relación con un adversario político de Francisco, sumergiendo la trama en situaciones aún más hilarantes.
Sin duda, uno de los grandes aciertos de «Cuestión de género» reside en la brillante química entre Marrale y Casán. Moria Casán se luce en un personaje imponente y con convicciones inquebrantables, demostrando su capacidad para transmitir un mensaje poderoso sobre la diversidad sexual y la importancia de silenciar los prejuicios hacia la comunidad LGBT. Su personaje resuena con su propia personalidad, dejando una huella de empoderamiento. Por su parte, Jorge Marrale encarna a un contrapunto homofóbico, logrando parodiar con humor las reacciones y la hipocresía que surgen al enfrentarse a una realidad personal que choca con las convicciones públicas. Si bien se podría desear un mayor desarrollo o aprendizaje en los personajes a lo largo de la historia, el enfoque cómico de la obra logra su cometido a la perfección.
«Cuestión de género» es una propuesta sencilla que tiene como principal objetivo hacer reír al público a través de una comedia desopilante. Sin embargo, va más allá al enaltecer la figura de Moria Casán como una verdadera diva, que, además de entretener, nos regala un mensaje contundente y necesario.
Sinopsis El vinculo de una madre con su hijo se ve modificado ante la llegada de una nieta adolescente que llega a conocer a la abuela; y la presentación oficial de un viejo amor al círculo familiar que cambiara sus vidas. Una historia sincera que interpela los vínculos familiares y las relaciones que nos rodean, el amor verdadero y la sexualidad sin límite de edad.
Reseña Comedia dramática que, a partir de un relato simple, encuentra la forma de abordar temas profundos y universales. Desde el humor, invita al espectador a replantearse la complejidad de los vínculos familiares, las elecciones que tomamos en las distintas etapas de nuestra existencia, el amor, el deseo y la sexualidad.
Sin golpes bajos, con una narración sensible y cercana, la obra te permite empatizar con los personajes y dejarte llevar a través de sus historias. Propone un dialogo sincero sobre del amor verdadero como una apuesta por la que vale la pena luchar, sobre las relaciones que nos rodean y las decisiones que marcan nuestro recorrido.
El texto propone una gama de matices que se aparta del rosa romántico para acercarse bastante a lo crudo de lo posible. Un guion que aborda de manera inteligente el amor en sus distintas formas; en los vínculos familiares, en la pasión, en la sexualidad en la madurez, y en el maravilloso deseo de permitirse vivir sin censura.
Una puesta en escena sencilla y efectiva, con una buena iluminación que resalta los momentos más significativos. Los pasajes emotivos están bien logrados y el espacio elegido para la función, por su cercanía con el público, potencia la intimidad del relato. Su protagonista, Patricia Alonzo, representa en Bea a una mujer que elige priorizar sus verdaderos sentimientos, reencontrándose consigo misma y buscando el equilibrio para vivir sus emociones con autenticidad. Celebramos el teatro independiente que sigue apostando a obras originales, pensadas e interpretadas por artistas que entregan su pasión en cada función. Felices fiestas reina, es una recomendación interesante para quienes buscan historias que emocionen, hagan pensar y dejen tema para charlar después de la función.
Ficha Técnica Dirección: Gustavo Reverdito Reparto: Patricia Alonso, Charo González, Mili Gurovich, Isaac Jorge Lisorski, Marcelo Saltal, Pablo Turchi Duración: 70 minutos Funciones: Viernes 21 hs en el Teatro Abasto Social Club, ubicado en Yatay 666
Por @soynancybenegas Sinopsis Una mujer se pierde en una reserva natural, allí es rescatada por el guardaparques del lugar, al que le pide por favor que no reporte su presencia. Lejos del ruido de la ciudad, de ese inesperado encuentro surge una conexión especial que los lleva a replantearse el resto de sus vidas.
Reseña Comedia con tono dramático que narra el encuentro entre dos individuos de personalidades radicalmente diferentes que se encuentran en una reserva natural. En ese espacio, alejados de todo y a solas con el sonido de la naturaleza, la sabiduría del tiempo encontrara las cosas en común que hay entre ellos, permitiendo a través de esa conexión, reconstruir juntos el sentido de lo que verdaderamente importa.
Y es allí donde perdidos sin querer o tal vez queriéndolo demasiado, deciden encontrarse en el relato de sus propias historias, descubriendo que a veces el camino que queda por elegir es aquel que no tenías previsto. Dejando un mensaje sincero en donde perderse puede ser la mejor manera de encontrarse.
Que belleza las narraciones simples cuidadosamente retratadas de historias profundas y reflexivas, contadas en un tono divertido y con detalles bellos de los pequeños momentos. Con el tiempo preciso para encontrar el camino sin prisa, para llegar a la emoción y la intimidad a la que el texto se dirige de manera sutil y amorosa, sin golpes bajos, pero apuntando directo a los sentimientos.
El cuidado trabajo de su guionista y director Francisco Lumerman, encuentra en el proceso de su búsqueda ordenar la historia con un humor fresco, dejando el espacio necesario a la emoción. La escenografía presenta un mobiliario preciso y eficiente, con una iluminación justa que recae en momentos claves para elevar la narración y el clima de cada uno de los personajes. Carismática y empática Ana María Orozco, luce cómoda en un personaje que le sienta muy bien. Aunque en la entrevista confiese que se diferencia notablemente de la actriz a la que personifica en la obra, es imposible no comparar un poco su vida personal con la historia, teniendo en cuenta el éxito personal que significo Betty la fea para la interprete. El reconocido actor y ex primer ministro de Perú, Salvador del Solar, acompaña, contiene y eleva con su interpretación la obra. Su desempaño permite un balance armonioso e interesante entre ambos personajes que fluyen muy bien.
El árbol más hermoso del mundo es una obra emocionalmente honesta, que atrapa, entretiene y te permite reflexionar sobre la búsqueda personal de cada uno. Una propuesta encantadora que se luce con un buen libro e interpretaciones muy logradas.
Detalle Luego de la función, ambos actores junto al guionista y director de la obra dieron una conferencia ante el público presente. Cada uno habló de lo significativo de ser parte de este proyecto que fue ganando confianza con el paso del tiempo y lo cómodo que se sienten de trabajar juntos.
Ficha Técnica Dirección: Francisco Lumerman Reparto: Ana María Orozco, Salvador del Solar Duración: 65 minutos Funciones: La obra se encuentra actualmente de gira.
Cyrano de Bergerac: Un clásico indispensable de calle Corrientes
»Me han quitado todo, el laurel y la rosa, pero no me quitarán mi Panache» Es quizá la frase más emblemática de Cyrano, clásico francés de 1897 original de Edmond Rostand. Inspirada en la trágica pero intensa vida del poeta libertino Cyrano de Bergerac, nacido en París en 1616.
La historia sigue a un hombre desgraciado por la vida al no poseer una belleza estándar, aún así su orgullo o su »panache» lo convierte en uno de los hombres más talentosos y desafiantes de París del siglo XVI. Profundamente enamorado de su prima e incapaz de confesar su amor, decide que un barón apuesto la enamore usando sus poemas.
Willy Landin es quien dirige, adapta, traduce, monta la escena, diseña el escenario y compone la música de Cyrano, es su obra enteramente y su regalo para el público de calle Corrientes. El amor que siente por el personaje hace que se sienta personal, sincera y elocuente, el público conecta con la historia y pasa de la risa al llanto; todo esto es posible gracias a la interpretación de Gabriel ‘El puma’ Goity.
María Abadi, Mariano Mazzei, Horacio Acosta, Daniel Miglioranza, Larry De Clay, Fernando Lúpiz, Pacha Rosso, María Rosa Frega, María Morteo, Hernán, “Curly” Jiménez, Dolores Ocampo, Pedro Ferraro, Ricardo Cerone, Tomás Claudio, Pablo Palavecino, Agustín Suárez,Néstor Caniglia, Tito Arrieta, Rodrigo Cárdenas, Lucía Raz, Jess Rolle, Paloma Zaremba y Eduardo Perilli forman parte del aparatoso elenco de esta obra. Un grupo comprometido a interpretar franceses del siglo XVI pero dando su propia personalidad. Los actores ejercen una excelente sincronización y armonía en sus entradas, salidas y en los momentos en que deben destacar. Hay un trabajo coreográfico con el uso del movimiento y los distintos escenarios.
Cyrano es una obra larga (dos horas con 20), posee un intervalo de 10 minutos; pero que esto no asuste al público, la obra es inmersiva y carismática, se vuelve entrañable desde la primera hora y eso hace que nos quedemos hasta el final.
El Puma Goity está en su salsa siendo Cyrano. Es capaz de transmitir emociones diversas al espectador y mantenerse a flote durante la extendida duración de la obra. Es una interpretación segura con un inolvidable soliloquio..
Disponible de jueves a domingo hasta el 15 de junio en el Teatro Alvear.
Sinopsis Una cena de fin de año reúne a nueve mujeres de la familia con caracteres e historias de vida muy distintas. Lo que pretende ser una celebración tranquila se transforma en una velada compleja cargada de tenciones y secretos familiares que cambiaran el brindis de fin de año.
Reseña Comedia musical en código bien argentino. Una de esas historias en las que es imposible no sentirse identificado con alguno de los relatos de estas mujeres empoderadas, tan parecidas a la abuela, a la madre, a la tía o a cualquiera de esas figuras femeninas que todos tenemos en la familia. Una obra bien construida, que va ganando ritmo y fluides con el paso de los minutos hasta volverse irresistible. Con buenos diálogos cargados de humor e ironía dispuestos a ventilar secretos familiares muy bien guardados antes de que llegue el brindis. Las últimas horas del año traerán propuesta de casamiento, herencias que arreglar, amores prohibidos y varias historias más. Una dosis extra de alcohol y algunas sustancias prohibidas en el camino desataran una noche desopilante y emotiva. Los cuadros musicales son atractivos, con buenas coreografías y una puesta de luces que acompaña y refuerza la narración. Los músicos en vivo transforman y potencian la es escena, aportando una cuota interesante de energía y dinamismo para la obra. Fede Fedele y Lali Vidal, guionistas y directores jóvenes e inteligentes que entienden lo que quieren y como llevarlo a escena permitiendo una comedia ágil, atrevida y entretenida con la que uno se puede identificar sin mucho esfuerzo y salir con una sonrisa. Una apuesta fresca y emotiva que invita a reírse de lo propio y a reconocerse en los vínculos más íntimos.
Detalles Maravillosos momentos que quiero destacar, la invitada religiosa que agradece los alimentos y el efecto de sustancias no aptas son maravillosos, originales y muy muy divertidos.
Ficha Técnica Dirección: Fede Fedele y Lali Vidal Reparto: Denise Cotton, Estefanía Alati, Marcelo Albamonte, Agustina Vera, Silvana Tomé, Laura Montini, Florencia Róvere, Juana Cardozo, Camila Ballarini, Lula Andrada, Lu Hayes, Lucia Berraud Duración: 80 minutos Funciones: Jueves a las 21 hs y Domingos a las 20 hs en el Teatro Maipo, ubicado en Esmeralda 443
«Pasión: una tragedia Argentina» es una obra que captura la esencia de la compañía «Los Pipis» y culmina su «Trilogía de las pasiones» con una propuesta escénica vibrante y profundamente emotiva. La obra, protagonizada por Federico Lehmann y Matías Milanese, se despliega a través de una serie de relatos que exploran temas como la traición, el escepticismo, el amor imposible y la memoria familiar en medio de un conflicto bélico.
Una madre se reencuentra con su hijo, quien llega para confesarle su traición en una última noche. Un padre intenta aferrarse a su pasión para no hundirse en un profundo escepticismo sobre el mundo. Dos jóvenes recuerdan la lejana noche cuando se declararon un amor imposible. Una familia revive un viejo mito sobre un par de guantes mágicos mientras afuera se desata una guerra.
Desde el inicio, la atmósfera es envolvente. Lehmann y Milanese reciben al público con éxitos románticos, creando un contraste intrigante que da paso a la obra. El uso de la música en vivo, a cargo de Stevie Marinaro al piano, es impecable y acompaña de manera magistral la narrativa, realzando cada emoción. La introducción, cargada de texto y descripciones habladas, prepara al espectador para la historia central, combinando de forma notable el teatro físico con una dramaturgia cuidada y llena de profundidad.
Las actuaciones son uno de los pilares de esta puesta. Además del dúo protagónico, Matilde Campilongo se destaca en su rol de madre, llevando sobre sus hombros gran parte de la carga emocional de la obra y encarnando a su personaje con una entrega física notable. Luis Longhi y Camila Marino Alfonsín también brillan, especialmente en las escenas que simulan una filmación cinematográfica dentro de la propia obra, aportando momentos memorables.
La producción de «Pasión: una tragedia Argentina» es un testimonio de la calidad artística de Los Pipis. Con un paso exitoso por el Teatro San Martín y la apertura de temporada en el imponente Metropolitan de la avenida Corrientes, la obra demuestra su impecable nivel técnico, con un notable diseño de iluminación de Miguel Coronel y una escenografía y vestuario a cargo de Micaela Sleigh. Si bien es cierto que el tramo final podría beneficiarse de una mayor síntesis, el cierre es innegablemente excelente y conmovedor.
En definitiva, «Pasión: una tragedia Argentina» es una obra que merece ser vista. No es necesario haber disfrutado de las entregas anteriores de la trilogía para sumergirse en su propuesta. Para aquellos que se acercan por primera vez al trabajo de Los Pipis, esta obra se presenta como una puerta de entrada ideal para conocer su particular estilo, que fusiona lo físico, lo absurdo y una singular propuesta con textos profundos y cargados de emoción.
Elenco: Matias Milanese, Federico Lehmann, Matilde Campilongo, Luis Longhi, Camila Marino Alfonsín. Composición musical y música en vivo: Stevie Marinaro.
Asistencia de dirección: Paula Sanabria Música original: Stevie Marinaro Diseño de iluminación: Miguel Coronel Confección y diseño de guantes: Galaxia y Mar Diseño de escenografía y vestuario: Micaela Sleigh Asistencia de escenografía y vestuario: Maia Doudchitzky Dramaturgia: Federico Lehmann Dirección: Los Pipis Teatro (Federico Lehmann y Matías Milanese) Producción: Los Pipis Teatro, Jimena Morrone.
Este espectáculo fue estrenado en el Teatro San Martín incluido en su temporada 2025 y cuenta con la producción del Complejo Teatral de Buenos Aires.
Funciones: Martes 20 horas en Teatro Metropolitan.
Sinopsis Cuatro mujeres jugando a armar mundos entre risas y emoción. Una obra para dejarse llevar por el hermoso mundo de la imaginación y encontrarse desde el arte y lo estético con lo simpleza de lo bello.
Reseña La delicadeza de lo sutil en un guion sin pretensiones que se eleva en la unión de cuatro mujeres contando historias. Historias que nos sumergen en sus distintos mundos a través de la música, la danza, lo etéreo y lo profundo de indagar en esas aguas que uno elegie naufragar a lo largo de la obra. Solo la unión poderosa de cada una de las protagonistas permite que el ritmo fluya, se pause, se atienda, se cante y en esa manifestación donde el cuerpo hace eco del arte explora la manifestación del relato. En el sonido que salpica cada pequeño espacio de la sala, en la búsqueda de cada mini universo que va enlazando la trama, y en la sencillez del minucioso detalle para que cada escena encastre y se sienta correcta, prolija, desafiante y atrevida, hay un universo propio que te transporta a un viaje donde todo esta sujeto a la propia interpretación, a la fantástica intuición o al maravilloso caos que da la imaginación.
Bernardita Epelbaum, autora y protagonista que priorizó fortalecer el vínculo de las interpretes ante que enfrentaran el texto, y eso es algo que permite, sin dudas, que cada situación se sienta como un juego natural del que esta bueno formar parte. Cada una de las actrices destaca y aporta un toque diferentes oportuno para cada porción de la narración. Aplausos para el bellísimo tono y calidad vocal de Delfina Oyuela.
Detalle El día de la función la obra fue traducida en simultaneo al ingles para algunos invitados internacionales. Ne pareció una decisión muy acertada que permitió que todos pudieran disfrutar y comprender la puesta en escena.
Ficha Técnica Dirección: Bernardita Epelbaum Reparto: Gisela Baiardo, Bernardita Epelbaum, Delfina Oyuela, Eva Palottini Duración: 55 minutos Funciones: Lunes a las 20.30 hs en Casa Teatro Estudio, ubicado en Guardia Vieja 4257
El chamamé posee una mística que nos remonta de manera instantánea a la tierra, lo salvaje y melancólico. Este género propio del litoral del Río Paraná llega a Buenos Aires con discreción, pero, el teatro es una excelente oportunidad para traer aquellas historias sobre familia, chamamé, el peso del pasado y los caballos.
Libro de Tess Gallagher y adaptado al teatro por Lisandro Penelas (quien también dirige), el amante de los caballos se resume bajo la premisa: »Una mujer atraviesa la enfermedad y muerte de su padre. Mientras recuerda su historia y la de su familia, intenta reconstruir el hilo que la une a sus antepasados, a ese mundo de los bailarines y los borrachos, de los jugadores y amantes de los caballos».
Ana Scannapieco es la estrella de este monólogo. Ella y un establo recreado por Gonzalo Cordova Estevez, una historia sensible y chamamé de fondo. Son los ingredientes para ‘El amante de los caballos’.
Scannapieco interpreta a una mujer que atraviesa el duelo y se apoya en un magnetismo equino, los susurros y la ilusión. Su perfomance es sensible, enternecedor y delicado. Mediante el uso de mímicas, onomatopeyas mudas y pasos de chamamé, la actriz hace valer el sentimiento de su personaje.
Penelas entiende la obra de Gallagher y la traslada al Chaco argentino, hace que el chamamé sea un personaje sonoro y el caballo, omnisciente.
El amante de los caballos es una obra sobre el peso de las paternidades, la locura pero no la locura que conocemos, sino aquella donde las personas por decidir un camino propio y poco adaptado a la sociedad son juzgados por la misma.
El amante de los caballos se presentó en el Teatro Moscú.
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