La reciente llegada al Teatro Metropolitan de «Cuestión de género» trae al escenario a la aclamada dupla conformada por Jorge Marrale y Moria Casán. Esta obra, lejos de ser una comedia más, se sumerge en las profundidades de la identidad y los prejuicios contemporáneos, provocando tanto carcajadas como momentos de reflexión.

La trama nos presenta a Jade y Francisco, un matrimonio que lleva 30 años juntos. Sin embargo, su unión se ve sacudida cuando Jade decide confesarle a su esposo, un político en plena campaña electoral, que padece cáncer de próstata. Esta revelación no solo impacta por la enfermedad en sí, sino porque desvela una verdad oculta: Jade nació biológicamente como hombre y es una mujer transgénero que realizó su transición mucho antes de conocer a Francisco, un detalle que nunca le había revelado.

La noticia desata el lado más homofóbico de Francisco, quien hasta ese momento se había mostrado públicamente a favor de la diversidad sexual. Su hipocresía se hace evidente al negarse a seguir viendo a Jade como su esposa, llegando incluso a buscar la nulidad del matrimonio. Es en este punto donde Jade emerge con una fuerza conmovedora, defendiendo su identidad y recordando su compleja trayectoria de vida, desde su niñez hasta su transición. Aunque la obra no evade la realidad de que ella ocultó detalles importantes, como la razón por la que no podía tener hijos (lo que llevó a la pareja a adoptar), este punto añade capas a la complejidad del personaje. La situación se vuelve aún más disparatada con la llegada de la hija adoptada de la pareja, quien revela estar en una relación con un adversario político de Francisco, sumergiendo la trama en situaciones aún más hilarantes.

Sin duda, uno de los grandes aciertos de «Cuestión de género» reside en la brillante química entre Marrale y Casán. Moria Casán se luce en un personaje imponente y con convicciones inquebrantables, demostrando su capacidad para transmitir un mensaje poderoso sobre la diversidad sexual y la importancia de silenciar los prejuicios hacia la comunidad LGBT. Su personaje resuena con su propia personalidad, dejando una huella de empoderamiento. Por su parte, Jorge Marrale encarna a un contrapunto homofóbico, logrando parodiar con humor las reacciones y la hipocresía que surgen al enfrentarse a una realidad personal que choca con las convicciones públicas. Si bien se podría desear un mayor desarrollo o aprendizaje en los personajes a lo largo de la historia, el enfoque cómico de la obra logra su cometido a la perfección.

«Cuestión de género» es una propuesta sencilla que tiene como principal objetivo hacer reír al público a través de una comedia desopilante. Sin embargo, va más allá al enaltecer la figura de Moria Casán como una verdadera diva, que, además de entretener, nos regala un mensaje contundente y necesario.

CUESTIÓN DE GÉNERO

ESTRENO 30 DE MAYO DE 2025 – TEATRO METROPOLITAN

FUNCIONES: MIÉRCOLES 19:30h / JUEVES 19:30h / VIERNES 19:30h / SÁBADO 19:30h / DOMINGO 19:15h

VENTA DE ENTRADAS POR PLATEANET http://www.plateanet.com / 5236-3000

http://www.teatrometropolitan.ar


@teatrometropolitanok

Por @soynancybenegas

Sinopsis
El vinculo de una madre con su hijo se ve modificado ante la llegada de una nieta adolescente que llega a conocer a la abuela; y la presentación oficial de un viejo amor al círculo familiar que cambiara sus vidas. Una historia sincera que interpela los vínculos familiares y las relaciones que nos rodean, el amor verdadero y la sexualidad sin límite de edad.

Reseña
Comedia dramática que, a partir de un relato simple, encuentra la forma de abordar temas profundos y universales. Desde el humor, invita al espectador a replantearse la complejidad de los vínculos familiares, las elecciones que tomamos en las distintas etapas de nuestra existencia, el amor, el deseo y la sexualidad.

Sin golpes bajos, con una narración sensible y cercana, la obra te permite empatizar con los personajes y dejarte llevar a través de sus historias. Propone un dialogo sincero sobre del amor verdadero como una apuesta por la que vale la pena luchar, sobre las relaciones que nos rodean y las decisiones que marcan nuestro recorrido.

El texto propone una gama de matices que se aparta del rosa romántico para acercarse bastante a lo crudo de lo posible. Un guion que aborda de manera inteligente el amor en sus distintas formas; en los vínculos familiares, en la pasión, en la sexualidad en la madurez, y en el maravilloso deseo de permitirse vivir sin censura.

Una puesta en escena sencilla y efectiva, con una buena iluminación que resalta los momentos más significativos. Los pasajes emotivos están bien logrados y el espacio elegido para la función, por su cercanía con el público, potencia la intimidad del relato.
Su protagonista, Patricia Alonzo, representa en Bea a una mujer que elige priorizar sus verdaderos sentimientos, reencontrándose consigo misma y buscando el equilibrio para vivir sus emociones con autenticidad.
Celebramos el teatro independiente que sigue apostando a obras originales, pensadas e interpretadas por artistas que entregan su pasión en cada función. Felices fiestas reina, es una recomendación interesante para quienes buscan historias que emocionen, hagan pensar y dejen tema para charlar después de la función.

Ficha Técnica
Dirección: Gustavo Reverdito
Reparto: Patricia Alonso, Charo González, Mili Gurovich, Isaac Jorge Lisorski, Marcelo Saltal, Pablo Turchi
Duración: 70 minutos
Funciones: Viernes 21 hs en el Teatro Abasto Social Club, ubicado en Yatay 666

Por @soynancybenegas
Sinopsis
Una mujer se pierde en una reserva natural, allí es rescatada por el guardaparques del lugar, al que le pide por favor que no reporte su presencia. Lejos del ruido de la ciudad, de ese inesperado encuentro surge una conexión especial que los lleva a replantearse el resto de sus vidas.

Reseña
Comedia con tono dramático que narra el encuentro entre dos individuos de personalidades radicalmente diferentes que se encuentran en una reserva natural. En ese espacio, alejados de todo y a solas con el sonido de la naturaleza, la sabiduría del tiempo encontrara las cosas en común que hay entre ellos, permitiendo a través de esa conexión, reconstruir juntos el sentido de lo que verdaderamente importa.

Y es allí donde perdidos sin querer o tal vez queriéndolo demasiado, deciden encontrarse en el relato de sus propias historias, descubriendo que a veces el camino que queda por elegir es aquel que no tenías previsto. Dejando un mensaje sincero en donde perderse puede ser la mejor manera de encontrarse.

Que belleza las narraciones simples cuidadosamente retratadas de historias profundas y reflexivas, contadas en un tono divertido y con detalles bellos de los pequeños momentos. Con el tiempo preciso para encontrar el camino sin prisa, para llegar a la emoción y la intimidad a la que el texto se dirige de manera sutil y amorosa, sin golpes bajos, pero apuntando directo a los sentimientos.

El cuidado trabajo de su guionista y director Francisco Lumerman, encuentra en el proceso de su búsqueda ordenar la historia con un humor fresco, dejando el espacio necesario a la emoción. La escenografía presenta un mobiliario preciso y eficiente, con una iluminación justa que recae en momentos claves para elevar la narración y el clima de cada uno de los personajes.
Carismática y empática Ana María Orozco, luce cómoda en un personaje que le sienta muy bien. Aunque en la entrevista confiese que se diferencia notablemente de la actriz a la que personifica en la obra, es imposible no comparar un poco su vida personal con la historia, teniendo en cuenta el éxito personal que significo Betty la fea para la interprete.
El reconocido actor y ex primer ministro de Perú, Salvador del Solar, acompaña, contiene y eleva con su interpretación la obra. Su desempaño permite un balance armonioso e interesante entre ambos personajes que fluyen muy bien.

El árbol más hermoso del mundo es una obra emocionalmente honesta, que atrapa, entretiene y te permite reflexionar sobre la búsqueda personal de cada uno. Una propuesta encantadora que se luce con un buen libro e interpretaciones muy logradas.

Detalle
Luego de la función, ambos actores junto al guionista y director de la obra dieron una conferencia ante el público presente. Cada uno habló de lo significativo de ser parte de este proyecto que fue ganando confianza con el paso del tiempo y lo cómodo que se sienten de trabajar juntos.

Ficha Técnica
Dirección: Francisco Lumerman
Reparto: Ana María Orozco, Salvador del Solar
Duración: 65 minutos
Funciones: La obra se encuentra actualmente de gira.

Cyrano de Bergerac: Un clásico indispensable de calle Corrientes

»Me han quitado todo, el laurel y la rosa, pero no me quitarán mi Panache»
Es quizá la frase más emblemática de Cyrano, clásico  francés de 1897 original de Edmond Rostand. Inspirada en la trágica pero intensa vida del poeta libertino Cyrano de Bergerac, nacido en París en 1616.

La historia sigue a un hombre desgraciado por la vida al no poseer una belleza estándar, aún así su orgullo o su »panache» lo convierte en uno de los hombres más talentosos y desafiantes de París del siglo XVI. Profundamente enamorado de su prima e incapaz de confesar su amor, decide que un barón apuesto  la enamore usando sus poemas.

Willy Landin es quien dirige, adapta, traduce, monta la escena, diseña el escenario y compone la música de Cyrano, es su obra enteramente y su regalo para el público de calle Corrientes. El amor que siente por el personaje hace que se sienta personal, sincera y elocuente, el público conecta con la historia y pasa de la risa al llanto; todo esto es posible gracias a la interpretación de Gabriel ‘El puma’ Goity.

María Abadi, Mariano Mazzei, Horacio Acosta, Daniel Miglioranza, Larry De Clay, Fernando Lúpiz, Pacha Rosso, María Rosa Frega, María Morteo, Hernán, “Curly” Jiménez, Dolores Ocampo, Pedro Ferraro, Ricardo Cerone, Tomás Claudio, Pablo Palavecino, Agustín Suárez,Néstor Caniglia, Tito Arrieta, Rodrigo Cárdenas, Lucía Raz, Jess Rolle, Paloma Zaremba y Eduardo Perilli forman parte del aparatoso elenco de esta obra. Un grupo comprometido a interpretar franceses del siglo XVI pero dando su propia personalidad. Los actores  ejercen una excelente sincronización y armonía en sus entradas, salidas y en los momentos en que deben destacar. Hay un trabajo coreográfico con el uso del movimiento y los distintos escenarios.



Cyrano es una obra larga (dos horas con 20), posee un intervalo de 10 minutos; pero que esto no asuste al público, la obra es inmersiva y carismática, se vuelve entrañable desde la primera hora y eso hace que nos quedemos hasta el final.



El Puma Goity está en su salsa siendo Cyrano. Es capaz de transmitir emociones diversas al espectador y mantenerse a flote durante la extendida duración de la obra. Es una interpretación segura con un inolvidable soliloquio..



Disponible de jueves a domingo hasta el 15 de junio en el Teatro Alvear.



Escribe Sebastián Arismendi para La butaca web

Por @soynancybenegas

Sinopsis
Una cena de fin de año reúne a nueve mujeres de la familia con caracteres e historias de vida muy distintas. Lo que pretende ser una celebración tranquila se transforma en una velada compleja cargada de tenciones y secretos familiares que cambiaran el brindis de fin de año.

Reseña
Comedia musical en código bien argentino. Una de esas historias en las que es imposible no sentirse identificado con alguno de los relatos de estas mujeres empoderadas, tan parecidas a la abuela, a la madre, a la tía o a cualquiera de esas figuras femeninas que todos tenemos en la familia.
Una obra bien construida, que va ganando ritmo y fluides con el paso de los minutos hasta volverse irresistible. Con buenos diálogos cargados de humor e ironía dispuestos a ventilar secretos familiares muy bien guardados antes de que llegue el brindis.
Las últimas horas del año traerán propuesta de casamiento, herencias que arreglar, amores prohibidos y varias historias más. Una dosis extra de alcohol y algunas sustancias prohibidas en el camino desataran una noche desopilante y emotiva.
Los cuadros musicales son atractivos, con buenas coreografías y una puesta de luces que acompaña y refuerza la narración. Los músicos en vivo transforman y potencian la es escena, aportando una cuota interesante de energía y dinamismo para la obra.
Fede Fedele y Lali Vidal, guionistas y directores jóvenes e inteligentes que entienden lo que quieren y como llevarlo a escena permitiendo una comedia ágil, atrevida y entretenida con la que uno se puede identificar sin mucho esfuerzo y salir con una sonrisa. Una apuesta fresca y emotiva que invita a reírse de lo propio y a reconocerse en los vínculos más íntimos.

Detalles
Maravillosos momentos que quiero destacar, la invitada religiosa que agradece los alimentos y el efecto de sustancias no aptas son maravillosos, originales y muy muy divertidos.

Ficha Técnica
Dirección: Fede Fedele y Lali Vidal
Reparto: Denise Cotton, Estefanía Alati, Marcelo Albamonte, Agustina Vera, Silvana Tomé, Laura Montini, Florencia Róvere, Juana Cardozo, Camila Ballarini, Lula Andrada, Lu Hayes, Lucia Berraud
Duración: 80 minutos
Funciones: Jueves a las 21 hs y Domingos a las 20 hs en el Teatro Maipo, ubicado en Esmeralda 443

«Pasión: una tragedia Argentina» es una obra que captura la esencia de la compañía «Los Pipis» y culmina su «Trilogía de las pasiones» con una propuesta escénica vibrante y profundamente emotiva. La obra, protagonizada por Federico Lehmann y Matías Milanese, se despliega a través de una serie de relatos que exploran temas como la traición, el escepticismo, el amor imposible y la memoria familiar en medio de un conflicto bélico.

Una madre se reencuentra con su hijo, quien llega para confesarle su traición en una última noche. Un padre intenta aferrarse a su pasión para no hundirse en un profundo escepticismo sobre el mundo. Dos jóvenes recuerdan la lejana noche cuando se declararon un amor imposible. Una familia revive un viejo mito sobre un par de guantes mágicos mientras afuera se desata una guerra.

Desde el inicio, la atmósfera es envolvente. Lehmann y Milanese reciben al público con éxitos románticos, creando un contraste intrigante que da paso a la obra. El uso de la música en vivo, a cargo de Stevie Marinaro al piano, es impecable y acompaña de manera magistral la narrativa, realzando cada emoción. La introducción, cargada de texto y descripciones habladas, prepara al espectador para la historia central, combinando de forma notable el teatro físico con una dramaturgia cuidada y llena de profundidad.

Las actuaciones son uno de los pilares de esta puesta. Además del dúo protagónico, Matilde Campilongo se destaca en su rol de madre, llevando sobre sus hombros gran parte de la carga emocional de la obra y encarnando a su personaje con una entrega física notable. Luis Longhi y Camila Marino Alfonsín también brillan, especialmente en las escenas que simulan una filmación cinematográfica dentro de la propia obra, aportando momentos memorables.

La producción de «Pasión: una tragedia Argentina» es un testimonio de la calidad artística de Los Pipis. Con un paso exitoso por el Teatro San Martín y la apertura de temporada en el imponente Metropolitan de la avenida Corrientes, la obra demuestra su impecable nivel técnico, con un notable diseño de iluminación de Miguel Coronel y una escenografía y vestuario a cargo de Micaela Sleigh. Si bien es cierto que el tramo final podría beneficiarse de una mayor síntesis, el cierre es innegablemente excelente y conmovedor.

En definitiva, «Pasión: una tragedia Argentina» es una obra que merece ser vista. No es necesario haber disfrutado de las entregas anteriores de la trilogía para sumergirse en su propuesta. Para aquellos que se acercan por primera vez al trabajo de Los Pipis, esta obra se presenta como una puerta de entrada ideal para conocer su particular estilo, que fusiona lo físico, lo absurdo y una singular propuesta con textos profundos y cargados de emoción.

Elenco: Matias Milanese, Federico Lehmann, Matilde Campilongo, Luis Longhi, Camila Marino Alfonsín.
Composición musical y música en vivo: Stevie Marinaro.

Asistencia de dirección: Paula Sanabria
Música original: Stevie Marinaro
Diseño de iluminación: Miguel Coronel
Confección y diseño de guantes: Galaxia y Mar
Diseño de escenografía y vestuario: Micaela Sleigh
Asistencia de escenografía y vestuario: Maia Doudchitzky
Dramaturgia: Federico Lehmann
Dirección: Los Pipis Teatro (Federico Lehmann y Matías Milanese)
Producción: Los Pipis Teatro, Jimena Morrone.

Este espectáculo fue estrenado en el Teatro San Martín incluido en su temporada 2025 y cuenta con la producción del Complejo Teatral de Buenos Aires.

Funciones: Martes 20 horas en Teatro Metropolitan.

Entradas por boleteria y plateanet

Por @soynancybenegas

Sinopsis
Cuatro mujeres jugando a armar mundos entre risas y emoción. Una obra para dejarse llevar por el hermoso mundo de la imaginación y  encontrarse desde el arte y lo estético con lo simpleza de lo bello.

Reseña
La delicadeza de lo sutil en un guion sin pretensiones que se eleva en la unión de cuatro mujeres contando historias. Historias que nos sumergen en sus distintos mundos a través de la música, la danza, lo etéreo y lo profundo de indagar en esas aguas que uno elegie naufragar a lo largo de la obra.
Solo la unión poderosa de cada una de las protagonistas permite que el ritmo fluya, se pause, se atienda, se cante y en esa manifestación donde el cuerpo hace eco del arte explora la manifestación del relato.
En el sonido que salpica cada pequeño espacio de la sala, en la búsqueda de cada mini universo que va enlazando la trama, y en la sencillez del minucioso detalle para que cada escena encastre y se sienta correcta, prolija, desafiante y atrevida, hay un universo propio que te transporta a un viaje donde todo esta sujeto a la propia interpretación, a la fantástica intuición o al maravilloso caos que da la imaginación.

Bernardita Epelbaum, autora y protagonista que priorizó fortalecer el vínculo de las interpretes ante que enfrentaran el texto, y eso es algo que permite, sin dudas, que cada situación se sienta como un juego natural del que esta bueno formar parte.
Cada una de las actrices destaca y aporta un toque diferentes oportuno para cada porción de la narración. Aplausos para el bellísimo tono y calidad vocal de Delfina Oyuela.

Detalle
El día de la función la obra fue traducida en simultaneo al ingles para algunos invitados internacionales. Ne pareció una decisión muy acertada que permitió que todos pudieran disfrutar y comprender la puesta en escena.

Ficha Técnica
Dirección: Bernardita Epelbaum
Reparto: Gisela Baiardo, Bernardita Epelbaum, Delfina Oyuela, Eva Palottini
Duración: 55 minutos
Funciones: Lunes a las 20.30 hs en Casa Teatro Estudio, ubicado en Guardia Vieja 4257

Caballos, chamamé, locura  y familia

El chamamé posee una mística que nos remonta de manera instantánea a la tierra, lo salvaje y melancólico. Este género propio del litoral del Río Paraná llega  a Buenos Aires con discreción, pero, el teatro es una excelente oportunidad para traer aquellas historias sobre familia, chamamé, el peso del pasado y los caballos.

Libro  de Tess Gallagher y adaptado al teatro por Lisandro Penelas (quien también dirige), el amante de los caballos se resume bajo la premisa:
»Una mujer atraviesa la enfermedad y muerte de su padre. Mientras recuerda su historia y la de su familia, intenta reconstruir el hilo que la une a sus antepasados, a ese mundo de los bailarines y los borrachos, de los jugadores y amantes de los caballos».

Ana Scannapieco es la estrella de este monólogo. Ella y un establo recreado por Gonzalo Cordova Estevez, una historia sensible y chamamé de fondo. Son los ingredientes para ‘El amante de los caballos’.

Scannapieco interpreta a una mujer que atraviesa el duelo y se apoya en un magnetismo equino, los susurros y la ilusión. Su perfomance es sensible, enternecedor y delicado. Mediante el uso de mímicas, onomatopeyas mudas y pasos de chamamé, la actriz hace valer el sentimiento de su personaje.

Penelas entiende la obra de Gallagher y la traslada al Chaco argentino, hace que el chamamé sea un personaje sonoro y el caballo, omnisciente.

El amante de los caballos es una obra sobre el peso de las paternidades, la locura pero no la locura que conocemos, sino aquella donde las personas por decidir un camino propio y poco adaptado a la sociedad son juzgados por la misma.

El amante de los caballos se presentó en el Teatro Moscú.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Sofía Luna Roberts

Micaela es una cantante de ópera y actriz que nunca pudo entrar en la escena lírica de Buenos Aires. En clave documental decide hacer su propio proyecto personal bio-dramático, para contar su historia, su camino en el arte, ocupar espacios por sí misma y recibir ese aplauso que no pudo encontrar en el universo de la ópera. La consagración de nadie regresa por 8 únicas funciones antes de su gira por Europa. La temporada se llevará a cabo los días sábados y domingos, desde el 10 de mayo hasta el 1° de junio a las 20 h en el Espacio Infinito del Centro Cultural Borges (Viamonte 525, CABA).

La consagración de nadie es de esas obras que parecen estar construidas con una fibra invisible, como si se tejiera entre hilos de recuerdos, sueños frustrados y una voz que no se resigna al silencio. Micaela Fariña se impone en el espacio para contar(se), sin máscaras, sin pretensiones, sin vueltas, con una mezcla de vulnerabilidad y potencia que desarma. Lo interesante de la dirección de Gonzalo Quintana y la dramaturgia que ambos escriben (Fariña y Quintana) es que no intentan embellecer la herida: la muestran tal como es, con momentos de ternura, de humor y también de desgarro. No es un relato de triunfo, ni mucho menos, sino una especie de carta íntima al deseo de ser artista o, mejor dicho, al deseo de ser vista.

Desde que comienza la pieza teatral se siente que el cuerpo de Micaela es todo un archivo vivo. Su voz -que canta, recuerda, se quiebra- se convierte en el eje de una narrativa que mezcla la memoria emocional de la infancia, los mandatos familiares, su fascinación por la ópera, el teatro musical, los intentos fallidos de “llegar” y ese sentimiento que flota en muchos de nosotros: el de no estar a la altura de lo que se espera. Y sin embargo ahí está, parada frente a nosotros, habitando esa aparente “no consagración” como un acto profundamente político. Lo que conmueve no es sólo lo que dice, sino cómo lo dice: sin grandilocuencia, con mucha verdad.

La obra se construye desde una estética muy simple, artesanal, casi desnuda, pero todo está perfectamente medido. La puesta en escena evita los artificios innecesarios permitiendo que la historia y la interpretación sean el centro de atención. Hay proyecciones audiovisuales, fotografías, videos caseros, documentos, textos que aparecen en la pantalla como si alguien estuviera tipiando en vivo, pero todo está al servicio de una historia que es mucho más fuerte que cualquier recurso visual. Cada elemento parece surgir de la memoria misma de la actriz, como si estuviéramos dentro de su cabeza, escuchando sus pensamientos más secretos y sinceros. Hay algo generoso en su exposición, ya que uno se encuentra pensando en sus propios fracasos, en sus propias preguntas sin respuesta.

Es interesante cómo la obra trabaja con esa sensación de no encajar. Micaela habla de su educación, de sus maestros, de su familia, del canto como un lugar de exigencia y de deseo a la vez, y todo eso construye un mapa emocional que muchos podemos reconocer. No se victimiza, pero tampoco se vuelve épica. Más bien, habita una especie de hibridez: los que no llegaron a ser “alguien” según criterios del éxito, pero que igualmente encontraron una forma de sostener la chispa.

Después de ver la obra, recuerdo haber tenido una sensación extraña. No es una obra que cierre con una gran revelación ni con una resolución catártica. No hay tal liberación, ni aplausos internos, no hay victoria. Pero sí hay algo profundamente reparador: el haber escuchado una voz sincera, que no busca gustar, sino decir. Reconocer en la voz de Micaela algo de nuestras propias dudas, de nuestras propias heridas. Y también, reconocer la belleza de seguir intentando, de resistir desde un lugar silencioso, desde lo no legitimado. La obra no busca convencer, ni impresionar. Y es por eso que justamente conmueve. Porque lo que hace es abrir un espacio donde el fracaso deja de ser una vergüenza y se vuelve una forma de estar en el mundo, honesta, frágil y luminosa. La consagración de nadie no necesita consagrarse porque, en el fondo, ya lo hace con cada espectador que se atreve a mirar desde ese lugar compartido de las vidas no épicas, pero profundamente verdaderas.

Por @soynancybenegas

Sinopsis
Un político en ascenso se enfrenta a sus propios fantasmas, ambiciones y contradicciones. Entre llamadas urgentes, recuerdos familiares que lo interpelan y discursos ensayados se despliega este vertiginoso unipersonal que expone la vida de un hombre casi común frente al seductor camino del poder. Una historia que puede parecer demasiado a la vida misma.

Reseña
Un recorrido inmenso de emociones que trasciende el escenario con un texto jugado y atrevido. Con la impertinente y audaz interpretación de Germán Rodríguez, un actor capaz de recorrer sin dificultad los espacios filosos por los que su complejo personaje lo lleva a desdoblarse, transformándose en esa figura que no deja de compararse con su padre y tratando todo el tiempo de ser una imagen paterna presente para su hija adolescente. Y en ese recorrido, también riesgoso, caminar sin cruzar los límites de lo caricaturesco, se ve al hombre en busca del poder a cualquier costo.
Dibujando la imagen posible sin temor a desbarrancar por el puesto que creer merecer, topándose en una doble moral que sale de la ficción y se parece bastante a la realidad; o en ese juego donde lo real y lo inventado se parece demasiado a cualquiera noticia de la televisión, es donde se crea un maravilloso vértigo del que podemos reírnos, y animarnos también, a jugar con la ironía mientras la pasamos bien.

La sala elegida del Camarín de las musas es un pequeño espacio que le da otro sentido a la obra, permitiendo que la cercanía con el público vuelva inmersiva la experiencia. Esa proximidad potencia el texto verborrágico y la adrenalina de un personaje que recorre cómodamente los desbordes y se impulsa a la aventura de una narración cuidadosamente pensada, y llevada a escena remarcando el valor de los diálogos a lo que el personaje se enfrenta.

Mucho más que una obra sobre la ambición política y la búsqueda del poder, una historia de un hombre común mirando y reacomodando sus vínculos familiares mientras atraviesa sus propios temores.
Su autor y director, Francisco Estrada, remarco el trabajo a la hora de escribir el guion, y la importancia de saber tomar distancia de los textos para, junto con el personaje, descubrir minuciosamente las distintas facetas que deben enfatizarse, y así volver creíbles los diálogos con las personas más relevantes de su vida.

Gran puesta de escena que logra desde una escenografía minimalista transmitir el recorrido profundo del personaje. Buena puesta de luces que fortalecen el relato y le dan impulso a los diálogos. Excelente elección musical que recorre correctamente los estados de ánimo del personaje.

Detalle
¿Germán Rodríguez encuentra el personaje o el personaje lo encuentra a él? Este maravilloso juego en el que se encuentran hace que personaje y actor se potencien, y se alíen para convencernos de la hipocresía política y el maquillaje comunicativo que se dibuja tras bambalinas. Se siente muy bien la cercanía con la audiencia y el recorrido seguro con que el artista recorre cada espacio para acomodarse a los diferentes sentimientos que el personaje transita.

Ficha Técnica
Dirección: Francisco Estrada
Reparto: Germán Rodríguez
Duración: 55 minutos
Funciones: Sábado a las 20.45 hs en el Teatro Camarín de las musas, ubicado en Mario Bravo 960