«Sandro: El gran show»: Un vibrante homenaje que busca la esencia del ídolo

«Sandro: El gran show» se presenta como un espectáculo definitivo para celebrar la memoria y el legado del inigualable Sandro. Más allá de ser un despliegue de talento artístico y una producción de gran escala, la obra teje una sutil narrativa que acompaña el recorrido musical.

En el corazón de la propuesta encontramos a Alan (interpretado Alan Madanes), un actor seleccionado para encarnar a Sandro en una nueva producción. Si bien se reconoce en él un destello de la esencia del ídolo, esta aún parece estar en proceso de florecimiento. A medida que los emblemáticos temas de Sandro comienzan a sonar, irrumpe en escena otro actor, quien encarna una faceta más ligada al magnetismo y el sex appeal que caracterizaron al artista, presentándose como una opción más «natural» para el rol.

Este contraste genera en Alan una búsqueda interna por encontrar «su» Sandro, aquel que reside en su interior. ¿Logrará desenterrarlo? Esta interrogante le añade una capa dramática interesante a un espectáculo que ya de por sí brilla por sus números musicales y la emotiva evocación de la figura de Roberto Sánchez.

«Sandro: El gran show» parece tener la fórmula completa para cautivar al público: drama, momentos musicales que rinden tributo al repertorio del artista y, fundamentalmente, un elenco talentoso que logra mantener viva la llama de Sandro. La respuesta del público, entregado al canto y al baile, es un claro indicativo del poderío de la propuesta y de la invitación a revivir lo mejor de su música.

Es justo destacar el trabajo de todo el equipo detrás de esta gran producción que ha tomado el escenario del Teatro Coliseo. Una mención especial merecen Alan Madanes y Nacho Pérez Cortés, quienes, con sus particulares interpretaciones de Sandro, ofrecen diferentes matices del artista.

En definitiva, si eres admirador de Sandro o sientes curiosidad por sumergirte en su universo musical a través de un espectáculo completo y rebosante de talento, «Sandro: El gran show» en el Teatro Coliseo es una cita imperdible. ¡Parece ser una experiencia emocionante para conectar con el legado de un verdadero ícono!




Ficha Técnica

Idea original: José Luis Pagán, Luciano Foppoli, Juan Crespo.

Guión y dirección: Ana Sans y Julio Panno.

Dirección Musical: José Luis Pagán.

Dirección coreográfica: Verónica Peccollo.

Diseño de luces: Leo Muñoz, Julio Panno.

Diseño de sonido: Eugenio Mellano.

Diseño de vestuario: Ana Sans.

Diseño escenográfico: Mariana Tirantte.

Jefe Técnico: Gonzalo González.

Producción General: Silvina Dell´Occhio, Juan Crespo, Luciano Foppoli.



Redes sociales oficiales:

Instagram: @sandroelgranshow

Tik Tok: @sandroelgranshow

Facebook: @sandroelgranshow

Las funciones del show serán de jueves a sábado a las 21 y domingos a las 20 h y ya pueden adquirirse en Tiketek o en la boletería del Teatro Coliseo.

Un viaje al abismo personal con una sorprendente calidez

«Las mujeres entre los hielos» nos sumerge en la experiencia de tres mujeres que regresan solas de una base científica en Alaska, un lugar que prometía ser un acompañamiento a sus vidas en pareja pero que se transformó en un inesperado precipicio emocional. La obra no solo nos transporta a la gélida inmensidad de un paisaje inhóspito, sino que también nos adentra en el frío interno que cada una de ellas experimentó.

A través de sus recuerdos y vivencias, somos testigos de los motivos que las llevaron a ese remoto destino, de los lazos que intentaron mantener vivos en un entorno desafiante. Sin embargo, la obra no se detiene en la mera descripción del sufrimiento. Con una honestidad brutal, nos muestra cómo cada una lidió de manera diferente con ese abismo: una huyó impulsivamente, otra fue despedida ante la evidencia de su profunda infelicidad, mientras que la última se consumió lentamente en la monotonía y la desilusión.

Lo que hace aún más interesante a «Las mujeres entre los hielos» es su inteligente equilibrio entre la crudeza del trauma y una dosis justa de humor. Esta combinación permite al espectador conectar con la vulnerabilidad de los personajes sin caer en un dramatismo excesivo, ofreciendo una experiencia teatral que entretiene a la vez que invita a una profunda reflexión sobre la naturaleza de los vínculos y la búsqueda de la felicidad personal, incluso en los lugares más inesperados.

La escenografía, aunque minimalista, resulta sumamente efectiva. El fondo blanco evoca la frialdad literal de Alaska, pero también se convierte en un lienzo en blanco que simboliza el vacío emocional en el que se encuentran estas mujeres. Este limbo escénico subraya la sensación de aislamiento y la lucha interna de cada una.

En definitiva, «Las mujeres entre los hielos» se presenta como una obra más que recomendable, una propuesta teatral interesante que se puede disfrutar los sábados a las 20 horas en Teatro Animal. Es una invitación a reflexionar sobre cómo los entornos, incluso aquellos que pueden parecer hermosos desde fuera, pueden convertirse en un espejo de nuestra propia infelicidad y cómo la búsqueda de un escape, aunque dolorosa, puede ser la única vía hacia la sanación.

Ficha técnico/ artística
Elenco: Virginia Vallés (Lourdes), Luz Diéguez (Clara), Alejandra Moreno (Lisa)

Iluminación: Florencia Carboni

Escenografía: Sofía Brandoni

Vestuario: Sofía Brandoni

Realización de escenografía: Lalo Montoli
Diseño gráfico: Florian Bernárdez

Fotos: Morizze Borzone Müller

Redes: Chiara Rossi

Prensa: Valeria Franchi

Producción ejecutiva: Claudio Yanes

Asistencia de dirección: Lalo Montoli

Dirección: Claudio Yanes

Dramaturgia: Agustina Muñoz

Duración del espectáculo: 60 minutos



Redes sociales del espectáculo: IG @entre.loshielos

Redes sociales del elenco: @ale.morenoc @luzdieguez @vir.valles @claudioyanes.actor @lalo.montoli

Funciones:

Sábados 20 h.

Animal Teatro – Castro 561 (Almagro) –

Entrada general: $12.000 / $10.000 est. y jub

Reserva: http://www.alternativateatral.com

Link directo: https://publico.alternativateatral.com/entradas94328-las-mujeres-entre-los-hielos?o=14

Por @soynancybenegas

Sinopsis
Tres mujeres separadas en el tiempo pero unidas en un mismo desafío, romper con los mandatos establecidos y poder encontrar su voz propia. Un recorrido íntimo y profundo por el universo femenino que nos invita a reflexionar sobre el poder de cada decisión que tomamos y el camino que elegimos construir.

Reseña
Un viaje profundo y conmovedor por la vida de tres mujeres que, a través de sus monólogos nos sumergen en historias marcadas por los vínculos familiares, los mandatos impuestos y el valor de tomar las decisiones difíciles, incluso cuando implican dolor, resistencia y dejar atrás el camino conocido.
Con una escenografía precisa y minimalista, la propia narración y puesta en escena, le da vida al espacio permitiendo que las propias historias se adueñen del lugar. Cada una de las protagonistas se transforma se forma convincente en el rostro de una época, con relatos intensos y emotivos, con el que se logra empatizar gracias a sus interpretaciones sinceras y emotivas.

La bella intervención de María Judez, brindando acompañamiento musical, y ese instante de reflexión con los personajes, llenos de humor e ironía, le da frescura y simpatía al momento. La dirección de Pilar Juaristi aporta una mirada clara, que logra una obra bien construida, con el tiempo exacto para que cada narración encuentre su ritmo propio y el desarrollo necesario para llegar al público de manera directa y profunda.
Matria es un relato directo y valiente que nos invita a reflexionar, romper o transformar mandatos para contar historias con finales diferentes. Una buena propuesta que engrandece el teatro independiente una vez más.

Ficha Técnica
Dirección: Pilar Juaristi
Reparto: Florencia Otero, María Thustra, Mariana Judez, Adriana Menendez
Duración: 50 minutos
Funciones: Domingo 20 hs en la Sala Teatral Belisiano Club de Cultura, ubicado en Avenida Corrientes 1624.

Por @soynancybenegas 

Sinopsis
Comedia dramática que aborda el tema de la vejez desde el humor y la ironía. Contada por desprejuiciados actores mayores de 60 años que se animan a hablar y a hacer lo que se les da la gana con absoluta libertad y desenfado. Un grupo de Irreverentes que entretiene y cuestiona la mirada de la sociedad a la gente mayor.

Reseña
Que buena costumbre que los espectáculos comiencen en la puerta del teatro. Con ese simple detalle que sean sus actores los que te dan la bienvenida, te regalen una flor y te acompañen al lugar desde donde vas a ver la función.
Veintisiete actores en escena, recorren el lugar impúdicos y desprejuiciados. Todo lo que pueda decir el público a partir de este momento, seguramente, ellos ya se lo han dicho entre gritos y sonrisas. No hay limites y en medio de ese desorden tan bien ordenado todo fluye de manera correcta, con gracia, sentido y una adrenalina por demás interesante.
Una dinámica atractiva que a ritmo vertiginoso te mantiene alerta a lo que sucede en escena. La historia que toma fragmentos de la vida de quien las interpreta, te lleva hacia una aventura entretenida y alocada. Contando la versión más realista de sus propias vidas, juegan a burlarse de sus propios prejuicios; demostrando con simpatía que su experiencia es un maravilloso bien ganado que les ha enseñado a ver la vida de otra manera.
Con una puesta escénica atrevida, el espacio se transforma en una avenida donde cada uno de los protagonistas encuentra el camino correcto para lucirse. Se destaca el vestuario correctamente extravagante, lleno de colores, dibujos y mucho brillo. Acertadísima elección musical llena de frescura que se vuelve una parte preponderante dentro de la obra potenciando la trama.
Su disruptivo director José María Muscari siempre tan atinado para armar elencos numerosos, diversos y desinhibidos. Logra una vez más encontrar artistas tan aplicados a la entrega escénica absoluta, para conmover, provocar y entretener con desenfado y encanto.

Detalle
Una crítica audaz e inteligente a la vejez, con momentos emotivos en los que vas a secarte lagrimitas. Alejandra Rubio es el nombre conocido del elenco, sin embargo, vas a sorprenderte con el currículum de los otros integrantes y su desparpajo en escena. Que buena propuesta de principio a fin que simplemente vas a amar.

Ficha Técnica
Dirección: José María Muscari
Reparto: Jorge Alarcón, Mónica Alessandria, Luis Caballero, Alejandra Rubio, Néstor Nieto, Silvia Porro
Duración: 90 minutos
Funciones: sábado 20 hs y Domingo 18 hs en Teatro Del Pueblo ubicado en Lavalle 3636

El pasado lunes 7 de abril tuvimos el placer de asistir a la función de prensa de la obra «Pasaporte», un musical de Nicolás Alan Medina y Delfina Jorge que nos introduce la historia de Lila, una joven que está por migrar del país y que ante la pérdida de un elemento importante para viajar , transcurren cosas que nos permite profundizar los vínculos con sus seres queridos y disfrutar de situaciones hilarantes justo el día antes de cruzar el continente.

Lila está por emprender un viaje a Madrid, pierde su pasaporte y esto puede ser porque tal vez tiene cosas que resolver con la gente que la rodea. A su vez está preparando una tesis para sus estudios en filosofía y comienza a comparar a la gente que es parte de su vida con un filósofo para poder explicar su forma de ser y como se puede relacionar sus comportamientos con ella. Aquí nos encontramos con su mejor amigo, su madre, la ex pareja de su mamá y la chica que fue su vínculo durante un tiempo. Mientras buscan ideas alocadas para poder encontrar el objeto perdido, cada uno saca los trapitos al sol para resolver los asuntos pendientes con Lila antes que sea tarde.

Obviamente hay que decir que se trata de un musical, que cuenta con músicos en vivo, algo que se valora en toda producción. Las letras sirven para acompañar el relato pero también para aportar cierta dosis de humor y emotividad cuando el relato lo requiere. La obra es bastante distendida, en la que usa un conflicto simple para generar situaciones hilarantes pero a su vez desarrollando la relación de todos los personajes.

El talento de los actores es algo para destacar, puede que en la función de prensa hubo algunos errores técnicos en ciertas escenas musicales pero la realidad es que el trabajo de los artistas es impecable, lleno de carisma y buena representación desde lo musical.

Pasaporte es una obra musical tierna y divertida que puede disfrutarse los días lunes a las 20:30 horas en el Teatro Picadilly y que nos hará pasar un buen momento que se apoya en la filosofía para ahondar en las relaciones interpersonales.

Por Nancy Benegas 

Sinopsis
Recorrido de la vida y obra de la Señora Mirtha Legrand De Tinayre, sin dudas, una de la figuras más destacadas de la cultura Argentina. A través de escenas teatrales, momentos simbólicos y frases icónicas, el espectáculo nos hace un repaso de su historia con humor, música, nostalgia y el sello audaz de José María Muscari.

Reseña
En algunos momentos todos hemos querido ser Mirtha Legrand, esa es la primera razón por lo que resulta sencillo empatizar con el relato. Un relato que nos acerca a esa mujer que a lo largo de su carrera ha sabido marcar un estilo personal, plagado de glamour, brillo y también profundas tristezas. Ella, la dueña de los almuerzos televisivos, con sus jóvenes 98 años irradia un entusiasmo por la vida, que muchos de nosotros con varios años menos admiramos profundamente… y envidiamos un poquito.
A través de cuatro etapas de la vida de la artista: la niñez, la juventud, la adultez y la madurez. Mirtha El Mito es el camino que su director, José María Muscari, elige para invitarnos a conocer a la diva. Fiel a su estilo osado y provocador propone un recorrido por fragmentos cuidadosamente narrados de su historia. A través de sus frases memorables, sus vestuarios imponentes y  trayendo a la memoria a las personas que marcaron su vida personal y profesionalmente.
Una propuesta original y arriesgada que reúne a 14 muy buenas artistas femeninas en el escenario. Unidas se ensamblan con naturalidad mientras actúan, cantan, recitan y se convierten por un ratito en la inconfundible Mirtha Legrand. Con una cuidada selección de actrices de distintas generaciones y trayectorias reconocidas, logran momentos musicales atractivos llenos de humor, emoción y guiños cómplices al público.

Excelente los juegos de humor vinculados con noticias muy actuales y el repaso de las publicidades tan propias de sus programa. Destaca el vestuario, con diseños elegantes que realza la presencia de cada actriz que lo luce. Puesta en escena simple y precisa que permite que la atención se centre en las intérpretes. Acertada elección de las imágenes que se proyectan en la pantalla led, que permiten conectar al espectador al instante y enriquecer la experiencia
La idea es ingeniosa y desafiante. Nunca antes se había realizado un homenaje de estas características a una artista con tantos años de trayectoria que sigue viva para presenciarlo. Es un recorrido amable y emotivo por la vida y obra de una figura fundamental del medio artístico, que sigue marcando un estilo propio.

Detalle
Mención especial para el hermoso momento que se vive cuando en la obra cada intérprete comparte desde su propia experiencia de como fue el primer encuentro con Mirtha, ya sea cara a cara, en un set de televisión o través de la pantalla. Esos relatos íntimos y diversos, revelan el impacto que la figura de Mirtha tuvo en sus vidas, en sus carreras y también en la forma de ver el mundo del espectáculo.

Ficha Técnica
Dirección: José María Muscari
Reparto: Victoria Carreras, Natalia Lobo, Anita Pauls, Julia Calvo, Andrea Ghidone
Duración: 70 minutos
Funciones: Domingo 18 hs en Teatro Regina ubicado en Avenida Santa Fe 1235

La lucha interior se tiñe de rojo

El sábado pasado tuve la oportunidad de ver una obra del under porteño, diferente y arriesgada, donde la danza es un vehículo para contar una historia, una que se tiñe de rojo.

Detrás del congreso se encuentra el Teatro Área 623, todos los sábados a las 21 la artista y coreógrafa presenta »Mambo rojo».  Crea, dirige y produce este viaje de danza interpretativa cuya sinopsis, bajo la misma autora:
»Una pesadilla, un sueño perturbador. Todo es rojo. ¿Es el infierno?. Es nuestro propio infierno. Un viaje al inconsciente. Somos nuestros propios monstruos. ¿Somos el enemigo?».

Marina Cachan nos lleva a un viaje de emociones, atravesando por diferentes géneros e influencias. Dos intérpretes: Aylén Arcadigini y Morena Arce, un mismo vestuario, dos personalidades y un solo color: El rojo.

El diseño de iluminación coqueto y sagaz a cargo de Rodolfo Eversdijk, el cual se basa en las sombras, led y efectos visuales.
Ambas bailarinas juegan con los rayos rojos y la luz testigo que recibirán durante el show, de fondo un popurrí de temas que van desde el primer jumpscare que recibe la audiencia, vals ruso, electrónica, canciones de Jacques Brel o Édith Piaf. Un desenvolvimiento y montaña rusa de emociones que las artistas transmiten al público.

Contorsiones, uso de fuerza, ballet y moderno son los géneros que las bailarinas ejecutarán, además, hay una fuerte carga de mímica y clown.
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Mambo Rojo es una experiencia que desde el primer segundo te levanta del asiento, te atrapa, te hace reír en momentos y vuelvo te vuelve  a sumergir en un misterio rojo, en un verdadero mambo rojo.

Disponible los sábados a las 21 en Area 623

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por María Florencia Gorini

Tres mujeres que buscan apuntar a una nueva vida, a poder seguir adelante habiendo enfrenado sus pasados con mucha valentía: suicidios, rencores, desamores y perdidas.

Nora, obra de «Casa de Muñecas» de Ibsen.
Julia, obra » Señorita Julia» de Strindberg.
Elena, obra «El tío Vanya» de Chejov.

Las protagonistas de la historia se encuentran en el mismo barco dirigiéndose a Buenos Aires.

La obra por más de que su contexto sea creado en otra época se puede relacionarse con los años actuales ya que al cada una de estas mujeres contar sus hitorias, su vida y sus pensamientos  replantea como es vista la mujer en la sociedad y todo que una tiene que enfrentar y aguantar injustamente.

Muy interesantes los diálogos, muchos hacen que el espectado reflexiones sobe estas cuestiones. El vestuario, las luces y escenografía muy practicas pero bien logradas ya que el espacio no era muy amplio.

Recomiendo ir a verla !

Ficha técnico artística
Autoría: Mario Diament
Actúan: Amanda Bond, Julieta Correa Saffi, Nadia Fürst, Miguel Sorrentino
Diseño de vestuario: Paula Molina
Diseño de escenografía: Héctor Calmet
Diseño de luces: Manuel Mazza
Realización de escenografia: Rina Gabe, Santiago Lapacette
Música original: Pablo Viotti
Fotografía: Camila Castro
Diseño gráfico:Nahuel Lamoglia
Asistencia De Producción: Narella Ríos
Prensa: Marcos Mutuverría
Pre-producción:Valeria Ormeño
Dirección: Mauro J. Pérez

Por @soynancybenegas  

Sinopsis
Un grupo de amigos organiza una cena cada semana en la que los participantes presentan un tonto de ocasión para burlarse de él. El protagonista convencido de haber encontrado al mejor invitado para el evento, termina atrapado en una serie de enredos que pondrá en evidencia sus verdaderas intenciones. Una propuesta entretenida para pasarla bien y reírse mucho.

Reseña 
Comedia divertida e ingeniosa con un trio protagónico que se une para potenciar su talento con una dinámica que nace de manera natural. Excelente juego de diálogos, muy bien logrados que se fortalecen con la entrega corporal con la que los artistas desarrollan la complejidad de sus personajes. Escrita por Francis Veber en el año 1999, esta brillante historia que ya cosechó  éxitos en teatros de todo el mundo, regresa a la Argentina bajo la producción de Adrián Suar y Guillermo Francella, quienes anteriormente supieron lucirse en los personajes.

Martin Bossi, en el rol del tonto se muestra histriónico y carismático. De este modo, lleva a su personaje a recorrer los distintos matices con calidez y dinamismo. Su versatilidad escénica y la facilidad para encontrar complicidad con el público se hace evidente, así es como logra que su presencia y desempeño, sean elementales para marcar el ritmo de las diferentes situaciones que acontecen, con remates propios del humor que el, tan bien sabe manejar.
Laurita Fernández, quien interpreta dos personajes dentro de la obra, se destaca al marcar con claridad y absoluta frescura los contrastes entre ambos. Incluso en los momentos donde su rol roza lo grotesco, ella logra desenvolverse con soltura y verse siempre divertida; y Mike Amigorena trae con su presencia el equilibrio justo para crear momentos desopilantes, con el aporte preciso de humor ácido e ironía que tan bien le sientan a la obra.
El elenco se completa con las efectivas actuaciones de Esteban Prol, Franco Battista y, el talentoso Guillermo Arengo,  quien a fuerza de simpatía, afronta los sinsabores de su personaje despertando aplausos y risas.

La dirección de Marcos Carnevale logra que el trabajo de actores reconocidos fluya con la comodidad que les ha dado sus años de experiencia. La puesta en escena no apura los tiempos de desarrollo, y crea climas especiales para destacar a cada uno de sus artistas. La cena de los tontos es una historia clásica que con el paso de los años,  a pesar de haber sido adaptada para teatro, es una propuesta atractiva y divertida con una reflexión muy actual en su temática.

Detalle

La cena de los tontos (Le Dîner de cons en su título original) tuvo una adaptación en el cine francés en 1998 escrita y dirigida por Francis Veber, basada en su obra de teatro homónima, en la que Jacques Villeret ya interpretó el mismo papel que en la puesta teatral.
En el año 2010 su versión cinematográfica en Hollywood fue dirigida por Jay Roach y conto con las actuaciones de Steve Carell (The Office) y Paul Rudd (Ant-Man).

Ficha Técnica
Dirección: Marcos Carnevale
Reparto: Martín Bossi, Mike Amigorena, Laura Fernández, Esteban Prol
Duración: 100 minutos
Funciones: Jueves y Viernes 20.30, Sábado 19.30 y 22.30, Domingos 20 hs en el Teatro Nacional Sancor Seguros, ubicado en Avenida Corrientes 960 

Por @soynancybenegas  

Sinopsis
Diversos personajes se atreven a cruzar las puertas de un Hotel en donde cada huésped es invitado a sumergirse a situaciones condimentadas con sensualidad, deseos ocultos, amores prohibidos y mucho… mucho tango. Una narrativa intensa y seductora que fusiona a la perfección la buena música y la danza.

Reseña 
Mensaje intenso y provocador que prende fuego el escenario, cargado de  adrenalina coreográfica que nunca descuida las líneas y sabe cruzar los límites. A modo de historias que se entrelazan al cruce de las puertas que se van abriendo para pasar a diversas habitaciones con relatos particulares, cada canción cobra sentido mientras musica reconocida se acomoda a la potente voz de Ana Devin, y las eleva a un espacio diferente donde todo parece ser posible en el juego constante de atracción que se propone. 
Cada interpretación forma parte de un nuevo capítulo donde los personajes se complementan a la imagen que muta en la inmensa pantalla digital que esta de fondo, los protagonistas juegan seductores con los complementos que se suman al escenario compuesto por un mobiliario que predomina en el rojo intenso y se acomoda perfecto a cada coreografía. El cuerpo de bailarines, detallistas y elegantes pasan por el estilo clásico, moderno y audaz del tango a velocidades impertinentes, con trucos difíciles tan bellos como arriesgados. 

Una obra pensada para enamorarse del tango, para mirarlo de una forma diferente y animarse a sentirse inmerso en la aventura que propone la obra. Atrapante y vertiginosa, se aprecia las horas de ensayo para que todo encastre perfecto, el cuidado puntilloso del detalle que permite que todo fluya preciso y natural sin perder la esencia de cada función. Noelia Marzol es puro fuego, en su lugar como protagonista tiene una entrega absoluta en sus coreografías con un gran despliegue de sensualidad y belleza; y desde su lugar de productora se aprecia su  exigencia y la mirada afilada para explotar los detalles que hacen de la obra un cuadro prolijo e interesante con el que se logra empatizar y también emocionarse.
El vestuario se luce con los clásicos trajes tangeros onda malevo, y unos bellos look en las chicas que abunda en colores rojos y negros con brillos y transparencias. La escenografía está plagada de instrumentos móviles que se desplazaban fluidos en escena y forman una parte esencial de las coreografías. Bloody Tango es sin dudas un viaje poderoso y sensual por el universo del tango, planteado como un camino que no da permiso a la tibieza y se entrega con pasión al encuentro atrevido de la poderosa música que tiene el ritmo del 2 x 4.

Detalle
El elenco se compone de 11 bailarines que recorren el mundo representando el tango, para la obra se sumergieron en una rutina de 3 a 4 horas diarias de ensayos. 

Ficha Técnica
Dirección Artística: María Laura Cattalini
Reparto: Lourdes Sánchez, Noelia Marzol, Ana Devin, Jony Lazarte
Duración: 70 minutos
Funciones: Jueves 20 hs en Teatro Astral, ubicado en Avenida Corrientes 1639