El pasado lunes 7 de abril tuvimos el placer de asistir a la función de prensa de la obra «Pasaporte», un musical de Nicolás Alan Medina y Delfina Jorge que nos introduce la historia de Lila, una joven que está por migrar del país y que ante la pérdida de un elemento importante para viajar , transcurren cosas que nos permite profundizar los vínculos con sus seres queridos y disfrutar de situaciones hilarantes justo el día antes de cruzar el continente.

Lila está por emprender un viaje a Madrid, pierde su pasaporte y esto puede ser porque tal vez tiene cosas que resolver con la gente que la rodea. A su vez está preparando una tesis para sus estudios en filosofía y comienza a comparar a la gente que es parte de su vida con un filósofo para poder explicar su forma de ser y como se puede relacionar sus comportamientos con ella. Aquí nos encontramos con su mejor amigo, su madre, la ex pareja de su mamá y la chica que fue su vínculo durante un tiempo. Mientras buscan ideas alocadas para poder encontrar el objeto perdido, cada uno saca los trapitos al sol para resolver los asuntos pendientes con Lila antes que sea tarde.

Obviamente hay que decir que se trata de un musical, que cuenta con músicos en vivo, algo que se valora en toda producción. Las letras sirven para acompañar el relato pero también para aportar cierta dosis de humor y emotividad cuando el relato lo requiere. La obra es bastante distendida, en la que usa un conflicto simple para generar situaciones hilarantes pero a su vez desarrollando la relación de todos los personajes.

El talento de los actores es algo para destacar, puede que en la función de prensa hubo algunos errores técnicos en ciertas escenas musicales pero la realidad es que el trabajo de los artistas es impecable, lleno de carisma y buena representación desde lo musical.

Pasaporte es una obra musical tierna y divertida que puede disfrutarse los días lunes a las 20:30 horas en el Teatro Picadilly y que nos hará pasar un buen momento que se apoya en la filosofía para ahondar en las relaciones interpersonales.

Por Nancy Benegas 

Sinopsis
Recorrido de la vida y obra de la Señora Mirtha Legrand De Tinayre, sin dudas, una de la figuras más destacadas de la cultura Argentina. A través de escenas teatrales, momentos simbólicos y frases icónicas, el espectáculo nos hace un repaso de su historia con humor, música, nostalgia y el sello audaz de José María Muscari.

Reseña
En algunos momentos todos hemos querido ser Mirtha Legrand, esa es la primera razón por lo que resulta sencillo empatizar con el relato. Un relato que nos acerca a esa mujer que a lo largo de su carrera ha sabido marcar un estilo personal, plagado de glamour, brillo y también profundas tristezas. Ella, la dueña de los almuerzos televisivos, con sus jóvenes 98 años irradia un entusiasmo por la vida, que muchos de nosotros con varios años menos admiramos profundamente… y envidiamos un poquito.
A través de cuatro etapas de la vida de la artista: la niñez, la juventud, la adultez y la madurez. Mirtha El Mito es el camino que su director, José María Muscari, elige para invitarnos a conocer a la diva. Fiel a su estilo osado y provocador propone un recorrido por fragmentos cuidadosamente narrados de su historia. A través de sus frases memorables, sus vestuarios imponentes y  trayendo a la memoria a las personas que marcaron su vida personal y profesionalmente.
Una propuesta original y arriesgada que reúne a 14 muy buenas artistas femeninas en el escenario. Unidas se ensamblan con naturalidad mientras actúan, cantan, recitan y se convierten por un ratito en la inconfundible Mirtha Legrand. Con una cuidada selección de actrices de distintas generaciones y trayectorias reconocidas, logran momentos musicales atractivos llenos de humor, emoción y guiños cómplices al público.

Excelente los juegos de humor vinculados con noticias muy actuales y el repaso de las publicidades tan propias de sus programa. Destaca el vestuario, con diseños elegantes que realza la presencia de cada actriz que lo luce. Puesta en escena simple y precisa que permite que la atención se centre en las intérpretes. Acertada elección de las imágenes que se proyectan en la pantalla led, que permiten conectar al espectador al instante y enriquecer la experiencia
La idea es ingeniosa y desafiante. Nunca antes se había realizado un homenaje de estas características a una artista con tantos años de trayectoria que sigue viva para presenciarlo. Es un recorrido amable y emotivo por la vida y obra de una figura fundamental del medio artístico, que sigue marcando un estilo propio.

Detalle
Mención especial para el hermoso momento que se vive cuando en la obra cada intérprete comparte desde su propia experiencia de como fue el primer encuentro con Mirtha, ya sea cara a cara, en un set de televisión o través de la pantalla. Esos relatos íntimos y diversos, revelan el impacto que la figura de Mirtha tuvo en sus vidas, en sus carreras y también en la forma de ver el mundo del espectáculo.

Ficha Técnica
Dirección: José María Muscari
Reparto: Victoria Carreras, Natalia Lobo, Anita Pauls, Julia Calvo, Andrea Ghidone
Duración: 70 minutos
Funciones: Domingo 18 hs en Teatro Regina ubicado en Avenida Santa Fe 1235

La lucha interior se tiñe de rojo

El sábado pasado tuve la oportunidad de ver una obra del under porteño, diferente y arriesgada, donde la danza es un vehículo para contar una historia, una que se tiñe de rojo.

Detrás del congreso se encuentra el Teatro Área 623, todos los sábados a las 21 la artista y coreógrafa presenta »Mambo rojo».  Crea, dirige y produce este viaje de danza interpretativa cuya sinopsis, bajo la misma autora:
»Una pesadilla, un sueño perturbador. Todo es rojo. ¿Es el infierno?. Es nuestro propio infierno. Un viaje al inconsciente. Somos nuestros propios monstruos. ¿Somos el enemigo?».

Marina Cachan nos lleva a un viaje de emociones, atravesando por diferentes géneros e influencias. Dos intérpretes: Aylén Arcadigini y Morena Arce, un mismo vestuario, dos personalidades y un solo color: El rojo.

El diseño de iluminación coqueto y sagaz a cargo de Rodolfo Eversdijk, el cual se basa en las sombras, led y efectos visuales.
Ambas bailarinas juegan con los rayos rojos y la luz testigo que recibirán durante el show, de fondo un popurrí de temas que van desde el primer jumpscare que recibe la audiencia, vals ruso, electrónica, canciones de Jacques Brel o Édith Piaf. Un desenvolvimiento y montaña rusa de emociones que las artistas transmiten al público.

Contorsiones, uso de fuerza, ballet y moderno son los géneros que las bailarinas ejecutarán, además, hay una fuerte carga de mímica y clown.
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Mambo Rojo es una experiencia que desde el primer segundo te levanta del asiento, te atrapa, te hace reír en momentos y vuelvo te vuelve  a sumergir en un misterio rojo, en un verdadero mambo rojo.

Disponible los sábados a las 21 en Area 623

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por María Florencia Gorini

Tres mujeres que buscan apuntar a una nueva vida, a poder seguir adelante habiendo enfrenado sus pasados con mucha valentía: suicidios, rencores, desamores y perdidas.

Nora, obra de «Casa de Muñecas» de Ibsen.
Julia, obra » Señorita Julia» de Strindberg.
Elena, obra «El tío Vanya» de Chejov.

Las protagonistas de la historia se encuentran en el mismo barco dirigiéndose a Buenos Aires.

La obra por más de que su contexto sea creado en otra época se puede relacionarse con los años actuales ya que al cada una de estas mujeres contar sus hitorias, su vida y sus pensamientos  replantea como es vista la mujer en la sociedad y todo que una tiene que enfrentar y aguantar injustamente.

Muy interesantes los diálogos, muchos hacen que el espectado reflexiones sobe estas cuestiones. El vestuario, las luces y escenografía muy practicas pero bien logradas ya que el espacio no era muy amplio.

Recomiendo ir a verla !

Ficha técnico artística
Autoría: Mario Diament
Actúan: Amanda Bond, Julieta Correa Saffi, Nadia Fürst, Miguel Sorrentino
Diseño de vestuario: Paula Molina
Diseño de escenografía: Héctor Calmet
Diseño de luces: Manuel Mazza
Realización de escenografia: Rina Gabe, Santiago Lapacette
Música original: Pablo Viotti
Fotografía: Camila Castro
Diseño gráfico:Nahuel Lamoglia
Asistencia De Producción: Narella Ríos
Prensa: Marcos Mutuverría
Pre-producción:Valeria Ormeño
Dirección: Mauro J. Pérez

Por @soynancybenegas  

Sinopsis
Un grupo de amigos organiza una cena cada semana en la que los participantes presentan un tonto de ocasión para burlarse de él. El protagonista convencido de haber encontrado al mejor invitado para el evento, termina atrapado en una serie de enredos que pondrá en evidencia sus verdaderas intenciones. Una propuesta entretenida para pasarla bien y reírse mucho.

Reseña 
Comedia divertida e ingeniosa con un trio protagónico que se une para potenciar su talento con una dinámica que nace de manera natural. Excelente juego de diálogos, muy bien logrados que se fortalecen con la entrega corporal con la que los artistas desarrollan la complejidad de sus personajes. Escrita por Francis Veber en el año 1999, esta brillante historia que ya cosechó  éxitos en teatros de todo el mundo, regresa a la Argentina bajo la producción de Adrián Suar y Guillermo Francella, quienes anteriormente supieron lucirse en los personajes.

Martin Bossi, en el rol del tonto se muestra histriónico y carismático. De este modo, lleva a su personaje a recorrer los distintos matices con calidez y dinamismo. Su versatilidad escénica y la facilidad para encontrar complicidad con el público se hace evidente, así es como logra que su presencia y desempeño, sean elementales para marcar el ritmo de las diferentes situaciones que acontecen, con remates propios del humor que el, tan bien sabe manejar.
Laurita Fernández, quien interpreta dos personajes dentro de la obra, se destaca al marcar con claridad y absoluta frescura los contrastes entre ambos. Incluso en los momentos donde su rol roza lo grotesco, ella logra desenvolverse con soltura y verse siempre divertida; y Mike Amigorena trae con su presencia el equilibrio justo para crear momentos desopilantes, con el aporte preciso de humor ácido e ironía que tan bien le sientan a la obra.
El elenco se completa con las efectivas actuaciones de Esteban Prol, Franco Battista y, el talentoso Guillermo Arengo,  quien a fuerza de simpatía, afronta los sinsabores de su personaje despertando aplausos y risas.

La dirección de Marcos Carnevale logra que el trabajo de actores reconocidos fluya con la comodidad que les ha dado sus años de experiencia. La puesta en escena no apura los tiempos de desarrollo, y crea climas especiales para destacar a cada uno de sus artistas. La cena de los tontos es una historia clásica que con el paso de los años,  a pesar de haber sido adaptada para teatro, es una propuesta atractiva y divertida con una reflexión muy actual en su temática.

Detalle

La cena de los tontos (Le Dîner de cons en su título original) tuvo una adaptación en el cine francés en 1998 escrita y dirigida por Francis Veber, basada en su obra de teatro homónima, en la que Jacques Villeret ya interpretó el mismo papel que en la puesta teatral.
En el año 2010 su versión cinematográfica en Hollywood fue dirigida por Jay Roach y conto con las actuaciones de Steve Carell (The Office) y Paul Rudd (Ant-Man).

Ficha Técnica
Dirección: Marcos Carnevale
Reparto: Martín Bossi, Mike Amigorena, Laura Fernández, Esteban Prol
Duración: 100 minutos
Funciones: Jueves y Viernes 20.30, Sábado 19.30 y 22.30, Domingos 20 hs en el Teatro Nacional Sancor Seguros, ubicado en Avenida Corrientes 960 

Por @soynancybenegas  

Sinopsis
Diversos personajes se atreven a cruzar las puertas de un Hotel en donde cada huésped es invitado a sumergirse a situaciones condimentadas con sensualidad, deseos ocultos, amores prohibidos y mucho… mucho tango. Una narrativa intensa y seductora que fusiona a la perfección la buena música y la danza.

Reseña 
Mensaje intenso y provocador que prende fuego el escenario, cargado de  adrenalina coreográfica que nunca descuida las líneas y sabe cruzar los límites. A modo de historias que se entrelazan al cruce de las puertas que se van abriendo para pasar a diversas habitaciones con relatos particulares, cada canción cobra sentido mientras musica reconocida se acomoda a la potente voz de Ana Devin, y las eleva a un espacio diferente donde todo parece ser posible en el juego constante de atracción que se propone. 
Cada interpretación forma parte de un nuevo capítulo donde los personajes se complementan a la imagen que muta en la inmensa pantalla digital que esta de fondo, los protagonistas juegan seductores con los complementos que se suman al escenario compuesto por un mobiliario que predomina en el rojo intenso y se acomoda perfecto a cada coreografía. El cuerpo de bailarines, detallistas y elegantes pasan por el estilo clásico, moderno y audaz del tango a velocidades impertinentes, con trucos difíciles tan bellos como arriesgados. 

Una obra pensada para enamorarse del tango, para mirarlo de una forma diferente y animarse a sentirse inmerso en la aventura que propone la obra. Atrapante y vertiginosa, se aprecia las horas de ensayo para que todo encastre perfecto, el cuidado puntilloso del detalle que permite que todo fluya preciso y natural sin perder la esencia de cada función. Noelia Marzol es puro fuego, en su lugar como protagonista tiene una entrega absoluta en sus coreografías con un gran despliegue de sensualidad y belleza; y desde su lugar de productora se aprecia su  exigencia y la mirada afilada para explotar los detalles que hacen de la obra un cuadro prolijo e interesante con el que se logra empatizar y también emocionarse.
El vestuario se luce con los clásicos trajes tangeros onda malevo, y unos bellos look en las chicas que abunda en colores rojos y negros con brillos y transparencias. La escenografía está plagada de instrumentos móviles que se desplazaban fluidos en escena y forman una parte esencial de las coreografías. Bloody Tango es sin dudas un viaje poderoso y sensual por el universo del tango, planteado como un camino que no da permiso a la tibieza y se entrega con pasión al encuentro atrevido de la poderosa música que tiene el ritmo del 2 x 4.

Detalle
El elenco se compone de 11 bailarines que recorren el mundo representando el tango, para la obra se sumergieron en una rutina de 3 a 4 horas diarias de ensayos. 

Ficha Técnica
Dirección Artística: María Laura Cattalini
Reparto: Lourdes Sánchez, Noelia Marzol, Ana Devin, Jony Lazarte
Duración: 70 minutos
Funciones: Jueves 20 hs en Teatro Astral, ubicado en Avenida Corrientes 1639 

Luego de una primera temporada llena de aplausos y público que pedía por otra y otra, El Picadero vuelve a ser la casa de “Quiero decir te amo”.

¿Si te escribo una carta aunque no me conozcas? ¿Si me enamoro de vos que sólo estás en mi cabeza? ¿Si te leo aunque no sea la destinataria y algo me pasa? Te respondo. Te recibo. Me confundo. Te imagino. Ojalá me dijeran “te amo”. Ojalá yo dijera “te amo”. Voy a guardarte en un diario íntimo, por lo menos ahí me aseguro de que nadie te va a hacer mal. ¿Es posible el amor o solo una fantasía a la que me aferro porque la realidad es terrible? ¿Acaso la literatura es la forma de inventarte y por fin, suerte la mía, amar(nos)?

Entre la ilusión y lo tangible, entre lo cómico y lo trágico. Dos mujeres desbordadas se escriben sin saberlo. Por equivocación, el amor. Ella (Violeta Urtizberea) manda cartas embobadas a un hombre que ha visto en la calle: “Para un hermoso desconocido. De: Tu amada secreta”. La mujer de este hombre (Lucía Adúriz) intercepta estas cartas y comienza a responderlas y a usar su diario como confidente de esta travesura- aventura íntima y secreta. La fantasía de ser con el otro y la proyección de una vida juntos. Sin quererlo ni buscarlo, el juego de monólogos se va volviendo diálogo, encuentro real y concreto.



Mariano Tenconi Blanco vuelve a traer a escena esta obra, de la mano de un elenco que hipnotiza, en donde el cruce de géneros literarios genera una dinámica que sólo puede atraer y mantener al público disponible para la sorpresa, el juego y la emoción. El uso del diario íntimo (diálogo con una misma) y de la carta con su comunicación no mediata, son los precursores de una historia donde las “confusiones” darán giros inesperados. Como en otras de sus obras, resuenan las novelas de Puig y los melodramas de Almodóvar. La literatura como forma de encuentro, como refugio de ternura y resistencia amorosa, como acto creativo y disparador hacia otras formas de habitar(se). 

Tres plataformas y un piano de cola ocupan el espacio. La música es un personaje más en la obra. Mención especial y elogios para Ian Shifres que genera climas mágicos en este mundo imaginado y no tanto.

¿Cuántas formas posibles hay de ser mujer? ¿Y hombre? ¿Y de ver el mundo? ¿Cómo ser leído?¿Cómo ser imaginado? El lenguaje como forma de relatarse a uno mismo y de ser relatado. Amarse sin tapujos, carnalmente, tiernamente, cariñosamente, literariamente. Amar como juego, como revolución, porque amar implica creer, tener fe, en un mundo que no cree en nada. “Quiero decir te amo”: a través de la ficción, una realidad otra donde el amor es posible y eje transversal de todo.


FICHA TÉCNICA

Dramaturgia y Dirección: Mariano Tenconi Blanco/ Intérpretes: Lucía Aduriz, Violeta Urtizberea/ Música en vivo: Ian Shifres/ Diseño de escenografía: Rodrigo Gonzalez Garillo/ Diseño de vestuario: Endi Ruiz/ Diseño de luces: Matías Sendón/ Diseño sonoro y música original: Ian Shifres/ Diseño de movimientos: Jazmín Titiunik/ Fotos: Carlos Furman/ Arte para piezas gráficas: María Luque/ Diseño gráfico: Gabriel Jofré/ Asistencia de dirección: Pablo Cusenza/ Asistencia de producción: Loli Crivocapich/ Producción general: Compañía Teatro Futuro/ Producción: Carolina Castro

TEATRO PICADERO (Pasaje Santos Discépolo 1857)- Domingo a las 20:30 hs – Del 23/03/2025 al 30/03/2025// Viernes a las 22:00 hs – Del 04/04/2025 al 11/04/2025// Sábado a las 18:00 hs – Del 05/04/2025 al 12/04/2025

Escribió: Micaela Steinbach

Por Nancy Benegas

Sinopsis
La trama sigue a una mujer que rememora un instante crucial que marca profundamente su vida, en un espacio y tiempo imprecisos; a lo largo de la historia organizará sus memorias para revelar aquello que ha callado durante mucho tiempo. Un drama conmovedor e intenso atrapante y emotivo.

Reseña
El sonido que irrumpe en el más profundo de los silencios abre camino inmediato a un mundo de sensaciones continuas que te envuelven en un relato por demás potente, intenso y atrapante. Desde una diminuta plataforma con una silla, pequeño detalle
minimalista enfocado con una lámpara de intensa luz blanca, una mujer desnuda su alma en un relato sin tiempo que la lleva a recorrer fragmentos de su vida que la marcaron para siempre.

Un recorrido que caminando a los bordes de tan limitado espacio se vuelve vertiginoso y asfixiante, poderoso y carnal. Con cada tramo del relato, esa mujer que sufre, grita, llora, reflexiona, se entrega a la intimidad de la desesperación y logra con absoluta empatía traspasar ese espacio imaginario que la separa de una audiencia expectante de la situación.
Pedazo de mí es la reflexión sobre el daño emocional y la necesidad de la liberación personal a través de un relato que invita a encontrarnos con nuestros propios temores y la busqueda de sanar nuestro pasado para cicatrizar el dolor de la vida misma que se ha callado Durante exactos 50 minutos, ella… Luz Palazón, hace honor de los tiempos bien manejados y el respeto al silencio que es capaz de potenciar cada detalle de la actuación. Un texto preciso muy bien contado, maravillosamente dirigido e interpretado, una narración que atrapa y emociona.

Detalle
Basado en un cuento homónimo de Inés Garland, incluido en su libro Con la espada de mi boca, publicado en el año 2019, la obra logra logra cuidadosamente la trasformación de la narrativa literaria a la escénica manteniendo la esencia y profundidad del texto original.

Bu
Ficha Técnica
Dirección: Augusto Pérez
Reparto: Luz Palazon
Duración: 50 minutos
Funciones: Sábado 22 hs en El Camarín de las Musas ubicado en Mario Bravo 960

El pasado miércoles 12 de marzo asistimos a la función de prensa de «Match for love» , una obra protagonizada por Alejandro Awada y Clara Alonso que nos ofrecen una entretenida comedia que se mete en el mundo de las citas a través de aplicaciones y redes sociales, y deja un relato sobre la búsqueda del amor, que a veces está mucho más cerca de lo que uno piensa.

Leiva y Meli son dos amigos, que si bien tienen algunas diferencias, son dos personas que conectan y se conocen perfectamente entre sí. Es así que resultan ser el soporte del otro cuando las cosas no terminan bien, aún en la distancia. Ambos comienzan a tener citas llevadas a cabo a través de una app similar a Tinder y nos muestran en escena las historias de cada una de ellas, todas con situaciones muy alocadas y que requiere la asistencia de ese amigo en la distancia para poder desahogarse y superar el mal trago.

Ya en un principio sabemos el destino de nuestros protagonistas, ya que ellos comienzan la obra con la presentación de un libro que narra la vida amorosa de ambos y su paso por las apps de citas pero dando pleno conocimiento de cuál es el desenlace. El camino de la historia es muy divertido y tanto Awada como Alonso comparten situaciones muy elocuentes, tanto juntos como en solitario.

Match for love es una obra tierna y que nos invita a reflexionar sobre la relación con otras personas o lo que buscamos a través de las redes, que pese a las grandes ventajas de estar conectado con el mundo de una forma increíble, a veces se debe dejar de lado a la tecnología y valorar lo que tienes al lado. Esta obra cuenta con la dirección de Miguel Angel Solá, que sabe exprimir la química de los actores y hace uso de recursos audiovisuales para mostrar con dinamismo la relación de los protagonistas. Simplemente es una obra para divertirse y empatizar con sus personajes, tanto a los que están presentes como los que son parte de una anécdota.

“Match for love” se presentará con funciones de miércoles a viernes a las 20.30 horas, sábados con doble función a las 20.00 y 22.00 horas y domingos a las 20.00 horas en el Multiteatro (Avenida Corrientes 1283). Las entradas ya se encuentran a la venta en la boletería del teatro y a través de Plateanet. 

¿Culpable o inocente?


Una excelente opción de lunes en calle Corrientes es ‘Una duda razonable’, thriller jurídico dirigido por Ramón Mazuela Falchetti, «Doce hombres en pugna» del autor estadounidense Reginald Rose, la obra escrita por Ronald Heim (no confundir con el libro de Anne Perry el cual tuvo varias adaptaciones en Hollywood).

Una duda razonable plantea debates morales, sociales y éticos sobre el rol de la sociedad, el estado y la justicia ante el enjuiciamiento de presuntos culpables. Nada más alejado de la realidad, en tiempos donde se abrió una caja de pandora ante la discusión de temas tan polèmicos que no están en el código penal argentino, tales como la baja de edad de imputabilidad y la pena de muerte.

»Doce miembros de un jurado compuesto por hombres y mujeres deben decidir si un adolescente es el responsable de haber matado a su padre. Al parecer todos están convencidos de su posición hasta que uno plantea una duda razonable». Es la sinopsis de la obra adaptada al argot argentino.

Marisa Salerno, Juan Lucero, Nicolás Viguera, Eugenia Valenzuela, Linda Goujon, Mario Sosa, Micaela Rosa, Aldana Sosa, Carlos Covillera, Gloria Ibero, Silvana Masi, Miguel Olano; forman parte del reparto multigeneracional de la obra. Actores veteranos y jóvenes con mucho talento personifican doce puntos de vista de la sociedad argentina ante la criminalidad.

¿Culpable o inocente?

Es la pregunta que este jurado pone sobre la mesa días antes de la posible ejecución o absolución del imputado.

La dirección de actores de Falchetti es soberbia, es un gran desafío coordinar a doce personas en un espacio reducido y en una obra de emociones agitadas.

Me mantuvo al borde del asiento durante su hora y media de duración. Una muestra de dinamismo, tensión y debates actuales que harán que el público también sea parte del jurado bajo sus conceptos morales y éticos.

Disponible los lunes a las 20 horas en el Teatro Buenos Aires.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.