La llegada de la Nintendo Switch 2 a nuestros hogares marcó el inicio de una nueva era de entretenimiento, y con ella, dos títulos de la casa se alzaron para liderar la vanguardia. Mientras que Mario Kart World Tour tomó la bandera como juego de lanzamiento, el segundo gran protagonista fue un título que sacó a Donkey Kong de su zona de confort en las plataformas 2D. Atrás quedaron las aclamadas aventuras como «Tropical Freeze» para dar paso a un juego tridimensional que evoca el espíritu innovador de Super Mario Odyssey, pero con el carismático simio a la cabeza. La promesa era ambiciosa, y después de haber tenido el placer de sumergirme en «Donkey Kong: Bananza», debo decir que superó todas mis expectativas. Este es un juego que brilla por su grandioso diseño de niveles, una modalidad que le otorga una personalidad inigualable a su protagonista y que, en definitiva, ofrece horas de puro entretenimiento.

Una Aventura divertida hacia el Corazón del Planeta

La premisa central de «Donkey Kong Bananza» es, en esencia, deliciosamente simple. Para DK, nada es más preciado que sus queridas bananas, y cuando estas son misteriosamente arrebatadas y llevadas a las profundidades del planeta, no hay tiempo que perder. Así, nuestro héroe emprende un épico viaje hacia el centro de la Tierra, no sin la inesperada pero bienvenida compañía de Pauline. La inclusión de este dúo resulta en una química sorprendente y muy bien implementada. La simplicidad de su historia, como es común en muchos de los exitosos plataformas de Nintendo, sirve como un lienzo perfecto para desplegar un abanico de posibilidades en su mundo y jugabilidad, todo ello rebosante de la característica creatividad de la compañía.

Destrucción Creativa y Exploración sin Límites

La aventura comienza con Donkey Kong en una mina, donde el juego introduce de manera intuitiva sus mecánicas fundamentales. Rápidamente, descubrimos que la fuerza destructiva de nuestro personaje puede aplicarse a casi cualquier elemento del escenario. A medida que superamos niveles con estructuras que recuerdan a un mundo semi-abierto, la destrucción se convierte en una herramienta clave. Prácticamente todo es susceptible de ser demolido, lo que invita constantemente a la exploración en busca de elementos útiles que mejorarán nuestra experiencia de juego.
Una de las adiciones más destacadas son las habilidades Bananza, donde Donkey Kong puede adoptar las aptitudes de otros animales, como una avestruz, un elefante o incluso una serpiente. Estas transformaciones son cruciales para alcanzar ciertos puntos, a veces necesarios para la progresión del nivel, pero también sirven como un incentivo fantástico para la exploración profunda, especialmente si buscas coleccionables o deseas mejorar tus habilidades al máximo.
La duración del juego es bastante flexible. Para aquellos que prefieren un recorrido más lineal, es posible terminarlo en unas 20 horas. Sin embargo, los jugadores que se sumerjan en la exploración y la búsqueda de secretos pueden superar fácilmente las 30 horas de juego. Esta no es solo una cuestión de «completar» el juego en el papel; el sistema casi RPG de mejora de personajes ofrece una profunda satisfacción personal.
También es importante mencionar el modo cooperativo, donde un segundo jugador puede controlar a Pauline. Si bien su manejo es más sencillo, es justo decir que la experiencia de juego para ambos personajes no es idéntica. Un pequeño inconveniente que pude encontrar radica en la cámara. Si bien su control y sistema son generalmente muy buenos, en momentos específicos, al romper objetos y adentrarse en huecos o espacios muy cerrados, la cámara puede resultar un poco desorientadora, dificultando la visibilidad de la destrucción. No obstante, un rápido movimiento del segundo stick para obtener una vista cenital del personaje soluciona este pequeño percance. La dificultad general del juego se inclina hacia el lado accesible, con un modo normal y otro fácil, lo que lo hace mas fácil realmente.

Un Festival Visual y Sonoro que Cumple con Creces

En el apartado técnico, «Donkey Kong Bananza» cumple con creces las expectativas. El diseño de niveles no solo es jugablemente excelente, sino también visualmente atractivo. El diseño de Donkey Kong irradia mucha más personalidad, y aunque gran parte de la aventura transcurra en las profundidades de la Tierra, los desarrolladores se toman licencias creativas para mostrar escenarios sorprendentemente alocados y diversos para el entorno, algo que se agradece enormemente.

El título corre con una fluidez impecable. Nintendo siempre ha destacado por la optimización de sus propios juegos, y aunque este estilo «sandbox» exige un trabajo considerable para mantener la estabilidad, «Bananza» no busca ser la revolución gráfica de la nueva generación de la consola, pero sí cumple y sin objeciones. La música merece una mención especial. Si bien mantiene un tono festivo y acorde con la estética colorida del juego, algunos de sus temas se quedan grabados en la memoria y complementan a la perfección la atmósfera de la aventura.

Donkey Kong Bananza es, sin lugar a dudas, un gran juego. Es un excelente plataformas en 3D al más puro estilo Nintendo, una experiencia que usualmente asociábamos con la franquicia de Mario. Esta vez, Donkey Kong recibe el reconocimiento que se merece, demostrando que es posible crear un juego sumamente creativo y, sobre todo, increíblemente divertido.

Agradecemos a Nintendo por proporcionarnos un código para analizar el juego en Switch 2

Calificación: 9/10

La demo de Theropods no se anda con rodeos. Arranca con una escena sorprendentemente brutal: una familia primitiva luchando por sobrevivir al embate de un T-Rex. La despedida de una madre que se sacrifica para asegurar el futuro de su pequeña marca el tono desde el inicio, y sí, implica que la sangre salpique. Definitivamente, este no es un juego para los más chicos.

Tras este impactante prólogo, la narrativa nos transporta años después a un bullicioso asentamiento prehistórico. Aquí, ya crecido, el protagonista se integra en la vida de la aldea, dando inicio a su rutina de ayuda y, con ello, al primer puzle. Y es que la esencia de «Theropods» reside precisamente en eso: la resolución de intrincados rompecabezas.
Estos desafíos se desarrollan en un entorno de varias capas, donde la exploración va más allá del plano 2D tradicional. La posibilidad de moverse «por encima» o «por debajo» de la perspectiva principal añade una sutil pero efectiva sensación de verticalidad, enriqueciendo la inmersión. La jugabilidad se centra en la clásica mecánica de Point & Click, donde deberás combinar objetos, activarlos en la secuencia correcta o entregar la herramienta adecuada al personaje preciso en el momento justo.

Visualmente, «Theropods» opta por un estilo PixelArt minimalista y muy colorido, una elección que no solo es estéticamente agradable sino que también complementa a la perfección su jugabilidad. Lo que realmente distingue a esta demo es la ausencia total de diálogos, voces o textos. Esta decisión deliberada fomenta una experiencia completamente inmersiva, permitiéndote desentrañar la historia y los enigmas de manera intuitiva y visual.

En resumen, la demo de «Theropods» ofrece una propuesta intrigante y madura, que combina una narrativa conmovedora con rompecabezas ingeniosos y un estilo artístico cautivador. Si buscas una aventura Point & Click diferente, con un inicio que te dejará sin aliento y una jugabilidad que te invita a la reflexión, «Theropods» es una opción que vale la pena explorar.

La serie Tony Hawk’s Pro Skater es una de las más icónicas y queridas en el mundo de los videojuegos de deportes extremos. Después de años de espera, los remakes de Tony Hawk’s Pro Skater 3+4 han llegado a Nintendo Switch, ofreciendo una experiencia renovada para los fanáticos de la serie. En este análisis, exploraremos los diferentes aspectos de estos remakes y veremos si logran capturar la esencia de los originales.

Los remakes de Tony Hawk’s Pro Skater 3+4 presentan gráficos renovados que se ven bien en la Switch. Los modelos de los personajes y los entornos han sido actualizados, y la iluminación y los efectos visuales han sido mejorados. Sin embargo, algunos jugadores pueden notar que los gráficos no son tan detallados como en otras plataformas más potentes. A pesar de esto, la estética general de los juegos sigue siendo fiel a la serie y ofrece una experiencia visual agradable.

Los modelos de los personajes han sido actualizados y se ven más detallados que en los originales. Sin embargo, algunos jugadores pueden notar que los modelos no son tan detallados como en otros juegos más recientes.
Los entornos han sido actualizados y se ven más vibrantes y detallados que en los originales. Los niveles están diseñados para ofrecer una gran libertad de movimiento y exploración.
La iluminación y los efectos visuales han sido mejorados y se ven más realistas que en los originales. Los juegos también presentan una variedad de efectos visuales, como explosiones y fuego, que agregan a la experiencia visual.

En términos de rendimiento, los juegos funcionan bien en la Switch, con una tasa de cuadros estable y sin problemas significativos de lag o congelamiento. Sin embargo, algunos jugadores pueden experimentar algunos problemas menores de textura o iluminación en ciertas áreas. En general, el rendimiento técnico es sólido y permite una experiencia de juego fluida.

La tasa de cuadros es estable y se mantiene en 60 FPS en la mayoría de los niveles. Sin embargo, algunos jugadores pueden experimentar algunos problemas menores de lag o congelamiento en ciertas áreas.
Algunos jugadores pueden experimentar algunos problemas menores de textura o iluminación en ciertas áreas. Sin embargo, estos problemas no afectan significativamente la experiencia de juego.

La banda sonora de los juegos es una de las mejores partes de la experiencia. La selección de canciones es excelente, con temas clásicos de rock y punk que se ajustan perfectamente al tono de los juegos. Los efectos de sonido también están bien hechos, con sonidos de patineta y efectos de impacto que se sienten auténticos.

La banda sonora es excelente y presenta una variedad de temas clásicos de rock y punk. Las canciones están bien seleccionadas y se ajustan perfectamente al tono de los juegos.
Los efectos de sonido están bien hechos y se sienten auténticos. Los sonidos de patineta y efectos de impacto son especialmente realistas.

La jugabilidad es donde los remakes de Tony Hawk’s Pro Skater 3+4 realmente brillan. Los controles son precisos y responden bien a los movimientos del jugador. La física de la patineta es realista y permite una gran variedad de trucos y combinaciones. Los niveles están diseñados para ofrecer una gran libertad de movimiento y exploración, lo que permite a los jugadores encontrar sus propios caminos y secretos.

Los controles son precisos y responden bien a los movimientos del jugador. Los jugadores pueden realizar una variedad de trucos y combinaciones con facilidad.
La física de la patineta es realista y permite una gran variedad de trucos y combinaciones. Los jugadores pueden realizar trucos complejos y combinaciones con facilidad.
Los niveles están diseñados para ofrecer una gran libertad de movimiento y exploración. Los jugadores pueden encontrar sus propios caminos y secretos en los niveles.

Conclusión

En conclusión, los remakes de Tony Hawk’s Pro Skater 3+4 para Nintendo Switch son una excelente opción para los fanáticos de la serie y para aquellos que buscan una experiencia de juego divertida y adictiva. Aunque los gráficos no son perfectos, la jugabilidad y el apartado sonoro son excelentes, y el rendimiento técnico es sólido. Si eres un fanático de la serie o simplemente buscas un juego divertido para jugar en tu Switch, estos remakes son definitivamente worth it.

Calificacione: 8.5/10

ANTRO, el debut de Gatera Studio, te sumerge en un futuro distópico donde la expresión es un crimen y el sonido de la rebelión es la única esperanza. Este juego de plataformas, puzles, acción y ritmo en 2.5D se desmarca de lo convencional, apostando por la libertad y un pulso constante de hip-hop, drum y electrónica que insufla vida a la ciudad. Cada movimiento, ya sea corriendo por los tejados o explorando los bajos fondos industriales, está en sintonía con el ritmo de la revolución.
En la piel de Nittch, un astuto mensajero y apasionado grafitero y rapero español, tu misión es entregar un paquete misterioso en las entrañas de este mundo opresivo. Sin embargo, esta tarea te transforma en algo más grande: un símbolo de la resistencia, un hilo conductor para Los Discordantes, quienes luchan contra el régimen de La Cúpula.

La jugabilidad de ANTRO es sencilla pero fluida. Deberás correr, saltar, trepar, deslizarte y, cuando sea necesario, aplastar robots, drones y obstáculos. Las secciones de parkour, con carreras por las paredes y saltos precisos, son el núcleo de la experiencia. No esperes sistemas complejos; el juego se centra en la velocidad y el ritmo, con niveles diseñados como corredores de speedrun donde la experimentación queda en segundo plano. La precisión en el movimiento es clave, especialmente en las persecuciones más intensas donde un paso en falso puede ser fatal. La voz sarcástica que se burla de tus errores añade una capa de frustración, pero también te impulsa a seguir adelante, haciendo eco del mantra de la hermana de Nittch: «No mires atrás. Salta cuando haya un precipicio».

En el apartado gráfico, el motor Unity rinde de manera impecable en PS5, ofreciendo un diseño artístico atractivo y con personalidad que varía según los distritos, todo ello con una fluidez notable. El diseño sonoro ambiental es de gran nivel, pero es en la música donde ANTRO realmente brilla. Los temas son pegadizos y hacen que las secciones rítmicas sean el punto fuerte, invitando incluso a explorar a los artistas presentes en su banda sonora.

ANTRO se siente como una buena banda sonora que trae un juego. Si bien el mensaje es relevante, quizás está sobreexplotado, y aunque la jugabilidad es divertida, experimentarla una vez puede ser suficiente. Sin embargo, su propuesta rítmica y su estilo visual lo convierten en una experiencia única que vale la pena probar si buscas algo diferente.

Calificación 6.5/10

“Quien controle la especia, controlará el mundo”
Para ser una de las sagas de ciencia ficción más famosas de la literatura, a Dune le ha costado dar el salto a las superproducciones del siglo XXI. Tanto a nivel cinematográfico como en formato videolúdico, el universo de Frank Herbert pasó por dos décadas de sequía creativa, quizá más extrema que la que asola al propio Arrakis.

Con la llegada de las películas de Villeneuve, la franquicia volvió a hacerse eco y a llamar la atención de las nuevas generaciones. Con estas, también volvieron los videojuegos. En 2023 se lanzó la versión definitiva de Dune: Spice Wars, un 4X basado en el universo de Dune y ahora con Dune: Awakening llega la adaptación más ambiciosa hasta la fecha, en forma de un survival MMO.

De manos de Funcom, veteranos en juegos de estos géneros, como Conan Exiles, Age of Conan o The Secret World, encarnaremos a un pobre desgraciado que comenzará sus andanzas solo, y deshidratado en medio de un desierto infinito y despiadado. Con un poco de ayuda, no tardará en comenzar a saquear todo lo que le rodea y desarrollar herramientas cada vez más avanzadas en una constante lucha contra el calor y la sed.
Ciertamente, se trata de una premisa ideal para el desarrollo de un survival y desde Funcom han sabido aprovechar el filón, tanto a nivel jugable como de desarrollo narrativo. En esta ocasión, jugamos en un universo alternativo donde Paul Atreides nace mujer y los sucesos se alejan de los acontecidos en la saga. No obstante, esto no impide el uso del basto universo creado por Herbert, con lo que podremos maravillarnos al interactuar con todo bicho viviente, casa o guerrilla alguna vez narrada.

A través de estos será como avanzaremos tanto en historia como en el desarrollo de nuestro personaje. Este tramo es, bajo mi experiencia, lo mejor del título. Independientemente de que seamos jugadores solitarios o contemos con amigos (afortunados) para disfrutarlo, la campaña de Dune: Awakening ofrece una sólida experiencia, con una sensación de progreso continua al nivel de los mejores survival.
Que este título llegue justo en verano (al menos en España) le queda que ni pintado. Que mejor forma hay de pasar una ola de calor que arrastrándose por un desierto, buscando cualquier gota de agua a través de las pequeñas sombras que producen las montañas y tratando de no ser el aperitivo de un gusano gigante. Estos, no tardarán en ponérsenos delante y son una clara muestra de las intenciones creativas detrás del título. Tanto a nivel sonoro como visual son una asombrosa representación de la magnitud del mundo que nos rodea, elemento clave tanto en las novelas como en las producciones cinematográficas. Somos muy pequeños, el mundo es muy grande.

Aún así, nuestro impacto puede medirse. En primer lugar, gracias a la construcción de bases, elemento clave del título que nos permite erigir en casi cualquier lugar (bajo nuestra responsabilidad) nuestro refugio, siempre abierto a cambios y mejoras. A diferencia de otros títulos similares, mientras mantengamos el suministro energético, este estará protegido de ataques de otros jugadores (con contadas excepciones) por lo que siempre tendremos la certeza de tener un hogar al que volver. Conseguir llegar a este, a través del desierto, es otra cosa.

No podremos aprender el baile de las arenas para evitar a los gusanos por lo que tendremos que tomar extremas precauciones y construir todo tipo de vehículos para poder atravesar zonas peligrosas lo más rápido posible. En este aspecto, se destaca una elevada variedad de vehículos y modificaciones, cada uno útil para una determinada tarea lo que se traducirá en que antes de darnos cuenta contaremos con un surtido garaje que nos facilitará la vida.
De lo que no puedo hablar en profundidad es del PvP. Si bien el contenido PvE por el que progresamos puede realizarse fácilmente siendo jugadores solitarios (con agrupaciones esporádicas), los combates contra otros jugadores suelen resolverse como peleas de gremios y principalmente, aéreas, por lo que se han quedado lejos de mi alcance. No obstante, investigando los enfrentamientos de otros jugadores, de momento se trata de un contenido escaso, teniendo en cuenta las inmensas posibilidades que ofrece un planeta desértico como Arrakis.

De una forma u otra, el equipo de desarrollo ya ha mostrado su hoja de ruta, que cuenta con la inclusión de más contenido y DLCs de la historia para los próximos meses, si es que ya hemos disfrutado de todo el contenido que el título puede ofrecernos, que es bastante.

En resumidas cuentas, Dune: Awakening es un survival muy sólido, un MMO amistoso con el jugador solitario y una carta de amor al universo Dune. Por primera vez es posible atravesar las bastas dunas de Arrakis y sentir verdadero miedo al encontrarnos con las criaturas que lo habitan. Desde luego, no caerá en saco roto, pudiendo todavía ampliarse más en un futuro.

Calificación: 8.5/10

«Nice Day for Fishing» te transporta a un mundo que evoca la nostalgia de los juegos de principios de los 2000, pero con la fluidez y el rendimiento de los títulos modernos. Es una combinación que, en su mayor parte, resulta encantadora, y destaca especialmente por su excelente fusión de arte, música y efectos de sonido, aunque no todas sus decisiones sean un acierto.

La banda sonora de «Nice Day for Fishing» es una delicia. Sus suaves melodías transportan directamente a una plaza medieval, y aunque se repiten, su cadencia es tan agradable que nunca resulta molesta. De hecho, te hará recordar con cariño los juegos de antaño.
Sin embargo, la experiencia auditiva se ve empañada por las voces de los NPC. En lugar de actuación de voz completa, el juego opta por unos chirridos acelerados de «máquina de escribir» que resultan más molestos que el galimatías de juegos como Animal Crossing o Cinnabunny. Son tan invasivos que eclipsan por completo la música ambiental. Si bien es posible bajar los efectos de sonido para mitigar esto, es una lástima que no se haya optado por una actuación de voz completa del equipo de VLDL, lo que sin duda habría elevado la puntuación del juego a un 10/10.
Lamentablemente, las opciones de accesibilidad son escasas, con solo dos controles deslizantes de audio para música y efectos de sonido. Esto es insuficiente para un juego actual, y ajustar el control deslizante de efectos de sonido para atenuar las voces de los NPC también afecta a otros sonidos importantes del juego.

FusionPlay ha logrado un trabajo sobresaliente con el pixel art. Los personajes como Baelin, Greg y Baradun son instantáneamente reconocibles y fieles a sus contrapartes de acción real sin recurrir a la calcografía. Los entornos también son visualmente impactantes, desde los brillantes techos de madera hasta los vibrantes arrecifes de coral y las misteriosas cuevas submarinas.

Las cuevas submarinas son un punto culminante, con corrientes que arrastran el anzuelo hacia calas ocultas, convirtiendo cada zona en un pequeño rompecabezas. Además, la forma en que cada nueva herramienta desbloquea zonas de manera clara y visible es un detalle muy bien implementado.
La interfaz de usuario es limpia y legible, condensando la información necesaria en solo tres opciones: inventario, mapa y misiones. Esta simplicidad contribuye a una experiencia de juego más inmersiva, permitiendo disfrutar plenamente del mundo del juego sin distracciones innecesarias. Además, el rendimiento del juego es impecable, sin caídas de velocidad de fotogramas ni lag, algo refrescante en comparación con otros títulos recientes.

«Nice Day for Fishing» podría haberse quedado en una simple broma o un juego para fans de «Viva La Dirt League», pero es mucho más. Es una experiencia completa, reflexiva, sorprendentemente sana y genuinamente divertida. Evoca una fuerte sensación de nostalgia, recordando la primera vez que uno exploró un mundo como Runescape. Las batallas de pesca, los hechizos y la búsqueda de tesoros te harán sentir como un niño de nuevo.

Es el tipo de juego ideal para relajarse en el sofá en una tarde lluviosa. No es solo un juego acogedor; es reconfortante, familiar y lleno de ese humor sutil que perdura. No es perfecto, con la accesibilidad limitada y esa desafortunada elección de audio vocal, pero es una recomendación fácil. Es una pequeña joya sincera, y todos los involucrados deberían sentirse orgullosos.

Calificación 8/10

Por Jorge Marchisio

Los remasters y la atracción por los juegos antiguos que tanta felicidad nos dieron en su momento, parece no parar nunca, y esto es algo que la gente de ATLUS pareciera entender muy bien. Por eso, esta vez el elegido para tener un lavado de cara fue Raidou Remastered: The Mystery of the Soulless Army. A ver qué tal salió.

Estrenado originalmente en la PS2, la trama del por entonces llamado Devil Summoner: Raidou Kuzunoha vs. the Soulless Army recae en un inspector llamado Raidou Kuzunoha XIV que junto con algunos compañeros, deberá desentrañar una conspiración en la que seres sobrenaturales y una estética cincuentona/futurista se harán presentes.

Historia aparte, y hablando del gameplay, atrás quedó el combate por turnos, siendo ahora un ARPG, donde iremos a una mini arena donde podremos movernos libremente utilizando nuestra katana, revolver y diferentes demonios que podremos invocar; todo esto para poder derrotar a nuestros enemigos humanos y sobrenaturales.

En este sentido, se agradece el lavado de cara que le dieron a los escenarios. Pero ese esfuerzo no se ve puesto en las animaciones de los personajes; que al igual que en los videojuegos de antaño, no movían la boca a la hora de hablar. Eso entro otros detalles que si bien no son de peso, si se notan sin esforzar demasiado la vista.

En cuanto a la banda sonora, no destaca, pero cumple. Le da la suficiente epicidad a las batallas, aumentando cuando nos enfrentamos a algún jefe principal;  siendo más genérica contra enemigos comunes. Simple, pero funcional a lo que se nos quería transmitir a los jugadores.

Y poco más que decir sobre Raidou Remastered: The Mystery of the Soulless Army. En lo personal no conocía al juego original, así que esta experiencia fue toda una novedad para mi. Notándose que es una revisión de un juego viejo, tiene los suficientes elementos modernos como para enganchar tanto al jugador nuevo, como al que está pelando canas. Recomendable.



Lo mejor: Un buen lavado de cara en general.

Lo peor: se siente un poco corto

Calificación 7/10

«Chronicles of the Wolf» nos sumerge en una oscura y desafiante aventura con Mateo Lombardo, un joven aprendiz de la Orden Rosacruz, cuya misión de combatir la oscuridad lo lleva a la misteriosa tierra de Gévaudan. Lo que comienza como una expedición junto a su hermandad, rápidamente se transforma en una lucha por la supervivencia cuando una emboscada de la feroz bestia aniquila a la orden, dejando a Mateo como único sobreviviente. Esta premisa sienta las bases para un metroidvania brutal que no teme mostrar sus «colmillos» desde el primer momento.

El juego no engaña a los fans del género: la dificultad al estilo NES es una constante. Desde el momento en que Mateo pisa la naturaleza francesa, los desafíos se multiplican con picos que exigen plataformas impecables, esqueletos flotantes que atacan desde la distancia y orbes azules implacables que se acercan en oleadas. «Chronicles of the Wolf» castiga tanto la imprecisión como la vacilación, un claro guiño a los títulos retro que recompensaban la paciencia y el dominio. Sin embargo, no se limita a replicar lo antiguo; logra combinar sistemas modernos con elegancia. Las armas secundarias como bombas y dagas añaden una profundidad táctica bienvenida, mientras que el equipo de estilo RPG con resistencias evoca una sensación de juego clásico como Diablo.

Elementos RPG y Progresión del Personaje
A medida que nos abrimos paso por ruinas corruptas y bosques malditos, el juego revela gradualmente su esencia RPG. Mateo sube de nivel automáticamente, lo que simplifica la progresión al ganar fuerza y resistencia sin la necesidad de un control manual de estadísticas. La preparación estratégica se vuelve crucial gracias a una variedad de pociones (antiveneno, restauradoras de salud y potenciadoras de fuerza), y las mejoras de equipo elemental ofrecen protección contra peligros específicos. Este sistema, aunque añade profundidad, lo hace discretamente, sin romper el ritmo de juego retro que define a «Chronicles of the Wolf».

El combate en «Chronicles of the Wolf» es, quizás, el elemento más irregular. Si bien se percibe preciso y exacto en la mayoría de los casos, el limitado radio de ataque de algunas armas genera fricción, especialmente al intentar alcanzar enemigos situados justo encima o debajo del protagonista. Esta decisión de diseño puede resultar frustrante, sobre todo cuando múltiples enemigos ocupan diferentes «carriles verticales». No obstante, las peleas con jefes son un punto alto, exigiendo reconocimiento de patrones y precisión en el ritmo, lo que las convierte en los momentos más gratificantes del combate.

El audio es, sin duda, uno de los puntos más destacados del juego. La banda sonora está impecablemente elaborada, creando una atmósfera y tensión palpables que complementan la narrativa. El diseño de sonido ambiental contribuye a la inmersión en el mundo, y la narración (cuando aparece), a cargo del talentoso Robert Belgrade (voz de Alucard en Castlevania: Symphony of the Night), aporta un bienvenido impulso a la experiencia. Para los fans de los clásicos de Castlevania, el audio es un homenaje evidente, evocando la misma atmósfera gótica que hizo inolvidable a la saga. No es solo música de fondo; te sumerge por completo en el mundo de «Chronicles of the Wolf».
Gráficos y Estilo Visual: Un Engaño Delicioso
Los nostálgicos gráficos pixel art de «Chronicles of the Wolf» crean una primera impresión acogedora y cautivadora. Sugieren una aventura sencilla de inspiración retro, pero este es un ingenioso «cebo», ya que el juego esconde algo mucho más profundo y exigente de lo que su estética visual insinúa. Esta disonancia entre la estética y la sensación de juego es un punto interesante, aunque algunos jugadores podrían desear que la curva de dificultad se comunicara con mayor transparencia desde el principio.

En resumen, «Chronicles of the Wolf» es una propuesta ambiciosa que honra los metroidvania clásicos, ofreciendo un desafío considerable y una inmersión atmosférica notable. A pesar de algunos tropiezos en el diseño de combate, su fidelidad al estilo retro y su excepcional apartado sonoro lo convierten en una experiencia atractiva para aquellos que buscan una aventura desafiante y bien ejecutada.

“Álzate, oh, Sinluz y responde ¿dónde caemos?”

From Software y Miyazaki han hecho escuela, de eso no hay duda. Tal es su renombre actual que basta que este aparezca al principio de un tráiler para lograr que todo el mundo contenga un suspiro ansioso. Así pues, cuando el título apareció por primera vez en los Game Awards del pasado año, observamos con duda e ilusión qué era lo que la compañía japonesa pretendía ofrecernos esta vez.
Parece Elden Ring, pero, si miras bien, aparecen algunos de los jefes más queridos de la saga Dark Souls, pero, si miras mejor todavía, parece que está centrado en el online, pero, si te fijas un poquito más, hay una tormenta como la de Fortnite.
Si con estas primeras conclusiones no se os quedó una mueca de duda en la cara, incuestionable fue vuestra fe en el equipo. Yo, en cambio, no lo vi tan claro. No he dedicado mucho tiempo a la vertiente online de los juegos de la saga — más allá de la invasión de turno— y convertir la magnificencia de las tierras intermedias en el terreno de un battle royale, no me parecía la mejor decisión.
Pasaron las semanas y fuimos descubriendo más información de qué era exactamente nightreign. La tormenta marcaba la zona, como en un battle royale, pero más allá de esa función, no tenía mucho parecido con el género. Nightreign se presentaba más bien como el hijo bastardo (nunca mejor dicho) entre Monster Hunter y un roguelite. Si volviese a ese momento y tuviera que poner la mano en el fuego porque esta fusión pudiese resultar efectiva, posiblemente diría que no. No había forma fácil de hacer que Nightreign funcionase.
Y nightreign funcionó.

Conforme empiezas la partida, eres recibido por una narración similar a la que encontramos en la apertura del resto de juegos de la saga. Volvemos a las tierras intermedias, no queda claro si antes o después de los acontecimientos de Elden Ring. El tiempo es caprichoso y se retuerce a placer. El señor de la noche ha sumido el mundo en la oscuridad y nosotros, como azotes de la noche, somos los responsables de devolver la luz.
Para ello, elegiremos a nuestro personaje y saltaremos directamente a la acción. He aquí el primer punto de discordancia con el resto de títulos de la saga. Más allá de elegir nuestro nombre, no podremos personalizar ni el aspecto ni las habilidades de nuestro personaje, tan sólo elegir uno de la lista. Con ello, From Software dirige sus pasos hacia el hero shooter, ya que cada personaje contará con unas características distintas, que marcarán su estilo de juego.
Encontramos personajes más “clásicos”, centrados en el combate cuerpo a cuerpo o en recibir golpes y atontar a los enemigos, pero más allá de ellos es donde encontramos los nuevos ases que el título guarda bajo la manga. En primer lugar, se redefine el rol de mago. Al optar por este personaje, encontraremos que sus habilidades pasivas le permiten recuperar PC (maná, de toda la vida), participando en combate. Al no poder recuperarlo con frascos, no contar con esta opción anularía la funcionalidad de esta rama de personaje.
Se presenta también otro Azote dirigido al combate a distancia. Los arcos y las ballestas nunca han sido las mejores armas de la saga y, por primera vez, me han parecido divertidas. También aparece una suerte de samurai, para rescatar un sistema de parry que recuerda a Sekiro. Como se puede ver, en la variedad está el gusto.

Así pues, elegiremos personaje, nos aliaremos con otros dos jugadores y llegaremos volando a las tierras intermedias. Nuestra misión será explorar el mapa, eliminar enemigos y obtener mejor equipo para fortalecernos antes de que llegue la noche, momento en el cual nos enfrentaremos a un jefazo aleatorio. Esta característica implica que en una partida avanzaremos sin mucho sufrimiento y en otra nos tocará sudar sangre para sobrevivir al primero de estos encuentros.
No obstante, la vertiente cooperativa facilita estas batallas ya que, usando nuestras habilidades y tratando de marear al enemigo todo lo posible, muchos de los combates acabarán en un abrir y cerrar de ojos. Si nos tumban, nos arrastraremos por tierra esperando a que un compañero venga a levantarnos y si finalmente perecemos, perderemos un nivel y dejaremos todas las runas en el suelo, a la espera de volver a por ellas.
Donde la cosa se complica es en los jefes finales, una vez han pasado dos noches y hemos superado todos los obstáculos intermedios. Estos enemigos han sido diseñados específicamente para el enfrentamiento cooperativo, por primera vez en un título de la saga y desde From Software, han mostrado que toda su experiencia diseñando jefes finales les permite estar a la altura de tamaño reto.

Estos enfrentamientos son, sin otra palabra mejor para definirlos, brutales. Pese a que el escenario en el que los enfrentaremos es prácticamente interminable, son capaces de desplazarse de un lado a otro en cuestión de segundos y de azotarnos con ataques que abarcan todo el terreno de batalla y cada pizca de nuestra capacidad de reacción.
Tanto en Nightreign como en todo roguelite, la base jugable se sostiene sobre la repetición. Morir y volver, para hacerse más fuerte, sabio y experimentado. Para enfrentar de nuevo a aquel enemigo que tanto nos hizo sudar y sorprendernos manteniéndole la mirada mientras esquivamos sus ataques. Si bien estos cimientos son parte de todo gran enfrentamiento en el juego original y otros títulos de la saga, en Nigthreign puede ser algo tedioso.
Pese a que la tormenta avanza frenéticamente, llegar la pelea final requerirá algo más de 30 minutos (al menos bajo mi experiencia), por lo que cada iteración, cada batalla de prueba nos llevará un buen rato. Esto impide dedicar tanto tiempo a entrenar frente al jefazo como estaríamos acostumbrados en otros títulos de la saga y puede causar frustración. Sumado a que el recorrido por el mundo en cada intento es muy parecido al anterior, a excepción de los jefes, que aparecen aleatoriamente, me he encontrado algo cansado de luchar una y otra vez con el mismo enemigo, con más hastío que con ganas de mejorar.
Aun así, la experiencia general ha sido realmente buena y me ha permitido volver a disfrutar de jugar online con amigos, algo que últimamente había perdido casi por completo. Lo a gusto que he podido reírme mientras un horripilante dragón con una mandíbula que asustaría dos de cada tres dentistas devoraba por cuarta vez consecutiva a un amigo es un placer que nadie ya podrá quitarme.


En resumidas cuentas, Elden Ring Nightreign es una arriesgada apuesta que contaba con muy buenas cartas bajo la manga. Pese a mostrar su poco miedo a romper con todo lo establecido en la saga souls, desde From Software han mostrado su gran habilidad para adaptarse al terreno que sea necesario, por muy pantanoso que este pueda ser.
De jugarse con amigos, la diversión está asegurada. Acompañada de muerte y desesperación, sí, pero asegurada. Las tierras intermedias nunca han estado tan pobladas (a la vez) como ahora. Así que, si disfrutaste de Elden Ring, o de otros títulos de la saga y te preguntaste alguna vez como podría enfocarse más hacia un modo cooperativo, esta es tu oportunidad de comprobarlo. Toma, llévate este bálsamo, lo vas a necesitar.

Calificación:8.5/10

Si hay una saga que marcó el mundo de los shooters allá por los lejanos noventa, es la de S.T.A.L.K.E.R. La libre adaptación de la novela de Borís Strugatski  se hizo un hueco en el corazón gamer, debido a su estética un poco creepy, un mundo lleno de misterios, y una jugabilidad adelantada a su época. Y ahora a falta de uno, nos llegan el remaster de los tres juegos principales.

Compuesto por Shadow of Chernobyl, Clear of Sky y Pray of the Zone, Legends of the Zone Trilogy Enhanced Edition. Con el primero presentando un mundo que pareciera estar empezinado en matarnos, mientras justamente nosotros (estando amnésicos) debemos acabar con otra persona. El segundo apuntado más a la acción y con una guerra de facciones, y el tercero siendo casi una cohesión de los dos anteriores.

Con este breve repaso, aquellos que no habían nacido en la fecha de estreno de estos juegos, ya tienen la información necesaria para saber a que se van a adentrar con esta trilogía remaster. Porque una de las primeras novedades que nos vamos a encontrar, es la selección de rendimiento que se nos ofrece; pudiendo jugar a la franquicia tal cual salió en su momento, o con los fps actuales que tanto gustan algunos.

Esto se refleja en el apartado visual, con varios elementos del escenario reaccionando a los cambios de clima, y en especial el agua, que ahora si funciona como tal, reflejando todo lo que se le cruza. Impresionante el salto técnico en este apartado.

Pero entrando en lo flojo, quizás las físicas a la hora de los combates, en las tres entregas, se sigan sintiendo un poco obsoletas. Y esto es algo que va a alejar a aquellos que no están acostumbrados a juegos viejos.

Poco más se puede agregar de Legends of the Zone Trilogy Enhanced Edition, para aquellos que jugaron a cada uno de estos juegos en su respectivo momento, es una buena excusa para regresar a La Zona. Mientras que para los que nunca tuvieron la oportunidad de hacerlo, adéntrense en el extraño mundo post apocalíptico nuclear.

Lo mejor: la esencia de los juegos originales sigue ahí, una mejora en casi todos los apartados.

Lo peor: sobre todo la mecánica de disparos puede sentirse obsoleta pese a la modernización.

Calificación: 7/10