Por Santiago Merlini

Lo primero y único que sabemos es que “En esta casa hay una presencia”, lo leemos en el poster, lo confirmamos con la primera escena y con la particular decisión de que toda la película está filmada desde el punto de vista del fantasma. Soderberg y Koepp, director y guionista respectivamente, no solo le dan un vuelco a la perspectiva desde donde será contada la historia sino que también escapan a la pregunta habitual de las historias fantasmagóricas, en vez de buscar que el espectador dude acerca de si en esa casa hay un fantasma desde el primer momento decide darlo por sentado y buscar que la pregunta que nos hagamos sea: ¿Cual es la razón por la que esta presencia está entre nosotros y que podemos hacer con ella?.

La pareja de Rebekah (Lucy Liu) y Chris (Chris Sullivan) deciden mudarse a una nueva casa con sus 2 hijos adolescentes, Tyler un talentoso y arrogante nadador y Chloe una joven atormentada por la reciente muerte de su mejor amiga. La hija menor de la familia será la primera en percibir que en esta casa hay algo más ahí además de ellos. A medida que avanza la película comenzaremos a preguntarnos cuáles son las intenciones de la presencia y porque elige a Chloe como su principal interlocutora.

Un aspecto que me parece importante destacar es acerca del género en el cual podemos encasillar a la película, ya que si bien es una historia de fantasmas, el tono de Presence estará más cercano al drama familiar que al terror sobrenatural, con más escenas de discusiones, peleas y enfrentamientos entre miembros de la familia que secuencias en las que predomine el suspenso y el terror que quizás esperemos de una historia de este estilo. Cabe aclarar que las escenas de terror aunque son pocas están muy bien construidas y llevadas a cabo por Soderberg que oficia tanto de director como de camarógrafo.

Si destacamos la labor del director también debemos valorar el trabajo como guionista del prolífico David Koepp, que ya había incursionado en el pasado en el subgénero de fantasma con su película Stir of Echoes de 1999 y que hoy vuelve a traernos una historia acerca de las relaciones de la familia, los traumas del pasado y las acciones que decidimos tomar o no tomar para hacer frente a los problemas. Todo esto sumado a un sumamente interesante giro final que le da un tono mucho más oscuro a esta película.

Por último, me parece remarcable el papel de Chris Sullivan como el padre de la familia Payne, oscila de gran manera entre momentos cómicos y familiares con momentos de tensión y drama que personifica de una manera contenida pero no por eso menos convincente.

Espero que puedan verla y formular sus propias opiniones sobre ella. Saludos.

Estreno en cines: 13 de Marzo 

Calificación: 7/10

Por Sofía Luna Roberts

La película 1978, dirigida por Nicolás y Luciano Onetti, llega a las salas con una propuesta arriesgada: la combinación del horror político y lo sobrenatural. Ambientada en la época de la dictadura cívico – militar, el film no sólo reconstruye el clima de la violencia institucional, sino que también introduce elementos de lo fantástico, el terror gótico y el cine gore.

La sinopsis nos cuenta que: “Durante la final de la Copa del Mundo entre Argentina y Holanda, en tiempos de plena dictadura militar, un grupo de torturados irrumpe violentamente en un domicilio y secuestra a un grupo de jóvenes para llevarlos a un centro clandestino de detención. Lo que comienza como un interrogatorio inhumano, se convierte en un verdadero martirio: han secuestrado al grupo de personas equivocado.” Con esto en mente, la propuesta de la película tiene que ver con desafiar las convenciones del cine de terror al combinar el horror político con elementos fantásticos. Su estética y narrativa la convierte en una obra provocadora, que no sólo revisita un episodio oscuro de la historia argentina, sino que también lo resignifica a través de los códigos del género.

Para comenzar es importante destacar que el film está dividido en dos mitades claramente diferenciadas. La primera mitad se desarrolla bajo los códigos del thriller histórico y el cine de denuncia presentando un grupo de militares y torturadores que operan dentro de un centro clandestino de detención. En esta parte, la tensión se construye a través de la recreación de interrogatorios violentos, el abuso de poder y la impunidad de los represores. Adentrándonos en la segunda mitad, ocurre un giro inesperado: las víctimas secuestradas resultan ser integrantes de una secta satánica con poderes sobrenaturales. Este cambio de registro transforma la película en un survival horror, donde los victimarios se convierten en presas de fuerzas que no pueden comprender ni controlar. La transición de lo histórico a lo fantástico es abrupta pero eficaz en su capacidad para subvertir el discurso de impunidad.

Desde el punto de vista visual, la iluminación juega un papel crucial: en la primera parte predominan las luces frías y duras que evocan el realismo de un documental, mientras que en la segunda parte los contrastes se acentúan, con luces rojizas y sombras profundas reforzando así la atmósfera sobrenatural. En el montaje también se puede observar esta dualidad. En la primera parte, los cortes de cámara son pausados, con planos largos y encuadres cerrados que enfatizan la claustrofobia y la opresión. En la segunda parte, el montaje se acelera, con un uso intensivo de planos subjetivos y movimientos de cámara bruscos.

Con respecto a la construcción del espacio, el centro clandestino de detención funciona como un espacio de horror en sí mismo. Su diseño de producción enfatiza la decadencia y la suciedad, con paredes manchadas, pasillos angostos y una iluminación parca reforzando así el sentido de desolación y creando un ambiente misterioso y dramático. En la segunda parte, el mismo espacio se transforma en un escenario de pesadilla, donde lo que antes era un sitio de control y poder para los militares, ahora se convierte en su propia trampa mortal. Las locaciones elegidas refuerzan la atmósfera opresiva de la película. La mayor parte de la acción ocurre en interiores cerrados y en condiciones de penumbra, intensificando la sensación de encierro y peligro. Además, cuando aparecen los espacios exteriores, están despojados de vida y muestran un paisaje frío y amenazante reflejando el clima político en ese momento.

El film juega con dos inversiones posibles. Por un lado, la inversión de roles entre víctimas y victimarios utilizando el terror sobrenatural como una metáfora: dándonos a entender que es imposible escapar de la historia. Los torturadores, que representan el poder represivo de la dictadura, se ven confrontados con una fuerza que los sobrepasa, sugiriendo una especie de justicia poética. Además, es relevante destacar que la elección del Mundial del ´78 como trasfondo no es casual: simboliza la distracción masiva utilizada por el gobierno militar para encubrir sus crímenes. Y, por otro lado, podemos arriesgar que la figura de la secta satánica también puede leerse como una inversión de la narrativa oficial de la dictadura, que demonizaba a los opositores políticos y los presentaba como una amenaza al “orden”. En este caso, los torturadores se enfrentan a una amenaza real que los reduce a la impotencia, revirtiendo el esquema de poder.

A pesar de algunas transiciones abruptas en su estructura, 1978 logra articular una crítica política utilizando el horror como vehículo para reflexionar sobre la memoria, la impunidad y la justicia.

Calificación 6/10

El miedo a la muerte más allá de la muerte.
¿Qué nos hace humanos?
¿Hay humanidad en aquello que no lo es?
¿Incluso mayor humanidad que en los propios humanos?

El flamante cineasta Bon Joon Ho estrena película tras 6 años desde el éxito total de Parasite, en esta ocasión, Mickey 17 es un film de ciencia ficción basada en la novela Mickey 7 de Edward Ashton, donde en un futuro distópico (no tan lejano) la humanidad emprende un colonial viaje al espacio en búsqueda de un nuevo planeta habitable para nuestro futuro. Una travesía espacial donde nuestro protagonista Mickey (Robert Pattinson) tiene un rol absolutamente clave, ser un «prescindible», una persona que bajo su propia voluntad firma con una corporación para ser un empleado expuesto a riesgos de muerte, y en caso de morir pueda ser clonado en un cuerpo idéntico donde se le transfiera a su nuevo cerebro toda su memoria tras cada «resurrección». La tranquila vida de prescindible del protagonista da un completo vuelco cuando por error Mickey N°18 es clonado antes de que Mickey 17 efectivamente muera.

El director surcoreano vuelve a hacer una crítica a la sociedad tremendamente capitalista en la que vivimos y a sus megacorporaciones explotadoras, ahora también sumando en esa misma canasta de megacorpos la mezcla de cultos religiosos y líderes políticos. 

Pattinson, la gran estrella de la película, vuelve a demostrar que es un actor de talla mundial y primerísimo nivel en su oficio con este papel (o papeles) que lo exige para demostrar sus recursos actorales teniendo que interpretar a dos Mickeys en simultáneo, incluso en el mismo plano. El reparto que lo acompaña también es estelar ya que como líder de la corporación sectaria está Mark Ruffalo, aunque logrado, su papel de político villano casi caricaturesco por lo exagerado está por demás subrayado. Toni Collette es la primera dama y quien controla los hilos realmente. Steven Yeun es el peor mejor amigo de Mickey, y quien mejor está en su papel entre tantos estelares es Naomi Ackie haciendo de la novia del protagonista.

Mickey 17 tiene un tono satírico que no es típico de la ciencia ficción y que funciona muy bien pero por momentos podría apreciarse repetitivo por la extensión de la película, que aunque apenas pasa los 120 minutos se podría sentir algo extenso luego de la primera hora de metraje. El film busca ser divertido y realmente lo logra. Y tal vez por esa búsqueda del entretenimiento dentro de la ciencia ficción, y por tener a Warner detrás viendo como se gastan sus millones, ha quedado algo relegada la búsqueda de Bong por exprimir el lenguaje cinematográfico como ya ha demostrado en múltiples ocasiones que puede llevar un poco más allá. Aunque sí, el film logra su principal cometido que es el entretenimiento, esta película es de Warner bajo la autoría de Bong Joon Ho haciendo que Mickey 17 se asemeje más a Snowpiercer (2013) u Okja (2017), sus obras en inglés, antes que a las obras maestras coreanas de Memories of murder (2003) o Parasite (2019).

La mezcla autoral entre lo divertido del film y su (no tan) profunda crítica social funciona muy bien. Tiene escenas divertidísimas entre las cuales hay una cena donde todo sale mal, que pareciera salir de una de Tarantino pero también tiene momentos de drama existencial que aunque sea una obra por demás dependiente de la palabra hablada, deja correctamente preguntas latentes a responder o rever las respuestas actuales. El balance es positivo. Técnicamente la película es perfecta, destacando el gran uso del CGI para crear el gélido planeta al que llegan y a las criaturas que viven allí.

La idea de la obra es magistral pero parece ser poco aprovechada, como por ejemplo la escena del trío, que luego de su resolución anticlimática podría dar la sensación de que el film decae hasta su final pese a querer hacerse más grande. En las secuencias que busca ser una película pochoclera lo hace muy bien pero cuando intenta profundizar en la mente del protagonista lo hace a medias, revela que hay algo poderoso para explorar pero lo hace sólo superficialmente, y aunque se oye la voz en off de los pensamientos de Mickey nos queda tantísimo por saber sobre él y su particular vida, por algo será que prácticamente todos le preguntan lo que queremos saber, «¿Qué se siente morir?» y «¿Qué se siente morir sabiendo que vas a resucitar?»

Dejando las expectativas fuera de la sala de cine, Mickey 17 es una recomendable película de ciencia ficción y entretenimiento que arropa una crítica social. Ojalá este film sea un escalón firme para que pronto podamos ver una nueva película de Bon Joon Ho y no nos haga esperar un lustro esta vez.

Calificación: 7.5/10
Por Julián Lloves para La Butaca Web.