Por @soynancybenegas
Sinopsis
Dos monjas brindan refugio inesperado, a un joven activista perseguido por las fuerzas militares. En este acto de compasión, las hermanas se enfrentan a dilemas éticos y personales que la llevan a cuestionar el papel de la iglesia frente a la represión, y su propia fe en tiempos de censura y temor.

Reseña
Historia provocativa, tan bien escrita por el gran autor Juan Carlos Gené, que a pesar del tiempo transcurrido desde su creación mantiene un mensaje vigente y necesario. Un relato profundo, íntimo y sensible que aborda el crudo enfrentamiento entre el poder y la defensa de los ideales.

Una escenografía de carácter minimalista, que enfatiza el peso de la historia. Con diálogos profundos, música precisa y una puesta de luces sugerente, que construye una atmosfera tensa, que incomoda y la vez atrapa. El transcurso de la trama es ágil, con momentos de suspenso y adrenalina bien dosificados que logra mantener la atención y el interés.

Gran selección de todo el elenco, que permite encontrar el equilibrio justo para cada personaje, sin descuidar la sensibilidad y la fuerza que el texto necesita. Bella y profunda interpretación de Eva Capusotto que sostiene y fortalece el fluir del relato. Todo esto bajo la acertada dirección de Gustavo Armas, quien con sutileza y firmeza construye una escena que respeta la esencia de la obra y realza su mensaje atemporal

Destacan especialmente los momentos de tensión; los gritos, los susurros, la intimidación sonora junto a la velocidad de las acciones a tan corta distancia, logran provocar una sensación de impotencia constante sumergiendo al espectador en la urgencia dramática de la historia.
Una historia que no teme abordar lo incomodo, en esa difícil relación entre política y religión, tan distantes y tan incómodamente cercanas. Una confrontación que encuentra matices, exponiendo si acaso es posible, alcanzar acuerdos, en contextos adversos. Un llamado a sostener nuestras creencias, sin dejar desmoronar la fe para reconstruir desde la convicción.

Ficha Técnica
Dirección: Gustavo Armas
Reparto: Nico Bustos, Eva Capusotto, Guadalupe Farina, Jonás Labarriel, Leandro Mayer, Gabriela Mefano, Pablo Paillaman Pieretti, Nayla Perujo, Khalil Romero, Juan Tammaro.
Duración: 70 minutos
Funciones: Viernes 21.30 hs, en el Espacio Cultural La Fragua, ubicado en Avenida Rivadavia 4127

La cordura de la educación

Luego de siete años de su estreno, se despide (al menos por ahora) »Pundonor», clásico  del teatro porteño y de calle Corrientes.

Seis temporadas y una gira internacional que abarcó países como España y Venezuela, el monólogo de Andrea Garrote no envejece y se mantiene fresco al día de  hoy.

»Pérez Espinosa: una profesora universitaria, Doctora en Sociología, que vuelve al aula después de tomarse unos meses de licencia. Pero la clase que debe dar, una introducción a la obra de Michel Foucault se interrumpe constantemente debido a su frágil situación. Necesita dar explicaciones sobre su comportamiento, aparentemente necesita redimirse».

Hay un folklore que rodea el área de sociales y filosofía, una guerra de ideas y teorías que van más allá de lo personal. Es en la facultad de PUAN donde lo real y lo lógico se pierden, este es el caso del personaje construido por Andrea Garrote, una mujer que lleva lo personal y lo filosófico a su clase pero,  ¿Qué es lo normal y que es lo aceptado?

Santiago Badillo recrea a la perfección un aula de universidad pública, madera de pino, una pizarra de tiza, una silla de cuero y un escritorio cuya edad data de la fundación del instituto; ayudan a la actriz  a desenvolverse. El juego de luces que ejerce Badillo, sobre todo al final, es increíble. sabe cómo lograr el clímax con su puesta en escena.

Si bien Andrea Garrote escribe y actúa,  Rafael Spregelburd acompaña  en la dirección. Aunque el monólogo lleva siete años en escena, el paso del tiempo lo va puliendo.

Lo interesante de Pundonor es que al ser una obra intelectual, no aburre ni llega a espantar al público con sus citas filosóficas, se basa más en la historia de una profesora cuya cordura se va perdiendo a lo largo de su clase. Somos testigos de su decadencia emocional pero a su vez, entendemos cómo funcionan los mecanismos de control y moral que impone la sociedad.

Pundonor es un monólogo imperdible que no pasa de moda y que transporta el mundo de la educación, el drama personal y la locura a las risas del espectador.

Disponible los domingos a las 18 en el Teatro Picadero.

Escribe Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Sofía Luna Roberts

Hay obras que no necesitan grandes escenografías ni elencos numerosos para provocar una experiencia intensa. Muerde, escrita y dirigida por Francisco Lumerman e interpretada por Luciano Cáceres, es una de ellas. En apenas cincuenta minutos, la obra logra sumergirnos en un universo duro y silencioso: el de René, un hombre con retraso madurativo que ha sido encerrado en el taller familiar desde que era niño. Lo encontramos manchado de sangre, confundido, y a partir de allí comienza un viaje emocional donde los recuerdos, el cuerpo y el lenguaje se mezclan de forma inquietante. Muerde se presentará los días domingo (del 22/06 al 29/06) a las 16:00 h, el sábado 09/08 a las 20:30 h, los domingos (del 10/08 al 17/08) a las 20:15 h y el jueves 21/08 a las 21:00 h en la Sala Timbre 4 (México 3554).

La escenografía es minimalista: en el medio se presentan una mesa de madera, algunas herramientas y mucho aserrín. Pero no hace falta más. La iluminación, diseñada con precisión, marca los momentos de mayor tensión emocional (hay luces rojas que parecen gritar lo que René no puede decir), y el diseño sonoro aporta una sensación constante de amenaza, con ladridos o golpes que llegan desde afuera. Todo en la puesta está pensado detenidamente para que entremos en ese encierro no sólo físico, sino también mental y afectivo.

Luciano Cáceres sostiene el relato con una entrega conmovedora. Su cuerpo, su respiración, sus silencios dicen tanto como sus palabras. En su interpretación hay algo profundamente humano y vulnerable: René es frágil, sí, pero también salvaje, confuso, herido. Cáceres no actúa para emocionar, sino para ser fiel a ese personaje quebrado, y eso lo vuelve aún más impactante. Es un trabajo corporal y emocional muy bien cuidado.

Lo que llama la atención de Muerde es que no da respuestas fáciles. La obra toca temas sensibles y comunes como el abandono, la discapacidad, la violencia familiar y la exclusión social, pero sin caer en lo obvio ni en el golpe bajo. Todo se insinúa, se sugiere, y es el espectador quien completa lo que falta en la historia. Esa ambigüedad narrativa, lejos de ser una traba, se convierte en una herramienta poética que da profundidad al drama.

Muerde no busca ser una obra cómoda. Es una propuesta honesta, cruda y cuidada. Lumerman acierta con un texto y una dirección que no sobreactúan, y Cáceres se entrega por completo a un personaje que es todo dolor y verdad. La obra deja una marca, no sólo por su calidad artística, sino por la potencia de lo que propone: mirar lo marginal sin filtros, sin estereotipos, sin metáforas innecesarias, con la contundencia de una mordida que no se olvida fácilmente.