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Sinopsis Dos niñas se refugian en su imaginación e inocencia para escapar de todo lo que pasa a su alrededor, y lo que sienten por dentro. Mientras juegan e inventan historias, van descubriendo verdades que no siempre se pueden decir en voz alta. Con humor y sensibilidad, Yo no duermo la siesta habla de la infancia, los vínculos, los secretos y esa pureza que, poco a poco, debe enfrentarse a la realidad de crecer.
Reseña Hay algo simple y cercano en el texto con lo que todos podemos sentimos identificados. Detrás de la sencillez y sutileza de la historia se esconde una mirada profunda de la vida misma, contada a través de la voz de dos niñas, que se asoman al mundo con la inocencia de lo desconocido y la curiosidad de quienes están empezando a entenderlo. Los vínculos de cualquiera de nosotros, los cuentos de cualquier vecino y esa cercanía particular de transformar las dificultades en comedia para hacer más llevaderas las pequeñas tragedias cotidianas. Un relato contado de forma amena y cálida con el que es fácil empatizar; y nos recuerda que, más allá de los obstáculos el amor siempre encuentra el modo de volver a buscarnos. Paula Marull fruye sin esfuerzo, aportando la dosis justa de calma y dinamismo que su personaje necesita para ordenar cada situación. Su frescura y serenidad logran un equilibrio interesante para mantener atento al espectador.
Un elenco encantador que se complementa muy bien. Cada personaje resulta convincente y entretenido, sabiendo encontrar su propio espacio para lucirse. El actor Marcelo Pozzi interpreta al tío Aníbal, un enfermo neurológico grave que forma parte de la familia. Su interpretación hace de su cuerpo una herramienta sin desbordes que despierta ternura y genera muchas situaciones de comedia acertadas. Correcta elección de canciones que acompañan la trama. Melodías muy reconocidas que todos sabemos y hasta nos animamos a cantar. Esta selección permite crear un ambiente oportuno e interesante para potenciar el momento Buena interacción de los personajes con la escenografía; lograda puesta en escena bajo la dirección de María Marrull, quien encuentra el equilibrio justo entre el drama y la comedia con un ritmo preciso.
Detalle El lunes 28 de abril, la función contó con la presencia de Carlos Mata. El reconocido interprete de canciones populares como “Te estoy amando tanto”, “Déjame intentar”, y tantas otras, invitado de lujo de la obra. Ficha Técnica Guion y Dirección: Paula Marull Reparto: María Marull, Agustina Cabo, Luciana Grasso, Sandra Grandinetti, Marcelo Pozzi, William Prociuk Duración: 70 minutos Funciones: Lunes a las 20 hs en el Teatro Astros, ubicado en Avenida Corrientes 746
La encantadora comedia romántica «No me olvides», protagonizada por los talentosos Arnaldo André y Silvia Pérez, bajo la producción de Circus Producciones y la sensible dirección de Hernán Krasutzky, ofrece una experiencia teatral tan divertida como profundamente emotiva.
La obra nos presenta un encuentro amoroso singular y fuera de lo convencional: el vínculo entre una mujer de espíritu libre y un hombre que enfrenta los desafíos del Alzheimer. Lejos de caer en lugares comunes, la trama hábilmente dirigida por Hernán Krasutzky logra un equilibrio perfecto entre momentos hilarantes y pasajes de genuina emoción. La memoria, con sus fragilidades y su poder evocador, se erige como un eje central, explorando la capacidad del amor para trascender el paso del tiempo y las limitaciones que impone la enfermedad.
Las interpretaciones de Arnaldo André y Silvia Pérez son notables. Ambos actores entregan actuaciones convincentes y llenas de matices, transmitiendo la complejidad de sus personajes con gracia y sensibilidad. La química entre ellos es palpable, lo que enriquece la dinámica de la relación que se desarrolla en escena.
La propuesta escénica, con escenografía de Victoriano Pololla, complementa la narrativa de manera eficaz, creando atmósferas que acompañan los diferentes tonos de la obra.
. «No me olvides» es una propuesta teatral que va más allá de la simple comedia romántica. Nos invita a reflexionar sobre la importancia de los lazos afectivos, la fuerza del presente y la huella imborrable del amor en la memoria. Se trata de una propuesta recomendada para quienes buscan una obra que los haga reír y, al mismo tiempo, les toque el corazón.
Desde el 13 de abril, todos los domingos a las 18:30h en el Teatro Picadilly, Av. Corrientes 1524, CABA
Sinopsis La obra retrata el caos emocional que enfrenta una pareja tras la llegada de su primer hijo. Una experiencia que transformará radicalmente su vida profesional y personal impulsándolos a encontrar la manera de reconstruir su vínculo en medio del desorden cotidiano. Una apuesta interesante para reflexionar sobre la maternidad, la pareja y la identidad personal con mucho humor.
Reseña Comedia divertida y profunda que aborda el tema de la maternidad con una genial dosis de humor y reflexión. Situaciones absurdas, y no tanto, que reflejan perfectamente la vida real, y nos permite reír de lo cotidiano y complicado de ser padres. Ellos, Débora Zanolli y Martin Tecchi, ambos actores reconocidos en el cine de películas varias son una apuesta acertada que se dejan llevar atrevidos e impetuosos por un texto por demás exquisito. Con diálogos rápidos, efectivos, prolijos, ágiles y muy divertidos. Se entregan por completo a sus cuerpos, dejándose llevar por la energía y la ocurrencia que les brinda el momento de la obra. Me gusta la conexión y el cuidado que se percibe entre los actores, en pequeños que se sienten natural y se ve bien. Escenografía inteligente que muta y se acomoda a las situaciones. Buen manejo de los objetos que forman parte de los relatos, visualmente contada con adrenalina y una desfachatez interesante. Una historia que busca en el relato claro de la cotidianidad identificarse ante lo complejo de la convivencia propia de un matrimonio que tiene un hijo. Y en ese humor y la brutal veracidad de los hechos se encuentra esa identificación de los lugares íntimos y profundos que trae la maternidad.
Los nuevos miedos, el encuentro con el otro y este nuevo uno mismo transformándose a los cambios inevitables, el hogar, el trabajo y las opiniones ajenas, las inseguridades, los celos y las mil maneras diferentes de ver el mundo que trae un hijo a la vida. Como ser madre y no rendirse en el intento, encontrarse en esa nueva mujer que llega para quedarse, y la cambian de la mejor forma posible la mujer que somos con la madre que llega. Buena música y la intervención de una marca que cantamos todos que llega ocurrente y acertada. Muy buena coreografía que fluye entre los sueños (lo onírico) marcando en un juego de luces las reflexiones de lo que pensamos, creemos y lo que en realidad ocurre.
Acertada elección de actores con una gran quimia natural, lo que logra que el trabajo y la destreza expresiva de ambos sean excelentes. En lugar de seguir un argumento predecible, encuentra una visión inteligente mostrando también la visión del padre, lo que enriquece la historia.
Entretenida y atrapante, su desarrollo mantiene el interés. Si son padres no cabe ninguna duda que se van a sentir identificados con la historia, sin embargo, no es excluyente para los que aún no ha vivido la experiencia.
Ficha Técnica Dirección: Reparto: Martin Tecchi, Débora Zanolli Duración: 80 minutos Funciones: Domingos 17 hs en el Teatro El camarín de las musas, ubicado en Mario Bravo 960
Ya me cansé de esperar a Silksong. Tras el archiconocido éxito de Hollow Knight y la segunda juventud dorada de los metroidvania, la interminable profecía del lanzamiento de su segunda entrega ha gastado todas sus galas: formales, de ocio e indudablemente la peluca y nariz postiza. Esta cita inicial, aparte de para alimentar la incansable máquina del SEO, sirve principalmente para recalcar el lapso temporal tan grande ya cruzado, suficiente para que todo equipo que quisiera subirse al carro del género tuviera tiempo suficiente para pensar, diseñar, procesar y culminar su propio título. Así pues, muchos han sido los lanzamientos dispuestos a engrosar esta categoría.
Para hacerse con su lugar, muy distintas son las estrategias: una gran historia, un apartado técnico sobresaliente, una jugabilidad pulidad… a veces varias juntas, otras limitadas a un solo truco y entre todo, una gran mayoría neutra, donde no hay nada que brille por encima del resto. La clave en este punto es asegurarse de que las aristas tampoco sean inferiores a las cotas a las que acostumbramos hoy en día.
Aquí es donde aparece Mandragora: Whispers of the Witch Tree, dispuesto a ofrecer batalla a través de un “Soulsvania” directo, bonito y con una amplia y sólida jugabilidad. Desarrollado por Primal Game Studio, el título promete sumergir a los jugadores en una experiencia profunda y envolvente. Por donde primero entra Mandragora es por los ojos. Con un interesante diseño visual centrado en la fantasía Oscura, Mandragora es capaz de ofrecer una atmósfera muy inmersiva en algunos compases del título, cuya cohesión entre entorno y objetos y personajes suele sentirse muy natural a excepción de algunos escenarios donde, a mí parecer existe un contraste capaz de sacarme ligeramente de la experiencia. Por suerte, en líneas generales, se trata de un inconveniente menor y aislado, incapaz de manchar la experiencia. Pero los que venimos a este asado sabemos lo que buscamos por encima de todo, una jugabilidad bien sabrosa. Mandragora es consciente de ello y no falla, al menos en su movilidad básica. Pese a que, al igual que en la mayoría de mis partidas a otros títulos, he optado por una build lenta y poderosa, el título es capaz de mostrarse ágil en todo momento, tanto en combate como en el desplazamiento. Correr, rodar, saltar y, en definitiva, llegar del punto A al punto B suele ser una experiencia fluida y satisfactoria.
El problema viene cuando introducimos en la ecuación una segunda interacción. Ya sea engancharse a un saliente o escalera al vuelo, o usar cualquiera de los sistemas de movilidad típicos de este género (que desbloquearemos conforme vayamos avanzando), encontraremos que la ventana de acierto es más pequeña de lo que el diseño de escenarios parece reflejar. Con ello, me he encontrado muriendo más veces de las que deseaba al no poder agarrarme, o al caer de un saliente al que parecía que todavía le quedaba una pequeña porción antes de permitir que me precipite al vacío. Por suerte, todas estas aristas pueden ser resueltas en futuras actualizaciones sin demasiado inconveniente ya que es fácil apreciar una vez coges el mando que las bases del sistema son sólidas y están desarrolladas con mimo. Lo que no me ha cautivado tanto ha sido su narrativa. Pese a su notable intención por ser parte principal de la obra, con gran cantidad de cinemáticas y conversaciones, no me he sentido atraído por ella en ningún momento y tampoco por sus personajes que, principalmente, han rondado por mi cabeza como meros intermediarios entre mi versión actual y la ligeramente más poderosa que me espera a la vuelta de la esquina.
Si bien como personajes, no resultaron muy interesantes, el sistema de progreso que esconden detrás, junto con los arboles de talentos del personaje si que logran ofrecer una experiencia muy satisfactoria. Siempre hay algo que mejorar y mil y un caminos para hacerlo. Aquí hay hueco para todo tipo de personajes y no hay problema en mezclar distintos arquetipos, lo cual ofrece al título una gran rejugabilidad. Además de la progresión de nuestro propio personaje, la evolución en la complejidad del juego es bastante lineal en muchos momentos con excepción de algún jefazo que parece infinitamente más complicado que lo que cabría esperar en ese momento del título. Pero como punto a favor, capaz de “solventar” estos inconvenientes es su sistema de accesibilidad que permite modificar la vida de los enemigos, el daño que hacen y la velocidad de consumo de nuestra energía, muy útil para darnos un pequeño empujoncito y ayudarnos a salir del pozo en el que nos encontremos sin romper con la esencia del ensayo y error ya que si bien nos podemos volver más fuertes, seguimos siendo mortales y será necesario aprender y dominar los patrones del combate para salir victoriosos. Terminando con los combates, destacan positivamente los enfrentamientos contra los grandes jefes, cada uno con sus propios sets de movimientos, ambientación y diseños, todos muy variados. Donde no encontramos tal heterogeneidad es con los mini jefes, los cuales tienden a repetirse más de lo que deberían, hasta el punto de encontrar más de un par de versiones iguales del mismo enemigo en una sola región.
En resumidas cuentas, Mandragora: Whispers of the Witch Tree es cuanto menos, un buen metroidvania. Con mucha inspiración en la saga souls y su fantasía oscura, ofrece una aventura donde todos los seguidores del género como poco, pasarán un buen rato. No reinventa la rueda ni creará tendencia, bajo mi punto de vista, pero deja un buen sabor de boca y ganas de más, algo muy positivo siendo esta la primera obra del estudio que, indudablemente, mucho ha tenido que aprender durante el desarrollo del título. A mí, al menos, me ha servido para quitarme el hambre de metroidvania durante un tiempo, hambre ligeramente despertada con aquel anuncio del último Nintendo Direct. Pero no me ha empachado. Quiero más, lo cual habla muy bien de Mandragora: Whispers of the Witch Tree. Nota: 8/10.
La ganadora del Oscar por Dinamarca llega a calle Corrientes
En 2020 se estrena ‘Druk’ una comedia dramática danesa dirigida por Thomas Vinterberg, protagonizada por Madds Mikkelsen y ganadora del Oscar a Mejor Película Internacional. La historia sigue a un grupo de profesores de secundaria durante su crisis de mediana edad, para poder afrontarla deciden hacer un cuestionable experimento: Tomar un par de copas antes de entrar a trabajar y así mejorar sus habilidades sociales.
Another Round (como se llamó en inglés) llega a calle corrientes versión en castellano y dirección de Javier Daulte y producción general de Pablo Kompel y Ricardo Hornos. Un gran reparto de reconocidas figuras porteñas encabezan el elenco: Pablo Echarri, Juan Gil Navarro, Osqui Guzmán y Carlos Portaluppi.
Apenas se abre el telón, lo primero que notamos es la solemne escenografía de Julieta Kompel y Gonzalo Cordoba Estevez. Sobria, elegante e inspirada en el minimalismo nórdico. Un escenario movible que va por varios niveles, recreando una sala de estar, pasillos escolares y un aula, el trabajo de carpintería es prolijo y elegante. Todo esto es acompañado con un diseño audiovisual ingenioso y dinámico,
Druk es una obra interactiva, el espectador será parte de ella y del experimento que plantea la trama. Si bien la película tiene un tono dramático y filosófico; esta adaptación se dirige más hacia la comedia, transforma lo danés a porteño.
Los actores dan todo de sí y se comprometen con sus personajes, exponen sus debilidades e inseguridades y la falsa seguridad que el alcohol genera. Es una obra que posee un planteamiento moral difícil, pero saben llevarlo de una manera respetuosa.
No hace falta visionar la película danesa para poder disfrutar de esta obra, se pueden separar como dos productos independientes si es el caso, No se puede negar el nivel de talento actoral y técnico que garantiza calle Corrientes con sus adaptaciones.
Marvel sigue ampliando su universo, y esta vez hacen debutar en la gran pantalla a un grupo bastante conocido en los cómics, pero no tanto fuera del mismo, los Thunderbolts*. El problema en un inicio, es que todos alzamos una ceja al ver la formación de dicho grupo, compuesto por, digamos, personajes segundones. Veamos si este prejuicio estaba fundamentado o no.
La trama se centra en Yelena, quien siente un vacío existencial, que trata de ocupar haciendo misiones para Valentina Allegra de Fontaine. Y su última misión, consiste en detener a alguien que quiere robarle algo a Allegra. Lo que Yelena no esperaba, es que todo era una treta para limpiar cabos sueltos que podrían llevar a su jefa presa, y para peor, acaban de liberar a alguien con el poder de cientos de soles explotando.
Como dije, pocas eran las expectativas que había con respecto a Thunderbolts*, sintiéndose más como una película para matar el tiempo hasta que llegaran Los Cuatro Fantásticos. Bueno, nada m nada errado de la realidad; porque Thunderbolts*es en realidad, una buena película y quizás lo mejor que estrenó Marvel en el cine en un tiempo.
Lo primero a destacar, es que hicieron lo correcto y se esforzaron en hacer buenas escenas de combate, debido a que casi todos los personajes tienen poderes similares (son supersoldados o espías). Esto hace que dichas secuencias sean bastante dinámicas y de tintes “más realistas”, algo al estilo visto en El Soldado de Invierno, considerada como la mejor película del MCU (me incluyo).
Otro punto favorable son las actuaciones. No me malinterpreten, ninguno está para premios; pero tampoco nadie lo hace mal. Si, el personaje de David Harbour sigue siendo insoportable, pero es más un problema de guión que del actor. Quien por obviedad si destaca por sobre los demás, es Florence Pugh, pero esto no debería sorprender, porque es la mejor actriz del reparto.
Pero como no podía ser todo perfecto, toca hablar de lo malo, y es que se siente un poco el pastiche en el montaje final. Si bien Lewis Pullman no lo hace mal, por todos es sabido que su personaje lo iba a interpretar Steve Yeung, y eso se nota. Pero en especial, queda en evidencia lo que pasa con cierto personaje al cual no vamos a nombrar para no hacer spoiler.
Para ir cerrando, Thunderbolts*es una sorpresa. Primero porque no esperaba demasiado, y segundo, porque parece que desde Marvel parecen haber escuchado las quejas hacia un universo que venía en caída libre. Ojalá que sea el inicio para el camino final que nos promete un todos contra todos digno de ver.
Lo mejor: Florence Pugh, las escenas de acción, aporta al MCU
Lo peor: no ofrece nada nuevo en un subgenero ya sobreexplotado
Terror interactivo sin control en su versión cinematográfica
Until Dawn es la adaptación cinematográfica del popular videojuego narrativo de 2015 para Playstation, donde los personajes reviven una y otra vez una noche de horror al estilo slasher, intentando sobrevivir a base de decisiones que marcan su destino. Bajo la dirección de David F. Sandberg (Shazam, Annabelle: Creation), la película mezcla sustos descarados, gore digital y un despliegue de monstruos y clichés clásicos del terror juvenil. Si bien resulta un entretenimiento cumplidor, no consigue capturar la tensión interactiva del juego y se queda a mitad de camino entre homenaje ochentero y horror genérico contemporáneo.
Lo que me gustó: El mayor acierto de Until Dawn está en su ambientación siniestra y en cómo Sandberg despliega con desparpajo una antología de monstruos clásicos del género: asesinos enmascarados, criaturas deformes, zombis y dosis de body-horror. El director, lejos de tomarse demasiado en serio, se entrega al entretenimiento slasher con una vena vitalista que recuerda al terror de los 80 pero con un toque visual más refinado. También se agradecen los guiños a la estructura del videojuego original y su esfuerzo por trasladar la dinámica de decisiones colectivas al lenguaje cinematográfico
Lo que no me gustó: El gran problema de Until Dawn es que no logra replicar la esencia del juego en términos de tensión y participación emocional. Aquí, como espectadores pasivos, ya sabemos las reglas del juego antes que los protagonistas, y sus decisiones, en lugar de generar interés o dramatismo, se sienten previsibles. Además, la ausencia del reparto original del videojuego (con Rami Malek y Hayden Panettiere) deja al elenco de la película varios escalones por debajo. Por último, aunque la película ofrece momentos de buen susto, nunca consigue realmente asustar ni destacarse dentro del género.
A quién se la recomiendo: Esta versión de Until Dawn es ideal para fans de los slashers juveniles con espíritu ochentero y para quienes disfrutan de películas que mezclan monstruos, gore digital y clichés del terror clásico sin mayores pretensiones. También puede funcionar para los nostálgicos del videojuego original, siempre y cuando no esperen una adaptación fiel ni una experiencia tan intensa. Si buscas un terror psicológico más elaborado o una propuesta interactiva, quizá debas mirar hacia otro lado.
The Amy Winehouse Band, la banda original de Amy Winehouse, liderada por su director musical, bajista e íntimo amigo, Dale Davis, llega por primera vez al país con un espectáculo excepcional y único.
El concierto es una celebración de su música, manteniendo vivo su espíritu, su legado y el sonido de una era marcada por la voz inconfundible de Amy. Con la vocalista Bronte Shandé y con imágenes en pantalla y metraje único, el show se ha convertido en una experiencia inolvidable para el público de todas las edades, con entradas agotadas en el Reino Unido y Europa. Este año llega a Sudamérica y se embarcará en una gira por Estados Unidos.
Amy Winehouse fue la mejor voz femenina que haya surgido del Reino Unido, un tesoro nacional y para muchos la mejor artista de su generación, extrañada por todos los que la amaban a ella y a su música.
The Amy Winehouse Band es un viaje alegre y emotivo que celebra el increíble cancionero de Amy con los músicos y la banda que mejor la conocieron, que estuvieron junto a ella en los escenarios de todo el mundo y ayudaron a crear su sonido atemporal, tanto en vivo como en el estudio.
El repertorio incluye todos los éxitos y obras maestras de Amy, de los álbumes ganadores de múltiples premios, Back To Black, Frank and Lioness… ‘Rehab’, ‘Valerie’, ‘Back To Black’, ‘Love Is A Losing Game’, ‘Tears Dry On Their Own’, ‘I’m No Good’ y muchos más.
DOMINGO 11 DE MAYO, 19HS
TEATRO VORTERIX entradas a la venta únicamente en allaccess.com.ar
Universal+ anuncia el estreno en Latinoamérica, el 9 de mayo, de la segunda temporada de Poker Face, la serie de comedia, misterio y asesinatos creada, escrita, dirigida y producida por el cineasta nominado al Oscar® Rian Johnson (Knives Out, Glass Onion).
Este esperado regreso consta de 12 episodios en los que la intrépida detective Charlie Cale interpretada por Natasha Lyonne (Orange Is the New Black) vuelve a subirse a su Plymouth Barracuda para recorrer Estados Unidos y resolver crímenes en los lugares menos pensados. “Este es un lote de episodios realmente especial; estoy emocionado por verlos en sus televisores», adelantó Rian Johnson sobre la anticipada segunda temporada que tuvo una presentación especial en el Paley Fest, el reconocido festival en el que se brindaron detalles de la vuelta a la pantalla de una de las comedias murder mystery más aclamadas por la crítica y el público.
“La idea no era desarrollar una mitología más grande ni ver cómo Charlie profundizaba en su arco argumental”, explicó Johnson durante el panel del PaleyFest en el Dolby Theatre. “La idea era simplemente: ‘Hagamos episodios realmente geniales y probemos algo diferente en cada uno’. Así que cada vez que aparecen los créditos al principio, el espectador no sabe qué va a encontrar”. Además, el creador de la serie reveló que Poker Face vuelve con historias más intensas que pondrán a prueba a Charlie: “Nos divertimos muchísimo haciendo la primera temporada. Siento que en la segunda, lo principal que quería era repetir lo que hicimos en la primera, pero con más intensidad”.
LAS PELÍCULAS QUE SIRVIERON DE INSPIRACION Y LOS INESPERADOS LUGARES DONDE CHARLIE (NATASHA LYONNE) RESUELVE CRÍMENES: LOS DATOS MÁS JUGOSOS DE LA SEGUNDA TEMPORADA DE POKER FACE
El cine, fuente inagotable de referencias. Según explicaron Rian Johnson y Natasha Lyonne, esta segunda temporada tiene muchísimas influencias de importantes cineastas, pero también está anclada en el mundo televisivo del que forma parte. “Para dar vida a la segunda temporada, nos inspiramos visualmente en el cine estadounidense de los 70, con personajes que nos encantan, como Robert Altman, Bob Rafelson y Peter Bogdanovich. Pero la base de esta serie es la televisión: la que vimos de pequeños, con episodios de la semana como Columbo, The Rockford Files y Quantum Leap”, revelaron, asegurando que cada capítulo es “como una mini película con su único tono, vibra y rockstars”, en alusión a las estrellas secundarias.
Nuevos crímenes, nuevos escenarios. En esta segunda temporada, Charlie Cale se ha echado nuevamente la fuga. “Llevamos la historia a otro nivel, un misterio de asesinato a la vez”, contó Lyonne. Desde las ligas menores de béisbol hasta las grandes superficies, desde funerarias hasta granjas de caimanes e incluso un concurso de talentos de primaria, Charlie navega en su viaje existencial por la resolución de crímenes con ingenio, empatía humana y su característica y asombrosa capacidad para detectar mentiras.
Natasha Lyonne, delante y detrás de cámara. La actriz vuelve a dirigir un episodio de Poker Face en este regreso. Así cómo lo hizo en la primera temporada con el brillante “The Orpheus Syndrome”, en esta ocasión lo hace con el segundo capítulo, coescrito por ella misma junto a Alice Ju (Russian Doll). Además, Rian Johnson dirige el primer episodio con guion de Laura Deeley (Ozark, The Crown). “Nunca había visto a Rian tan en su salsa”, adelantó Lyonne en PaleyFest. “Diría que el episodio que dirigió, ‘The Game is a Foot’, es posiblemente lo más Rian Johnson que haya hecho jamás. Tenía 87 pantallas dentro de otras pantallas para descifrar cómo funcionaría todo el juego y el truco de magia. Fue increíble».
En la segunda temporada volvemos a ver numerosas figuras invitadas con reveladores roles, como Cynthia Erivo (Wicked), Giancarlo Esposito (Breaking Bad, Better Call Saul, Parish), Katie Holmes (Dawson’s Creek, Batman Begins, Ray Donovan), Kumail Nanjiani (Welcome to Chippendales, Only Murders in the Building), John Mulaney (Saturday Night Live), Awkwafina (The Farewell, Ocean’s 8), Melanie Lynskey (The Last of Us, Yellowjackets), Cliff “Method Man” Smith (The Wire), y Taylor Schilling, quien se reencuentra con Lyonne en esta comedia luego de haber trabajado juntas en pantalla en Orange is the New Black. Asimismo, también forman parte de la Segunda entrega Haley Joel Osment (The Sixth Sense), Gaby Hoffmann (Transparent, Eric), Justin Theroux (The Leftovers, Running Point), y Simon Rex (Red Rocket).
Poker Face recibió múltiples nominaciones a los premios Emmy®, incluyendo Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Actriz Invitada en una Serie de Comedia (Judith Light) y Mejor Actriz en una Serie de Comedia para Natasha Lyonne.
El showrunner Tony Tost es el productor ejecutivo de la segunda temporada junto con el creador, guionista, director y productor ejecutivo Rian Johnson, Natasha Lyonne, Ram Bergman, Nena Rodrigue, Adam Arkin, Nora Zuckerman y Lilla Zuckerman. Poker Face es la primera serie de televisión de Johnson y Bergman de T-Street y está producida por MRC, junto con Natasha Lyonne, bajo su sello de producción Animal Pictures.
Poker Face está disponible en Universal Premiere, uno de los canales lineales que integran el paquete de canales llamado Universal+ que incluye Universal Premiere, Universal Cinema, Universal Crime, Universal Comedy y Universal Reality.
«Infierno en el pantano» es una película que se presenta con una premisa sencilla en la que un grupo de náufragos aéreos debe luchar por su supervivencia en un humedal infestado de cocodrilos letales. La película introduce un elemento adicional que busca justificar la agresividad inusual de los depredadores: una contaminación del río producto de una redada antidrogas. Esta excusa argumental establece que los cocodrilos no solo atacan por instinto, sino por una sed de sangre.
Sin embargo, este potencial se ve rápidamente empañado por una caracterización de personajes que roza la parodia. El texto describe acertadamente un desfile de estereotipos andantes: el piloto alcohólico redimido por el instinto de supervivencia, la joven traumatizada convertida en experta en supervivencia, la chica insoportable cuyo destino fatal todos deseamos, y el ejecutivo obsesionado con su teléfono móvil. En resumen, personajes planos y predecibles. Sus diálogos son ridículos y no hacen más que acentuar la superficialidad de la narrativa.
No obstante, el film rescata un aspecto positivo: la efectividad de los sustos. A pesar de sus carencias narrativas y de personajes, «Infierno en el pantano» logra generar momentos de tensión y sobresalto gracias a la imprevisibilidad de los ataques de los cocodrilos, con escenas de muerte inesperadas que cumplen su función de mantener al espectador, al menos parcialmente, enganchado.
En definitiva, «Infierno en el pantano» es una película fallida en muchos aspectos, principalmente en su desarrollo de personajes y diálogos. Sin embargo, su capacidad para generar sustos y sus momentos involuntariamente cómicos le otorgan un valor de entretenimiento básico. La ambientación del humedal cumple su cometido, pero la recomendación final es clara: si tienes la oportunidad de evitarla, hazlo. No obstante, si te encuentras atrapado en una sala de cine proyectando esta película, puedes estar tranquilo de que, al menos, no te aburrirás hasta el punto de quedarte dormido.
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