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La nueva película de Mel Gibson, Amenaza en el aire, es un thriller de acción que, sin grandes ambiciones, logra mantener la atención del espectador durante sus 91 minutos. Protagonizada por Mark Wahlberg, Michelle Dockery y Topher Grace, la historia se desarrolla en un pequeño avión sobre Alaska, donde un piloto, una detective y un testigo clave deben enfrentarse a traiciones, secretos y el peligro constante.
El guion de Jared Rosenberg establece una premisa sencilla pero efectiva: Wahlberg interpreta a un aviador con un pasado oculto, Dockery a una U.S. Marshall con sus propios dilemas, y Grace a un nervioso contador que debe testificar contra la mafia. La acción transcurre casi en su totalidad dentro de la avioneta, lo que refuerza la sensación de claustrofobia y tensión. Mel Gibson, conocido por su estilo visual impactante, aquí opta por una dirección más contenida, centrándose en el suspenso generado por el espacio reducido y el peligro inminente. A pesar del limitado presupuesto, la película aprovecha bien sus recursos con un uso moderado de efectos especiales y algunas tomas aéreas que resaltan el entorno.
Lo que me gustó La tensión está bien manejada a lo largo de la historia, gracias a un ritmo ágil y un ambiente claustrofóbico bien aprovechado. El trabajo de Michelle Dockery logra transmitir la determinación y angustia de su personaje con convicción. La atmósfera de thriller clásico, que recuerda a los misterios policíacos de los años 80 y 90. Secuencias de acción bien ejecutadas, que, aunque no innovadoras, cumplen su propósito de mantener la adrenalina.
Lo que no me gustó El guión es predecible y cae en estereotipos, sin profundizar en los personajes más allá de sus roles funcionales en la trama. Algunos diálogos son torpes y forzados, con chistes fuera de lugar y decisiones poco creíbles por parte de los personajes. Wahlberg, aunque comprometido, ofrece una interpretación algo caricaturesca que resta seriedad a su rol.
¿A quién se la recomiendo? A quienes disfrutan de thrillers de acción sin muchas complicaciones, fans de películas de suspenso con dinámicas cerradas y tensión constante. A espectadores que buscan un entretenimiento ligero sin grandes expectativas narrativas.
En conclusión, Amenaza en el aire no es una película innovadora ni particularmente memorable, pero cumple su función como un pasatiempo efectivo. Con un elenco carismático y un ritmo sólido, ofrece una experiencia disfrutable dentro de su propia sencillez. Es un claro ejemplo de que, en el cine de acción, a veces menos es más.
Un desconocido muchacho, Bob Dylan (Timothée Chalamet), llega a Nueva York haciendo dedo para conocer a su ídolo musical, Woody Guthrie (Scoot McNairy), que está internado en un hospital de la ciudad. El veinteañero Bobby, al visitarlo también conoce a otro reconocido cantante folk llamado Pete Seeger (Edward Norton) y frente a ambos este jóven canta una canción que compuso con su guitarra para Woody y los maravilla tanto que Pete Seeger decide apadrinarlo de alguna manera para que empiece a tocar en el circuito de la música folk en Nueva York, donde este completo desconocido poco a poco empieza a conseguir el respeto de todos, revolucionar la música y ganarse su propio nombre; Bob Dylan.
El director James Mangold que tras seis películas de acción y aventura donde le ha ido muy bien vuelve a un género que ya conoce, el biopic musical, y 20 años después de Walk the line, biopic de Johnny Cash, ahora dirige y coescribe junto a Jay Cocks un nuevo film sobre la vida y obra de Bob Dylan.
De principio a fin es una película clásica de Hollywood, donde el director quiere ser invisible y no quiere llamar demasiado la atención pero que aún así su estilo está ahí. Gran trabajo con la puesta en escena, dirección de arte hace un excelente trabajo desde las locaciones, utilería, vestuario y peluquería para reconstruir la década de los 60. Lógicamente el departamento de sonido es muy importante en esta obra y se le da la suficiente importancia para que se note pero algo que se destaca gratamente es la elección del casting, además de tener estrellas tiene buenos talentos en sus papeles.
A Complete Unknown tiene un gran reparto donde todos los intérpretes están impecables. Y al decir todos son todos, no sólo Chalamet, que me ha sorprendido para bien por su entrega con la película y ha demostrado ser un actor de oficio brindando todas sus herramientas para esta compleja interpretación como la es la personalidad de Dylan. Por otro lado, aunque el papel de Norton no haya sido escrito para llevarse todas las luces logra cautivar. También destaco a Monica Barbaro que en el papel de Joan Baez logra una merecida nominación a los Oscar como mejor actriz de reparto sumándose así a Norton nominado a mejor actor de reparto y a Chalamet como protagonista. Se suman al cast con excelentes performances Dan Fogler, la encantadora Elle Fanning y Boyd Holbrook que con 10 minutos de metraje interpretando a Johnny Cash crea a este como un personaje mucho más interesante y que uno percibe vivo comparándolo con las más de 2 horas de Joaquin Phoenix en el mismo papel en Walk the line también bajo la dirección de Mangold en 2005.
La mirada de Mangold es interesante, nos trae una biopic sobre un músico que se centra principalmente en sus canciones, en su obra y no en la vida de Dylan bajo el escenario. Donde la mayoría de los films de este estilo recurren en contar las experiencias de los músicos con sus adicciones o las múltiples parejas e infidelidades de una estrella de rock. Que sí, también tiene de eso pero en su justa medida. Pues, no es tarea fácil hacer una película sobre una persona que aún está con vida y en actividad. No hay ascenso y caída.
Un completo desconocido es casi un musical, casi pero no, y no porque trate sobre la vida de un músico sino por la utilización de la canción como herramienta narrativa en la historia. Tal vez la música no haga avanzar narrativamente el film pero sí captura el viaje histórico de Dylan en aquellos años de su carrera. Su obra musical no es sólo un acompañamiento de las escenas o sólo la puesta en escena de un hito histórico para Dylan sino que también es aprovechada como una forma de narrar para el autor de la película, una que en todos sus apartados está muy bien dirigida; arte, fotografía, montaje y guion, siendo este último tal vez al que le quepan más altibajos aunque siendo uno muy sólido y entretenido.
Tiene fascinantes momentos plagados de una verdad que sólo se encuentra en el cine pero su punto bajo puede ser la construcción de la estructura narrativa que parece carecer de un conflicto de importancia para la película, para el protagonista y para el espectador, al menos hasta el último acto donde claramente Dylan tiene un conflicto delante y una motivación para ser el artista que es. Con el avance de la historia y su meteórico ascenso hacia la fama, Dylan se vuelve ajeno y alejado a lo que vemos en un principio, aunque fue catapultado por la música country a la que también ayudó mucho a crecer y de cierta manera a no ser olvidada, el músico no quiere ser encasillado en sus hits de folk rock y seguir tocando siempre las mismas canciones, no quiere cantar a pedido, quiere hacer la música de su gusto, no la que le demandan y en el Festival Folk de Newport hace una importante declaración de intenciones que fue un antes y un después para la música estadounidense.
Mangold ha tratado muy bien a Dylan con A complete unknown, tal vez demasiado. No es la típica película sobre una estrella de rock, justamente le falta eso, un poco de rock. Quien también ha tratado muy bien a Dylan fue Thimotée Chalamet que canta y toca todas las canciones y lo interpreta sin caer en la burda imitación pero sí analizándolo, Antes de entrar a la sala temía de ver a Chalamet haciendo de rockero fachero para redes sociales y no una interpretación de Bob Dylan en los años 60 pero tras el primer plano del protagonista en ese auto tal preocupación se diluyó y pude disfrutar de la película como se debe. A uno le dan ganas de usar anteojos negros todo el día y comprarse una moto canchera después de ver la postura de Chalamet fumando cual Dylan.
Pero también y siendo más importante por el contexto musical y artístico actual, a uno le dan genuinas ganas de que vuelva a importar el talento, que la postura contestataria no sea un aparato de marketing sino la expresión de una obra. Ojalá que resurjan artistas inspirados que puedan crear e interpelar con menos, tal vez sólo con el talento de las ideas, su voz y una guitarra. Muy buena película.
Calificación: 8/10 Por Julián Lloves para La Butaca Web.
Una entretenida película que muestra la codependencia de la tecnología
Compañera perfecta es un thriller con toques de terror y comedia negra dirigido por Drew Hancock. La historia sigue a Iris (Sophie Thatcher), Josh (Jack Quaid) y sus amigos, quienes planean un tranquilo fin de semana en una casa junto al lago. Sin embargo, lo que comienza como una escapada relajante se transforma en una experiencia caótica con la presencia de una inteligencia artificial que pone en jaque la dinámica del grupo.
La película aborda el impacto de la tecnología en la socialización humana, explorando cómo la inteligencia artificial puede convertirse en un reflejo de nuestras emociones y comportamientos. Aunque no es tan profunda como otras obras del género como Ex Machina (2014) o Her (2013), la cinta plantea preguntas interesantes sobre las nuevas formas de relaciones en la era digital. Además, rinde homenaje a clásicos como Terminator 2: El día del juicio (1991), mostrando la influencia del género en su desarrollo.
Lo que me gustó Sophie Thatcher entrega una actuación sólida, transmitiendo con precisión los cambios emocionales de su personaje. La película mantiene un ritmo ágil y equilibra bien el thriller con el humor negro. Aporta una reflexión interesante sobre la soledad y la dependencia emocional hacia la tecnología. Aunque no es una obra revolucionaria, logra entretener y sorprender con algunos giros inesperados.
Lo que no me gustó El guión presenta algunos problemas argumentativos y ciertas inconsistencias en su desarrollo. No alcanza la profundidad filosófica de otras películas del género, quedando en un nivel más superficial. Algunas ideas interesantes sobre la inteligencia artificial y la humanidad se presentan, pero no se exploran del todo.
¿A quién se la recomiendo? A quienes disfrutan de thrillers con elementos de ciencia ficción y toques de comedia negra, fans de películas que cuestionan la relación entre la tecnología y la sociedad, sin ser demasiado densas quienes busquen una cinta entretenida con una historia intrigante y buenas actuaciones.
En conclusión, Compañera perfecta no reinventa el género, pero ofrece una experiencia entretenida con una visión moderna sobre la dependencia tecnológica y la soledad. Con una buena protagonista y un desarrollo dinámico, es una película que vale la pena ver y que puede generar interesantes cuestionamientos al finalizar.
Un musical sobre un narco que quiere cambiar de género y comenzar una vida nueva que además aborda el tema sobre la desaparición de personas por la guerra narco. ¿Algo puede salir mal con esa mezcla? Lo vemos debajo.
La historia:
Zoe Saldaña, nuestra querida Gamora, es Rita, una abogada mexicana harta de trabajar para hombres ricos que se salen con la suya, que es secuestrada por “manitas”, un jefe narco temido por todo México que le hace un pedido bastante particular, necesita que le encuentre un cirujano para hacerle un cambio de género y empezar una nueva vida como una mujer.
Ella acepta con la promesa de una pequeña fortuna y comienza su búsqueda del otro lado del mundo. Al mismo tiempo tiene que convencer a su mujer y sus hijos de mudarse a Suiza para comenzar una nueva vida después de la supuesta muerte de su padre.
Ya con su tarea concluida se muda a Londres pero se cruza con alguien que le dice que todavía su trabajo no terminó. ¿Aceptara continuar con sus tareas o será este el fin de su contrato al estilo de la mafia? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó?
El tema es al menos diferente e interesante, me gusta que se hayan atrevido a tomar ese riesgo, lo que no quiere decir que asegure un buen resultado.
Alguno de los números musicales están muy bien, aclaro que no todos ellos, pero por lo menos dos de los números musicales, especialmente en los que participa Zoe Saldana son muy interesantes y disruptivos, especialmente por incorporar elementos urbanos .
¿Qué no me gustó?
El resto de los números musicales, muchos no llegan a ser eso sino más bien partes de la letra cantada, se ven forzados y realmente son muy raros. No se entiende bien por qué se eligió esa opción en este caso.
Para una película con tanto dialogo en español se tendrían que haber cuidado un poco más la pronunciación de los actores, algunos parecen que tomaron un cursito online dos semanas antes del rodaje y se les entiende poco de lo que dicen, incluso hacen una mezcla entre español e inglés, lo que termina atentando contra la identificación de los personajes nos distrae de la trama.
¿Aporta algo nuevo al género?
Es original para un musical incorporar la problemática del narcotráfico con la identidad de género, pero a veces cuando nadie elije tomar un camino hay algún motivo detrás.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli?
No es tan fácil la respuesta, calculo que si alguno de estos temas te interpela o te gustan los musicales que rompen los esquemas tradicionales quizás esta película sea para vos.
Disponible el 23 de enero en cines
Calificación: 7/10
Duración: 132 minutos
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
Sinopsis Durante la segunda guerra mundial, dos hermanos pequeños se ven obligados a cuidarse mutuamente después de que su madre muere. Sin hogar y sin comida, deben enfrentar la dura realidad en la que se encuentran frente al despojos de la guerra. Una historia sobre el amor, la inocencia y el dolor de las pérdidas.
Reseña La tumba de las luciérnagas es una obra maestra emblemática e importante que pertenece al Estudio de Animación Ghibli, un espacio creativo que es mega reconocido con películas clásicas como Mi vecino Totoro (una pelicula bellísima que podemos encontrar en plataformas y no deberían dejar de ver), El viaje de Chihiro y la última gran ganadora de los premios Oscars como Mejor Película de animación 2024… El niño y la garza.
La historia basada en hechos reales que fue estrenada en el año 1988, vuelve a los cines en una edición especial que vale la pena descubrir, y para la suerte de muchos… volver a apreciar en pantalla grande. Un relato crudo de los efectos desbastadores de la guerra en la humanidad, la inocencia arrancada de la niñez ante los efectos de la muerte, la hambruna y la desesperación. Y ahí, en medio del infinito dolor, el poder del verdadero amor y la resiliencia humana, que frente a las adversidades encuentran la capacidad para seguir en pie.
Una critica a las consecuencias del desamor, la avaricia, al poder desmedido y la falta absoluta de empatía en una tierra que lucha por sobrevivir a lo que sigue en pie después de tanta sangre perdida y tanto dolor acumulado. La animación es suprema bajo la dirección de Isao Takahata (he aquí un nombre que si se googlea puede apreciarse algunas maravillas animadas que supo crear en sus roles como productor, guionista y animador en varias películas, incluidas otra belleza que súper recomiendo ver El cuento de la Princesa Kaguya).
Sepan que el contenido de la peli es emocionalmente intenso, si uno espera una animación amorosa con final de rosas, no es por acá. Sin embargo la historia va a llegar profundamente a tu corazón y vas a enamorarte de sus protagonistas, lo prometo.
una aventura llena de humor, emoción y paisajes deslumbrantes.
La tercera entrega de la franquicia, Paddington en Perú, trae de vuelta al entrañable oso con la voz de Ben Whishaw, acompañado de un elenco estelar que incluye a Hugh Bonneville, Antonio Banderas, Olivia Colman y Emily Mortimer. Esta vez, la historia nos lleva al corazón del Amazonas y las majestuosas tierras peruanas en busca de respuestas sobre el origen del querido Paddington.
Descripción La trama sigue a la familia Brown mientras emprenden un viaje al Perú para buscar a la tía Lucy, quien ha desaparecido misteriosamente. A lo largo del camino, se enfrentan a desafíos, se cruzan con nuevos personajes, como el carismático y enigmático Hunter Cabot (Antonio Banderas) y su hija Gina (Carla Tous), y descubren secretos ligados a la legendaria ciudad de El Dorado. Las nuevas dinámicas familiares también toman protagonismo, con un padre en busca de cambios y una madre intentando recuperar la unidad perdida. En cuanto al diseño visual, la película abandona los ambientes cerrados característicos de las entregas anteriores para explorar la belleza natural del Perú. Locaciones como Machu Picchu y la selva amazónica aportan una profundidad visual que refuerza el sentido de aventura.
Lo que me gustó
La dirección de Dougal Wilson, quien mantiene el espíritu humorístico y entrañable de la franquicia, pero añade una dosis de emoción y aventura que refresca la narrativa. La fotografía y el diseño de producción, que capturan de manera impresionante los paisajes y las tradiciones peruanas, integrándose de manera orgánica a la historia. El desarrollo del personaje de Paddington, que sigue siendo el corazón de la saga con su bondad inquebrantable y su lealtad hacia los que ama. Las actuaciones, especialmente la de Antonio Banderas, quien aporta carisma y ambigüedad a su papel como Hunter Cabot, y Olivia Colman, quien ofrece un giro intrigante con su personaje.
Lo que no me gustó
El cambio de actriz para el papel de la madre (de Sally Hawkins a Emily Mortimer) puede sentirse algo desconectado para quienes siguen la saga desde el inicio. Algunos momentos de la trama resultan predecibles, especialmente en la resolución de ciertos conflictos. El villano, aunque divertido, cae en clichés que no aportan una amenaza realmente memorable. ¿A quién se la recomiendo?
Familias con niños pequeños, ya que ofrece una experiencia entretenida y llena de humor. Adultos que disfrutan de historias entrañables y bien ejecutadas, con un toque de nostalgia. Amantes de la naturaleza y la cultura, gracias a la representación visual del Perú. En resumen, Paddington en Perú es una digna continuación de la saga, que equilibra diversión y emoción con un mensaje sobre la familia y la pertenencia. Un viaje que, aunque no es perfecto, vale la pena vivir en la pantalla grande. Disponible en cines desde el 16 de enero.
Si los invitas a venir, después tenés que atender la llamada.
Cuando su hermana gemela muere, Darcy, una mujer ciega que aparte de su negocio de antigüedades es una médium de objetos, recibe el ojo de vidrio del supuesto asesino de su hermana. ¿Podrá averiguar lo que realmente pasó o se quedará con la duda para siempre? Lo vemos debajo.
La historia: Dani, una mujer casada está remodelando su casa en un lugar alejado, cuando es visitada por un extraño que le pide pasar porque supuestamente alguien entró antes que él. Por obvias razones ella desconfía y no lo deja pasar. Cuando el misterioso hombre finalmente se va, ella se dispone a acostarse pero se da cuenta que el extraño tenía razón. Pasa el tiempo y su hermana gemela ciega, Darcy, que es una médium de objetos recibe el ojo de vidrio del supuesto asesino de su hermana. Decide leer el objeto. Para el aniversario de la muerte de Dani, Darcy pasa a visitar al ex marido de su hermana y conoce a su nueva novia. Decide quedarse a pasar la noche, aunque los dueños de la casa no están de acuerdo, y trae un extraño baúl con ella. ¿Podrán averiguar la verdad sobre el asesinato de Dani? ¿Qué hay en ese baúl misterioso? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? Se toma sus tiempos para dar esos saltitos (jump scares) o sustitos que tanto le gustan a los amantes de este género, especialmente en la sala de cine. La incorporación de la lectura de objetos y otros mitos que no voy a spoilear, son elementos no tan vistos en este género, por lo menos no tan desgastados como muñecos poseídos y los fantasmas.
¿Qué no me gustó? La película es de bajo presupuesto y se nota, tiene pocos elementos, cosa que no está mal para este género, pero termina haciendo a la trama muy previsible y poco original. La revelación en la trama es poco creíbles porque no se establecen más temprano en la historia elementos que la justifiquen o al menos puedan dejar algún indicio para lo que viene después.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los fanáticos del género que les gusta ver este tipo de pelis en el cine para tener un par de saltitos en la butaca, en ese aspecto no van a salir decepcionados.
Estreno 16 de enero en cines Calificación: 7/10 Duración: 98 minutos
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Anora es la nueva película de Sean Baker, director y guionista que nos ha da dado películas como Tangerine, The Florida Project y Red Rocket. Sus películas siempre te sumergen en historias de vidas marginales o que no son las más contadas y esta no va a ser la excepción.
Anora es una joven trabajadora sexual que se gana la vida bailando en un club nocturno de Brooklyn, Nueva York. Su vida no se ve mucho más interesante que ir de su casa al trabajo, charlar con sus compañeras y dormir en el metro. Sin embargo, una noche le piden que hable ruso (idioma que conoce por su abuela) con unos clientes y allí conoce a Ivan, un joven ruso cuyos padres son reconocidos en su país por su fortuna. Luego Ivan la invitará a su casa, le ofrecerá pasar una semana juntos y, cuando Ani (como le gusta que la llamen) cree que termina esa semana de derroche y lujuria en Las Vegas, Ivan decide proponerle casamiento. De esa manera, él no tendría que volverse a Rusia y ella podría dejar su trabajo y vivir de la fortuna de Ivan. Ani accede al casamiento, todo es felicidad pero todo lo que brilla no es oro. Los padres de Ivan envían a Toros, el tutor de Ivan junto a unos custodios a verificar si este casamiento es real y cuando lo confirman, avisan a sus progenitores quienes deciden viajar a anular el matrimonio. Lo que hasta el momento suponía una clásica historia de amor al estilo Cenicienta, se convierte en una tragicomedia, con mucho de comedia física, que en sus 138 min te lleva por todo tipo de sensaciones con un ritmo doble, pausado y vertiginoso.
Mikey Madison, quién fuera descubierta por Quentin Tarantino para su Once upon a time in Hollywood, es quien da vida a Ani y encarna uno de esos personajes que la darán a conocer por seguro. Ella brinda una interpretación cruda, verosímil y a la vez profunda y llena de matices. Ani es una chica independiente, divertida que cuando todo se pone tenso lo transforma en rudeza y determinación. Pero en algún momento todos debemos bajar y cuando Sean Baker marca ese momento redondea lo sublime de esta película.
LO QUE MÁS ME GUSTÓ: Mikey Madison crea un personaje inolvidable, conmovedor, divertido y bien elaborado. Yuri Borisov también tiene una interpretación que va de menor a mayor y logra conmover con sus gestos y muy pocas palabras.
A QUIÉN SE LA RECOMENDAS: A todo el mundo, a quién le guste ver algo no edulcorado, cargado de profundidad y tragicómico.
Parece que después de volver al futuro sólo queda estar omnipresente a través de la historia.
¿Qué pasaría si dejáramos una cámara fija en un punto del planeta y no la moviéramos de allí por siglos? Esto es la premisa que plantea esta peli. ¿Funcionará esta idea o quedará muy lindo en el papel pero en la práctica no cumple? Lo vemos debajo.
La historia: Es un verdadero desafío resumir esta película porque sencillamente cuenta la historia del mundo desde una sola locación, y ese lugar es aquí. Comenzando con los dinosaurios y llegando a la época actual. Todo por supuesto sumamente editado o nos tendríamos que quedar a vivir en el cine y no veríamos ni una ínfima parte. Para lograr esa titánica tarea el director Robert Zemeckis utiliza diversos personajes, cada uno anclado en una época específica, que van contando sus historias de forma intercalada. Claro que algunas historias tienen más tiempo en pantalla que otras, y la historia de amor que protagonizan Richard y Margaret, Tom Hanks y Robin Wright respectivamente, es la que tiene más peso. Y cuando decimos historia de amor, es literalmente la historia de su relación desde que se conocen hasta que… no les voy a spoilear. ¿Podrá esta pareja sobrevivir al paso del tiempo o todo quedará como un recuerdo? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? El plano fijo es original y plantea varios desafíos, algunos mejor logrados que otros, me gusta que hayan tomado ese riesgo lo que no quiere decir que todo haya salido bien. El mensaje de una vida cíclica que tiene sus dramas y también sus alegrías es lindo y gracias a la perspectiva que permite esta historia, que transcurre a través de la historia del mundo, se le da otro peso a esta idea.
¿Qué no me gustó? Como mencionábamos antes, el plano fijo es un riesgo que tomaron, y como idea está muy bien pero eso genera ciertas limitaciones, por momentos la película parece una obra de teatro, uno no siente el mismo apego por los personajes, más bien genera distancia, y esta limitación exige que todas las acciones de los personajes tengan que estar muy coreografiado de antemano y eso se nota. Además, quizás por miedo a que se convierta en una película estática y aburrida, la peli salta todo el tiempo a través de la historia, generando escenas muy cortitas y al punto, lo que no está mal en cuanto a ritmo, pero si produce falta de identificación con los personajes, y algunos de los personajes que tienen menor tiempo en pantalla terminan siendo muy estereotipados.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A todos los que disfruten de los dramas con una vuelta de tuerca, esta es la peli para ustedes. Y por supuesto a los que quieran volver a ver a nuestro querido Forest (Tom Hanks) y a Jenny (Robin Wright) reencontrándose bajo la dirección de Robert Zemekis, es una linda excusa para volver a verlos juntos.
Estreno 9 de enero en cines Calificación: 8/10 Duración: 104 minutos
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
Vivienne Le Coudy, una mujer tremendamente independiente, se embarca en una relación con un inmigrante danés llamado Holger Olsen. Después de conocer a Olsen en San Francisco, Vivienne accede a viajar con él a su casa, cerca del tranquilo pueblo de Elk Flats, donde comienzan una vida juntos. Sin embargo, la Guerra Civil los separa, dejando a Vivienne sola en un lugar controlado por el poderoso ranchero Alfred Jeffries y su violento y descarriado hijo, Weston.
Lo que me gustó La dirección de Mortensen es tranquila y pausada, sin prisa por contar la historia. Él prefiere tomarse su tiempo para mostrar las emociones de los personajes a través de pequeños detalles, los silencios y las miradas, en lugar de grandes escenas dramáticas. La película tiene un ritmo lento, pero eso le da una especie de magnetismo: te atrapa en su mundo y te invita a sentir lo que los personajes están atravesando. No es una película para quien busca acción o grandes giros argumentales, sino para los que disfrutan de un cine más reflexivo y emocional.
Lo que no me gustó En lo personal el genero Western siempre le siento aroma a algo viejo. No me agrada, no me interpela, si bien la peli cumple, no hay sorpresa. Parece que los mismos decorados pasan de pelicula en pelicula a lo largo de los años, y si bien seguramente no sea asi, a mi me huele a naftalina.
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