4X4 (Argentina) con guión de Mariano Cohn y Gastón Duprat. Dirección: Mariano Cohn.  Con Pater Lanzani, Dady Brieva, Luis Brandoni y Noelia Castaño. / Estreno en Argentina: 04/04 de 2019 / Crítica: CJ COLANTONIO.

Esta semana se estrenan en Argentina dos películas Tour de Force, expresión francesa que vendría a significar -en nuestro país- algo así como vuelta de tuerca; relatos que llevan a un único protagonista en pantalla a un cambio de rol, de ser victimario a víctima –o acosador/acosado- y que suelen buscar una nueva mirada sobre la condición humana.

Una de ellas es la película danesa preseleccionada al Oscar, La culpa, y la otra, esta película Argentina 4×4, la que plantea de manera original y contundente el flagelo de la inseguridad, como también la justicia en mano propia.

Dirigida por Mariano Cohn y producida por Gastón Duprat, esta dupla emblemática quienes escribieron el guión juntos y que supieron ofrecernos El hombre de al lado, El ciudadano ilustre y que ahora se turnan en los roles con esta y Mi obra maestra, logran una soberbia reflexión que sucede en un 90% en una camioneta 4×4 y que vuelven a poner al Cine Argentino en el lugar que demuestra que un buen guión no es solo entretenimiento, sino la oportunidad de enfrentar temas que nos importa como sociedad.

Filmada de manera cronológica, su protagonista Peter Lanzani, quien durante el rodaje fue bajando de peso para crear mayor realismo, es acompañado por Dady Brieva y Luis Brandoni; además del destacado Kiko de la Rica en la Dirección de Fotografía.

Calificación: 9/10.

Por Bruno Glas 
Po(o)p goes the world

Dentro del cine (norte)americano, la búsqueda del éxito parece ser uno de los temas recurrentes, más aún siendo un valor absoluto a nivel social. Especialmente en las películas biográficas, donde el recorrido del personaje sigue el tan bien conocido esquema narrativo de ascenso-fama-caída.

En “Vox Lux”, Brady Corbet cuenta la historia de una cantante de pop a la que vemos en dos períodos bien diferenciados. Primero en sus inicios, como una adolescente; luego ya como una mujer exitosa y con una hija, pero con una vida privada en crisis y envuelta en escándalos que afectan su imagen pública. Es interesante el punto de partida: se trata de un retrato realista, que sigue a su protagonista con una enorme precisión a cada momento, pero con las licencias que el director puede tomarse tratándose de un personaje ficcional. Es así: Celeste Montgomery (Raffey Cassidy, de niña, y Natalie Portman, adulta) nunca existió por fuera de la pantalla.

El inicio de la película, con su tono seco y oscuro, que adelanta la tragedia que estará por tener lugar, sitúa muy bien la estética realista que predominará durante la mayor parte de la historia. Este realismo tiene su correlato en la forma en que se retrata el estrellato y el negocio de la música pop: lejos del cliché romántico del artista enamorado de su labor, para la Celeste adulta la fama y el éxito son una maldición en su vida. A esto también contribuye el autoritario manager que interpreta Jude Law. Y acá es donde empiezan los problemas. Es que Corbet quiere insistir tanto con el drama de su personaje que elige representarlo en la forma de diálogos altisonantes, con una Natalie Portman por momentos sobreactuada. Ahí es donde el director se muestra incapaz de convertir esa furia en otra cosa que no sea el discurso explícito y machacón. Algo similar sucede con la voz en off que puntúa los hechos, la mayor parte del metraje demasiado solemne y sentenciosa (una lástima, sabiendo que la gola la aporta Willem Dafoe).

Sin embargo, cerca del final de la película ocurre algo sorpresivo. Se trata del momento en que Celeste, luego de un instante de angustia, sale al escenario a dar un show para un público enorme. Celeste repta por el escenario, moviéndose con gracia, enfundada en un traje negro, con brillantina iluminando su cara; la pantalla que la acompaña (y también, por añadido, la nuestra) se inunda de colores vivos, la música pop suena bien alto. Es en ese momento cuando la película adquiere una inusitada libertad que la hace respirar un poco más, dándole aire a una estética sofisticada y virtuosa, pero también algo asfixiante.

Calificación 6/10

Por Candela Otero

Un drama atrapante que tiene como protagonista a Natalie Portman, que cuenta la historia de Celeste,una superestrella del pop, que llega a la fama tras una situación extremadamente traumática que le toca vivir de chica en su escuela, la cual la marca a fuego para siempre: Un compañero realiza un atentado, matando a la profesora y a muchos alumnos. Celeste es una de las pocas sobrevivientes del acto, aunque queda con graves heridas. En una misa en honor a los compañeros fallecidos, ella canta una canción, que luego dará vueltas al mundo y le sentará las bases para una exitosa carrera musical.

La película está estructurada en tres actos: En el primero Celeste está en el colegio, donde ocurre el hecho que le marcará la vida; en el segundo ya tiene 30 años y es una super estrella completamente perdida y necesitada de ayuda, madre de una hija adolescente con la que no logra entenderse. El tercero es dedicado al impactante show que brinda hacia el final de la película. Un narrador omnisciente se encarga de unir estos tres actos y aportarnos información sobre la historia de los personajes.

Hay un gran trabajo del equipo de arte, fotografía y montaje, así como de la dirección actoral y del elenco, principalmente de su protagonista. Portman compone a una cantante desganada y antipática, agresiva con aquellos que no respetan su intimidad y hasta con sus afectos, como con su hermana,que ha dedicado su vida a cuidarla; que ha perdido el rumbo y nunca ha logrado superar lo vivido en la infancia.

Si bien la historia es muy interesante, tiene ritmo y más de un tema para destacar, la resolución deja más de un aspecto por resolver y genera la sensación de que la película se corta abruptamente. Ese es el único aspecto que le resta puntaje a este film.

Calificación 8/10

Por Agustín Villegas

Cómo entrenar a tu elefante…

El estilo denso en personalidad propia de Tim Burton lo traiciona. Una visión tan potente se ve claramente fuera de lugar cuando se está haciendo un proyecto sin las ganas necesarias. Disney llamo al cineasta y le encargaron una remake live action de la película animada sobre el elefantito volador con extra Burton para llevar. La producción penso que la idea de intentar entrarnos por el lado de la nostalgia iba a funcionar, pensaron que trayendo actores que hayan aparecido en antiguas películas del director iba a bastar para que la idea nos compre. Ver a Micheal Keaton laburar de nuevo con Danny DeVito es algo increíble, pero la película tiene tan poco espíritu que éste épico reencuentro se me hizo totalmente carente de sabor. Hasta Danny Elfman vuelve a trabajar con Burton en «DUMBO», haciendo una banda sonora de gran calidad que aún así no salva la película de ser un bodrio.

La historia sigue a dos nenes que, junto a su padre lisiado (Colin Farrell), se hacen cargo de un elefantito recien nacido. Éste nace con unas orejas enormes que le permiten levantar vuelo, habilidad que usará para traer fortuna a Don Medici (Danny DeVito) y también para poder rescatar a su madre. El exito de Dumbo es tan grande que un empresario (Micheal Keaton) decidirá ir a echarle un vistazo al elefantito volador.

No les voy a mentir, solo recuerdo los nombres de dos o tres personajes de la historia. No voy a googlear porque eso sería hacer trampa, si no puedo recordar el nombre de un personaje de una película quiere decir que ese personaje no fue lo suficientemente y esto es una de las excesivas deficiencias de este mal llamado remake.

La emotividad y el surrealismo de la version original de 41′ es sustituido por una historia dramática sobre dos niños que, tras perder a su madre, se encuentran con que su padre vuelve de la guerra sin un brazo. En el medio tenemos a DeVito haciendo un personaje copypasteado de «THE BIG FISH» quien se ve tentado por un multimillonario (Micheal Keaton) a tomar una gran oferta por un elefantito volador que anda dando vueltas por algún lugar recondito de la trama. El pobre elefante se pierde en una historia que se enfoca en cuestiones que la verdad no nos importan, queríamos ver a Dumbo haciendo pelotudeces para encontrar a su mamá, no un drama familiar incitador al suicidio.

La música de Danny Elfman es hermosa en la película, pero no deja de ser parte de esta sopa de Tim Burton que lanzo Disney. El diseño de Dumbo es tierno, pero se lo nota muy fuera de lugar junto a los actores en carne y hueso.

Definitivamente DUMBO no era una película para volver a ser hecha en acción real. No obstante le sigo teniendo fe a proyectos como «Aladdin» o «El Rey León», este tropezón se veía venir de tan lejos … pero confieso que quería estar equivocado.

Dejenla pasar que se vienen buenas películas y el cine está muy caro.

Calificación 5/10 

MI MASCOTA ES UN LEÓN (Mia et le lion blanc) Director: Gilles de Maistre / Origen: Francia, Sudáfrica, Alemania. Reparto: Mélanie Laurent, Daniah de Villiers, Langley Kirkwood, Ryan McLennan. Distribuidora: Energía Entusiasta / Crítica: CJ COLANTONIO.

Funciones Viernes 29/3 y Lunes 01/04 a las 20hs / Sábado 30/03 y Martes 02/04 a las 17:50 en el CINEMARK PALERMO

Programación: http://www.cine-frances.com/programacion.html

En su onceavo año, el ciclo de estrenos de cine Francés que se presenta del 28 de marzo al 3 de abril en el Cinemark Palermo, tuvo la apertura de prensa con Mi mascota es un león.

Lamentablemente, para quien está acostumbrado a ver cine francés del bueno, esta presentación no fue una decisión inteligente.  Traducida enteramente al español y a partir de la cantidad de niños que fueron invitados a la función, me atrevo a decir que el hecho de que los protagonistas sean una niña y un león, no es garantía de que sea un relato infantil.

Desde mi punto de vista, es todo lo contrario; en varias oportunidades, sentí una tremenda aprensión y miedo en que el león atacase a la niña, y quienes se encargan de enfatizar ese terror fue la propia familia.  En tal caso, hay situaciones de ataque que son bastantes crudas.

No hay mucho que decir sobre la trama, que no lo diga el título. Una niña intenta salvar a su mejor amigo, un león, en este caso de la matanza que aún hoy es un comercio en África.  Es destacable que hayan pasado tres años para rodarla con el objeto de ver el paso del tiempo en los niños.

Calificación: 4/10.

EL KIOSKO (Argentina) con Pablo Echarri, Georgina Barbarossa, Mario Alarcón, Roly Serrano – Guión y Dirección: Pablo Gonzalo Pérez / Estreno en Argentina: 28 de MARZO 2019 / Crítica: CJ COLANTONIO.

El Kiosko es una película sin grandes pretensiones que construye un relato honesto sobre una sociedad egoísta que no sólo piensa en sí misma, sino que es un instrumento en donde la mayoría son títeres o esclavos de esa divergencia.

Con actuaciones secundarias muy sólidas, donde los personajes crean un ambiente que distiende y hace reír con poco de manera efectiva, esta película Argentina se puede jactar de ser un producto localista hasta en su manera de solucionar los conflictos, ésa pequeña fisura donde podemos ver al autor.

Por otro lado, y -desde mi punto de vista- el protagonista, interpretado por Pablo Echarri, sigue una dirección bajo el libreto que desnuda una violencia ante lo que le sucede, que impide cierta compatibilidad con el género, como la necesaria complicidad con el espectador.  Este gusto amargo se soluciona con una trama que habla de los valores, tema principal de la película y que es eficaz en el momento de hablar de un problema social en el que el protagonista se encuentra inmerso, y donde –el salir- lo convertiría en un perdedor ante la gran mayoría, y del cual el espectador está implicado.

Calificación: 6/10.

Por María Luz Stella

Un día me dijeron que para que un guión cinematográfico funcione no puede faltarle “sexo, drogas y rock & roll”, ingredientes que tiene la historia de Celeste (interpretada por Raffey Cassidy en su adolescencia y Natalie Portman a sus 30 años) y en la cual están muy bien articulados – sin ser exaltados pero manteniéndonos expectantes – en la creación de una estrella de la industria discográfica. Sin necesidad de recurrir a imágenes explícitas y con la utilización de varias elipsis importantes (ya que el film recorre más de 15 años), el director logra plasmar la vida desenfrenada de una joven adolescente que de un día para el otro se encuentra camino a la fama. Una vida desenfrenada que deja ver el trauma, que esconde los motivos reales por los cuales ella llegó a ese lugar y el por qué eligió dedicarse a la música pop.

En cuanto a lo visual, se utilizan recursos poco habituales en el cine tradicional. Como ser el uso de un formato 4:3, presente en dos oportunidades: en primer lugar, para la introducción que ilustra la vida de Celeste de pequeña haciendo referencia a un formato en desuso como lo es el VHS y, en segundo lugar, en una secuencia de la gira donde ya está consagrada como estrella. Ambos momentos ni siquiera son flashbacks cómo podría de esperarse para el cambio de formato de panorámico a 4:3 como justificación dramática.

Otra característica particular es la decisión de realizar una iluminación que se acerca a la realidad y que se aleja a lo que acostumbramos a ver en las pantallas. Esto podemos identificarlo en la primera escena donde Celeste canta, en el recital de rock donde conoce al futuro padre de su hija y en su show/escena final. En la primera, la protagonista se encuentra cantando por primera vez mientras la iluminan los flashes de las fotografías que le toman. En las otras dos escenas que suceden sobre los escenarios, las luces de colores y estroboscópicas invaden el cuadro reventando la imagen creando así un efecto realista de lo que se experimenta al estar realmente en un espectáculo.

“¡Estoy harta de que me traten como si no fuera una persona!”

La vida de Celeste quedó pausada con el suceso trágico que la marcó desde el principio (que de hecho es un tanto curioso como el inicio de esta película se asemeja a un final) y que la volcó al mundo de la música donde pasó a convertirse en un producto. Ésta idea se resalta con la utilización de la misma canción tanto para iniciar su carrera como para marcar su renacer, diciéndonos sutilmente que sigue siendo la misma persona más allá de todas las fortalezas que haya tenido que construir para sobrevivir dentro de la industria.

Dirigida por Brady Corbet y producida por Natalie Portman y Jude Law, este film independiente (lo que puede explicar la libertad de poder tomar ciertas decisiones a nivel formal), podrá verse próximamente en las pantallas argentinas en el marco del BAFICI.

Funciones:

• Miércoles 10 de abril, Cine Gaumont 1, 22:40h
• Sábado 13 de abril, Multiplex Belgrano 2, 23:45h

Calificación 9/10

Por Macarena Maidana

Las Dos Reinas (Mary Queen of Scots, 2018) es una película de drama histórico dirigida por Josie Rourke. Basada en el libro de John Guy llamado “Queen of Scots: The True Life of Mary Stuart”. Con un gran reparto actoral entre los cuales se encuentran Saoirse Ronan, Margot Robbie, Guy Pearce, Gemma Chan, Jack Lowden y David Tennant, entre otros; Rourke nos trae un repaso  desde el punto de vista de cada una de las responsables de dicho evento histórico.

Después de enviudar a los 18 años, Mary Stuart (interpretada por Saoirse Ronan) Reina de Francia y heredera del trono de Escocia, regresa a su tierra natal para reclamar su trono. En el otro lado de la isla británica se encuentra la poderosa Reina Elizabeth (interpretada por Margot Robbie), prima de Mary.

La sola existencia de Mary pone en riesgo la soberanía de Elizabeth. Traiciones, rebeliones y conspiraciones forman parte de la turbulenta relación de estas dos regentes que cambió la historia.–

Las Dos Reinas se convierte en espectacular repaso de historia europea, con algunas libertades por parte de Josie Rourke,  donde (una vez más) Saoirse Ronan destaca en un drama de época y Margot Robbie sorprende en el papel de Isabel I, el guion de Beau Willimon ( House of Cards) encaja perfecto en este presente femenino que estamos viviendo y vemos a María Estuardo por primera vez como una joven Reina rozando el papel de heroína pero logra que también entendamos a Isabel desde su posición en Inglaterra.

Ambas mujeres se ven rodeadas de los clásicos clichés de la época que van desde traiciones, fanáticos religiosos, confabulaciones políticas, etc, pero nunca se torna aburrido el relato gracias a debido a la gran actuación que proponen tanto Ronan como Robbie.

Lamentablemente pasó casi sin pena ni gloria en USA al estrenarse el mismo día que La Favorita, con la cual perdió la pulseada ante la inevitable comparación  pero logró dos nominaciones a los premios de la Academia en los rubros donde más destaca Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Maquillaje y Peluquería.

Si bien no quedará en la memoria de muchos, es una obra sobresaliente que no le queda nada grande la potente historia que carga, punto para la Rourke y una prueba más de que Saoirse Ronan sigue trepando alto en la industria.

Calificación: 7/10

LA REBELIÓN (Captive State) con John Goodman, Ashton Sanders, Vera Farmiga, entre otros. – Guión: Erica Beeney, Rupert Wyatt – Dirigida: Rupert Wyatt. / Distribuye: @diamondfilmsarg / Estreno en Argentina: 28 de MARZO 2019 / Crítica: CJ COLANTONIO.

La Rebelión presenta a la humanidad sumida -hace diez años- en un mundo liderado por extraterrestres, quienes son como una especie de ser humano delgado de tres metros y una combinación de puerco espín, además de otras mascotas que rondan por la tierra, y que lamentablemente son poco aprovechados como un factor emocional dentro de las tramas.

Supuestamente la llegada de estos seres ha solucionado el problema de la pobreza y los crímenes, esto último porque la tecnología que estos bichos poseen es súper-recontra avanzada.  En fin… algunos rebeldes que se oponen a estar bajo la tutela de los súper poderosos alienígenos, quienes además hablan un idioma que sólo algunas traductoras saben entender, son quienes dan el título a esta película.

Se podría decir que es una suerte de ciencia ficción y espionaje, pero sumamente predecible y que invitan desde la primera secuencia a momentos de interesante acción que nunca llegan, lo que se quedan en una especie de mezcolanza para televisión que diluye la trama con tantos personajes.

Calificación: 4/10.

Por Bruno Glas

La nueva película de Mariano Cohn, responsable junto a Gastón Duprat (aquí productor y guionista) de “El ciudadano ilustre” y “Mi obra maestra”, entre otras, cuenta como un ladrón se mete en una camioneta para robarla, para terminar quedando atrapado en ella. El chorro en cuestión (interpretado por Peter Lanzani) se halla no sólo incomunicado con el exterior, sino a merced de la voluntad del dueño (gigante Dady Brieva), capaz de controlarla desde afuera.

La sinopsis de 4×4 remite de forma muy clara a un subgénero recurrente dentro del thriller : el film que transcurre en un espacio cerrado. Pero al mismo tiempo, encuentra en esta propuesta a priori atractiva, un problema usual: el de la idea que resulta mejor que su ejecución. Veamos por qué.
Los primeros minutos son de una fuerza que apabulla. El montaje dispone con un sonido estridente y gran rapidez imágenes de carteles que indican zonas vigiladas por cámaras y control policial. Este comienzo pone de manifiesto uno de los temas centrales del filme: la seguridad, y la falta de ella. El ladrón, de nombre Ciro, hurta el vehículo y comienza a desesperarse una vez que se sabe atrapado. El director demuestra un enorme virtuosismo al mostrar esta situación sin una sola palabra, y transmitiendo al espectador la misma angustia que siente el personaje. La primera voz que escuchamos será la del dueño del auto, un obstetra, que le hará pasar las mil y una al personaje de Lanzani. Con todo ello, 4×4 comienza como un thriller claustrofóbico, que saca provecho de lo reducido del espacio donde transcurre. Pero los problemas comienzan cuando el punto de vista se traslada al exterior. En este punto, la película da un vuelco y se sale del planteamiento inicial para tratar, de manera no muy sutil, la problemática de la delincuencia, la pobreza, y las diferencias de clase. Como si esto fuera poco, el guión le hace decir al protagonista que nos encontramos en una sociedad injusta, como si las imágenes no nos lo hubieran dejado en claro desde el principio. Y lo mismo pasa con la conversación entre el médico y el ladrón, que de a poco deja de lado la tensión entre ambos para remarcar que ambos pertenecen a mundos distintos.
Cuando es un thriller, 4×4 logra un clima inquietante. En cambio, cuando se pasa al bando de la denuncia social, termina por desviarse. Ahí la película termina por perder el terreno.

Calificación 4/10