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En 1966, en plena Guerra Fría, el Circo Estatal Ruso cruzó la Cortina de Hierro y llegó a la Argentina. Su despliegue de talento y sofisticación en el arte circense asombró a generaciones enteras. Sin embargo, con la caída de la Unión Soviética en los ’90, el circo también se desmoronó. A partir de un archivo inédito y testimonios de aquellos que formaron parte de esa historia, Una vez, un circo reconstruye ese pasado con sensibilidad y profundidad.
Lo que me gustó Sin dudas, el trabajo de busqueda de archivo por parte de Saula Benavente sobresale, imagenes de Pipo Pescador vendiendo una pepsi sovietica, o la arquitectura que tenian esos circos, que no eran albergados en carpas, sino que tenian su propio edificio, con una estetica imponente. Como lo era todo en esa epoca de guerra fria. Tambien la historia de los primeros integrantes del circo que «desertaron»del regimen y se refugiaron en un hotelito de Avenida Corrientes.
Lo que no me gustó El uso y abuso de animales que hacia el Circo de Moscú, un sin finde imagenes de explotación animal, leones drogados, monos llevando de la correa a hipopotamos,en fin, una vidriera de la frialdad con la que los rusos manejaban a sus animales de circo, costumbre que sigue hasta el día de hoy.
Emma (16) y su papá Marcos (48) viven en una casa humilde en el Delta del Tigre, una zona de ríos cercana a Buenos Aires. Emma está ensayando una obra de Shakespeare en el colegio y sueña con viajar a Londres. Un día sucede lo impensado, la maestra le consigue una beca de intercambio cultural con Inglaterra. La idea de estar separados los desarma y juntos tendrán que aprender otra forma posible de amar.
Lo que me gustó Las pelicula que son rodadas en el Rio me tocan la fibra, hay algo en la calma del rio que me relaja y puedo adentrarme mejor en cada historia que lo tiene como contexto geografico, y mas, en mi querido delta del Tigre, un lugar en que he pasado hermosas noches y dias. salvando los mosquitos, es un lugar maravilloso. Y esta pelicula, esta rodada en ese mismo río que vimos en tantas otras peliculas que se me vienen a la mente como Muchacho, con el querido Sandro, o mas reciente en el tiempo, «voley» de Martin Piroyansky, del año 2014.
La verdad, una vez mas, es un acierto haber filmado el sueño de Emma en ese lugar. La actuación de Luthien Ramos ess impresionante. Con su presencia serena y natural, logra capturar la esencia de Emma, una joven llena de sueños y deseos de aventura. Luthien transmite una calma interna que se conecta perfectamente con el paisaje del Delta del Tigre, irradiando una paz que fluye hacia el espectador. Cada gesto y mirada de su personaje resalta esa conexión emocional profunda con la naturaleza y con su padre, Marcos, mientras atraviesa el proceso de maduración y de enfrentarse a la inevitable separación. La sutileza con la que Luthien transmite sus sentimientos permite que el público se adentre en la historia de una forma genuina y emotiva.
Por otro lado, Sebastián Arzeno brinda una interpretación excepcional como Marcos, el padre de Emma. Su personaje es reservado, tímido y sobreprotector, pero ya nos enteraremos porqué… uno puede entender que no ha tenido una vida fácil criando a Emma , en una isla del delta, vendiendo garrafas, apenas subsistiendo. Arzeno logra expresar con gran delicadeza la lucha interna de un padre isleño que, aunque desea lo mejor para su hija, se siente desbordado por la idea de perderla. Su actuación está cargada de una vulnerabilidad sutil que refleja su amor y temor ante el cambio que se avecina. La forma en que Arzeno transmite ese balance entre el cariño profundo y la timidez que lo limita en su relación con Emma es algo que realmente toca al espectador. En conjunto, «El sueño de Emma»es una película donde la calidad de las actuaciones, especialmente las de Luthien Ramos y Sebastián Arzeno, crea una experiencia profunda y conmovedora. Ambos actores, con sus respectivas interpretaciones, logran transmitir esa calma, amor y vulnerabilidad.
Lo que no gustó En un momento de la pelicula se arrojan unas garrafas al agua, y ver como contaminan el río me generó esa duda, quizá al final , en los créditos, no estaria mal ver como las sacan del río. Perdon por hilar fino, sinceramente es una gran pelicula, pero eso me llamó la atención, quizá hubiera mejor tirar otra cosa, o tal vez otra resolución para esa escena.
Si hay un actor que no es santo de mi devoción, es Jason Statham. No por su exagerada cantidad de películas medio pelo, sino porque creo que es alguien que se tira a chanta. Y es que todos lo vimos trabajar muy bien en sus inicios, para luego solo dedicarse a tirar patadas y hacer escenas de acción. Bueno, con todo este prejuicio fui a ver su nuevo trabajo, Rescate Imposible.
Esta vez “el pelado del transportador” encarna a Devon, un ex militar inglés que ahora trabaja en una empresa constructora. Luego de que la hija de sus empleadores sea secuestrada, es encargado con la misión de recuperarla. Y obviamente los raptores no saben con quién se metieron.
Como ven, estamos ante la versión mil de la trama de “persona con un empleo normal, que era un ex marine/commando/loquesea”. Eso no tendría nada de malo, si todo lo que rodea a dicha idea, no fuera igual o aún más genérico. Y empecemos, por su protagonista, el ya citado Jason Statham.
Al actor británico comienza a pasarle factura la edad, y es por eso que algunas de sus escenas de acción (donde más se lucía) quedan a medio camino. Atrás quedaron las secuencias donde lo veíamos revolear patadas para todos lados, y se hacen presente tomas más cerradas, para disimular esta disminución de la intensidad. En cuanto a los tiroteos, nada que no hayamos visto.
Lo que sí llama la atención son algunas decisiones narrativas. No vamos a indagar en spoilers, pero algunas sub tramas las dejan totalmente abiertas pensando en una secuela, que, en lo personal, dudo que algún día llegue. No es por ser malo, creo que nadie espera que Rescate Imposible sea un éxito de taquilla que recaude lo suficiente como para que le hagan una segunda parte.
Y para ir cerrando, tampoco se entiende mucho lo que quisieron hacer con algunos secundarios. Tenemos nombres como Michael Peña o Jason Flemyng, para que luego aparezcan menos de diez minutos. De hecho, este último, es el segundo en aparecer acreditado en los créditos iniciales…
Poco más que decir sobre Rescate Imposible. Estamos ante una película de acción bastante regular que no ofrece nada nuevo. Recomendable solo si son muy fans de este género.
Disney nos trae la versión live action de otra película animada. Pero en este caso no se trata de una película más, sino que de la adaptación del primer largometraje animado de Disney de 1937 que comenzó con todo su imperio, lo que le pone bastante presión al film sumado a las polémicas, que no tienen nada que ver con el cine, en las que se vio involucrada. Después de toda esta intro, ¿valdrá la pena? Lo vemos debajo.
La historia: La historia es la ya conocida aunque con algunos cambios. En principio nuestra protagonista obtiene su original nombre por una razón distinta en esta película. Sus padres son reyes buenos que “comparten” con el pueblo sus riquezas, o por lo menos eso dicen ellos, en pantalla cada tantos les regalan pastel de manzana. La vida es buena y justa hasta que la madre de Blanca Nieves fallece y tiempo después aparece una bella señora que se casa con su padre cuya belleza le da ciertos poderes mágicos, interpretada por Gal Gadot. Tiempo después, el rey tiene que partir al reino del sur en una campaña y no vuelve. Es allí cuando nuestra dulce protagonista se transforma en una suerte de prisionera de su madrastra, donde observa las injusticias de esta reina malvada. ¿Podrá Blanca Nieves imponerse y recuperar su reino? Habrá que verla para saberlo, aunque ya lo deben intuir.
¿Qué me gustó? Las canciones están bien, no creo que se conviertan en clásicos eternos, pero al menos tienen melodías pegadizas que rememoran a los clásicos y los números son super coloridos. Las actuación de la protagonista, Rachel Zegler, pese a todas las polémicas que a esta altura ya no tienen sentido, está muy bien, transmite ternura y compasión al mismo tiempo que determinación. Al igual que su contrapartida Gal Gadot, que se hace odiar sin parecer una caricatura.
¿Qué no me gustó? Entiendo que hay que actualizar esta historia a los valores actuales, pero parece bastante forzado plantear que los padres de blanca nieves la educaron para ser equitativa y compartir las riqueza, cuando vivían en un castillo rodeados de muros y una vez al año repartían pastel de manzana entre los súbditos. Creo que se podía haber mostrado a un rey justo, sin que haga tanto ruido con su posición social o el sistema feudal en general.
¿Aporta algo nuevo al género? No realmente. No hay mayor razón para hacer esta adaptación a live action de los clásicos animados de Disney más que obtener grandes ganancias con un producto que ya saben que funciona y que la audiencia ya conoce y estima. Aunque esta fórmula en casos recientes no resultó ser tan efectiva, veremos que sucede con esta nueva apuesta.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? Por supuesto que a toda la familia, más allá de lo que puede suceder en las redes sociales, en la pantalla el film se sostiene, tiene hermosas canciones, coloridos escenarios y una historia clásica que funciona bien.
DATO: Algunos dicen que la película original de 1937 es el primer largometraje animado de la historia, lo que no es cierto. Existen dos films que son previos a esta: El Apostol (1917) y Peludópolis (1931) ambas de Quirino Cristiani, producidos en Argentina y cuyo género es la sátira política. Lamentablemente se perdió la mayor parte del material fílmico en incendios.
Disponible el 20 de marzo en cines Calificación: 8/10 Duración: 109 minutos
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A veces un lugar donde los niños no crecen no es el mejor lugar para estar.
El famoso Peter Pan de la literatura llega al mundo real, esta vez convertido en un drogadicto que delira que es un salvador de estas indefensas criaturas y que debe llevar a los elegidos a la tierra de nunca jamás. ¿Valdrá la pena conocer esta versión del personaje, o mejor nos quedamos con lo que ya conocemos? Lo vemos debajo.
La historia: Peter Pan, en esta reimaginación, es un drogadicto psicótico que se encomienda la misión de llevar a los niños elegidos a Neverland. Para esto los secuestra en su colorida camioneta y los tiene en una habitación hasta que llega el momento de hacer el misterioso viaje. Esto le sucede al joven Michael, que es secuestrado el mismo día de su cumpleaños y recluido en un tétrico cuarto que pretende parecer infantil, rodeado de dibujos que hacen referencia al cuento. Será la misión de su hermana mayor Wendy, que se siente culpable por haber estado distraído al momento de ir a buscar al chico a la escuela, intentar encontrar al chico. Sin saber que se va a enfrentar una realidad que dista mucho de un cuento para chicos. ¿Logrará su objetivo o hará también su viaje a la tierra de nunca jamás? Habrá que verla para enterarse.
¿Qué me gustó? La adaptación de la historia original al terror se da de manera orgánica, a diferencia de otras propiedades intelectuales que salieron al dominio público recientemente (Winnie Pooh y Mickey Mouse) que también fueron adaptadas a películas de terror. En este caso el material original ya tiene elementos que pueden ser fácilmente adaptados al terror y que están muy bien aprovechados por la película.
¿Qué no me gustó? Hay momentos en la película que puede reinterpretarse como comedia, lo que no estaría mal si fuesen intencionales, pero algunos son tan ambiguos que parece más un error que otra cosa. La peli es de bajo presupuesto y, aunque en la mayor parte del film eso no es un problema, hay momentos donde parece que estamos viendo un corto estudiantil de esos que se realizan al final de la carrera de dirección de cine.
¿Aporta algo nuevo al género? Podríamos decir que este film, aparte de obviamente ser una película de terror con elementos de gore, pertenece a un sub género más actual de adaptaciones de propiedades intelectuales que pasan al dominio público como comentaba antes. En la mayoría de estos casos se utiliza para la adaptación el género de terror, entiendo de que es lo opuesto a como se trataba el material originalmente y también porque es relativamente económico para producir. Veremos cómo evoluciona este subgénero en los próximos años y si pasa a ser algo más logrado que sólo un golpe de efecto para atraer a la audiencia a ver películas de bajo presupuesto.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? Aclaro que la pelí tiene mucha sangre, por lo que ténganlo en cuenta antes de ir a la sala. Para los fanáticos de ver vísceras desperdigadas por la pantalla y que les salte sangre hasta su butaca con una historia coherente, van a estar contentos con esta entrega.
Disponible el 13 de marzo en cines Calificación: 7/10 Duración: 89 minutos
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Una comedia negra que mezcla acción, romance y gore con mucho absurdo
Resumen Novocaine: Sin dolor propone una combinación explosiva entre comedia negra, romance atípico, acción y gore caricaturesco. Con un protagonista que no siente dolor, la película construye una historia despareja pero entretenida, que se apoya en el slapstick físico y el humor absurdo. Jack Quaid lidera esta sátira sangrienta que, aunque irregular en su desarrollo, se destaca dentro del cine comercial por su originalidad y espíritu provocador.
Lo que me gustó Novocaine se atreve a romper con los moldes tradicionales de los géneros que combina. La premisa del protagonista que no siente dolor le permite al film explorar situaciones grotescas, exageradas y cómicas con gran libertad. Jack Quaid brilla cuando se aleja del héroe convencional y se entrega por completo al humor físico, con guiños a Los Tres Chiflados y los Looney Tunes. La película también destaca por su dirección arriesgada y secuencias de acción tan sangrientas como absurdas, donde el gore y el slapstick se mezclan con eficacia. Además, la dupla entre Quaid y Amber Midthunder funciona bien, aportando momentos de intensidad y química.
Lo que no me gustó El principal problema de Novocaine es que muchas escenas giran en torno a la misma idea: el protagonista no siente dolor. Aunque esto da pie a situaciones cómicas, también puede volverse predecible y repetitivo. La historia a veces se apoya demasiado en ese recurso, sin desarrollar del todo sus otras capas narrativas. El cambio constante de tono entre comedia, romance, drama y acción puede generar una sensación de desequilibrio, y algunas subtramas quedan a medio camino.
A quién se la recomiendo Novocaine: Sin dolor es ideal para quienes disfrutan de las comedias negras con altas dosis de violencia absurda y humor físico. Si te gustan películas como Nadie, Después de hora o las sátiras sangrientas con espíritu de dibujos animados, esta propuesta te va a enganchar. En cambio, si preferís relatos más equilibrados o acción más clásica, es probable que su tono excesivo y caótico no sea lo tuyo.
Sinopsis Versión oscura y retorcida de un cuento clásico que nos lleva a un Nunca Jamás bastante alejado de los sueños felices. Peter se ha transformado en una criatura siniestra que provoca temor y caos en el barrio con su presencia. Los jóvenes del pueblo se enfrentaran a inesperados peligros para no convertirse en las próximas victimas del cruel personaje.
Reseña Lejos del miedo que solían dar los clásicos de terror, llega esta joyita a modo de comedia sangrienta bizarra muy bien lograda; plagada de escenas que asustan poco pero inevitablemente te harán reír mucho con su absurdo y sádico ingenio. Cuenta el gran Quentin Tarantino que abusar de los efectos de la sangre permite que el público entre rápidamente en la ficción, y mucho tiene que ver con cruzar estos límites de lo que va el guion de esta reinterpretación de Peter pan. El personaje principal vuela no del modo tradicional o esperado pero llegado el momento… vuela. Campanita, sin ninguna duda, el mejor personaje que pudieron recrear, muestra recursos válidos y un tanto atrevidos que la diferencian notablemente de la imagen adorable que uno suele recordar. En esta versión el hada es la encargada de traer cordura al malvado protagonista de un modo un tanto novedoso e impulsivo; mención aparte para la breve y relevante presencia de Garfio, tan correcto en el instante oportuno y preciso. Plagada de escenas memorables que recuerdan a películas clásicas de esas que todos hemos visto, y con una gran producción que no se limitó en ahorrar en elementos de tipo cortante, golpeante y claro litros de mucha, mucha, muchísima sangre.
La pelí es un descubrimiento interesante para los amantes del género terror/horror, que quieran encontrar una historia entretenida. Una trama tan simpática como bizarra, por momentos excesiva y con un par de sorpresas narrativas que la hacen atractiva. No apta para impresionables.
Detalle Wendy, el personaje femenino abusa de la paciencia del espectador siendo una observadora pasiva en repetidas circunstancias, cuando mínimo debería correr y gritar. Sí, gritar mucho y fuerte mientras huye lo más rápido posible del lugar.
Ficha Técnica Dirección: Scott Chambers Reparto: Martin Portlock, Megan Placito, Peter DeSousa-Feighoney Año/País: 2025 – Estados Unidos Duración: 89 minutos
Sinopsis Después del final es una película ficcionada basada en la historia autobiográfica de Luz Fernández Castillo. Ella, emblema de la cultura nacional a sus casi 90 años, recién abandonada por su marido y enfrentando dificultades de salud nos lleva a desandar el camino de su propia vida. Una vida trazada y marcada a fuego por los dos grandes amores que marcaron su existencia… Jorge Luis Borges y Federico García Lorca. Legado de una mujer que cambio la visión del arte y la forma de contarlo en primera persona.
Reseña Mujer empoderada que a lo largo de su trayecto encontró en el arte la manera de extender el vínculo de amor por la lectura que su padre le lego. Una pasión que con el paso de los años se bifurco en otros espacios artísticos transformando su obra en una profunda conexión con sus raíces culturales y una exploración contante de la identidad y la memoria. Promotora de la fotografía de vanguardia y la literatura, fundo espacios culturales como ArteXArte y la editorial Luz Fernández Ediciones, que busca apoyar a nuevos talentos literarios. Vida compleja como la de los grandes artistas, derivando los muros propios y ajenos para buscar la transformación sin límite de edad, y ese es su emblema seguir trabajando, intensa y minuciosamente en su propia luz interior. La película es un profundo recorrido de su historia, a veces un poco desprolijo y con muchos comienzos que deja ganas de finales, pero siempre interesante para descubrir el camino que la trajo a este lugar. Un lugar donde no fue fácil llegar y es ella quien se encarga frente a las cámaras de contarlo, desde el humor y la simpatía que despliega en el trayecto, hasta la emoción profunda que evoca el recuerdo de su padre hay un camino sincero y noble, como su forma artística de expresarse.
Detalle El último 19 de enero falleció Héctor Bidonde, reconocido actor de larga trayectoria que en esta ocasión interpreta al marido fotógrafo de la artista, un actor completo lleno de matices interesantes siempre predispuestas al servicio de la actuación.
Lo primero y único que sabemos es que “En esta casa hay una presencia”, lo leemos en el poster, lo confirmamos con la primera escena y con la particular decisión de que toda la película está filmada desde el punto de vista del fantasma. Soderberg y Koepp, director y guionista respectivamente, no solo le dan un vuelco a la perspectiva desde donde será contada la historia sino que también escapan a la pregunta habitual de las historias fantasmagóricas, en vez de buscar que el espectador dude acerca de si en esa casa hay un fantasma desde el primer momento decide darlo por sentado y buscar que la pregunta que nos hagamos sea: ¿Cual es la razón por la que esta presencia está entre nosotros y que podemos hacer con ella?.
La pareja de Rebekah (Lucy Liu) y Chris (Chris Sullivan) deciden mudarse a una nueva casa con sus 2 hijos adolescentes, Tyler un talentoso y arrogante nadador y Chloe una joven atormentada por la reciente muerte de su mejor amiga. La hija menor de la familia será la primera en percibir que en esta casa hay algo más ahí además de ellos. A medida que avanza la película comenzaremos a preguntarnos cuáles son las intenciones de la presencia y porque elige a Chloe como su principal interlocutora.
Un aspecto que me parece importante destacar es acerca del género en el cual podemos encasillar a la película, ya que si bien es una historia de fantasmas, el tono de Presence estará más cercano al drama familiar que al terror sobrenatural, con más escenas de discusiones, peleas y enfrentamientos entre miembros de la familia que secuencias en las que predomine el suspenso y el terror que quizás esperemos de una historia de este estilo. Cabe aclarar que las escenas de terror aunque son pocas están muy bien construidas y llevadas a cabo por Soderberg que oficia tanto de director como de camarógrafo.
Si destacamos la labor del director también debemos valorar el trabajo como guionista del prolífico David Koepp, que ya había incursionado en el pasado en el subgénero de fantasma con su película Stir of Echoes de 1999 y que hoy vuelve a traernos una historia acerca de las relaciones de la familia, los traumas del pasado y las acciones que decidimos tomar o no tomar para hacer frente a los problemas. Todo esto sumado a un sumamente interesante giro final que le da un tono mucho más oscuro a esta película.
Por último, me parece remarcable el papel de Chris Sullivan como el padre de la familia Payne, oscila de gran manera entre momentos cómicos y familiares con momentos de tensión y drama que personifica de una manera contenida pero no por eso menos convincente.
Espero que puedan verla y formular sus propias opiniones sobre ella. Saludos.
La película 1978, dirigida por Nicolás y Luciano Onetti, llega a las salas con una propuesta arriesgada: la combinación del horror político y lo sobrenatural. Ambientada en la época de la dictadura cívico – militar, el film no sólo reconstruye el clima de la violencia institucional, sino que también introduce elementos de lo fantástico, el terror gótico y el cine gore.
La sinopsis nos cuenta que: “Durante la final de la Copa del Mundo entre Argentina y Holanda, en tiempos de plena dictadura militar, un grupo de torturados irrumpe violentamente en un domicilio y secuestra a un grupo de jóvenes para llevarlos a un centro clandestino de detención. Lo que comienza como un interrogatorio inhumano, se convierte en un verdadero martirio: han secuestrado al grupo de personas equivocado.” Con esto en mente, la propuesta de la película tiene que ver con desafiar las convenciones del cine de terror al combinar el horror político con elementos fantásticos. Su estética y narrativa la convierte en una obra provocadora, que no sólo revisita un episodio oscuro de la historia argentina, sino que también lo resignifica a través de los códigos del género.
Para comenzar es importante destacar que el film está dividido en dos mitades claramente diferenciadas. La primera mitad se desarrolla bajo los códigos del thriller histórico y el cine de denuncia presentando un grupo de militares y torturadores que operan dentro de un centro clandestino de detención. En esta parte, la tensión se construye a través de la recreación de interrogatorios violentos, el abuso de poder y la impunidad de los represores. Adentrándonos en la segunda mitad, ocurre un giro inesperado: las víctimas secuestradas resultan ser integrantes de una secta satánica con poderes sobrenaturales. Este cambio de registro transforma la película en un survival horror, donde los victimarios se convierten en presas de fuerzas que no pueden comprender ni controlar. La transición de lo histórico a lo fantástico es abrupta pero eficaz en su capacidad para subvertir el discurso de impunidad.
Desde el punto de vista visual, la iluminación juega un papel crucial: en la primera parte predominan las luces frías y duras que evocan el realismo de un documental, mientras que en la segunda parte los contrastes se acentúan, con luces rojizas y sombras profundas reforzando así la atmósfera sobrenatural. En el montaje también se puede observar esta dualidad. En la primera parte, los cortes de cámara son pausados, con planos largos y encuadres cerrados que enfatizan la claustrofobia y la opresión. En la segunda parte, el montaje se acelera, con un uso intensivo de planos subjetivos y movimientos de cámara bruscos.
Con respecto a la construcción del espacio, el centro clandestino de detención funciona como un espacio de horror en sí mismo. Su diseño de producción enfatiza la decadencia y la suciedad, con paredes manchadas, pasillos angostos y una iluminación parca reforzando así el sentido de desolación y creando un ambiente misterioso y dramático. En la segunda parte, el mismo espacio se transforma en un escenario de pesadilla, donde lo que antes era un sitio de control y poder para los militares, ahora se convierte en su propia trampa mortal. Las locaciones elegidas refuerzan la atmósfera opresiva de la película. La mayor parte de la acción ocurre en interiores cerrados y en condiciones de penumbra, intensificando la sensación de encierro y peligro. Además, cuando aparecen los espacios exteriores, están despojados de vida y muestran un paisaje frío y amenazante reflejando el clima político en ese momento.
El film juega con dos inversiones posibles. Por un lado, la inversión de roles entre víctimas y victimarios utilizando el terror sobrenatural como una metáfora: dándonos a entender que es imposible escapar de la historia. Los torturadores, que representan el poder represivo de la dictadura, se ven confrontados con una fuerza que los sobrepasa, sugiriendo una especie de justicia poética. Además, es relevante destacar que la elección del Mundial del ´78 como trasfondo no es casual: simboliza la distracción masiva utilizada por el gobierno militar para encubrir sus crímenes. Y, por otro lado, podemos arriesgar que la figura de la secta satánica también puede leerse como una inversión de la narrativa oficial de la dictadura, que demonizaba a los opositores políticos y los presentaba como una amenaza al “orden”. En este caso, los torturadores se enfrentan a una amenaza real que los reduce a la impotencia, revirtiendo el esquema de poder.
A pesar de algunas transiciones abruptas en su estructura, 1978 logra articular una crítica política utilizando el horror como vehículo para reflexionar sobre la memoria, la impunidad y la justicia.
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