La Butaca Web. El sitio de difusión de arte y cultura de Buenos Aires y España Reseñas, noticias, críticas en video y mucho más. Visitanos en www.labutacaweb.com ó en alguna de nuestras plataformas. Contacto labutacawebar@gmail.com
Antes de que llegara el éxito enorme que fue Assassins Creed, prince of persia era de una de las grandes franquicias que venía de la mano de Ubisoft. Luego de unos últimos título que no llegaron a tener el alcance que nos tenia acostumbrados, la franquicia se fue al cajon. Ante la fallida intención de hacer un remake de las arenas del tiempo, llegó «The lost Crown » un juego que realmente no esperabamos por su estilo 2D y género metroidvania, pero la realidad que termino siendo un gran juego y uno de los mejores de ubisoft en tantos años.
El título comienza con un grupo de guerreros que comienzan a luchar contra un ataque a persia. Nos ponemos en la piel de Sargon, uno de los miembros más jóvenes de los inmortaöes y que tras una gran hazaña logra derrotar al líder del ataque. Es así que se gana la confianza de la reina y es en ese momento en el que secuestran al principe y debe emprender el viaje para su rescate en el Monte Qaf, que será un laberinto con muchas amenaza a alrededor.
Su inicio esta orientado a la acción, donde nos presentan los primeros combates, cuales son sus principales mecánicas y la aparición de algunas cinemáticas para adentrarnos en la historia. Una vez pasado eso, estas características siguen estando presentes pero también empezamos a tener libertad en un mapa extenso. También comenzamos a adquirir habilidades que nos permitiran acceder a nuevos sitios del mapa y que sirven para tener una mejor estrategia para ir contra enemigos. Si bien hay habilidades muy interesantes y en líneas generales esta bien planteado, puede que algunas están hechas para usar en algún apartado pero luego pierde toda ulilidad y terminan desaprovechadas.
Prince Of Persia es uno de los mejores juegos que ubisoft nos entregó en años, viene de la mano del equipo que trajo Rayman Legends, demostrando su talento en los juegos de plataformas pero en este caso, acentuando mucho más la exploración y el combate en un juego, que no debes juzgar por su portada, porque la realidad es que termina siendo una gran sorpresa.
«Dos, una desconexión» es una obra teatral que cautiva desde el primer momento al espectador, sumergiéndolo en un universo de emociones y reflexiones sobre el amor y el desamor. La trama, centrada en la relación entre Miguel y Claudia, va más allá de ser una simple historia de pareja, pues trasciende las fronteras de lo individual para adentrarse en lo universal. ¿Acaso en algún momento de nuestras vidas no hemos pasado por las mismas preguntas, temores y crisis que atraviesan los personajes?.
A través de diálogos profundos y silencios elocuentes, los personajes transmiten sus miedos, sus soledades, su aburrimiento y sus anhelos de una manera que resulta completamente familiar para el espectador, quien se ve inmerso en un torbellino de emociones, desde la nostalgia por lo que pudo haber sido hasta la resignación por lo que finalmente no fue.
Destaco el manejo del tiempo y el espacio que logra fusionar el pasado y el presente de manera fluida, convirtiendo los recuerdos en una presencia constante en la vida de los protagonistas. La puesta en escena también es un elemento fundamental que eleva la experiencia como espectador, ya que desde el primer momento que se ingresa a la sala, el público se encuentra inmerso en un ambiente que va más allá de lo físico, transportándolos a los rincones más íntimos de los protagonistas.
Los elementos escenográficos están cuidadosamente elegidos para reflejar el caos emocional de los personajes, con detalles que sugieren la intimidad de un hogar que ha sido testigo de tantas emociones encontradas. Los 5 protagonistas logran transmitir la complejidad del personaje de manera correcta, capturando la atención del público desde el primer momento y manteniéndola hasta el final. Los gestos, las miradas y las pausas están cuidadosamente trabajados, contribuyendo a crear una conexión emocional genuina entre los actores y el público.
Terminada la función, uno regresa a casa pensando sobre este universo de emociones y reflexiones que atraviesan Miguel y Claudia… un universo en el que todos nos hemos sumergido tarde o temprano… porque de eso se trata el amor y el desamor.
FICHA TÉCNICA Dramaturgia: Pablo Bellocchio Actúan: Pablo Bellocchio, Luli Duek, Greta Guthauser, Sheila Saslavsky, Nacho Stamati Asistencia de dirección: Monita Silva Dirección de actores: Ivana Sabatini Dirección Escénica: Pablo Bellocchio Duración: 60 minutos Clasificaciones: Teatro, Presencial, Adultos EL JUFRÉ TEATRO BAR: Jufré 444 CABA – Buenos Aires Teléfonos: +54 11 3022 1091 Web: http://www.eljufre.com.ar Sábado – 22:30 hs – Hasta el 25/05/2024
¿Somos el mesías de nuestras mejores visiones o sólo unos falsos profetas de cuentos imaginarios?
¿Las creencias y religiones sirven para darnos esperanza o sólo existen para esclavizarnos y cegarnos en pos de los intereses de terceros lejanos a nosotros?
Dune parte dos es una película épica, colosal, inmensa y contundente. Muchísimo mejor que la primera parte.
Repito porque esto es algo muy destacable: Dune parte dos tiene todo lo bueno que se le puede pedir a una película épica de ciencia ficción y por suerte deja atrás todo lo mala que fue la primera parte.
Dirigida por Denis Villeneuve, que aunque no sea de mis directores predilectos nadie puede negar que hace un grandísimo trabajo en la adaptación de esta semejante obra, crea un blockbuster de ciencia ficción descomunal y aunque este no sea un género que me agrade demasiado y hayan pasado unos pocos días desde que la vi ya tengo ganas de volver a verla. Que no se confunda mi crítica o poco agrado hacia el director con no saber reconocer que hizo un excelente trabajo que muy pocos podrían realizar. Ahora sí luego de reconocer debidamente al director podemos afirmar que no sólo dirige sino que también la escribe junto a Jon Spaihts basados en la grandísima obra literaria de Frank Herbert. La dirección de fotografía está a cargo de Greig Fraser y Hans Zimmer vuelve a componer las partituras musicales que acompañan excelentemente la película. Entre tantos otros realizadores del film.
Cuenta con un extenso elenco de estrellas clase A, donde alguno que otro destaca pese a tener pocos minutos en pantalla y ninguno desentona. Timothée Chalamet (Paul Atreides), Zendaya (Chani), Rebecca Ferguson (Lady Jessica), Austin Butler (Feyd-Rautha), Christopher Walken (El emperador), Florence Pugh (Princesa Irulan), Stellan Skarsgård (el barón Harkonnen), Javier Bardem (Stilgar), entre otros.
La historia nos sitúa con Paul Atreides, el hijo del rey de una de las grandes casas nobles que reinan en la galaxia y aunque siendo nativos de otro planeta, el emperador de la galaxia les encomienda administrar el planeta Arrakis, anteriormente administrado por la dinastía Harkonnen. Arrakis es uno de los planetas más importantes de la galaxia por su riqueza en especias, que se recolectan para bienes de desarrollo tecnológico y económico.
Paul se encuentra en la búsqueda de su propio camino, es heredero al trono de su difunto padre y también hijo de Lady Jessica, quien lo acompaña en su epopeya estando embarazada de su hija con la cual se puede comunicar aunque aún no haya nacido, su madre es una Bene Gesserit, una integrante de un misterioso grupo secreto de brujas que entretejen el destino de su realidad y creen que Paul Atreides podría ser ‘Kwisatz Haderach’, algo así como un superhumano y primer hombre capaz de tener los poderes que las brujas Bene Gesserit tienen e incluso una habilidad que ellas no poseen.
Paul lucha contra sus propias visiones y presunto destino el cual lo convierte en un mesías salvador no sólo en una profecía sino en dos. Tanto las Besse Gesserit creen que es el elegido, al cual el emperador de la galaxia quiere detener para que la profecía no se cumpla y le termine arrebatando su preciado trono. Y a su vez Paul, en su propio viaje más personal por palabras de su madre hacia él, los rumores que va haciendo crecer en los Fremen más vulnerables. Y también empujado por la fuerte creencia de Stilgar, líder Fremen, que dice que Paul es el ‘Lisan Al-Gaib’, como los Fremen llaman al elegido, y al protagonista negarlo, Bardem afirma que es tan humilde como líder mesiánico que no admitirá serlo. Excelente chiste y excelente interpretación.
Simplificando, es el típico monomito, el periplo del héroe. La historia contada mil veces pero que siempre cautiva. ¿Es realmente un héroe? ¿Es el elegido o es un falso profeta?
Pero ahora sí adentrándonos en la crítica de la película. Por lo menos esta sí tiene su propio arco narrativo, y aunque sea la continuación de una primera parte y la preparación para una tercera, es una película que se sustenta por sí sola, y no es el lento bodrio explicativo que fue la primera parte, que claramente no me gustó para nada por varias razones, entre las que están su nula emoción en cuanto a la dirección carente totalmente de lenguaje cinematográfico, las secas y pobres interpretaciones actorales pero en especial el pésimo montaje que parecía ser la edición de un tiktok sobre un videoclip barato en vez del de una obra de este calibre.
Algo a destacar y una gran mejora con su primera parte es que en esta entrega los personajes importan, y no como en su predecesora que te daba exactamente igual si un personaje vivía o moría, si quería estar de un bando o del otro, en la primera parte no había empatía alguna con prácticamente ninguno de los personajes y en este caso sí. Los personajes a los que se les da minutos de pantalla sí son relevantes, sus acciones y consecuencias repercuten en la historia, no te da igual si mueren o no, si son leales o traicionan a su gente. Y mientras más avanza la trama más importancia ganan, aunque no está de más decir que al tener unos muy buenos dos actos el tercero parece no impactar con la misma épica que el planteamiento y desarrollo de la película. Aún así yo no le exigí demasiado al tercer acto y me gustó pese a parecer algo apresurado para la importancia que los desenlaces se merecían.
Paul Atreides ve en sus visiones la posibilidad de que se desate una guerra santa por la culpa de creerse el mesías salvador del pueblo Fremen, quienes pagarán las peores consecuencias de la guerra, así que intenta no volverlas realidad. Mientras va aprendiendo las costumbres Fremen y ganándose su confianza, en especial la del líder Stilgar, que es interpretado excelentemente por Javier Bardem, y sobretodo de Chani, interpretada por Zendaya, que aunque intentan cargarla de profundidad queda enmarcada en el interés amoroso del protagonista, ojalá en la tercera parte gane mucho más protagonismo, yo creo que así será. Stilgar y Chani le enseñan cómo sobreviven en el desierto de Arrakis mientras defienden la riqueza de su planeta contra los saqueadores de la casa Harkonnen, que luego de traicionar a los Atreides vuelven a ser quienes administren el planeta.
Tiene grandes secuencia de acción, los protagonistas destruyendo una de las cosechadoras, realmente te pone tenso por la forma en la cual está dirigida, o también la grandísima escena donde Paul Atreides tiene que aprender a montar los gusanos de arena para ser por fin aceptado como un Fremen natural, una secuencia espectacular y un show cinematográfico. Excelente momento de prueba para el héroe.
Y hablando de los Harkonnen, tenemos en el final del segundo acto la secuencia en blanco y negro donde vemos el ascenso del principe Feyd-Rautha mientras a su vez intentan recuperar el control total del planeta Arrakis frente a la resistencia Fremen. Feyd-Rautha, interpretado diabólicamente por Austin Butler, heredero al trono de su tío el barón Harkonnen y aunque sin saberlo también podría ser el elegido por las Bene Gesserit. Tiene una excelente secuencia donde nos revelan algo más del entramado y tenemos una fuerte acción acompañada de una impactante fotografía. Y aunque esta parte es buena y muy aclamada por la crítica, tampoco es que me haya vuelto particularmente loco pero entiendo que sea para muchos de su agrado. Me gustó.
Me destruye que Denis Villeneuve le de gran importancia a las visiones que tiene Paul, eso es un acierto, pero la visión más importante de todas, la que más va a cambiar el transcurso de la historia, la que va a definir la identidad de Paul y la imagen que empezará a reflejar hacia el exterior no sea una visión en sí, sino que se revele mediante el diálogo, aunque apoyada con uno o dos planos es revelada por el diálogo. Lo más importante de todas las visiones que Paul tiene es simplemente un comentario que le hace a su madre, cuando en realidad es algo importantísimo no sólo para él sino también para su familia y aunque al final quiere cargar de épica la revelación de esa visión no logra impactar por el modo en el cual esa información es dada al espectador, podría haber resultado en una de las grandes escenas del film y pasa a ser un torpe diálogo sin más, una pena.
Lo que me pareció un gran acierto es que la película intenta retratar todas las perspectivas de lo que es una religión. Tenemos al mesías, el elegido, quien vuelve realidad la profecía, este mesías, como casi todos los elegidos, no está seguro de serlo y en tal momento tiene que aprovechar a que confían en él para imponerse. Por otra parte tenemos a quienes tejen y crean las religiones, quienes van haciendo correr rumores para manipular la fé de los más necesitados y así utilizar la religión para sus propios intereses. Obviamente tenemos a quienes creen, quienes necesitan que Paul sea el elegido para aún tener la esperanza de ese paraíso verde prometido. Y también la contracara, quienes no creen para nada en Paul ni en ningún falso profeta. Quienes creen en los hombres y mujeres que los rodean, y ponen su cuerpo en la lucha por su pueblo.
Muy interesante tener todas esas perspectivas y que no parezca algo super forzado al hacer la crítica, ahí sí Denis, mis aplausos. Por último quiero dejar algunos comentarios algo aislados pero que no puedo dejar sin mencionar para cuando también la vean:
Para lo laaaaargo que fue el planteo de la historia en la primera película me pareció muy abrupto el arco de Lady Jessica transformándose en la Santa Madre de los Fremen. Pero es muy interesante verla ya transformada y no entender del todo cuales son sus verdaderas intenciones.
Javier Bardem se come la pantalla cada vez que aparece, me encantó su personaje, me fue un gran alivio que en este solemne film me sacó 2 o 3 sonrisas con sus buenas intervenciones pero también le agregó el drama necesario para su personaje.
¿Es acaso el beso más forzado a pasar y peor grabado de la década? y como si fuera poco, ¿Cómo vas a hacer que Zendaya se ponga celosa? No vale la pena ni aunque te prometan ser el emperador de todo el universo conocido hacerla poner así (aunque en ese plano su interpretación sea brillante).
En resumen es un gran y excelente blockbuster, muy recomendable para quienes le gusten este tipo de películas o quienes quieran pasar un buen rato de entretenimiento, si te gustó la primera parte la segunda te va a encantar pero si no te gustó la primera parte tranquilamente esta sí puede gustarte mucho. Lo que sí: Es una película para ver en una pantalla gigante, con el mejor sistema de sonido posible y lo más cerca de la pantalla que se pueda. Si pueden véanla en IMAX, sé que es mucho más lejos y más caro pero creo que realmente vale la pena verla así, no se van a arrepentir.
Una historia familiar cercana, criolla y muy reconocible en cualquier entorno de cualquier ciudad en cualquier país. Cuenta la historia de Iván Bilbao, un personaje que se desprende de la película el rancho, que luego de cumplir su condena en la cárcel, sale para formar su vida la cual estuvo privada de libertad por años. Llevando los consejos que le dan sus compañeros de celda.
Al salir forma una familia, entrena boxeo y enseña este deporte, es prestamista entre los vecinos del barrio y se autodenomina el rey de Chascomús por su pasado y por la historia que se creó bajo su nombre y su pasado.
La película pasa bajo la vida cotidiana de la familia de Iván, del día a día, de los problemas con los vecinos, los problemas con su entorno y el de llevar una vida dura en el lugar donde vive.
Lo bueno:
Los cortes que tiene la película para pasar de una transición a otra, la sencillez y profundidad de las actuaciones, las localidades donde fue filmada la película, la fotografía y los diálogos que se suceden entre los personajes que le dan un gran peso a la película y a todo el entorno de esta.
Lo malo:
Sinceramente no tiene nada malo, pero si en algunos momentos (que son pocos) se hace media lenta, pero fuera de eso nada.
¿El humano es bueno por naturaleza y la sociedad lo corrompe, o es malo pero trata de adaptarse a vivir en comunidad?
Si la persona que amás supiera lo que hacés para protegerla ¿Seguiría a tu lado?
Siendo honestos con nosotros mismos ¿A cuánto estamos de ser egoístas por sobrevivir? ¿Es realmente necesario ser egoísta para sobrevivir?
Son sólo algunas de las preguntas que se disparan después de ver Sobrevivientes después del terremoto o Concrete Utopía (por su título internacional) que se estrena este 18 de enero en Argentina, La Butaca Web estuvo es su preestreno y te lo contamos:
Este film era la candidata coreana para mejor película internacional en la carrera a los Premios Oscar que se van a realizar este 10 de marzo de 2024. La historia nos pone en el papel de los propietarios del único edificio que quedó en pie tras un terrible terremoto que destruyó completamente la ciudad de Seúl durante un duro y frío invierno. Hacia donde mires y más allá continúan las ruinas del desastre y la única opción parece ser encerrarse e intentar sobrevivir esperando algún tipo de rescate.
Sobrevivientes después del terremoto es mucho más un drama distópico con una crítica social que una película sobre catástrofes, que por un lado es un gran acierto y que por otro nos deja con ganas de ver un poco más del desastre natural, y aunque nos muestra poco de lo ocurrido durante el terremoto, cuando lo hace lo hace muy bien.
En mi opinión la película tiene un gran primer acto que plantea varios tópicos que se podrían explorar pero sólo termina sumergiéndose en uno, el acuerdo al que llegan los propietarios del edificio tras una democrática votación: ¿Aceptamos y damos refugio a quienes perdieron todo tras el terremoto, o los expulsamos y nos encerramos para intentar sobrevivir por nuestra cuenta?
La dirección a cargo de Um Tae-hwa, por momentos está llevada muy pero muy bien, con corazón y cerebro pero en otros momentos decae en el ritmo o el guion, ya que la película avanza mayormente por los diálogos. En cuanto al guion es correcto para el género y tipo de película que quiere ser, con algunos clichés o arcos narrativos que no me terminaron de convencer por cómo cierran, aunque lo más importante sea el transcurso junto a los protagonistas y no tanto su resolución. Las actuaciones están muy bien, destacando las de Lee Byung-hun (al que ya vimos brillar en El Juego del calamar) y Park Bo-young.
La dirección de fotografía también es un punto alto de la obra, donde además de intentar estilizar la imagen correctamente, intenta narrar mediante la iluminación y también crear una atmósfera tensa y tenue sobre la situación y sus protagonistas ya sea en interiores como en exteriores. A pesar de tener unos inmensos e impactantes planos generales de la destruida ciudad, lamentablemente pierde un poco en algunos planos donde el CGI se ve algo dudoso.
Realmente estoy ansioso por su estreno este jueves 18 de enero para un necesario revisionado. Recomendable para ver en cine, en pantalla grande y con un sonido acorde, como debe ser. Aunque a mí parecer no es de las mejores que la filmografía asiática nos está entregando en los últimos años, Sobrevivientes después del terremoto es una buena película y un gran logro en su género.
No confundir con el documental que lleva el mismo nombre y es del 2014, donde se cuenta parte de los mismos eventos que veremos en la obra de este año.
¿Vieron esa gente que te dice sobre una persona: ¡¡¡Lo amas o lo odias!!!: eso genera Taika Waititi. El realizador siempre busca ser polémico. Tras su paso por el «Universo de Marvel» en las pelis del dios nórdico («Thor: Ragnarok» y «Thor: Love and thunder») deja a los héroes para dirigir una cinta basada en hechos reales de un equipo de fútbol de «fracasados».Con el director neozelandés no hay medias tintas. ¿Podrá darle grandeza a esa gente en esta ‘biopic’?
Tras perder por más de 30 goles en un partido con Australia el presidente de la selección de Samoa Americana decide contratar al conflictivo Thomas Rongen; un técnico reconocido por sus fracasos y su espíritu virulento. Ambos intentarán algo que parece imposible: que por lo menos conviertan aunque un sólo gol.
Si podemos concebir esto como algo ligero, lleno de clichés, predecible a más no poder y además de dejarnos llevar por la intención sensible del relato, seguro nos llenará el alma (al menos para pasar el rato).Sabemos que el humor de este cineasta no es el más creativo y hasta parece muy infantil porque así es él. Dentro de su ego tampoco nos perderemos de su presencia interpretando al personaje que más vergüenza ajena intencional genera.
Destacaría a nivel actoral a Fassbender que se compromete a full con su rol; a Oscar Kightley y Kaimana en su primera participación en cine interpretando a una jugadora trans que sigue jugando con ellos. La fotografía me transmitió esa moral liviana que emana ese pueblo que en varios momentos trata de ridiculizar (sin llegar a faltar el respeto). Hay exageraciones respecto de lo que pasó realmente, claramente para que ciertas escenas funcionen a nivel emocional y cinematográfico.
En definitiva, una producción familiar con una ametralladora de chistes que, aunque sea uno te va a sacar, una sonrisa. No es pretenciosa, va al grano y casi no tiene relleno.La cancha tiene el pasto bien cortado, los jugadores entrenados y bien equipados, listos para ganar. No en una final del mundo, pero sí en ese terreno barrial que llaman potrero.
Quizás estemos ante la última película que más expectativas generaba en lo que resta del año. Y no viene exenta de polémica; debido a que muchos historiadores o gente rigurosa con este tema; se quejó de la poca veracidad histórica de la cinta. Pero vayamos a lo importante, y ver si Napoleón de Ridley Scott es buena o no.
La sinopsis va a ser corta porque la película obviamente trata sobre Napoleón; abarcando los periodos desde su primera gran victoria que lo posicionó en el mapa; hasta los momentos finales previos a su muerte en el exilio.
Lo primero que voy a destacar de la película, es la enorme producción que tiene. No solo por los escenarios, la mezcla de un más que sólido CGI con efectos artesanales, aparte del trabajo de vestuario, las armas y los peinados. En ese sentido, Napoleón no solo cumple con lo que tenía que ser, sino que da un paso más allá, y al menos en estos apartados técnicos, seguramente reciba nominaciones a los próximos Oscar.
Pero hasta ahí podemos tirarle flores a Napoleón. Si, las actuaciones de Joaqun Phoenix y Vanesa Kirby están bien, pero hace no mucho vimos a ambos dar interpretaciones mucho mejores que las que nos dan en este proyecto; y hasta diríamos que es esta última la que está por encima del resto en lo referente a su actuación. Si, incluso por sobre Phoenix.
No vamos a hacer hincapié en las incongruencias historias que tiene Napoleón (que no son pocas), sino en el ritmo con el que está narrada la historia; salteando de momento a momento importante del personaje, y recordando un poco a The hurt locker o American Sniper; que como sabemos, las críticas que recibieron fue por ese formato casi de videojuego.
Tampoco ayuda demasiado que el metraje casi llegue a las dos horas y cuarenta; haciendo que todo se sienta mucho más pesado y denso de lo que debería ser; para un personaje histórico que cualquiera que haya terminado la primaria, sabe su historia casi de pie a pa.
En conclusión, Napoleón no es mala película, pero viendo la gente que estaba involucrada; queda bastante en el deber, siendo apenas un proyecto bueno y ya. Demasiado poco para lo que la mayoría esperaba de ella.
Calificación: 7/10
Lo mejor: el diseño de producción, las actuaciones de Vanesa Kirby y Joaquin Phoenix (en ese orden); las batallas.
Lo peor: los errores históricos, se queda corta con el hype que se tenía de una producción de este calibre.
El subgénero del terror mezclado con la aventura gráfica no es nuevo. Pero si algo despertó mi atención cuando abrí el juego Gylt para probarlo, fue la personalidad que irradiaba. Acompáñenme para ver que tal es el port del juego de Tequila Works para las consolas (fue testeado en una PS4).
Por si no saben de qué va la historia, controlamos a Sally, quien se resiste a aceptar que su prima de la misma edad está desaparecida. Tras sufrir un caso de bullyng por los típicos idiotas de pueblo, se topa de frente de nuevo en las inmediaciones del colegio, donde al parecer, siempre estuvo escondida Emily. Pero algo raro también sucede en el lugar.
Siendo una mezcla del primer Silent Hill y la serie Stranger Things, Gylt es de esos juegos ideales para los novatos, recomendable para los fanáticos, y “dale una oportunidad” para los gamers más exigentes. Y esto lo digo por la mezcla de géneros y de cosas ya vistas, pero que, al mismo tiempo, no se tornan repetitivas o meras copias de otros videojuegos.
Esto se logra con una narrativa atrapante, pero en especial, con su gameplay. Aquellos que ya son veteranos en estos géneros quizás lo sientan un poco simplón, pero las nuevas generaciones, o los que buscan un videojuego que no sea un quebradero de cabezas, encontrarán en Gylt una experiencia amena, donde tanto los combates como los puzles, son bastante intuitivos, pero, sobre todo, funcionales con la historia. Ninguno de ellos se siente sacados de la galera solo para complicar las cosas, algo que al menos yo, agradezco.
En cuanto al apartado gráfico, hay que tener en cuenta que no estamos ante un estudio Triple A, y que estamos ante un port de un juego que ya tiene sus años; así que, si bien el estilo medio cartoon le sienta bien a la historia, tampoco estamos ante una experiencia visual que recordaremos por mucho tiempo.
En conclusión, Gylt es una experiencia amena para todos los públicos, en especial, para aquellos que no son demasiados exigentes. Manejando muy bien los tintes de terror con su gameplay, estamos ante un port más que satisfactorio. Algo que en los tiempos que corren no se ve muy seguido.
Los contextos históricos en los cuales se crean las obras de teatro se vuelven fundamentales a la hora de comprender el verdadero mensaje que se encuentra entre los diálogos y las actuaciones de los personajes. Con esto en mente, es interesante saber que de los años 1884 a 1930, en la Argentina comenzó una etapa conocida como la “emancipación cultural”, época en la que se considera como el nacimiento de la primera obra de teatro nacional: “Juan Moreira”, de Eduardo Gutiérrez, creado junto al empresario teatral José Podestá, en 1879. Se trata de un teatro criollista, de un teatro que tiene como objetivo hablar de la identidad del pueblo. “La segunda muerte de Juan Moreira” nos muestra una alternativa cómica que no deja de asombrar. La obra se presenta en el Teatro del Pueblo (Lavalle 3636, CABA) con funciones los domingos a las 17 horas.
Escrita y dirigida por Raúl Brambilla, esta comedia criolla nos transporta hacia el año 1930, días antes de que caiga el golpe de Estado encabezado por el general José Félix Uriburu que derrocó al gobierno constitucional de Hipólito Yrigoyen. La historia trata de un grupo de actores que fueron expulsados del circo al que pertenecen y dan comienzo a su gira independiente representando una única obra: “Juan Moreira”. En el transcurso van atravesando situaciones y controversias internas que los obliga a pensar alternativas para seguir adelante con sus funciones a pesar de los impedimentos por parte de la iglesia y de ellos mismos. Con actuaciones de Leandro Cóccaro, Fernando Caride, Miguel Polizzi, Juan Manuel Romero, Susana Martínez, Paula Rubinsztein, Enrique O’Zanibelli y Fabián Mattos. Ellos les dan vida a los típicos personajes del teatro nacional popular.
Es interesante el nivel de protagonismo que logran todos los personajes, debido a que la construcción de cada uno se destaca por distintas modalidades, gestos o formas en el habla que lo convierten en único e irrepetible. La solidez de estos personajes se ve reflejado también en la solidez de sus creencias y valores con respecto a la identidad nacional. En la historia, la idea de unión y fraternidad está representada por lo que “Juan Moreira” significa para cada uno. En varias ocasiones, ese sentimiento se ve invadido por los personajes que representan a los distintos sistemas que nos rigen como la iglesia, el Estado o la policía. A lo largo de la obra nos damos cuenta de que todos terminamos siendo víctimas de un sistema, al igual que Juan Moreira, y es por esto que se genera un sentimiento de pertenencia entre los personajes produciéndose una rebelión para que cambien las cosas.
En esta mezcla de géneros teatrales que va desde vodevil hasta los aspectos trágicos de lo grotesco, el humor criollo de “La segunda muerte de Juan Moreira” le da el toque especial para causar, en el espectador, un sentido nacional que se refuerza cada vez más. Las costumbres y mandatos pueblerinos dejan en exposición el origen de nuestros valores de hoy en día. Las risas y el asombro son los ingredientes cruciales, en donde la tradición popular de la figura del criollo rebelde desafiando a la autoridad una y otra vez nos anima a involucrarnos y decir al unísono, junto los personajes, “Yo también soy Juan Moreira”.
De miércoles a domingo a las 19 horas en El Cultural San Martín sucede “Waminix”, una distopía teatral- circense para grandes y chicos.
Un futuro distópico en el que los “cabeza de tacho” gobiernan el mundo. Un grupo de sobrevivientes, los Waminix, se agrupan para resistir y enfrentar la deshumanización que los rodea. El baile, el canto, la música, el circo, el teatro son los lugares donde encuentran la fuerza para combatir.
“Waminix” es una nueva creación de Proyecto MIGRA bajo la dirección de Osqui Guzmán y de Leticia González de Lellis. Desde sus inicios, por el año 2015, Proyecto MIGRA busca aunar el circo con la danza, el teatro y la música. En sus espectáculos no hay una búsqueda de lucimiento individual, la historia prima, la destreza deviene de ella y, así, se conforman obras dinámicas, atractivas, que mantienen al público activo. Además el grupo es reconocido por la gestión y creación, junto con El Galpón de Guevara, del F.I.C.I. (Festival Internacional de Circo Independiente). En la misma línea de sus proyectos anteriores se encuentra “Waminix”. La escenografía y el vestuario son funcionales a los números circenses sin dejar de tener una unidad estética en pos de la historia y un atractivo visual que cautiva. La iluminación y el sonido mantienen atentos a los espectadores de variada edad que asisten al espectáculo. Un elenco que sorprende, una narradora que hila los momentos sin caer en una enunciación explicativa por demás, una música que absorbe, acrobacia de piso, tango, manipulación de objetos, clown, música en vivo, aros, malabares. Frente al universo distópico, los Wanimix se plantan con las banderas del arte, del humor y del trabajo en conjunto, colectivo.
FICHA TÉCNICA: Dramaturgia: Creación colectiva// Elenco: Leticia Vetrano, Sofía Ivy, Paz Cogorno, Víctor Miñón, Johnatan Uriarte, Martín Orchessi.// Diseño de escenografía: Proyecto Migra, Duilio Della Pittima// Realización de estructura y escenografía: Duilio Della Pittima// Diseño de vestuario: Jorge López// Diseño de muñeco: Alfredo Iriarte// Música original: Tomás Rodríguez// Diseño lumínico: Adrián Cintioli// Identidad y diseño gráfico: Lima Producción general: Proyecto MIGRA//Producción ejecutiva: Analía Cabanne Prensa: Marisol Cambre// Redes: Florencia Valeri// Dirección: Leticia González De Lellis, Osqui Guzmán WANIMIX- Centro Cultural San Martín – Sala B (Sarmiento 1551) – Miércoles a domingo a las 19
La Butaca Web 