El desgarro de Partir

Partir es partirse. Partirse en varias partes, unas en el lugar que dejaste y  otras en el  que estás.

Belén Galain entiende el desgarro,el dolor y el partir; de partir, irse, marcharse, escaparse, exiliarse. Fueron decenas de miles los argentinos que tuvieron que dejar su hogar para refugiarse en otro país, todo esto debido a la persecución política en marco de la dictadura militar  a mediados de los setenta.

»Marlies, guiada por la precisa intuición de partir a tiempo, decide irse de la Argentina junto a su hija. Se despiden con urgencia y parten hacia la novedad.
Al llegar, la madre se encuentra con un pueblo en ruinas y una serie de desafíos transformadores. Lejos de su hogar, descubre que la partida es una oportunidad para reinventarse». Así es la sinopsis de la poética obra de Belén Galain presentada en El Rojas, la misma obtuvo el Primer Premio Germán Rozenmacher 15º de Nueva Dramaturgia en Buenos Aires, mientras que en New York fue seleccionada por IATI Theater para formar parte del programa Cimientos.



Lilian Timisky y Camila Cobas Lama interpretan a madre e hija en esta obra. Ambas ofrecen una narrativa personal sobre el Partir, algunas veces van a coincidir pues los caminos de los padres  e hijos deben separarse. Poesía y drama conjugan en la actuación de estas actrices de distintas generaciones, se vuelve una sincronía que empatiza con  el público.



Partir (se) no es solo drama. es baile pues el camino del personaje de la hija está marcado por el Flamenco, baile  antónimo al Tango. Flavio Zuñega, Mónica Romero y Lucía Lacabana son los bailarines que estarán presentes durante toda la obra, haciendo su zapateo, doblao y bulería. Gustavo Friedenber es quien dirige esta coreografía española y libre que ayuda al personaje a moverse por el escenario.



La escenografía está a cargo de Cia.Las Partes. El equipo se encarga de recrear una escena por niveles, conformada por un puente, minitarimas y relieves.



Partir (se) es mucho más que la voz de aquellos que se van, es el llamado de los que quieren volver, quienes parten se parten en muchas partes. Pedazos de corazón repartidos luego de la partida.



Partir (se) está disponible los sábados a las 21 horas en El Rojas.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

José María Vilches fue un maestro para Osqui Guzmán. Dice él “ (…) sin saberlo, José María Vilches fue mi maestro y yo su alumno». Sin saberlo, también, quienes asistimos a “El bululú. Antología endiablada” estamos frente a un maestro.

Unipersonal hecho de retazos: la vida de Osqui Guzmán y su camino por la actuación se mezcla con intervenciones de personajes propios de la Comedia del Arte, con imitaciones de José María Vilches, con textos de Federico García Lorca, con la tradición y la familia boliviana, con la llegada y la vida en Argentina. Osqui Guzmán se mueve, canta, recita, narra, arma un tejido, se desnuda, sorprende. El público es parte y ríe, exclama, aplaude, calla. 

Acto mágico. “El Bululú. Antología endiablada” invita a ocupar un rol activo e imaginar. Dos paneles, un cajón, un banco, en ese casi- vacío habrá castillos, bosques, casas, calles. Así también, en ese cuerpo que es uno solo, habrá tantos otros.  

Retumba el canto boliviano, retumban los zapatos contra el tablado, retumba el corazón. ¿Qué puede un cuerpo? ¿Qué puede una obra? “El Bululú. Antología endiablada” y el teatro como espacio para todos los mundos posibles.

“El Bululú. Antología endiablada” – Teatro Metropolitan (Av. Corrientes 1343)- Martes 20:30hs

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Autoría: Leticia Gonzalez De Lellis, Osqui Guzmán// Actúan: Osqui Guzmán// Diseño de vestuario: Gabriela A. Fernández// Diseño de luces: Adrián Cintioli// Música: Javier Lopez Del Carril// Asesoramiento dramatúrgico:Mauricio Kartun// Asistencia de dirección: Leticia Gonzalez De Lellis// Producción: Leticia Gonzalez De Lellis// Coreografía: Pablo Rotemberg

Escribió: Micaela Steinbach

Por Andrea Parise

«Dorian: El Musical» ha irrumpido en la escena teatral con una interpretación fresca y cautivadora de la atemporal novela de Oscar Wilde, «El Retrato de Dorian Gray»

Esta producción fusiona la magia del teatro musical con la profundidad psicológica y la provocación moral del trabajo literario original. «Dorian: El Musical» nos sumerge en el glamuroso y peligroso mundo de Dorian Gray, un joven seductor que intercambia su alma por la eterna juventud.  

La historia se desarrolla con un elenco talentoso que da vida a los icónicos personajes de Wilde. Desde Dorian, el protagonista en busca de placer y eternidad, hasta Lord Henry, el cínico e influenciador amigo que lo corrompe, cada personaje es retratado con profundidad y complejidad. 

Este emocionante musical fusiona la obra maestra de Wilde con canciones conmovedoras de Alejandro Dolina, bajo la dirección de Sergio Lombardo, llevando a Dorian por un viaje de obsesión, pérdida y redención. El elenco está compuesto por Emmanuel Degracia, Aimará Vázquez, Agustín Iannone, Diego Cassere, Nicolás Armengol, Belén García Salles, Agos Becco, Jazmín Fernández, Juan José Quiroz, Joaquín Caso, Lucía Ingold, Matheo Falbo, Nico Álvarez, Pablo Pighin, Palo Zárate, Pame Peker, Pedro Krause, Sara Botta Benzo, Shaiel Zas, Sol Wainer y Waldo Rivero.

Belén Garcia Salles merece un reconocimiento por su inmenso manejo de escena, junto a un decir perfecto y una voz que cautiva desde la primera canción que nos regala.  
Multiescena CPM – Av. Corrientes 1764 CABA
Funciones: Domingos 20.00 hs

Muy Pavlovsky, muy intensa, profunda y visceral. Para los amantes del teatro de Tato hay aquí una muy lograda muestra con toda la esencia de su teatro. Un texto que refleja la compleja relación amor-odio entre un torturador y su victima, que va mostrando distintas facetas, que nunca se instala y sacude al espectador constantemente; nada previsible y de una profundidad mas que lograda.

La puesta de María Carolina Pavlovsky nos muestra un escenario despojado y que da preponderancia al denso texto y a un actuación intensa y desbordada, es decir muy Pavlovsky. Con escenas muy potentes y cargadas de violencia, casi al limite de lo soportable por el espectador, logra conmover y emocionar.

Un elenco a la altura de las circunstancias que juega a fondo y da verosimilitud a personajes complejos;  sobresale el trabajo de Alejandro Robles, muy bien acompañado por Andrea Martínez.

Si quieren ver teatro profundo e intenso, ser atravesados por una parte de nuestra historia que hoy día quiere ser negada por algunos, este es el espectáculo ideal, no dejen de verla.

A.R

Ficha técnico artística



Actúan: Andrea Martínez y Alejandro Robles

Iluminación: Víctor Chacón

Musicalización: Manuel Bardano

Diseño: Víctor Chacón

Fotografía: Nacho Lunadei

Prensa: Dafne Strobino Niedermaier

Asistencia de dirección: Mariel Edith Cuevas

Dirección: María Carolina Pavlovsky



Duración: 60 minutos



Funciones: domingos de mayo a las 20 horas



Entrada: $8000. Reserva por Alternativa Teatral:

https://publico.alternativateatral.com/entradas87891-paso-de-dos?o=14

El fantasma que vuelve de a ratos

La idea de contactar con nuestros queridos, pero en el más allá, siempre ha cautivado a la humanidad. La religión y los cultos se han enfocado en descifrar, dar explicaciones o métodos de cómo comunicarse con aquel que ya partió. Esto puede ser una delgada línea entre cerrar una herida o una obsesión.

»Llega a oídos de un viudo la existencia de una joven que posee la capacidad de encarnar espíritus. Este le solicita que le traiga a su difunta semanalmente.
La proximidad de los cuerpos y las almas disparará un triángulo sentimental que promete no acabar bien». Así  describe Juan Azar su nueva obra »Elena de a ratos».

Juan Azar dirige, escribe y actúa en esta comedia dramática sencilla pero llena de profundidad. Laura Capellano y Valentino Naughton forman parte del elenco de esta obra.

Él quiere comunicarse con ella, ella sirve de portal y Elena está de a ratos. Vida, muerte, pasado  y presente se juegan en un carrusel representado en una cortina movible de terciopelo. Los actores tal cual magos deberán moverla para cambiar de personaje, esto es imperceptible pues se maneja una jocosa coreografía.

Hay risas, humor absurdo y un clown inexpresivo, el ruso.  El director supo aprovechar los pocos elementos del escenario para llevar su guión sobrenatural, para traernos a Elena, aunque sea de a ratos.

Laura Capellano y Valentino Naughton están muy bien sincronizados para hacer de Elena en el más allá y la mujer capaz de recibir los espíritus. Ambos realizan una coreografía robótica  pero jocosa.

Elena de a ratos es una opción divertida dentro del teatro under, una manera diferente de llevar lo sobrenatural, aprovechar los espacios y retratar la obsesión hacia lo que ya no está.

Disponible los viernes a las 22:30 en el Teatro Polonia.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

El minimalismo de Philip Glass llega al Teatro Colón

Nacido en Baltimore en 1936, Philip Glass es uno de los compositores estadounidenses de más renombre y trayectoria. Su corriente musical es el Minimalismo, género del que formó parte como uno de sus precursores.

Einstein on the Beach se convirtió en un éxito de la vanguardia musical en occidente  a mediados de los setenta. Una ópera sin argumento y sin una línea narrativa de una duración de cinco horas. La misma representa una serie de monólogos cargados de repeticiones que se interponen una y otra vez, un coro acelerado y extenso, danza interpretativa libre, música electrónica e hipnótica y lo más impactante: su puesta en escena.

Robert Wilson fue el encargado de la gran producción de la escena de Einstein on the Beach, para esta presentación el Colón, Martín Bauer dirige la reposición escenográfica.
Un escenario vacío con una pantalla apagada al fondo. Así arranca la ópera y a medida que avanza la puesta en escena se va armando. Un tren a control remoto en una maqueta, proyecciones cinematográficas en blanco y negro sobre trenes, un set de grabación que se va formando, cables por doquier, grandes estructuras con pantallas a lo alto y muchas cámaras. Esta puesta en escena es mecánica, industrial y sorprendente, siendo el metal y lo electrónico sus pilares.

Maricel Álvarez, Analía Couceyro e Iván García son los tres narradores de la ópera. Estarán presentes de manera intermitente recitando un monólogo sin sentido que irá on repeat y en perfecto inglés. El trío destaca por su calidad interpretativa.

El ballet estable del Teatro Colón está presente con una coreografía austera, libre y suelta que va de la mano de la música minimalista de Glass.  Marina Giancaspro y Gustavo Lesgart son los bailarines que integran el último acto de la obra. Ambos brillan tanto juntos como separados, siendo el gran deleite de la noche que se contrapone con la escena metálica.

Gracias a la electrónica de Germán Campos tenemos esta puesta en escena tan ambiciosa. El técnico es un artista y es admirable ver  a todo su equipo integrar parte de la obra en el armado de la misma. Algo nunca antes visto en el Colón.

Einstein on the Beach es una ópera anti ópera que si bien no es fácil de ver por su extensión, es una experiencia única e inmersiva. Una muestra de cómo la música y la tecnología pueden romper con lo clásico.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Raúl Meoz

Es un secreto a voces que la dramaturgia ha dejado de ser el elemento principal de un espectáculo teatral para cederle ese espacio a la actuación y a la dirección. Hoy en día la figura del director es la más importante y, en los Gestos bárbaros, se justifica perfectamente.

Los gestos bárbaros no es ajena a la época en la que le ha tocado vivir, es decir, se luce mucho más en la dirección/actuación que en la dramaturgia. En el primer aspecto, es una obra impecable, con interpretaciones detalladas y pasionales, que consiguen congelar el tiempo con una sola mirada. Precisamente cada gesto está dotado de algún tipo de simbolismo (algunos más evidentes que otros) que confecciona una red de relaciones entre los personajes. Un punto a favor es que los actores se encuentran siempre en escena, aunque no formen parte de la secuencia mostrada. Si no son el foco de atención, se encargan de reforzar su estatus de personaje mediante interacciones secundarias con los otros. Los actores consiguen dotarle de una tridimensional a este texto.


Elenco (por orden alfabético) VALENTINA BASSI, FRANCISCO BERTÍN, MATILDE CAMPILONGO, LAURA NOVOA, IGNACIO RODRIGUEZ DE ANCA
Diseño de escenografía MARCOS DI LISCIA
Diseño de luces ALEJANDRO LE ROUX
Diseño de vestuario LARA SOL GAUDINI
Música y diseño sonoro DANIEL MELERO
Realización Sonora NICOLA CARRARA
Diseño gráfico DIEGO HERAS
Autor JUAN IGNACIO FERNÁNDEZ
Producción Ejecutiva YANINA MARTINO
Asistencia de Dirección MARCELO FABRONI
Asistencia Artística JULIANA IANNICCILLO
Dirección CRISTIAN DRUT

El domingo pasado tuvimos el gusto de asistir en Timbre 4 a la obra “Noctámbula”, escrita y dirigida por Lucas Ranzani. Actúa Malena López interpretando el papel de Susana, una niñera al cuidado del “angelito” y bebé de su jefa Norma quien debido al trabajo y sus ocupaciones no puede ser una madre presente.

En principio destaca el clima logrado, con una escenografía que representa una habitación de pared empapelada con diseños de flores, alfombra de fibras, una mesa de luz y una silla de estilo, un baby call y  una tele de 14 pulgadas que está transmitiendo una escena de la película “Thelma y Louise”; y la noche la gran noche. Todo esto nos sumerge rápidamente en un mundo, en el mundo de esta pieza teatral.

La obra se desarrolla en una llamada que mantienen Susana(Malena López) y Norma
donde Susana trata de comunicarle algo importante, con desvaríos como el planteo de que el “angelito” ya habla, pero que habla como adulto! Con una escalada rápida desde lo amoroso y tierno hacia la tensión pasada más de la mitad de la obra.
Es un texto, una obra que sutilmente plantea las temáticas y las problemáticas de ser madre, del deseo de ser madre y de la posibilidad y la no posibilidad de serlo. Cuestiones psicológicas, instintivas, sociales y culturales aquí llevadas a esta obra que la justifican artísticamente.

La actuación de Malena López fué muy buena, distintos pensamientos y sensaciones nos transmitió y nos permitió. Y de hacerse frente en el escenario, en este unipersonal, eso también es de aplaudir.
En lo musical pudimos escuchar la versión “Sabor a mí” por el trío “Los panchos” con Eydie Gormé.

La obra “Nóctambula”, con una producción y elenco de jóvenes, nos regaló un buen y lindo momento de teatro! Se recomienda! Las funciones son domingos 16hs en Teatro Timbre 4.



Matías Vanacor para La Butaca Web

El homenaje y reivindicación del Teatro Nacional Cervantes a Zenón Rolón

La historia argentina tiene grandes deudas. Se suele recordar a aquellos personajes que supieron sobrevivir al paso del tiempo, aquellos que marcaron pauta en la cultura y sociedad, sin embargo hay otros que el paso de las décadas no perdonó y fueron olvidados y archivados, pero un día, finalmente obtienen la recuperación histórica. Este es el caso de Zenón Rolón.

Zenón Rolón fue un compositor de óperas, operetas, vals, cantatas y sinfonías nacido en Buenos Aires en 1856 bajo el seno de una familia afroargentina de clase acomodada. En 1895 estrena »Chin Yonk ataca de nuevo» junto Enrique García Velloso. Fue la primera y última vez que fue presentada, pero 130 años después, el Teatro Nacional Cervantes tiene el honor de recuperar esta obra bajo la dirección de Sebastián Irigo.

La trama de Chin Yonk ataca de nuevo es rara, ecléctica y difícil de montar hoy en día. La sola idea de que Jack el destripador fuera japonés y haya escapado a Buenos para seguir cometiendo sus delitos, es sin duda una locura. Fernando Albinarrate entiende la necesidad de homenajear a Zenón Rolón y a su vez reestrenar esta opereta francesa, para ello recurre a la comedia musical biográfica para escribir el libreto.

Josefina Scaglione, Nacho Pérez Cortés, Jesús Villamizar y Tincho Lups forman parte del elenco de actores y a su vez cantantes. El cuarteto de jóvenes artistas profesionales nos deleita con su carisma, entrega y sensibilidad no solo al interpretar el apartado narrativo, sino al entonar las canciones de Zenón Rolón con voces prestigiosas. 

La obra no sería nada sin el apartado musical, para ello  la orquesta Sinfónica Juvenil Nacional Libertador San Martíny el Coro Nacional de Música Argentina acompañan en la presentación, siendo este el mejor apartado de la puesta en escena. Fernando Albinarrate, Lucio Bruno-Videla y Javier Lorenzo forman parte de la dirección. La sorpresa de la noche fue el Ensamble Candombe afroporteño-Instituto de Investigación en Etnomusicología dirigido por   Augusto Pérez Guarnieri. El grupo puso a bailar a los asistentes del Cervantes, siendo  un momento de júbilo y celebración a las raíces afro de Argentina.

Chin Yonk podrá tener una trama rarísima para su época de estreno, pero conserva la visión adelantada de un músico argentino que fue consumido pero no desaparecido por el tiempo. Un hombre que deja un legado artístico no solo de la comunidad afro en el país, sino en la música y cultura. Zenón Rolón estaría orgulloso y sobre acogido con este gran homenaje.

Zenón Rolón (1856- 1902)
Disponible todos los viernes y sábados  en El Teatro Nacional Cervantes.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web

En 2022 se estrenaba “Subatómica”. Este domingo estarán cerrando su tercera temporada en el Espacio Callejón.

Julia está en dos dimensiones. Vive con su madre, Mariela, en una casa grande y vieja y, a la vez, vive en otra dimensión, la subatómica, basada en su fanatismo por Doctor Who. La llegada de dos hombres que buscan descifrar los indicios de un evento que excede las lógicas y teorías físicas irrumpe en la aparente tranquilidad del hogar.

El texto de Mia Miceli es dinámico. Las referencias hacia Doctor Who están integradas de tal forma que quien no ha visto la serie puede reconstruir de qué habla Julia. El público se confunde, se extraña, quizás en algún momento se pierde, pero rápidamente vuelve a conectar con el relato y lo que ocurre en escena.

Las actuaciones de  Cielo Díaz Rexach, Joaquin Garcia, Hugo Rabinovich, Valeria Roldán, Julia Zlotnik acompañan la rapidez de una dramaturgia picada. Los actores habitan una atmósfera extrañada, pasan de una dimensión a otra. Juegos vocales y físicos potencian el dinamismo que ya el texto propone.

La escenografía es austera. Una mesa, dos sillas y una lámpara ovalada por encima que tendrá un sorpresivo uso sobre el final. La casa es evocada por el manejo de las luces y de objetos invisibles, como, puertas, pasillos, habitaciones, paredes. La casa se construye sobre la nada, lo oscuro, lo vacío, allí ocurre lo subatómico.

“Subatómica“ es ciencia ficción en escena. La obra sorprende todo el tiempo. El público calla y ríe, por momentos de forma sonora y prolongada. “Subatómica” contiene algo de cinematográfico. Un trabajo del género poco común en la cartelera porteña.


FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Dramaturgia: Mia Miceli/ Actúan: Cielo Díaz Rexach, Joaquin Garcia, Hugo Rabinovich, Valeria Roldán, Julia Zlotnik/ Vestuario: Lara Sobel/ Diseño de espacio: Jose Escobar/ Luces: Sebastián Francia/ Realización Audiovisual: Fermín Pedrós/ Asistencia de dirección: Armando Carcamo/ Dirección: Agustín Daulte, Mia Miceli

“SUBATÓMICA”- Espacio Callejón (Humahuaca 3759)- Domingos 21hs
Escribió: Micaela Steinbach