La fiesta de Carla Di Grazia

El teatro convencional es concebido como una experiencia donde el espectador necesita estar quieto, no emitir sonidos y estar atento ante la puesta en escena. Un espacio donde los únicos en constante movimiento son los actores pero, ¿Si se saca esa fórmula y las tablas se vuelven una fiesta electrónica?

Carla Di Grazia tuvo la idea junto a Kchi Homeless de crear Donn warp, bajo una premisa que no revela nada pues el proyecto es una experiencia que cada uno vive a su forma:

»La Historia es una serie de intrigas rápidas que se repiten gritando sin parar. Este Universo es un tejido de imágenes ilusorias, retazos de recuerdos inventados, escombros del pasado, fugaces visiones».

Donn Warp es Carla Di Grazia elevada a la potencia de n. La artista nos regala una interpretación completa, su imaginario y su fuerza en una hora donde la música electrónica, las pantallas y las luces consonantes serán los agregados de esta fiesta.

Kchi Homeless es quien compone la música original del reventón que Di Grazia toca en una tabla de DJ, la artista va hacia el techno, progresivo y coquetea con la música clásica electrónica. Por su parte, todo el apartado físico: luces, artefactos y puesta en escena está a cargo de Lucio Bazzalo.

Bazzalo ofrece una puesta post punk e industrial donde las estructuras de hierro serán el enclave de Di Grazia. La bailarina irá directamente hacia ellas manejandolas a su antojo y mostrando su fuerza, luego jugará con las pantallas y el resto de la utilería para crear el espectáculo.

Di Grazia organiza una fiesta donde el espectador decide ser observante o participador. La energía joven y eléctrica se transmite en toda la sala la cual fue adaptada para el disfrute y poder moverse, mientras hace la premezcla el público va entrando a la propuesta de la bailarina.

En Donn Warp no hay reglas. El espectador es parte de la fiesta y Di Grazia demuestra todo su talento, nos arroja su energía house, electro y postmodernista. Donn Warp está disponible los viernes de septiembre a las 21 horas en el Maquinal Espacio Cultural.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Después de tres temporadas, vuelve al escenario “Una historia más de amor”  en el Espacio Cultural Savia todos los domingos a las 20hs. 

¿Amor?, ¿cómo se habla?, ¿qué palabras se usan?,  ¿qué del cuerpo propio?, ¿y del ajeno?, ¿y del tiempo? Dos se encuentran y construyen su lenguaje, su código. Esos dos y el deseo, el sufrimiento, la duda, la certeza. Esos dos y tanto tanto y tanto poco. ¿Una historia más?, ¿una historia como otras?

Loreto Luco Ferrada y Nahuel Cuadrelli son los directores, productores y actores de “Una historia más de amor”. Entre ambos narran un encuentro fortuito , fatal y vital. A través de distintos cuadros desarrollan las aristas de una relación: el cotidiano, el miedo, la alegría, la ternura, el pasado, la reflexión. Dos cuerpos en escena que se someten a todo lo placentero y sufriente de ese otro. La escucha, el manejo del tiempo, el humor, las pausas, los juegos escénicos, la comunicación con el público: fluye la energía en escena, los cuadros de esta relación se suceden y producen expectativa y ganas de acompañar.  

Narración, actuación, danza, teatro- físico, música. “Una historia más de amor” se sirve de distintas disciplinas para poner en escena esta historia. Una forma original de dar cauce a uno de los temas más teorizados, tratados y, paradójicamente, inagotables  de la historia. 

Nada de utilería ni de escenografía. El espacio se delimita por el público dispuesto en círculo.  Los cambios de luces generan dinamismo y ayudan a entrar y salir de cada uno de los climas. 

“Una historia más de amor” es un rito. El amor se produce entre ellos dos, pero también en el propio teatro que habilita el encuentro íntimo y colectivo. Las preguntas quedan en el aire, ¿una historia más? Acaso, quizás, una de tantas y, a la vez, única e inenarrable, salvo de esta forma mágica: el teatro.  

“Una historia más de amor” – Savia Espacio Cultural (Jufré 127)- Domingo 20hs.

Ficha técnica: 

Dirección, producción, actuación: Loreto Luco Ferrada y Nahuel Cuadrelli// Asistencia técnica: Ián Martin.

Escribió: Micaela Steinbach

«Personas que se encuentran en lugares» es una encantadora obra de teatro en formato de musical que logra conquistar al público con su originalidad y su capacidad de conectarnos con situaciones de encuentros fortuitos de personas que simplemente se topan por alguna razon. La trama gira en torno a dos actores, quienes asumen múltiples roles y nos transportan a diferentes espacios y momentos.

Lo que destaca de esta obra es la maestría con la que los actores logran dar vida a estos personajes variados y únicos. Michel Hersch y Sabrina Samiter encantan con sus interpretaciones, Desde el primer momento, nos sumergimos en la narrativa de la obra y nos vemos envueltos en las emociones de cada personaje. Su habilidad para cambiar de un personaje a otro sin perder la esencia de cada uno es admirable y muestra su talento actoral.

Además de la actuación, la música desempeña un papel fundamental en «Personas que se encuentran en lugares». Las melodías pegajosas y los momentos musicales nos envuelven en la trama y resaltan las emociones de los personajes. Acompañados por un tecladista en vivo, los actores nos deleitan con sus voces y nos hacen sentir aún más cerca de cada situación.

La obra es llevada a cabo por la dupla de Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira, quienes han realizado grandes obras referentes del teatro musical off en Buenos Aires, como «Mamá está más chiquita» y «Caso de éxito», entre otras. Con una propuesta fresca, Olivera nos muestra un gran trabajo en la dirección y en las letras, mientras que Schapira destaca por una impecable dirección musical, además de ser coautor de las canciones de la obra. Por eso que es muy importante seguir a esta dupla para aquellos amantes de los musicales en Buenos Aires.

No puedo evitar mencionar el impacto que esta obra tuvo en mi estado de ánimo. Salí del teatro con una sonrisa en un domingo gris y lluvioso. La combinación de la comedia y la ternura presentes en «Personas que se encuentran en lugares» logra tocar las fibras sensibles del espectador y nos brinda un oasis de felicidad en medio de la rutina diaria.

Ficha técnico-artística

Libro, letras y dirección: Ignacio Olivera

Letras, música y dirección musical y vocal: Juan Pablo Schapira

Actúan: Michel Hersch y Sabrina Samiter

Piano: Juan Pablo Schapira

Asistencia de dirección y producción: Augusto Moreno

Asistencia general: Rocío de León

Vestuario: Marisol Castañeda

Diseño de luces: Samir Carrillo

Diseño de escenografía: Vanessa Giraldo y Giuliano Benedetti

Realización de escenografía: Giuliano Benedetti

Utilería: Solange Gasquet

Sonido: Augusto Moreno y Joaquín Santiago

Diseño gráfico: Milagros Borches

Fotografía y audiovisuales: Camila Uset

Gestión de públicos: Emiliana di Pasquo

Funciones: Domingos 18 hs / El Método Kairós Teatro (El Salvador 4530, CABA).
Entradas: $3500, a través de alternativateatral.com
Duración: 85 minutos

Por Sofía Luna Roberts
“Eva Duarte, una verdad que incomoda” es una obra con dramaturgia de Susana Barbato y dirección de Martín Hache que nos propone una versión original sobre la vida de Eva Duarte. La pieza comienza a cuestionarse si su figura realmente ha muerto o sigue vive como los seres que son elegidos para un destino superior; hay un gran balance entre la vida y la muerte, la salud y la enfermedad, los derechos humanos y la opresión. La obra se va a presentar todos los domingos a las 16 hs en el Beckett Teatro (Guardia Vieja 3556).

Lo que se presenta en escena son las distintas facetas del cuerpo y la vida de ella. Ya que, desde el título de la pieza, podemos presentir que nos vamos a encontrar con la vida de Eva antes de convertirse en la Evita del pueblo. Si bien, se alude a una misma persona, los nombres no significan lo mismo. Pienso que la obra nos quiere enseñar eso, que las etapas de la vida de Eva Duarte van mutando y evolucionando hasta la Santa Eva que todos conocemos. Esto se puede corroborar gracias a los simbolismos que se presentan en las diferentes versiones de la persona: de niña con su actitud ya desafiante que la va acompañar durante toda su vida, de adulta siendo una referente política que pisa fuerte en la toma de decisiones siempre en beneficio del pueblo culminando con una Eva enferma y angustiada porque su cuerpo no va al mismo ritmo que sus convicciones.

Maria Ines Alvarez, Mayra Blaiotta, Rocío Estévez, Lourdes Fargi, Alejandra Figueras, Max Flügel, Martin Hache y Kevin Agustin Lanza se ponen en la piel de los personajes de una manera auténtica, interpretando figuras importantes en la historia argentina, con una tonalidad dramática y nostálgica que embellece la pieza en sí. La delicadeza y fuerza que le dan al cuerpo de Eva traspasa el espacio escénico y llega al espectador de una manera única dándonos a entender la importancia de su figura tanto en su trayectoria como después de ella.

Es muy interesante cómo su corporalidad va mutando a la par que su vida ya que, con el tiempo, va cobrando cada vez más dolor por las propias exigencias que carga a lo largo de su vida política. Es cautivador el detalle que le dan a los pies de Eva, ya que desde la portada de la obra nos llama la atención la presencia en primer plano de esos pies que dejan atrás los zapatos cotidianos. Durante el desarrollo de la obra, la primera aparición de ella es descalza en búsqueda de aquella pequeña Eva en la que está comenzando a germinar el espíritu de la rebeldía Se puede arriesgar en interpretar que esos pies dejaron de estar calzados cuando el cuerpo de Evita se convierte en una persona santificada que deja atrás la vida civil (esos zapatos negros) para quedarse eternamente tanto en la historia argentina como en los corazones de cada ciudadano que pudo gozar de los derechos que ella tanto defendió.

Juventud steampunk

El futuro significa juventud. El teatro forma un portal donde el ayer y el mañana se juntan, en eso también confluyen las ideas de dos generaciones, aunque no quede grabado como un largometraje, se preserva la puesta en escena y el libreto.

Todos estos pensamientos surgieron al ver la obra »La mula endiablada» presentada el pasado sábado en el Teatro Num. Gonzalo Bourren, Daira Agustina Escalera y Mercedes Sevares son las jovencísimas promesas encargadas de dirigir, escribir y protagonizar esta historia. Una perfecta sincronía de tres para llevar a cabo un proyecto refrescante.

»Una fantasía surreal donde Mónica, German y Claudia comparten un viaje a Lomas de Zamora. Su propósito: grabar un episodio de misterio en la naturaleza. Una expedición constante que se verá atravesada por la soledad, la amistad y el trabajo.». Es la premisa de la obra musical de este trío juvenil.

Con recursos tecnológicos involucrados dentro de la puesta en escena, donde proyecciones, luces y efectos confluyen para darle más dinamismo y electricidad a la obra, La mula endiablada aporta ideas interesantes y que estimulan al ojo del espectador.

Fernanda Vilella es la encargada de la escena y con la ayuda de Franco Vega Valiente (luces), generan el impacto visual apropiado para el mensaje que los chicos quieren decir. Además de luces, proyecciones en vivo y efectos, la parte sonora a cargo de Gabriel Waisbein y la composición en escena de Augusto Alvarez, son la cobertura y la cereza del pastel de La Mula endiablada. El espectador estará en constante alerta y con las orejas paradas ante los sonidos de los artistas.

El trío de actores es expresivo y dinámico, ofrecen chistes y referencias que son sacadas de quicio pero que funcionan ante lo endiablado que es su mula.

La Mula endiablada es divertida, jovial y refrescante, una comedia steampunk creada por jóvenes pero no para jóvenes exclusivamente, el público hace acto inmersivo y disfruta por igual. Una muestra de que el teatro es algo más que texto. La mula endiablada estuvo disponible en el Teatro Num los sábados a las 18:30.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Hay que hacer caso a nuestra intuición

Los traumas del pasado emergen en momentos de angustia; cuando se expone el cuerpo al peligro y ante la hostilidad de la naturaleza. El tiempo se desdibuja y todo parece repetirse, es un ciclo al que estos personajes se ven enfrentados, ¿Harán caso a ese presentimiento?

»Dos hombres desde hace un tiempo indefinido se encuentran varados en un
refugio de una montaña nevada. Uno de ellos está preocupado por un
presentimiento, el otro se conforma con sentirse atado al destino» Es la breve sinopsis de la obra de Miguel Àngel Diani presentada en el Complejo Itaca.

El dúo de actores veteranos Omar Lopardo y Alfredo Noberasco protagonizan este drama psicológico compuesto de un solo acto. Uno es la remanencia y otro la resignación. Tanto Lopardo como Noberasco entienden a sus personajes y el vortex en que se encuentran, conjugan una química en escena pues ambos poseen una relación simbiótica soportada por un mal presagio y la paralización del tiempo.


Carlos DI Pasqueo es el encargado de la escenografía y el vestuario. El artista compone la madera y el abandono de un refugio patagónico donde nunca ha pasado la tecnología, también las desgastadas ropas de los personajes.

Marcelo Mangone sabe cómo llevar este drama sin hacerlo denso, para ello se apoya en la comedia del libreto de Diani, aun así consigue conservar la tensión y la extrañeza; esto es difícil pues los personajes no tienen grandes cambios, lo que vimos pudo haber pasado en una hora o en días, se nota un buen manejo del tiempo. El director sabe leer las capas de estos personajes perdidos no tanto en una nevada patagónica, sino en sus recuerdos.

El presentimiento es una tragicomedia de distintos tonos. Una retahíla de sucesos que llevarán al mismo punto de partida. La razón por la cual hay que hacerle caso a nuestra intuición.

Disponible los jueves a las 21 horas en el Complejo Itaca.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Todos los sábados a las 21hs Rescatate se adueña del escenario de NOAVESTRUZ.

Suenan los gritos, las balas, el vidrio roto, las amenazas. Tres jóvenes del Bajo Flores deciden robar un RapiPago para transformar la realidad en la que viven. La televisión, la cumbia, el espectáculo, la madre que llora, la policía, el negocio y los millones que van y vienen. Final inesperado, ¿quién es víctima y quién victimario?

El texto de Gustavo Bouzas es una sátira. En clave de humor se aborda la hipermediatización contemporánea, la violencia, el complot. Personajes caricaturizados que se burlan de los estereotipos sociales y culturales impuestos. Rescatate apunta y pregunta sobre el hoy: ¿cómo se construye realidad?
Una puesta dividida en tres espacios y tiempos distintos que confluyen en un todo donde el caos y la traición: el canal de televisión que entrevista a la madre desesperada y decide qué (no)contar, los preparativos del crimen y su consumación, la cotidianeidad del RapiPago. Los cambios de luces (Fernando Acosta) dinamizan este pasaje de espacios y tiempos y mantienen al público atento al avance de la obra.
Sofía Anka, Rodri Barrios (actor y director), Soledad Correa, Tamara Paganini, Federico Paulucci, Gabriel Ulla y Joaquin Zaiat son los integrantes del elenco. Sus cuerpos y voces están puestos al servicio del estereotipo que cada quien encarna. El humor los atraviesa sin dejar de sostener y construir el ambiente violento y asfixiante en el que viven. El público ríe y calla, acompaña.

“Soy parte de un negocio que nadie puso y que todos usan./ En la ruleta rusa, yo soy la bala que te tocó./ Cargo con un linaje acumulativo, de mishiadura/ y un alma que supura veneno de otra generación”, suena sobre el final “La violencia” de Agarrate Catalina. Rescatate, una obra que ríe y llora, tira el pase a la platea, agita y pregunta. Dónde la verdad y a qué costo.

“Rescatate”- NOAVESTRUZ ESPACIO DE CULTURA (Humboldt 1857)- Sábado – 21:00 hs

Escribió: Micaela Steinbach

Cría cuervos

»Crìa cuervos y te sacarán los ojos», así dice el refràn que se refiere a los hijos ingratos, estos que rompen la orden natural de agradecer y respetar a sus padres, pero si un cuervo es el que cría, ¿Qué se espera de su descendencia?

Madre solo hay una pero con Vassa, no dan ganas de tener a una progenitora. Es una mujer bestial, dominante, colérica y manipuladora. »Quiero que dependan de mí toda la vida», así menciona el personaje interpretado por Tortonesse durante la mitad de esta comedia trágica bien criolla. Con los refranes ya mencionados se puede armar un esquema de lo que es Vassa.

Escrita por Maxim Gorkin en 1910 y representada de vuelta en 1935, Vassa es un retrato pre y post revolución soviètica, pero en vez de mostrarnos a los bolcheviques, nos muestra a la burguesía luchando entre sí por las pocas riquezas que quedan. Una familia destrozada desde sus cimientos no solo por el contexto sociopolítico, sino por su estructura y relaciones. Una batalla campal de una madre contra sus hijos. Si trasladamos este contexto a una Argentina 2001 tenemos la adaptación de Felicitas Kamien, Walter Jakob y Agustin Mendilaharzu.

Humberto Tortonesse nació para interpretar a Vassa. El legendario actor del parakultural es un tsunami dentro del teatro, su sola presencia impacta ya que de por sí su personaje es explosivo. Está sostenido por el elenco de estrellas argentinas Horacio Marassi, Anabella Bacigalupo, Javier Pedersoli, Mariano Sayavedra, Andrea Nussembaum, Darío Levy, Viviana Vázquez, Rita Gonzalez y Diego Báez. El reparto es el pelotòn de batalla que irá contra Vassa, son las estructuras sociales para comprender el trasfondo.

Vassa no es Vassa sin el gran talento técnico que permitió toda la puesta en escena. Desde la milimétrica escenografía de Cecilia Zuvialde la cual sabe cómo recrear una casa de familia de clase media alta de zona norte, dándole aportes de set de TV. El diseño y banda sonora de Carmen Baliero le da los tintes thriller junto a la iluminación de Agnese Lozupone: Terror para esta comedia negra. Los vestidos que Magda Banach confecciona para Tortonesse desde los tapados, bufandas y tacones, saben como ponerle la piel a la obra.

Vassa es una obra producida y dirigida por mujeres pero que no habla sobre una mujer políticamente correcta, más bien nos muestra un monstruo de personaje, salida totalmente de sus cabales y determinada a depredar a quien se cruce, sin importar si estos son sus hijos.

Vassa no es solo una familia, es el reflejo de la decadencia de una sociedad ante las crisis económicas y la pérdida de valores. Una muestra radical de grotesco rioplatense que más allá de hacernos reír de incomodidad, perturba y nos hará agradecer no haber sido criados por una madre cuervo.

¡Bravo Vassa!

Disponible los martes a las 20:30 en el Teatro Metropolitan.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Un hombre errante camina sin que nada le importe, salvo morir de sed. Toca la puerta de la primera casa que encuentra, una mujer lo invita a pasar. El hombre no sabe que allí dentro ella convive con animales. La casa es una especie de zoológico, una trinchera. Entre esas paredes se desarrolla un mundo alternativo opuesto al ahogo del afuera, otra forma de vida en contacto con la naturaleza, los animales y el deseo. Después de su entrada a la casa, la vida del hombre tomará otro color y no volverá a ser como antes.

“Galletitas de animalitos” es una puesta donde los elementos visuales, actorales y sonoros conviven en armonía. Un texto que se dirige al público, la narración de una historia que por momentos se hace presente en escena y va del humor al drama, de lo terrenal a lo onírico.

Jose Maria Barrios Hermosa (el hombre) habla desde las entrañas. En él habitan la ternura y la ira, el impulso irracional y la calma. Similar a lo que ocurre con Florencia Fiori (la dueña del zoo) quien encarna lo siniestro a la vez que lo hogareño y acogedor. Daniel Cukierblat, Ariel Dabbah, Mara González son los animales y cada uno juega un animal distinto con un tono muscular y una forma particular del habla. Todo el elenco sostiene con química y dinámica el relato de este hombre a quien pedir un vaso de agua, le cambió la vida.

Es interesante la austeridad de elementos escenográficos. Cubos y bastidores de tela translúcida forman el todo. Detrás de eso que se percibe y no se ve pasan los sueños, lo imaginado, el goce, el horror, lo rechazado y lo atractivo. La iluminación y el sonido también construyen el adentro y el afuera, lo que pertenece al mundo del recuerdo y de lo vívido. Mención especial al maquillaje y al vestuario que ayudan a la construcción de estos animales-humanos y a los movimientos que estas corporalidades exigen.

Una obra que aborda, desde lo anecdótico, temáticas presentes en la actualidad. En el relato están el hartazgo hacia un mundo de relaciones rotas, la posibilidad de algo nuevo, la reconexión con la naturaleza y la esperanza del amor.


Ficha:
Autoría y dirección: Martina Nikolle Córdoba Ansardi// Intérpretes: Jose Maria Barrios Hermosa, Daniel Cukierblat, Ariel Dabbah, Florencia Fiori, Mara González// Vestuario: Belén Gómez García, Priscila Raniolo// Maquillaje: Andrés Esteban Ceriani// Diseño de escenografía: Belén Gómez García, Priscila Raniolo// Realización de escenografía: Belén Gómez García, Priscila Raniolo// Asistencia De Producción: Matheus Gomes// Asistencia de dirección: Eloy Rossen//

“Galletitas de animalitos”- Teatro Azul (Av. Corrientes 5965)- Viernes 20:30hs.

Escribió: Micaela Steinbach

CARLOS CASELLA cantante y actor vuelve por tercera vez al ND con su espectáculo PUTO & ORQUESTA – Éxito total!!

CARLOS CASELLA cantante y actor de las artes escénicas presenta su espectáculo «PUTO Y ORQUESTA » sobre el amor y la masculinidad.

Este concierto de canciones icónicas de todos los géneros, renueva y actualiza su repertorio donde su mirada sobre el amor y la masculinidad es el hilo conductor. Haciendo uso de su característico sello artístico performático navega por clásicos universales y nuevas canciones compuestas especialmente para este evento donde su voz, su cuerpo y su imaginario lo resignifican todo de una manera sofisticada e irreverente.

Las entradas para «Puto y orquesta» se puede. Adquirir a través de plateanet.