La Butaca Web. El sitio de difusión de arte y cultura de Buenos Aires y España Reseñas, noticias, críticas en video y mucho más. Visitanos en www.labutacaweb.com ó en alguna de nuestras plataformas. Contacto labutacawebar@gmail.com
El viernes último de abril a sala llena en el Teatro del Pueblo tuvimos el gusto de asistir a “Mongo y el Ángel”, escrita por Héctor Oliboni y dirigida por Marcelo Velázquez. Actúan Martín Urbaneja, Bautista Duarte y Silvina Katz. Es la historia de dos personas en situación de calle que comparten la vereda, Pino( Martín Urbaneja) y Mongo( Bautista Duarte); también está Liliana( Silvina Katz) que se prostituye en las calles y que eventualmente pasa por ahí. Ella conoce a Pino desde hace años en la calle, para Mongo vivir en la calle es algo más reciente.
Los dos personajes que viven en la calle contrastan y se complementan, por un lado Pino exacerbado y verborrágico en sus ideas, expresiones, sentimientos y por otro lado Mongo endurecido, de pocas palabras, irascible. Dos personalidades o maneras de tratar de llevar la vida entre basura, bolsas y cartones. Liliana completa la trama, una trama donde se hace lugar para la magia, el amor, el compañerismo, la inteligencia, valores y acciones necesarias para mantenerse vivo y humano. De una ternura completamente desnuda y conmovedora. Las actuaciones fueron realmente brillantes, ¡un elenco de lujo!
La escenografía y luces están muy bien logradas, cuidando hasta los detalles a nivel técnico y conceptual. En lo musical, escuchamos del músico y artista visual Fernando Laub una producción que gira en torno a la música electroacústica, sonoridades y musicalidades “ruidosas” y de contrapunto atonal con cuerdas frotadas, pianos y sonidos sintetizados.
“Mongo y el ángel” es una obra que al comienzo se intuye y se siente que se está ante la presencia de algo muy bueno y elaborado. Después uno se realiza que también, y en concordancia con lo anterior, es una obra escrita por Héctor Olliboni de gran trayectoria en el teatro argentino, uno da cuenta del elenco de gran experiencia y formación, y lo mismo en la dirección y producción general. ¡Excelente obra y puesta! Se pasó muy bien y se recomienda!! Las próximas funciones serán los viernes 10, 17, 24 y 31 de mayo a las 20hs en el Teatro del Pueblo.
Lo peor que te puede pasar en un parque de diversiones, es que vos seas la atracción principal.
Un grupo de jóvenes se encuentra atrapado en un parque de diversiones por la noche mientras un personaje enmascarado los va asesinando uno a uno, de formas poco imaginativas. Les prometo que esta no la vieron ya, aunque tiene elementos de varias otras pelis de este estilo. ¿Valdrá la pena? Nos enteramos más abajo.
La historia: Fiona, es una joven que trabaja en el parque de diversiones con menos personal de la historia. Ella sola queda a cargo de un grupo de adolescentes que tienen entradas Vip para visitar el parque de noche. Claro que hay un problema, a este grupo de adolescentes ya los conocía y dejo de verlos a partir de la desaparición de su amiga que luego aparece muerta. Para agregar tensión entre ellos, les tiene que sacar el celular a todos por exigencia de las normativas del parque (y claramente del guion). Los adolescentes, después de quejarse un rato, acceden, cosa que es totalmente irreal, en la vida real los chicos son capaces de dejar el brazo antes que el celular. Empiezan a recorrer el parque y las rispideces entre el grupo aumentan hasta que comienzan a desaparecer algunos integrantes del grupo y empiezan a darse cuenta que no se perdieron sino que hay alguien o algo persiguiéndolos. ¿Sobrevivirán? Si vieron este tipo de películas, saben que la posibilidad de supervivencia tiene mucho que ver con el nivel de protagonismo.
¿Qué me gustó? Que va directo a los bifes. No se demora casi nada en pasar a lo que queremos de la película: Adolescentes escapando de la amenaza en medio de un tenebroso parque de diversiones por la noche.
¿Qué no me gusto? Es una película de terror slasher muy genérica, prácticamente la única innovación que ofrece es el marco del parque de diversiones, pero no se diferencia en nada de cualquier otra película del mismo género.
La ambientación para mí también falla, creo que hubiese sido mucho más interesante esta misma película en un parque de diversiones abandonado, quizás por alguna muerte dudosa del pasado, que un parque moderno con todo funcionando impecablemente. Pero si hubiesen pensado en eso sería otra peli.
¿Aporta algo nuevo al género? No, como mencionábamos antes prácticamente es una fotocopia de cualquier película de terror slasher, la única innovación real es que el asesino usa un mazo en vez de un cuchillo.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los fanáticos del género que no pueden estar sin ver la última entrega recién salidita del horno. Al resto les diría que esperen a la próxima, a ver si hay mejor suerte.
Estreno: 2 de mayo en cines. Calificación: 6/10 Duración: 93 minutos
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
La idea de contactar con nuestros queridos, pero en el más allá, siempre ha cautivado a la humanidad. La religión y los cultos se han enfocado en descifrar, dar explicaciones o métodos de cómo comunicarse con aquel que ya partió. Esto puede ser una delgada línea entre cerrar una herida o una obsesión.
»Llega a oídos de un viudo la existencia de una joven que posee la capacidad de encarnar espíritus. Este le solicita que le traiga a su difunta semanalmente. La proximidad de los cuerpos y las almas disparará un triángulo sentimental que promete no acabar bien». Así describe Juan Azar su nueva obra »Elena de a ratos».
Juan Azar dirige, escribe y actúa en esta comedia dramática sencilla pero llena de profundidad. Laura Capellano y Valentino Naughton forman parte del elenco de esta obra.
Él quiere comunicarse con ella, ella sirve de portal y Elena está de a ratos. Vida, muerte, pasado y presente se juegan en un carrusel representado en una cortina movible de terciopelo. Los actores tal cual magos deberán moverla para cambiar de personaje, esto es imperceptible pues se maneja una jocosa coreografía.
Hay risas, humor absurdo y un clown inexpresivo, el ruso. El director supo aprovechar los pocos elementos del escenario para llevar su guión sobrenatural, para traernos a Elena, aunque sea de a ratos.
Laura Capellano y Valentino Naughton están muy bien sincronizados para hacer de Elena en el más allá y la mujer capaz de recibir los espíritus. Ambos realizan una coreografía robótica pero jocosa.
Elena de a ratos es una opción divertida dentro del teatro under, una manera diferente de llevar lo sobrenatural, aprovechar los espacios y retratar la obsesión hacia lo que ya no está.
Disponible los viernes a las 22:30 en el Teatro Polonia.
Gente linda, explosiones y mucha acción, nada puede malir sal. ¿o si?
El cine es espectáculo y está peli lo sabe muy bien. Es por eso que tomaron el concepto de una serie de los ochentas interpretada por Lee Majors, que trataba de un doble de acción que resolvía casos en su tiempo libre y lo llevaron a la gran pantalla con un elenco soñado y muchas explosiones. ¿Valdrá la pena? Lo vemos abajo.
La historia: Un doble de acción, interpretado por Ryan Gosling, se reincorpora al mundo del cine después de haberse retirado tras sufrir un grave accidente, la causa es que quiere ayudar a una directora debutante con la que tuvo un romance en el pasado. Al parecer la directora, interpretada por Emily Blunt, no estaba nada contenta de que él esté allí, ya que su separación no fue nada amistosa. Fue la productora la que había tenido la idea de traerlo porque el protagonista de la película, la gran estrella del momento, había desaparecido y quería que él lo busque, claro que podría haber contratado un detective para eso pero nadie se preocupa por cuestionarlo. Claro que cuando comienza a investigar descubre que hay algo más atrás de todo esto y que no es sólo la película la que está en riesgo, sino también su vida. ¿Podrá sobrevivir y lo que es más importante, lograrán terminar de filmar la película? Habrá que verla para descubrirlo.
¿Qué me gustó? Creo que la cantidad de escenas de acción es muy superior a la de cualquier otra peli y se nota. El carisma de los dos protagonistas es innegable, claro que por tanta acción la mayoría se los diálogos tiene que darse entre explosiones y autos volando por el aire, lo que hace que se pierda un poco el foco
¿Qué no me gusto? Es un “pochoclo” que tiene pretensiones de ser algo más y allí quizás falle. Si fuera lo que es sin culpas sería una película mucho más disfrutable Hollywood criticándose a sí mismo por superficial, haciendo una peli llena de explosiones y gente linda. Hubiera sido mejor que directamente hagan la peli sin esta lectura “meta” que termina sonando lavada y vacía, y admitan que quieren volver a hacer cine espectáculo para ver si la gente vuelve masivamente a las salas de cine.
¿Aporta algo nuevo al género? No, es más una suma de todos los clichés de películas de acción con mezcla de detectives muy características de la televisión de los sesenta y setenta, claro que aquí con mucho más presupuesto. Quizás la vuelta de tuerca intente ser esta mirada algo crítica al mundillo de Hollywood, aunque sin meterse en temas más sensibles, que a mí no me terminó de convencer.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los fanáticos del cine de acción, este film tiene escenas realmente espectaculares donde se destaca el trabajo de los dobles de acción, claro que si la historia que intenta enlazar esas escenas no convence, la peli no termina de funcionar bien.
Estreno: 2 de mayo en cines. Calificación: 6/10 Duración: 126 minutos
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
Con la llegada de su ópera prima: «Saint Maud», se notaba que tenía una forma particular de hacer cine. Al haber conseguido el apoyo de A24 su nombre empezó a sonar en varios lados y todos esperarían su próximo trabajo.
Sorprendió más cuando su reparto iba a estar estelarizado por Kristen Stewart y la actriz en ascenso: Katy O’Brian. Me parece excesivo el odio que tiene que soportar la protagonista de la saga «Crepúsculo». Está claro que no es Meryl Streep ni Glenn Close pero hay miles de actrices verdaderamente inexpresivas. Además todos recurren a los mismos «argumentos» a la hora de criticarla cuando de que en realidad se nota que no han visto muchos de sus trabajos. Simplemente se suben al tren del ‘hate’ para formar parte de un grupo. ¿Este rol logrará mejorar su carrera a la vista de los que la detestan?
Lou trabaja manejando un gimnasio que en realidad le pertenece a su padre. Se reparte entre eso y cuidar a su hermana de su marido golpeador. Cuando conozca a Jackie, una joven fisicoculturista de la que se enamora, descubrirá un mundo lleno de mentiras; más de las que creía saber.
Arrancaré con lo que menos me gustó que es el final. Construye con mucha solidez el universo de ambas protagonistas y hasta con ciertos aspectos inverosímiles logra una lógica que pretende explotar. Sin embargo los últimos veinte minutos no funcionan como deberían. ¿Eso la hace mala? Para nada. Porque como ya dije el relato está bien construido y la química de las chicas sostiene todo el film. No faltará quien acuse de «progre» y «agenda 2030» a esta película. Si no pudiste ver las estupideces (en el buen sentido) que cometen el dúo principal definitivamente tenés el cerebro lavado. Diría que todos están geniales pero Kristen y Katy son una deliciosa pareja, absolutamente creíble. Hasta en la toxicidad que emanan por sus poros.
Las escenas sórdidas parecen salidas de la mente de los Cronenberg (padre e hijo) le dan ese toque de terror del que siempre está presente en lo que hace la directora y guionista. La ambientación y la fotografía te transporta a fines de los ochenta. Los colores, las sombras y esos contrastes que son típicos de esos momentos.
La música de Clint Mansell (que compuso casi todas las bandas sonoras de Darren Aronofsky) sumerge aún más en ese ambiente de gimnasios, músculos y sexo. Se nota la influencia de muchas partituras de esa década. Si logras que el final te guste claramente la disfrutarás más que yo. Habrá quienes sangren por esta peli, otros la amarán. Yo no les voy a mentir; todo lo que dije es cierto.
Garfield volvió y no en forma de fichas, sino en su forma de película animada.
Está vez nuestro amigo anaranjado, que siempre está presente en nuestros corazones y en toneladas de merchandising, nos contará su historia de origen, quién era su verdadera familia antes de Jon y odie. ¿Valdrá la pena o mejor nos quedamos en nuestras camas totalmente tapados y comiendo lasaña? Lo averiguamos más abajo.
La historia: Esta es una historia que nunca antes se había contado y eso lo aclara el mismo Garfield, interpretado por Chris Prat, al principio del film. Lo que genera algunas dudas, ¿cuándo nos contaron una historia repetida en la historia de esta franquicia? En esta oportunidad conocemos a nuestro anaranjado amigo de cachorrito que es abandonado en un oscuro callejón por el que parece ser su padre. Desde allí logra ver un restaurante Italiano donde esta cenando muy solo Jon, que al verlo al otro lado de la ventana lo deja pasar para que coma una porción de pizza, claro que nuestro gato favorito se come todo lo de esa mesa y lo de las otras mesas también. Logran salir del restaurante sin que nadie se dé cuenta y se adoptan mutuamente lo que cambia la vida de ambos para siempre. Todo marcha bien, salvo por el resumen de la tarjeta de Jon que crece mes a mes desde que Garfield descubrió las aplicaciones de delivery, hasta que una noche cuando estaba preparando su bocadillo nocturno, dos perros con aspecto de mafiosos entran a la casa y lo secuestran junto al perrito Odie. ¿Qué querrán estos malechores con nuestros protagonistas? ¿Tendrá algo que ver con el origen del felino? Claramente si, sino no hubiesen contado la historia. Habrá que verla para enterarse el resto.
¿Qué me gustó? Los chistes rápidos e inteligentes, el ritmo es el correcto para una película para chicos. Los chistes clásicos de las tiras cómicas de Garfield también tienen su lugar, lo que apreciamos los que venimos siguiendo sus aventuras desde hace rato. La parte emotiva está muy bien tratada, tiene su momento pero no se interpone con el buen ritmo de la peli, está todo bastante bien equilibrado.
¿Qué no me gusto? No conocemos al personaje en profundidad, hay tantas cosas que pasan que se queda en un mero estereotipo de las características que ya conocemos sin que tenga una verdadera evolución, la termina haciendo más obligado por la trama que porque suceda de forma orgánica. Igual puede ser que le esté pidiéndole mucho a una peli de animación, ¿ustedes que opinan?
¿Aporta algo nuevo al género? En lo que respecta a películas de animación y quizás a este sub género de películas que sirven de puntapié para grandes franquicias, donde podríamos también incluir a films como el de Mario Bros, irónicamente con la voz del mismo actor, creo que es bastante estándar. Incluso, comparando con esa peli en particular tiene un punto a favor porque se preocupa por presentar al personaje y contar esta historia, sin detenerse demasiado en presentar muchos personajes secundarios para establecer futuras franquicias, aunque seguramente lo harán a futuro pero logran que no se note tanto.
¿A quién recomiendo ir a ver esta peli? A los fanáticos de Garfield en primer lugar, de todas las edades. Y también a los más chiquitos que seguramente no conocen al personaje, puede servirles como introducción, está también pensada para eso, seguramente con varias secuelas en vista.
¿Qué raza de gato es Garfield? Es un British Shorthair Red, les ahorro la búsqueda en Google.
Estreno: 2 de mayo en cines. Calificación: 7.5/10 Duración: 101 minutos
Para otras opiniones sobre cine y algún que otro cuentito seguirme en Instagram @cronicadeunavidacualquiera.
Keane publica una versión especial remasterizada de «Hopes and Fears», sin duda uno de los mejores álbumes de debut de la historia, el 10 de mayo de 2024, exactamente 20 años después de su lanzamiento inicial.
Ese mismo día, la banda tocará en el 02 Arena de Londres como parte de una gira mundial que arrancará el 1 de abril en Ciudad de México antes de llegar a Europa y el Reino Unido. Y el 14 de noviembre estarán en Argentina en el Arena Movistar.
‘Hopes and Fears’ fue un álbum histórico para Keane y ha batido todo tipo de récords en el proceso. Es uno de los álbumes más vendidos en la historia de las listas del Reino Unido, con más de 2,5 millones de ventas en el Reino Unido en su primer año, y un millón en los EE.UU. impulsado por su canción absolutamente clásica «Somewhere Only We Know». Hopes and Fears» es 9 veces disco de platino en el Reino Unido, un logro extraordinario. El álbum ha vendido más de 10 millones de copias en todo el mundo.
Keane surgió junto a una nueva vanguardia de bandas que cambiarían la forma de la música: Snow Patrol, Scissor Sisters, The Killers y Coldplay. Fueron los primeros en crear un sonido que giraba exclusivamente en torno a los teclados, lo que potenciaba el tirón emocional de sus canciones. Everybody’s Changing», de «Hopes and Fears», se convirtió en una de las canciones favoritas de los fans y en un éxito entre los cinco primeros.
En 2004, Keane fue el artista británico con mayores ventas en el Reino Unido. Al año siguiente ganaron dos premios BRIT: Mejor Álbum Británico por «Hopes and Fears» y el premio al Artista Revelación Británico, votado por los oyentes de Radio 1.
Somewhere Only We Know» ha disfrutado de un reciente renacimiento en Tik Tok, que se hizo viral en Indonesia y encendió la chispa para un renacimiento global de la canción, que actualmente acumula dos millones de reproducciones diarias en Spotify, y en los últimos 12 meses se ha convertido en el single más vendido de Island Records. En total, se ha reproducido más de mil millones de veces.
Esta gira celebrará el aclamado cuerpo de trabajo de Keane desde su imperioso debut ‘Hopes and Fears’ hasta su álbum de estudio de 2019 ‘Cause and Effect’ El vocalista Tom Chaplin dice: «Recuerdo estar de pie junto a esa increíble mesa de mezclas antigua en Heliocentric Studios donde hicimos Hopes and Fears, escuchando una primera mezcla de Somewhere Only We Know. Tenía la sensación de que habíamos conseguido algo que tenía un extra de magia. Hacer música es a menudo un proceso lleno de dudas… pero en esta ocasión había algo innegable en lo que habíamos creado. Está claro que mucha gente sintió lo mismo cuando salió el álbum».
Los cortometrajes son películas. No tienen porqué ser obras menores a un largometraje sólo por tener una menor duración. Cuentan con la misma oportunidad de transmitirnos una historia con el mismo lenguaje que un largometraje. Escribo sobre los que, según mi parecer, aprovecharon de mejor manera esa oportunidad.
Un corto además de una obra cinematográfica es una herramienta poderosísima, en especial, para los jóvenes cineastas que quieren demostrar su sello autoral, su capacidad de expresión artística.
¿Dónde está el ojo de las nuevas generaciones del cine? ¿Qué observan y cómo lo observan? ¿Cómo escriben y cómo dirigen? ¿Cuáles son los conflictos y preocupaciones que quieren explorar?
BAFICI puede ser una plataforma de impulso para los realizadores que estrenan sus cortometrajes en las pantallas del festival. Habrá que estar atentos a las futuras obras de estos cineastas, donde se nota que hay talento y sensibilidad para seguir creando cine.
Cabe aclarar que no pude ver todos los cortometrajes proyectados, me hubiera realmente encantado y mi intención era ver la mayoría ya que los cortos suelen tener una etapa de distribución acotada respecto al mercado de los largos. Sólo por cuestiones de agenda, y no de interés, vi algunos pocos, exactamente 18. Acá están algunos de mis favoritos. No es un top sino que los escribo cronológicamente según haya asistido a sus funciones. Empecemos:
Pastrana (Brasil) dir. Melissa Brogni, Gabriel Motta. Competencia oficial internacional
«Mientras revive recuerdos e imágenes con la ayuda de sus amigos, Melissa recupera el pasado. La presencia inherente de Pastrana la ayuda a llenar el silencio dejado atrás y a obtener una comprensión más profunda del tiempo.»
Gran corto documental sobre una amistad que ya no está y el recuerdo del mismo. La añoranza por esos tiempos, la pasión que tenía ese grupo de amigos y cómo se mantiene hoy en día ese vínculo con la persona, y la pasión que los unía. ¿Eso sigue ahí? ¿Eso sigue vivo? ¿Qué nos enseñó?
Tiene una dirección y guion excelente que aprovecha con una dirección de foto que destaca, lo hace ser mucho más que un corto documental. Un montaje muy preciso que construye climas excelentemente. Así, sí. Recomendadísimo. Los testimonios son muy emocionantes. Realmente me encantó.
La pasión (Argentina) dir. Lorenzo Ferro, Lucas A. Vignale Competencia oficial internacional
«En un pequeño pueblo rural de las afueras de Buenos Aires, un hombre vive aplastado por la soledad, incapaz de soportar la sensación de estar vivo. Aferrado a los milagros, se obsesiona con la figura de Jesús y desea convertirse en él.»
Cortometraje ópera prima para este dúo de directores. Indudablemente hay presente y futuro en nuestro cine argentino en las nuevas generaciones. Pone explícitamente en palabras, y con gran impacto, lo que quiere decir desde la primera escena. Tiene un ritmo y modos muy propios, la narración va ganando cada vez más contundencia visual, siendo tan preciso como abstracto para transmitir lo que quiere transmitir, increíble. La pasión. Nada nos quitará nuestra pasión por más que esté en peligro. Y ahora más que nunca, en constante peligro.
A partir de una idea de Lucas Vignale se largaron a filmar, mientras iban guionando sobre la marcha y tras matarse montando (según palabras de Vignale en el estreno del corto) lograron llegar a la obra final, ¡Y qué obra final! Unas interpretaciones espectaculares en los protagonistas. Ya mismo quisiera volver a verlo, repasar cada escena, cada plano. Ojalá tenga mayor exhibición.
Bye Bye, Bowser (Austria) dir. Jasmin Baumgartner Competencia internacional
«Luna escribe una canción sobre Laugo, un obrero de la construcciónque trabaja frente a su casa. A partir de su viralización, decide conocerlo y así es como entra a su vida, natural e ingenuo. ¿Conducirán los mundos opuestos de acomodada despreocupación y clase trabajadora al colapso de su romance?»
Nos adelantaron que este sería el cortometraje más punk de todo el BAFICI y así fue. Me encantó de principio a fin y tiene una potencia que es imposible que te deje sin ciertas sensaciones positivas. ¿Dónde está y qué está haciendo la juventud en estos días? ¿Nos insertamos en la vida adulta exactamente cómo la sociedad quiere que lo hagamos o preferimos seguir haciendo punk? Una comedia de amor austríaca que se pregunta para qué necesitamos tantos edificios en nuestras ciudades. Quiero y necesito volver a verlo, lo amé.
La gauchada (Argentina) dir. Juan Follonier, Gastón Calivar Comedias
«En un camino rural desolado, tres monjas regresan de la misa cuando sufren el pinchazo de un neumático frente a una pulpería. Aurelio y Ernesto las ayudan a cambiar la rueda. Agradecidas, les compran una botella de ginebra…»
Me tomé la licencia de recortar la línea final de la sinopsis porque me parecía que spoileaba el impacto que una comedia necesita. Que si lo hubiera leído me hubiera cambiado totalmente la percepción de la obra y no hubiera sido tan gracioso como sí me lo pareció ser en la sala. Me dio la impresión que no llegaba, no llegaba. Hasta que llegó y lo que llega es muy bueno. Estupenda en las interpretaciones, casting y dirección de actores. Una buena idea con los talentos necesarios delante de cámara hacen que el cortometraje crezca muchísimo. Ese es el caso de La gauchada.
Misión peluche (Argentina) dir. Joaquín Romero Comedias
«Omar es un militante de izquierda que descubre por casualidad un osito del Che Guevara dentro de una máquina de peluches. Indignado, intentará rescatarlo, pero rápidamente descubrirá que no solo tiene al sistema en contra sino también a Nico, el empleado del mes.»
Hay un autor y un gran equipo detrás enamorado de su propio audiovisual, se nota y se agradece. El protagonista está increíble y resulta muy gracioso. Gran cortometraje. Un excelente equilibrio que lo hace funcionar como comedia. Muy recomendado. HLVS, sí ¿pero de quién?
Mal trago (Argentina) dir. Santino Taratuto Comedias
«Ella tiene diez años más. Él no toma vino. Una visita inesperada amenaza con arruinar una cita que parece destinada al fracaso.»
De mi género de comedia favorito. Una situación, una locación y pocos actores. Cuenta con 3 protagonistas muy buenos que interpretan perfectamente el tono de comedia que el corto les pide. Chistes chiquitos, de guion, que van creciendo y son genuinamente graciosos. Ideas interesantes bien ejecutadas desde la dirección con un muy buen timing de comedia para cine. Muy Recomendado.
Licencia psiquiátrica (Argentina) dir. Violeta Montoya Comedias
«Clara invita a unas compañeras del trabajo a merendar a su casa. Una de ellas descubre algo que dará inicio a una discusión que pondrá en riesgo su amistad.»
Un delirio hermoso de principio a fin. Crea climas y remates con todas las herramientas disponibles. Dirección, guion, interpretaciones, montaje, música. Excelente comedia donde los talentos ponen todo de sí para generar este tono particular y nos da un resultado muy muy gracioso. Me encanta ver este tipo de comedias en cine, quisiera ver más.
Cuando todo arde (Argentina) dir. María Belén Poncio Competencia oficial argentina
«Isabel es rechazada por la brigada forestal a la que pertenece por atacar un desarrollo inmobiliario responsable de incendios forestales. Cuando decide continuar por su cuenta, se enfrenta a la soledad y la frustración, en un encuentro que cuestionará el sentido de su lucha.»
Excelente historia la que quiere visibilizar y excelente la forma en la cual la aborda. Qué momentos poner en pantalla y cuáles no. No te lo explica y está excelente que así sea. Cine. Las motivaciones de los personajes. La culpa, la carga que conlleva todo. Sublimes interpretaciones por parte de los protagonistas. Me encantó el corto y al enterarme que ganó el premio al mejor corto argentino me puse muy contento por sus realizadores. Debe ser visto y que no quede sólo en una buena recepción de un festival. Distribución y exhibición para que el cortometraje llegue a un mayor público. Muy recomendado.
El alfabeto de los nadies (Argentina) dir. Gustavo Galuppo Alives Competencia oficial argentina
«Una serie de retratos ordenados alfabéticamente por el nombre de sus protagonistas, cuyo denominador común es su inexistencia. Un film realizado con técnicas mixtas: generación de imágenes y textos con IA, e intervención artesanal sobre papel.»
Un corto que es un ejercicio de creatividad que aprovecha varias inteligencias artificiales para crear el relato audiovisual. Las IA son herramientas, nunca desplazarán a los artistas de su lugar de artistas. Un mal artista estará en contra de los avances, un buen artista a favor. Dale una buena herramienta a un buen artista y éste la utilizará de la mejor manera. Este es un gran ejemplo. Habrá que seguir avanzando en la búsqueda de ficciones con IA para lograr aún mejores resultados. No es un camino para todos y no debería ser un estándar pero es un buen camino para quienes vayan en aquella dirección. Recomendable experiencia de este corto experimental.
Gracias BAFICI por ser un espacio de exhibición de primer nivel para que los cineastas que se van forjando con sus cortometrajes encuentren una gran pantalla y un público dispuesto a recibir sus obras. El balance del nivel de cortometrajes nacionales y extranjeros es altamente positivo. Ojalá la mayoría de ellos no quede sólo en las dos o tres proyecciones durante este festival y siga teniendo circuito de exhibición. Hay talento en el presente y futuro de los jóvenes cineastas. Merecidísimos aplausos.
Spy x Family: Code White lleva el popular manga a la pantalla grande con una propuesta que recuerda a las películas de anime de antaño. Con una premisa emocionante y un gran sentido del humor, la película ofrece una aventura llena de acción para todos los públicos, manteniendo la esencia del manga original y adaptándola perfectamente al formato cinematográfico.
Lo que nos gustó: La película captura fielmente la esencia del manga, ofreciendo una historia emocionante y divertida que es accesible para cualquier espectador, incluso aquellos que no están familiarizados con la serie. Con una premisa simple pero efectiva, la trama se desarrolla de manera fluida, ofreciendo una variedad de escenarios entretenidos y momentos destacados para cada personaje. El humor es uno de los puntos fuertes de la película, con situaciones hilarantes que apelan a diferentes audiencias. Los personajes están bien desarrollados y equilibrados, y las relaciones familiares y las situaciones de espionaje se exploran de manera satisfactoria.
Lo que no nos gustó: Aunque la película ofrece una experiencia divertida y emocionante, algunas de las escenas de acción podrían haber sido más impresionantes para mejorar el impacto visual. Además, para aquellos familiarizados con el manga o el anime, algunas partes de la trama pueden resultar predecibles, aunque esto no afecta significativamente la experiencia general.
¿A quién recomendamos ir a ver esta película? Spy x Family: Code White es una película que recomendamos a todos los fanáticos del manga y el anime, así como a aquellos que buscan una aventura emocionante y llena de humor. Su historia accesible y su buen balance entre personajes la hacen perfecta para ver en familia o con amigos, incluso para aquellos que no conocen la obra original.
El minimalismo de Philip Glass llega al Teatro Colón
Nacido en Baltimore en 1936, Philip Glass es uno de los compositores estadounidenses de más renombre y trayectoria. Su corriente musical es el Minimalismo, género del que formó parte como uno de sus precursores.
Einstein on the Beach se convirtió en un éxito de la vanguardia musical en occidente a mediados de los setenta. Una ópera sin argumento y sin una línea narrativa de una duración de cinco horas. La misma representa una serie de monólogos cargados de repeticiones que se interponen una y otra vez, un coro acelerado y extenso, danza interpretativa libre, música electrónica e hipnótica y lo más impactante: su puesta en escena.
Robert Wilson fue el encargado de la gran producción de la escena de Einstein on the Beach, para esta presentación el Colón, Martín Bauer dirige la reposición escenográfica. Un escenario vacío con una pantalla apagada al fondo. Así arranca la ópera y a medida que avanza la puesta en escena se va armando. Un tren a control remoto en una maqueta, proyecciones cinematográficas en blanco y negro sobre trenes, un set de grabación que se va formando, cables por doquier, grandes estructuras con pantallas a lo alto y muchas cámaras. Esta puesta en escena es mecánica, industrial y sorprendente, siendo el metal y lo electrónico sus pilares.
Maricel Álvarez, Analía Couceyro e Iván García son los tres narradores de la ópera. Estarán presentes de manera intermitente recitando un monólogo sin sentido que irá on repeat y en perfecto inglés. El trío destaca por su calidad interpretativa.
El ballet estable del Teatro Colón está presente con una coreografía austera, libre y suelta que va de la mano de la música minimalista de Glass. Marina Giancaspro y Gustavo Lesgart son los bailarines que integran el último acto de la obra. Ambos brillan tanto juntos como separados, siendo el gran deleite de la noche que se contrapone con la escena metálica.
Gracias a la electrónica de Germán Campos tenemos esta puesta en escena tan ambiciosa. El técnico es un artista y es admirable ver a todo su equipo integrar parte de la obra en el armado de la misma. Algo nunca antes visto en el Colón.
Einstein on the Beach es una ópera anti ópera que si bien no es fácil de ver por su extensión, es una experiencia única e inmersiva. Una muestra de cómo la música y la tecnología pueden romper con lo clásico.
La Butaca Web 