Reseña: EvAmérica.

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En el Teatro Empire, los martes a las 20 hs, EvAmérica. Una puesta operística en torno a la figura de Eva Perón. Esta mujer, que existió en la vida real, quien padeció y convivió con “la enfermedad”, capaz de despertar el odio de muchos, y el amor de otros tantos. En el medio, el arte que no quiso quedar afuera, sintiendo la necesidad de ser recordada e invocada, desde la famosa ópera rock con música de Andrew Lloyd Webber y letras de Tim Rice, la cual tomó libremente su vida, que debutó en 1978, en el West End y al año siguiente en Broadway, hasta llegar a 1996, donde fue llevada al cine, con la dirección de Alan Parker y las actuaciones de Madonna, Antonio Banderas y Jonathan Price, y a eso agreguemos las producciones nacionales, donde cada puesta, una  mejor que la otra, y la más lograda , fue la dirigida y cantada por Nacha Guevara, a mi criterio.

En esta  nueva versión, que incursiona en el estilo operístico,la dirección General es del Maestro Guillermo Asencio, la dirección musical es de la Maestra María Ines Natalucci, existiendo una directoria musical invitada: Constanza Antunica, con arreglos musicales de Federico Ginzaburg. La obra tiene una orquesta de cámara compuesta por violines, violoncello, flauta, clarinete, oboe corno inglés, contrabajo, viola,  percusión.

La síntesis argumental se puede resumir que cuenta con una obertura, luego la Escena  1 bajo el título «El pesebre pagano», para dar paso a la Canción de Cuna, /Lypcopodium. Si me preguntan cuál fue la escena preferida, la más emotiva, llegando al final, titulada «El cortejo bajo la lluvia»

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El vestuario se adecua a la representación, y estuvo a cargo de Liliana Palacio, Una obra que cuenta con el barítono Juan Feico, y la soprano Constanza Leone, además del coro musical, integrado por 8 coreutas. El relato se apoya en Osvaldo Malizia, quien sabe cómo contarla, y que nos retrotrae al nacimiento de Eva en Los Toldos, a los 18 años, su posterior emigración a Buenos Aires, el Romance de Juan y Eva, su desaparición física y la escena 10, bajo el título “Que lindo si ella viviera, Gloria – Juan Pueblo”, con una hermosa puesta de todo el elenco, desplegando banderas, tildándola de rebelde en el amor, para cerrar una noche de lujo, donde como dice el dossier “Eva un personaje que ha transcendido la política y que tiene luz propia”.


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Crítica: Maestras del engaño

Por Macarena Maidana 

Maestras del Engaño (The Hustle,2019)  es una remake de la película de 1988 , Dos Pícaros Sinverguenzas . Protagonizada por Anne Hathaway y Rebel Wilson, ambas maestras del arte de la estafa se conocen en un viaje y deciden hacer equipo para mejorar sus habilidades y atacar a su próxima víctima: un multimillonario del negocio de la tecnología.-

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Penny (Rebel Wilson) es una estafadora de poca monta que se dedica a estafar hombres por redes sociales, mientras que Josephine (Anne Hathaway) es una estafadora de que se dedica a engañar a lo grande. Ambas se cruzan en un viaje y no tardarán en establecer alianzas para ganar más dinero del que poseen actualmente.

Siendo este el debut como director de Chris Addison, yo diría que es un paso en falso. Lamentablemente el guión está cargado de chistes malos, los típicos chistes que hacen referencia al aspecto físico de Rebel Wilson en cada una de las películas que protagoniza. Quizás hubiese funcionado de una mejor forma sin hacer tanto hincapié en la contraparte que se da entre Anne y Rebel, “la gorda y la flaca” es una puesta en escena que ya vimos mil veces, desaprovechando por completo el talento para la comedia tanto de Hathaway como de Wilson, que hicieron lo que pudieron con lo que les dieron.

Por eso, Maestras del Engaño es eso, un engaño al espectador que va a salir completamente víctima de esta película que tenía bastante para dar pero lo desaprovechó.

 

TITULO: Maestras del engaño

TITULO ORIGINAL: The Hustle

DIRECCIÓN: Chris Addison.

ACTORES: Anne Hathaway, Rebel Wilson.

GUION: Stanley Shapiro, Paul Henning.

FOTOGRAFIA: Michael Coulter.

MÚSICA: Anne Dudley.

GENERO: Comedia .

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 94 Minutos

 

 

Calificación 4/10

Reseña: Estrategia de la luz

Por Bruno Glas 
En el Celcit a partir del mes de mayo podrá verse “Estrategia de la luz”, los sábados a las 20 horas. La obra dirigida por Alberto Isola y escrita por Adriana Genta propone contar un hecho histórico que jamás tuvo lugar: un encuentro entre la reina Juana (más tarde conocida como “la Loca”) y la monja Teresa de Ávila, posteriormente canonizada.

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En principio, al adaptar con fidelidad absoluta lo que sabemos de sus figuras (esto es, de acuerdo a los hechos históricos que rodearon a ambos personajes), la obra se torna por momentos, algo tediosa. La rapidez de muchos diálogos, expresados en castellano antiguo, hacen la trama algo difícil de seguir. Sin embargo, lo que compensa esto es la gran interpretación de las actrices que encarnan a Juana y a Teresa. Laura D’ Anna y Teresita Galimany muestran una gran química en el escenario. Es gracias a esto que ambas pueden despegarse de la parte de manual que implica el tratamiento histórico, y así poner en contraste el carácter templado de la monja con la apasionada exaltación de la reina. Al igual que ocurre con los momentos en donde los personajes se dirigen al público, es en la delirante incomprensión entre las dos donde se encuentran varios de los momentos cómicos. Todo ello marcado por un final quizás demasiado solemne, aunque también adecuado al entramado religioso que veníamos viendo, y donde la forma y el contenido confluyen. Y donde el título de la obra encuentra su perfecta expresión.

Estreno: sábado 4 de mayo, 20 hs.
Funciones: sábados, 20 hs.
Lugar: CELCIT (Moreno 431, CABA)
Entradas: $350 general | $250 estudiantes, jubilados, docentes | $150 invitación especial | 2×1 club La Nación, Escena Club, Clarín 365
Informes: 4342-1026

Ficha técnica:
Dramaturgia: Adriana Genta
Elenco: Laura D´Anna, Teresita Galimany
Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo
Iluminación: Soledad Ianni
Música original: Osvaldo Aguilar
Coreografía: Franklin Dávalos
Producción ejecutiva en Buenos Aires: Mercedes Kreser
Producción ejecutiva en Lima: Juan Carlos Adriánzen
Producción ejecutiva: Carlos Ianni
PrensaOctavia Comunicación
Asistencia de dirección: Andrea Albano
Dirección: Alberto Isola

Las Novias del Templo Escondido

En el  Complejo Histórico Santa Felicitas, los días 4 y 5, con entrada libre y gratuita, bajo la dirección de Andrea Castelli, la danza en su máxima expresión con la muestra coreográfica  llamada Barroco en Barracas, las Novias del Templo Escondido.

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Se usó uno de los pabellones del primer piso del Santa Felicitas, para realizar la puesta, donde la música y la danza se expresaron en contra de la violencia de género, dando lugar a que bailarinas y bailarines, enfundados en sus trajes de novias, sin los límites que marcan un escenario convencional,  confluyeron, en un lugar muy especial.

Uno de los aciertos de sus organizadores es el lugar elegido.  El Complejo histórico de Santa Felicitas es un lugar con una huella en la historia para el barrio de Barracas, que data del año 1872, cuando Felicitas Guerrero, fue una victima más, de femicidio, tras ser asesinada de dos disparos, a los veinticuatro años, por el joven Enrique Ocampo, debido a que Felicitas se inclina por otro pretendiente que también la corteja: Manuel Sáenz Valiente. Sus padres ordenaron construir esta capilla que es obra del arquitecto Ernesto Bunge, con un estilo  neogótico, de casi una manzana conviviendo con casas de bajo y con veredas llenas de árboles.

Contado este contexto, diremos que fue una hermosa puesta donde se jugó con la intensidad de la luces de interiores, donde el baile quiso hacerle frente a la muerte escondida entre columnas de alabastro, donde la  armonía de la música se veía, alguna que otra vez,  rota por el grito de alguna novia, la cual primero era amada y luego desgarrados sus velos por la violencia.

El público, acompañó a esta puesta, en forma dinámica,  se desplazó a lo largo de la cúpula, siguiendo visualmente a los bailarines, aparecer y desaparecer de la bóveda, para lograr la atmósfera de novias caídas, sueños truncos, velos desgarrados y gritos hirientes.

Previo a eso, en la Planta Baja, una muestra de vestidos bajo el título de «Vestidos Violentados».  Son   las obras de 19 diseñadores y artistas argentinos, creadas especialmente para  Barroco en Barracas. Las novias del Templo Escondido. Esta misma muestra se había presentado, por única vez, en el Teatro Gral San Martín, el viernes 3 de mayo,  a las 18 hs, donde se los pudo ver desfilados,  bailados e interpretados.

Toda la propuesta visual, de un gran contenido artístico, de buen gusto, en ningún momento expresar lo violento se torna violento a la vista, sino que es un disfrute audio-visual y que esperamos, el mensaje que ofrece, la propuesta, el de tomar conciencia sobre la violencia de género, sirva desde lo artístico, para sumar, le aporte a una sociedad tan lastimada en algo tan íntimo como son las relaciones de parejas. Lo positivo es que el público apoya estas manifestaciones artísticas, y lo que nos queda a los comunicadores sustentarlas y  difundirlas para seguir el camino de abrir conciencias.

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Redes:   https://www.facebook.com/barrocoenbarracas/

Instagram  @performartes



reseña Diana Decunto. inboxmatutino@gmail.com

SE ESTRENA RANSOM, EL NUEVO DRAMA POLICIAL DE UNIVERSAL TV

El próximo miércoles 08 de mayo a las 22hs ARG., llega a la pantalla de Universal TV el gran estreno de la primera temporada de “Ransom”. Este drama policial co-producido entre Estados Unidos y Canadá, se centra en la figura de un experto negociador en conflictos criminales y situaciones que involucran toma de rehenes. Una serie que contiene todos los ingredientes necesarios para no despegarse de la pantalla y afrontar niveles de suspenso y tensión nunca antes vistos ¿Estás listo para vivirlo?

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La historia se concentra en el personaje de Eric Beaumont (Luke Roberts), un experto en negociaciones que sabe cómo superar momentos de crisis y alta tensión. Él y su equipo se dedican a salvar las vidas de personas retenidas bajo su voluntad, sin utilizar la violencia, sino su habilidad, capacidad y experiencia. Beaumont es capaz de entender a los delincuentes y utiliza su conocimiento sobre el comportamiento humano para resolver los casos más complicados. ¿Cuál es su método? utilizar como recurso la manipulación y así lograr que terminen haciendo lo que él quiere.

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“Ransom” está basada casos reales, muchos de ellos inspirados en las experiencias profesionales de los famosos negociadores Laurent Combalbert y Marwan Mery. Se trata de dos grandes referentes que viajan por el mundo para asistir a corporaciones multinacionales y a agencias gubernamentales en lo que a negociaciones complejas y resolución de importantes conflictos se refiere.

 

Esta creación de David Vainola, cuenta con un destacado elenco de actores, entre los que destacan: Nazneen Contractor (Stalker, Bones), Brandon Jay McLaren (Graceland, Falling Skies) y Sarah Greene (Penny Dreadful, Rebellion).
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Para más detalles acerca del estreno de “Ransom”, el miércoles 08 de mayo a las 22hs ARG, visita www.universal.tv y súmate a la conversación a través de las redes sociales:

 

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El Galaxy S10 marca una nueva era de diseño con una pantalla de película

Con la introducción de la línea Galaxy S10, Samsung Electronics demuestra, una vez más, su liderazgo a la hora de definir el futuro de la pantalla del smartphone. El nuevo producto estrella de la compañía lleva la tecnología de pantalla al siguiente nivel al ofrecer a los usuarios una imagen más brillante y realista, junto con un diseño de cámara en la pantalla que maximiza el espacio de visualización.

 

 

 

 

Con el objetivo de liberar aún más píxeles para el contenido de los usuarios, el Galaxy S10 cuenta con un diseño de cámara en pantalla que incluye gran variedad de sensores y tecnologías de cámara en un espacio pequeño. Samsung usó una tecnología patentada de corte por láser para hacer un pequeño agujero en la pantalla (además de minimizar el daño a los píxeles circundantes), lo que permite que los usuarios disfruten de todas las tecnologías esenciales de la cámara y el sensor sin perder espacio de visualización. Al perfeccionar este aspecto del diseño, Samsung logró crear una pantalla revolucionaria que cubre todo el frente del teléfono y lo vuelve todo mucho más envolvente. Asimismo, gracias al uso de Gorilla Glass 6, que es dos veces más duradero que Gorilla Glass 5, los usuarios no necesitan preocuparse por la actividad que desarrollen porque el Galaxy S10 está hecho para resistir.[1]

 

La nueva pantalla dinámica AMOLED del Galaxy S10 estimula experiencias de visualización verdaderamente cinematográficas. Con una luminancia pico de 1200 nits, la pantalla puede producir más de 16 millones de colores (36 por ciento mejor rango de color que SDR), con 100 por ciento de volumen de color móvil en el rango de color DCI-P3.

 

En la prueba de los expertos de DisplayMate, la pantalla dinámica AMOLED recibió una puntuación de 0,4 JNCD (diferencia de color apenas perceptible, por sus siglas en inglés). Esta calificación supera el 0,7 JNCD del Galaxy S9 y confirma la reproducción de color excepcionalmente precisa del Galaxy S10. Esto significa que los colores que se ven en los nuevos smartphones de Samsung son una reproducción casi perfecta de los colores de la vida real.

Además, es la primera pantalla para smartphones del mundo que admite HDR10+, un código abierto de la próxima generación para video de alto rango dinámico (HDR). La compatibilidad con HDR10+ brinda de manera efectiva imágenes de calidad cinematográfica a los usuarios al permitir que el contenido compatible se vea con la precisión que pretendían sus creadores. De esta forma, al transmitir una película favorita, los colores serán más exactos y la experiencia de visualización más envolvente.

 

 

 

 

La pantalla utiliza la tecnología de mapeo dinámico de tonos para optimizar los colores de una escena a otra y producir un mejor contraste entre las escenas claras y oscuras. Además, optimiza los niveles de brillo para que hasta los detalles más pequeños se vean hermosos, y produce colores negros verdaderos para mejorar los detalles de las sombras, incluso en condiciones de poca luz.

 

La comodidad es clave cuando se trata del Galaxy S10, por esta razón, Samsung optimizó sus nuevos productos destacados con innovaciones que facilitan aún más el uso de estos fantásticos dispositivos.

La pantalla dinámica AMOLED cuenta con la certificación de los expertos de TÜV Rheinland por haber reducido en un 42 % la luz azul[3], lo que puede ayudar a los usuarios a proteger la vista. Lo mejor de todo es que, además de facilitar a los usuarios el descanso nocturno, la tecnología de reducción de luz azul de los smartphones no requiere filtros y no compromete la calidad de imagen de la pantalla.

 

 

 La pantalla del Galaxy S10e tiene Gorilla Glass 5.

La tecnología de expresión de color precisa de baja gradación no está incluida en el Galaxy S10e.

En comparación con el Galaxy S9

 

Análisis: Cuphead para Nintendo Switch

Por Daniel Alvarez

Para aquellos que no lo conocen, Cuphead es un juego de disparos y plataformas en 2D que vio la luz en el año 2017 para las plataformas Xbox One y PC. Nacido como un proyecto independiente desarrollado por Studio MDHR, y que fue apañado por Microsoft para lanzarse como un exclusivo de sus plataformas, este juego llegó a vender más de tres millones de copias. El éxito de este juego viene gracias a su imponente estética que nos recuerda a las películas de animación de los años 30′ y el gran (y divertido) desafío que supone jugar con estas dos tazas que tenemos como protagonistas.

Vayamos al grano, Cuphead es una obra maestra que no solo nos ofrece un juego que se ve bonito, que por cierto se ve fantástico, sino que también nos trae un juego de plataformas frenético donde el entretenimiento es su mayor virtud. Ya mucho se ha hablado sobre la dificultad de este título, y no me queda más que afirmar que esos dichos son totalmente ciertos, Cuphead es un juego desafiantes, donde debes morir una gran cantidad de veces para poder pasar cada uno de los niveles, y los fastidiosos jefes. Lejos de ser frustrante, aunque hay niveles en los que a veces se te termina la paciencia, el título te da la libertad de completar niveles a tu elección, algo que te permite mejorar tus habilidades, y también poder comprarlas con el uso de monedas, donde el jugador podrá armar la estrategia para pasar cada nivel.

Si no tienes mucha paciencia en perder solo, Cuphead te da la posibilidad de que lo puedas jugar junto a un amigo. Por momentos puede resultar más sencillo, aunque por otros también los niveles se hacen más complejos. De todos modos la experiencia se hace mucho más divertida, aunque también puede ser el motivo de algunas discusiones junto a tu amigo. El modo multijugador en switch se hace muy sencillo gracias al uso de los joy con , cuesta un poco acostumbrarse al control de los mandos pequeños , al menos comparándola con los controles unidos o el mando pro. Para poder jugar de a dos, primero toca configurar las posiciones de los joy con antes de ingresar al juego, ya que dentro del mismo no te da la posibilidad de cambiarlos , y es necesario para comenzar con el modo cooperativo.

El juego es relativamente corto, cuenta la historia de dos tazas que tras apostar en el casino del diablo, pierden sus almas. Para que el mismo diablo les perdone dicha deuda, deben conseguir los contratos de todos los deudores, donde también van adquiriendo habilidades, para quizá enfrentarse al mismo diablo. El juego cuenta con niveles de plataformas , que sirven para adquirir monedas, útiles para comprar armas y adquirir habilidades. Luego tenemos los jefes, que serían cada uno de los personajes de los cuales debemos conseguir su contrato como deudor del diablo. Toca aclarar en las partidas de los jefes, el juego te da la posibilidad de jugar en modo fácil o normal , para aquellos que quieran jugar en el modo más sencillo, hay que aclararles que no podrán obtener el contrato una vez derrotado el jefe. Si puede funcionar a modo de entrenamiento, para conocer las mecánicas del villano, y de ahí, armar una estrategia para pasar el nivel.

En cuanto al apartado técnico, se puede decir mucho sobre la visual del juego, que como había mencionado antes, mantiene una estética de animación de los años 30. Pero más allá de eso, el juego cuenta con múltiples guiños a otras animaciones , como Mickey Mousse, Popeye, el pájaro loco , unas pequeñas participaciones de Ryu y Ken en forma de sapos, aspectos que denotan que el juego fue desarrollado pensando hasta en el más mínimo detalle. El apartado sonoro también es una maravilla, podemos apreciar en su mayoría, composiciones de jazz que se acopla a la ambientación de manera perfecta. El sonido, lejos de ser armonioso, acompaña al frenetismo que el juego brinda y a la experiencia que resulta abrumadora, pero en un buen sentido.

Claramente nos han sorprendido en el anterior Nindies Direct en marzo donde han anunciado el lanzamiento de este hermoso título en la consola híbrida. Sinceramente Cuphead y Switch se llevan muy bien, haciéndolo parecer como un juego propio de la consola. No hay que subestimar a Microsoft, que ha hecho una buena jugada al lanzar este título a la consola, un indie que se acopla muy bien con el público nintendero, y que seguramente será un éxito de ventas. Su precio de 20 dólares en la Eshop la hacen una compra que realmente vale la pena.

Cuphead es un juego que sencillamente es maravilloso, un título de plataformas frenético y con una estética hermosa y muy cuidada. El port para Switch está muy bien, puede que tenga algunos tiempos de carga lentos, y que no tenga un acceso directo para el modo cooperativo, pero aún así son detalles mínimos. Es un juego que hay que comprar si o si en switch, si es que no lo has jugado antes. Se trata de un juego muy desafiante, pero a su vez extremadamente entretenido.

Calificación: 9.5/10

Reseña: Falstaff

Por José Rossi

Próxima Función 9 de mayo a las 18:30hs en el Teatro Avenida.
Falstaff es la puesta en escena de la última gran obra del compositor italiano Giuseppe Verdi. Dotada de una serie de componentes que harán deslumbrar al espectador, llevándolo a presenciar una comedia lírica operística en tres actos, con la música del ya mencionado Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Arrigo Boito. Un espectáculo inyectado con una gran dosis de virtuosismo por parte de los artistas.

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Es una comedia cuyo protagonista es nada más ni nada menos que Sir John Falstaff de “Los alegres comadres de Windsor” de William Shakespeare. La obra también cuenta con algunos elementos de “Enrique IV”.
El argumento gira en torno a Falstaff, quien decide enviar dos cartas de amor idénticas a dos bellas damas, casadas y ricas. El cobardón y vanidoso barrigón, intenta seducir con una carta muy poética a estas bellas damas, pero su intención real es quedarse con la fortuna de sus maridos. Las damas descubren las verdaderas intenciones de Falstaff y planean junto a sus amigas un plan de venganza contra él.
La orquesta en vivo está dirigida por el Licenciado y profesor superior en Música Ramiro Soto Monllor, y la dirección escénica es llevada a cabo por Adriana Segal. Participan también la orquesta y el coro de la Compañía G. Verdi. La escenografía es digital, cuenta con una pantalla gigante en el telón de fondo, que va modificando su imagen de acuerdo a la escena en particular y esta fue realizada por Manu Tangir Farrés. El maquillaje y la caracterización de los personajes de Catalina Sofía y los vestuarios íntegramente realizados con corbatas por Sidney Page.
Cabe aclarar que la obra es en italiano, pero en la parte superior del escenario, se encuentra una pantalla electrónica que subtitula todo lo dicho en escena.

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Reseña: Forever Young

En el año 2012 se estrenó en nuestro país una obra de teatro musical llamada Forever Young, una adaptación de una obra española que contaba la historia de un grupo de artistas bajo la premisa de «que sería de sus vidas en el año 2050». Este estreno vino a la par de la reinauguración del teatro El Picadero, convirtiéndose en un clásico en dicho espacio. Años después, Forever Young sigue siendo una de las mejores comedias musicales que podemos ver en nuestro país, y que irónicamente, no envejece con el paso del tiempo.

Vamos a hablar sobre los artistas en escena, en la función del lunes (A la que tuve el placer de asistir) los actores en escena era Melania Lenoir, Ivanna Rossi, Walter Canella, Gimena Riestra, Martín Ruiz, y Germán Tripel. Hago anuncio de los intérpretes, ya que en la obra hacen de ellos mismos pero llegados a la vejez, reunidos en un geriátrico para artistas, ellos pasarán el rato recordando sus mejores tiempos y obviamente acompañado con la mejor musica.

Si bien la obra no cuenta con un eje argumental específico, sino más bien es una vivencia que imagina de forma paródica en como serían estos personajes en el futuro. Paralelamente funciona como una celebración a la vida, demostrando que todos tenemos la capacidad para divertirnos y hacer lo que nos gusta en cualquier momento de la vida.

La música elegida para la obra , van desde éxitos como I love rock and roll, i will survive, Rehab, entre otros éxitos, cada uno de ellos montados de una forma muy divertida y que se acopla perfectamente con la narrativa de la historia. En lo musical , uno de los mejores momentos de la obra, es cuando se realiza un apartado de rock nacional, montado especialmente para la versión local de la obra. Con temas como El extraño del pelo largo, mi perro dinamita; solo para mencionar algunos, se trata de una escena extensa y muy satisfactoria que denota el talento de todos los artistas en escena.

En cuanto a las actuaciones, hay que destacar a cada uno de los artistas que conforman esta obra, ya que se nota que con sus personajes se divierten mucho al igual que el público lo hace. Mención especial para Santiago Otero Ramos, que además de participe dentro del grupo de viejitos, también es el que le da la musicalización a la obra dentro del escenario con su piano, de una manera tan simple, pero que vislumbra en conjunción con el elenco.

Forever Young es una obra muy divertida a la que no le importa el paso del tiempo, además de significar una celebración a la vida y una muestra de juventud más allá de la edad. Esta obra musical ya es un clásico del Picadero, para los que aún no la vieron, les recomiendo que aprovechen la oportunidad de ver un musical lleno de talento, que te hará reír y mucho…

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Análisis de Mortal Kombat 11 para Xbox One

Por Daniel Alvarez

Mucho ha sido el hype generado ante el lanzamiento de la nueva entrega de Mortal Kombat para consolas. NetherRealm Studios había prometido lanzar el episodio con el mejor modo historia de la saga,y luego de las primeras filtraciones, los fans ya le habían dado el visto bueno sobre lo que nos iban a traer. Ahora toca saber luego de su lanzamiento si el juego ha estado a la altura de las expectativas, y toca admitir que se trata de uno de los mejores juegos de lucha con los que te puedes encontrar, aunque es cierto que hay algunas objeciones.

Empecemos por su jugabilidad, pero no por las modalidades de juego, si no más bien por el control que uno tiene sobre los personajes a la hora de luchar. En este apartado, toca decir que que sus personajes son fáciles de controlar, aunque obviamente su dominio va a llevar más trabajo que sólo unas simples peleas. El uso de tutoriales va a ser necesario para comenzar a aprender los movimientos y los ataques especiales, que serán la clave de la victoria. En relación a la entrega anterior, su control resulta más fluido, y se centra mucho más en los ataques especiales, que son las estrellas de la partida.

Entre sus modos de juego, tenemos la historia, el torneo, torres y versus, teniendo su mayor logro en el multijugador online. En cada uno de estos modos podremos obtener recompensas en forma de monedas , que nos servirá para desbloquear objetos de uso estético (Como trajes, vestimenta, poses y movimientos definitivos) ahí es donde entra uno de los aspectos más viles en la industria de los videojuegos en la actualidad, que son los micropagos. Obviamente todo es posible obtenerse a través de la jugabilidad, pero para aquellos obsesionados en desbloquear todo el contenido, necesitaran una gran cantidad de horas de juego. Si bien este no es un requisito unánime para disfrutar del mismo, este tipo de sistemas a veces termina dejando incompleto a un juego que desde el principio es de pago. Por suerte dicho sistema no es abusivo como hemos visto en caso de otros juegos (Palo para EA) y no llega a afectar la calidad del juego.

Y si, se nota el trabajo que se ha realizado en el modo historia del juego, siendo también un punto fuerte en esta historia, que realza a la jugabilidad en solitario. Este modo mantiene una cinemática bien lograda, que entretiene y que también logra mantener el interés en el juego, y la evolución que se logra a través de sus doce capítulos y las peleas que se encuentran en medio.

El rendimiento del juego es bastante fluido a través de los combates, tiene algunas demoras en tiempos de carga, pero la realidad es que apenas perceptibles. En cuanto a los personajes, están muy bien diseñados, teniendo a 25 iniciales con todos sus objetos a obtener, y los siguientes personajes que serán incluidos en los DLC.

Mortal Kombat 11 es un juego que logra estar a la altura de las expectativas generadas, brindando un juego completo y un brutal título de luchas, galardonado como uno de los mejores en esta generación. Tanto tu modo historia, que permite un buen entretenimiento individual, como su multijugador están muy bien logrados. Es un juego fácil de controlar, pero para tener un buen dominio de él, deberás pasar muchas y entretenidas horas peleando.

Calificación 9/10