Crítica: 1917

Por Bruno Glas
En principio, un término técnico: el gimmick. Precisemos: un gimmick sería un elemento añadido, poco común, llamativo por su sola presencia y superficial (esto último, ojo, no necesariamente en un mal sentido). Un dispositivo que opera a modo de artificio. Un chiche, vea.

“1917” transcurre en el momento más jodido de la Primera Guerra Mundial, y narra la misión de dos soldados ingleses que deben entregar un mensaje para cancelar el ataque a las fuerzas alemanas. El truco consiste en que la cámara se mueve de manera tal que la acción parece tener lugar en una única toma. El desafío consiste en sobrepasar la mera condición de artificio. Es decir, en comprobar si esta decisión formal ofrece una justificación desde el punto de vista narrativo. Sobretodo, cuando una de las últimas películas en hacer uso de esta técnica fue la sobrevaloradísima “Birdman”, otro film con ruido de Oscar…

Bueno, la película de Mendes se sirve de la única toma para crear un efecto inmersivo, trasladando al escenario de la guerra tanto a los personajes como al público. Dije “escenario” porque si hay algo que llama la atención en “1917” es que es menos importante la lucha por defender el territorio, que la propia supervivencia ante el terreno. El peligro no aparece encarnado en la figura del ejército enemigo, sino en la propia naturaleza que acompaña los campos de batalla. Por eso es fundamental la cámara veloz, apurada, que se mete en el barro, en el agua, en la tierra. Como también el retrato de los protagonistas: nunca son presentados como soldados a priori valientes ni del todo decididos a actuar con violencia, sino más bien como dos jovencitos inexpertos, capaces de cometer errores que podrían costarles la vida (ayudan mucho a esto las caras aniñadas de los actores). Hay dos escenas en particular que hablan a las claras de esto. La primera nos muestra a Blake y Schofield llegando al frente alemán. La cámara genera un suspenso creciente, a partir de la idea de que los alemanes podrían estar detrás, esperando para atacar. Sin embargo, las trincheras resultan abandonadas. Los muchachos se dan cuenta muy tarde de que también han sido minadas, y el escape de la explosión inmediata, con el derrumbe casi cubriéndolos, transforma el momento en una escena digna de Indiana Jones. La otra escena nos muestra a Schofield despertando en un pueblo de Francia, a merced de un cielo nocturno iluminado por bengalas. El pueblo en ruinas resulta tan amenazador para el personaje como los mismos soldados del ejército enemigo a los que encuentra. Y estos últimos aparecen desenfocados y en la sombra, como si el temor de Schofield los conviertiera en seres casi monstruosos. Lejos de querer hacerles frente, termina por escaparse de ellos.

Hay defectos en “1917”. En una película donde la cámara no parece nunca detenerse, porque son sus personajes los que no paran, los momentos de mayor estatismo saltan a la vista. Hablo especialmente, pero sin entrar en terreno de spoilers, de la escena posterior al encuentro con el aviador alemán, donde el tiempo interno del plano dura más de lo conveniente. Un momento, quizás, muy oscar-friendly. O el encuentro de Schofield con el pelotón mientras uno de los soldados entona una melodía que alegoriza sobre el destino del personaje. Aunque, después de todo, el estatismo opera mejor en la idea de circularidad que el filme maneja. Y si no, estén atentos a lo que ocurre al inicio y al final…

“1917” se muestra como una película ambiciosa, sobretodo en lo que respecta al manejo de la acción en una toma única. Pero está a la altura de su propio gimmick. Nos olvidamos que está ahí, gracias a que cumple con una regla dictada por Hitchcock: “el rectángulo de la pantalla debe estar cargado de emoción”.

Calificación: 8/10

Análisis: THOTH para Nintendo Switch

THOT es un videojuego desarrollado por Carlsen Games y que ha tenido un lanzamiento en simultáneo con el videojuego 140, ambos lanzados en la plataforma Nintendo Switch. Para hacernos una idea THOTH es un juego de tiro de doble palo en 2D que parte con una jugabilidad sencilla pero atractiva, con un diseño de nivel minimalista que nos presenta un desafiante sistema juego que puede resultar entretenido.

Siguiendo la estela de los últimos lanzamientos indies que han llegado a Switch, podemos decir que este en un juego sin muchas pretensiones, con una premisa clara y sencilla. Con dos juegos que han llegado de forma simultánea (THOTH y 140), ambos mantienen un sistema de juego que es bastante fácil de entender, que no cuenta con una historia, o una premisa que sirva de excusa para realizar determinada acción. Solamente tomas el mando y empiezas a disparar, para hacer una idea, su jugabilidad es un tanto similar a la de space invaders, aunque con un marcado concepto visual a estilo minimalista. El número 64 nos da pie al inicio del juego, en es que se presentan dos rombos acercándose a ti, y es ahí donde debes disparar para que no acaben contigo y superar el nivel. En una cuenta regresiva, los niveles van aumentando la dificultad de forma bastante considerable , pero que si logras dominarlo, es una propuesta bastante entretenida para tener algunas horitas de juego. Su control obviamente es muy senciy, en el caso de Switch, usas los botones A, X, Y, B para disparar, pero que la única función que cumplen los botones, es la dirección para donde van los disparos, guiandose solamente hacia donde apunta cada tecla, luego de eso se trata de usar el stick para esquivar los elementos que te harán perder. Si es un juego difícil, ya que los errores en repetición te hacen volver al inicio, y puede ser una tarde bastante frustrante, pero para el que se anima a tomar el desafío, es un juego bonito y barato.

Lo que le da una característica encantadora al juego es el diseño visual con el que se presenta el juego, con un estilo minimalista muy bien montado, y con un atractivo uso de colores y formas. El uso de los colores también le otorga brillo a cada uno de los niveles, que en conjunto con el sonido de aprecia de forma simple, pero artísticamente bello.

Quizá esta reseña no sea muy extensa, no porque el juego tenga poco de si, sino porque su propuesta es concisa y clara, así que no es necesario gastar tantísimas palabras para describirlo. Lo que si vamos a decir , que es un juego bueno, bonito y barato (Detalle muy importante). Si toca advertir que es un título desafiante, que a pesar de tener que solamente esquivar y disparar, puede llegar a darte algunos dolores de cabeza, pero que al tomar el desafío, puede resultar hacia el final bastante placentero.

Calificación 7.5/10

Analisis: Demon Pit para PC

Dentro de los juegos que Digerati ha distrubuido a finales del 2019, llegó el título Demon Pit, un juego en el que debes luchar contra demonios que van hacia tí. Con una oleada de enemigos constante, es una propuesta entretenida en el que tú objetivo es disparar, matar, recargar y seguir con este ciclo.

Para hablar de Demon Pit, podemos hacer una referencia al juego Doom, dónde colocamos a un personaje dónde su objetivo es matar y evitar que te maten. El juego cuenta con un sistema de hordas, en el que tienes la tarea de eliminar a los enemigos, luego de eso los niveles van cambiando y seguirán apareciendo más y más enemigos. Todo esto se produce en conjunto a un sistema de progresión en el que podrás obtener nuevas armas para ir combatiendo a las nuevas amenazas , que aumentan en número y dificultad. La jugabilidad se desarrolla en una misma plataforma, en la que los escenarios van cambiando junto a los enemigos , tenemos una gran variedad de ellos, así como elementos que se van añadiendo para agregar dificultad al juego, como la lava, rayos lásers, entre otros . El juego mantiene un dinamismo bastante interesante, en el que la progresión y las nuevas armas, son un buen añadido para seguir jugando y que este no resulte tan repetitivo, a pesar de que todo el juego se desarrolle en una misma arena. Se trata de un FPS con un estilo a los juegos de los años 90, dónde los primeros Doom son una referencia a tener en cuenta, ya que se alimenta mucho del título

En cuanto a su apartado visual, podemos decir que este FPS busca dar una sensación de que parezca un juego de los años 90, caracterizados por sus polígonos en 3D y las texturas, aún así también busca dar la sensación de ser un juego actual y mantener el equilibrio entre esas dos épocas totalmente distintas. Todo su diseño artístico está implementando para mantener una identidad un tanto aterradora y post apocalíptica, dónde decenas de enemigos aparecen en escena para intentar atacarte, y es donde la variedad hace destacar su diseño de niveles y jugabilidad. En cuanto al sonido, si bien puede resultar un tanto repetitivo, si toca reconocer que su ritmo resulta algo pegajoso y que se adecua bien a la jugabilidad que trae, salir a machacar enemigos.

Demon Pit es un juego FPS que bebe mucho de la franquicia Doom, y que nos trae un juego que nos recuerda a las primeras entregas de la serie, tanto por su ritmo frenético como por el estilo visual que nos transporta a los 90. Su rendimiento es bastante fluido, y tiene contenido suficiente para entretenernos durante varias horas en la tarea de matar y seguir matando enemigos.

Calificación 7.5/10

Análisis: AO Tennis 2

Debo decir que en este último tiempo me he hecho más amigo de los juegos deportivos, disfrutando de títulos que optan por la simulación con mayor cercanía al realismo. En el caso de AO Tennis me ha sucedido algo particular, este es un deporte que realmente me interesa mucho, aunque en la práctica realmente debo admitir que no soy bueno. Caso contrario pasa con el juego, ya sabiendo de antemano las reglas, y aprendiendo fácilmente sus controles, se hace un juego disfrutable, aunque seguramente solo para los amantes del Tenis

El estudio Big Ant hizo el primer juego de AO Tennis en el año 2018, presentando un juego con la licencia oficial del Autralian Open, y que mantiene una simulación del deporte fluida y notable en su apartado visual. En esta segunda entrega distribuida por Big Ben , notamos que el apartado gráfico ha mejorado considerablemente, pero el problema quizá es que las novedades del juego son pocas, cosa que podría haber dado mucho más de si. Lo que realmente mejora es el gameplay, que nos ofrece un apartado jugable refinado, y que se siente fluido en cada una de las partidas. Además de los correspondientes controles para cada uno de los golpes, existen una serie de características tácticas (Como el balance entre la fuerza de ataque, defensa, entre otras cosas) que hacen del juego dinámico y entretenido, estando bien logrado para aquellos que quieran pasar horas jugando. La realidad es que su reglamento y gameplay no son muy difíciles , pero quizá si no tienes mucha idea de cómo se juegue al tennis, puede que no termines enganchando con la propuesta. Esto puede parecer una crítica negativa, pero no es así, es un tema que suele pasar con la mayoría de los juegos de deporte y/o simulación, ya que el disfrute del juego depende mucho del interés que tenga el usuario de la práctica real en sí misma. Por eso mismo para hacer la crítica, he tratado de hacerme amigo del deporte, que generalmente me interesa, y que pude notar que está bastante bien logrado en gameplay y gráficos, aunque le haga falta un poco más de contenido.

En su contenido, podemos optar por las partidas rápidas, el multijugador y el modo de campaña, un elemento que últimamente los juegos de deporte están reforzando para dar un interés al juego en solitario. Quizá en ese apartado le ha hecho falta un poco más de contenido, de dejar además de la simulación, un sistema de progresión que pueda resultar útil para generar horas de juego, y no quedarse en un título de jugabilidad casual.

El apartado técnico del título si ha mejorado en consideración, manteniendo un acabado gráfico mucho más pulido y una jugabilidad que también se desempeña con dinamismo. Cuenta con algunos detalles de realismo que se ven interesantes, como las intervenciones médicas en partido debido a las lesiones que pueden sufrir los jugadores, algo que sucede a menudo en la realidad. También el título cuenta con un apartado sonoro notable, con buenos efectos de sonido y una ambientación que es muy acorde a lo que se vive en el ambiente del tenis. Quizá en cuanto a estrellas, quizá se echa un poco de falta el uso de licencia para personalidades , pero como sabes que es una cuestión de presupuesto, en su modestia podemos contar con un Rafael Nadal dando la estela al juego.

Ao Tennis es un juego del mencionado deporte que ha sabido dar las mejoras necesarias para ser un buen simulador de deportes. Si bien no es el juego definitivo, si da una buena gala para los aficionados del tenis, con una jugabilidad sencilla y entretenida.

Calificación 7/10

Reseña: Petroleo

En el Metropolitan Sura, el domingo 19 de enero tuve oportunidad de ver la obra Petroleo, con dirección y dramaturgia de Piel de Lava y Laura Fernández.

Los espectadores sentados en sus butacas, pasaron del corazón de la calle Corrientes, un domingo a las 19 hs a transportarse a un yacimiento petrolífero, en el sur, en medio del frío y la soledad de la estepa patagónica, donde una máquina no para de extraer petróleo y confluyen cuatro trabajadores en un trailer, cansados de la jornada, sin sus respectivas familias. Se inicia una ola de ideas divagantes con un humor irónico, suavemente ácido, desplegando una escenografía, que tiene peso en sí misma, porque ayuda a crear el clima y un elenco formado por el grupo Piel de Lava, excelentes, por su espontaneidad, cintura actoral para lograr hace reír, desde la mirada capciosa, insinúa sin decir nada.

El grupo Piel de Lava, integrado por Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa y Laura Paredes, se formó en el año 2003 y vienen trabajando haciendo creaciones colectivas.

La obra está el miércoles 22 y 29 de enero y miércoles 5 de febrero a las 21 hs y los domingos de enero hasta el 2 de febrero a las 19 hs. No se la pueden perder, porque encontrarán humor, una crítica al sistema, tiene mucho ingenio, excelente la dramaturgia y la puesta de la obra.

Miren si será importante el petróleo, que ha dado lugar a tantas guerras. En cambio, grupo Piel de Lava, se preocupara sobre cómo es el diario vivir, donde estos hombres intentan parar la olla y el espectador seerá testigo de su lucha.


Ficha técnico artística
Dramaturgia:Elisa Carricajo, Valeria Correa, Laura Fernández, Pilar Gamboa, Laura Paredes
Actúan:Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa, Laura Paredes
Vestuario:Gabriela A. Fernández
Escenografía:Rodrigo González Garillo
Iluminación:Matías Sendón
Diseño De Sonido:ZYPCE
Música:ZYPCE
Entrenamiento corporal:Andrés Molina
Meritorios vestuario:Daniela Dell Acqua
Asesoramiento artístico:Andrés Molina
Asistencia de vestuario:Estefanía Bonessa
Asistencia de dirección:Fabián Barbosa, Sofia Palomino, Daniela Sitnisky
Producción técnica:Claudio Del Bianco
Coordinación de producción:Mariana Mitre
Dirección:Elisa Carricajo, Valeria Correa, Laura Fernández, Pilar Gamboa, Laura Paredes


Reseña: Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Reseña: Chicas Católicas

En su segunda temporada, en el Picadilly Teatro, el viernes 17 de enero, asistí a la función de Chicas Católicas, una obra de Casey Kurtti, con dirección de Daniel Casablanca, protagonizado por Gala Castiglione, Tamara Garzón, Cande Molfese e Iride Mockert.

La historia son de cuatro mujeres, que se retrotraen en el tiempo, cuando se iniciaron en el primer grado de la primaria, con mucho humor y despojo, cuentan cómo fue crecer en un colegio religioso.

La comedia, se hace dueña de la escena, el elenco es genial, excelentes actuaciones, y además mucha empatía y camaradería, no me pregunten cómo, pero la escena lo capta, es algo intangible pero fluye.

Fue una puesta original de Alicia Zanca, la cual la tuvo de protagonista y la idea fue germinando, hasta llegar a lo que es hoy, con estas jóvenes actrices, que dan lo mejor de ellas, para que el público se reía y obviamente los obligue a recordar experiencias propias.

Las funciones son viernes y sábados 23 hs y Domingos 22 hs. Un aire de frescura a la calle Corrientes, con una cuota de humor necesaria, para el verano, donde católicas o no, son chicas, que se harán mujeres, no sólo vale la pena, la experiencia ser vivida de la mejor manera posible, sino que está bueno ser contada.


Ficha técnico artística


Autoría: Casey Kurtti
Actúan: Sofía Gala Castiglione, Tamara Garzón, Iride Mockert, Candelaria Molfese
Diseño de vestuario: Kris Martínez
Diseño de escenografía: José Ponce Aragón
Diseño gráfico: De Licea Pablo Vaiana, Diego Feldman, José María Gómez Santa Cruz
Asistencia de escenario: Macarena Del Mastro
Asistencia De Producción:Renee Civitate
Asistencia de dirección:Gabriela Biebel
Prensa:Ximena Goldenberg, Marcos Mutuverría
Producción ejecutiva:Gustavo Enrietti
Dirección:Daniel Casablanca
Duración: 80 minutos
Clasificaciones: Comedia, Adultos
TEATRO PICADILLY
Av. Corrientes 1524
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina


Reseña: Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Reseña: La Sala Roja

En el teatro Metropolitan Sura, el viernes a las 20:30 una obra para reír, a más no poder, sobre cuando nos toca ir a «La Sala Roja» del preescolar, ya no en el rol de niños sino como el de padres.

El lugar escénico es la reunión de papis y mamis, deliberan sobre temas de importancia acerca de las actividades de sus hijos, donde tres mamás, y dos papas velan por la educación de sus hijos. A esto se agrega la contrariedad que la directora del jardín de infantes está demorada y en el mientras tanto hay una maestra jardinera que intenta moderar.

Grandes logro del elenco, del libro y dirección, para parodiar a lo “noño”, a lo que parece ordenado, prolijo, pero en el fondo es caótico, todos opinan sin escuchar al otro, donde hablamos a nuestros hijos de compañerismo, empatía y el mundo de los adultos, no aplica nada de eso . La intención es por un ratito, evadirnos de la realidad, y tomarlo con humor.

La obra ha sido escrita y dirigida por Victoria Hladilo. Muchos cuando la vean como padres harán similitudes. En el dossier, Victoria cuenta que Sala Roja nació después de haber sido madre, donde volvió a andar caminos, pero desde otro rol.

Una propuesta interesante y lo demuestra el reconocimiento del público, porque esta es su sexta temporada. Tuvo gira por España. También fue representada en Panamá, Brasil y Paraguay. Este espectáculo formó parte del Festival de Teatro de Rafaela 2015.

Una invitación para reír, la propuesta de sentarse a ser el espectador de “La Sala Roja “, del elefante trompita y de padres empoderados, en un espacio, donde los niños aprenden a convivir y los progenitores, a veces, olvidan que se debe predicar con el ejemplo.


Ficha técnico artística


Autoría: Victoria Hladilo
Dramaturgia: Victoria Hladilo
Actúan:Catalina Auge, Victoria Hladilo, Axel Joswig, Carolina Marcovsky, Julieta Petruchi, Manuel Vignau
Diseño de vestuario: Susana Berrio
Diseño de escenografía: Magali Acha
Diseño de luces: Magali Acha
Diseño sonoro: Ignacio Viano
Realización de escenografia: Manuel Escudero
Fotografía: Luis Abadi
Diseño gráfico: Trineo, Sabrina Lara
Asistencia de dirección: Catalina Auge, Natalia Rodriguez
Colaboración artística: Mercedes Quinteros
Supervisión dramatúrgica: Joaquín Bonet
Co-Dirección:Cinthia Guerra
Dirección:Victoria Hladilo
TEATRO METROPOLITAN SURA
Av. Corrientes 1343
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Web: http://www.metropolitansura.com.ar/
Viernes – 20:30 hs – Hasta el 13/03/2020


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Había una vez…Edipo Rey / José Abadi intimo

El miércoles 15 de enero, en el Teatro CPM MULTIESCENA a las 21 hs, concurri a una de las funciones del reestreno de “Había una vez..Edipo Rey” de José Abadi.

Cuando vayan a verla, José Abadi, en persona, les explicará las causas que explican que un reconocido psicólogo y médico psiquiatra, termina arriba de un escenario, narrando historias.

Es un monólogo, un unipersonal, donde, contará la historia de Edipo, un tema muy vilipendiado y generalmente por gente que no conoce del tema.

José Abadi, moviéndose cómodo en el escenario, tomando una copita de vino, y como buen anfitrión, que recibe al público, los invita al ingreso a sala, con un exquisito vino. Público y José,además de brindar juntos, compartirán una historia, ubicándonos en los anfiteatros griegos e incursionando en las tragedias griegas., recordándonos a filósofos como Esquilo, Sófocles y Eurípides, para internarse en la historia Yocasta, la reina de Tebas y su esposo Layo.

Me agrada el ámbito del teatro como el concepto de poder enseñar, es interesante porque se elimina el carácter académico, para que sea un momento de laxitud, donde se escuche con placer una historia.

Al terminar la narración, José rompe con la cuarta pared, habla con el público, y desea que le hagan preguntas, deja al público en libertad de cuestionar, de inquirir más, de polemizar.

Es una obra teatral, interesante, porque es un estilo personal con una forma nueva y diferente de hacer teatro, que es la primera vez, a la cual accedo y que me dejó muy satisfecha. Es contar con la oportunidad de que alguien que se interesó por un tema, de manera didáctica, hábil, con chispas de humor, lo pueda narrar a un público, que tal vez, poco sepa y llevando un montón de información que si le interesa puede seguir investigando.

Por esta forma de utilizar al teatro como un medio artístico y cultural, levanto la copa, felicitaciones por la iniciativa y porque el anfiteatro griego y el porteño, brillen de la manera en que lo vi brillar.


Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Crítica: La hora de tu muerte

Por Guillermo Benites
La Hora de tu muerte (Countdown), película dirigida por Justin Dec y protagonizada por Elizabeth Lail y Jordan Calloway.


Vivimos en una época en la cual creo que las películas de terror están cerca del punto de evaluación “intenta superar las expectativas”, caen en recursos a los cuales muchas de las personas que vienen años viendo películas de terror ya pueden predecir en qué momento el director intentará asustarnos, no hablamos de terror psicológico sino las apariciones sorpresa o los sonidos fuertes en momentos de tensión. Así que si esperan algo de terror psicológico no se encontrará en ningún momento o situación.

Podríamos decir que esta película usa los diferentes recursos de películas de terror, entre ellas está en que tenemos un grupo de jóvenes (el 99.999…% de las películas de hoy en día), el intentar escapar a una muerte destinada (aquí le guiñamos el ojo a Destino Final 1, 2, 3, …), pero este tipo de cosas adaptabas al tiempo contemporáneo usando una app que predice tu muerte.

Lo que encuentro quizás un poco bien logrado, es al recurso de quitar lo predecible en ciertas escenas, como lo hizo IT en su primera película, el factor distractor y hacernos creer por donde saldrán a asustarnos y demostrarnos que nos equivocamos suele tener éxito en algunas escenas; sin embargo, el rumbo de la historia de la película no pasa a ser nada novedoso, ni tampoco cometer errores argumentativos y a esto me refiero por ejemplo a que pasen cosas muy locas que nada que ver con la historia solo para dirigirla en un rumbo diferente o por falta de ingenio al no saber cómo direccionar la historia para lograr el final deseado.
Para finalizar esta película me parece entretenida y recomendable para aquellos que se asustan fácilmente y les gusta las películas de terror. Pero la calificación que le doy es por el poco o nulo aporte que le puede dar al género y es mejor que las que tiene Neflix en su catálogo.

Calificación 5.5/10

Crítica: El robo del siglo

Por Guillermo Benites
Película argentina dirigida por Ariel Winograd y protragonizada por Diego Peretti, Guillermo Francella, Pablo Rago, Luis Luque, Rafel Ferro y Mariano Argento.


Existen historias en la vida real que son tan increíbles que superan la ficción al punto que es muy posible que tengamos una película y nos cueste creer que realmente haya pasado. Cuando vemos películas acerca de robos o estafas se nos viene muchas veces a la mente algunas como La gran estafa(Ocean’s Eleven) y su saga, 21: Black Jack, Los Ilusionistas (Now You See Me), Rápidos y Furiosos 5 (les recuerdo que en esta idearon todo un plan para de engaño para robar la bóveda), entre otros. En estas películas vemos como muestran al espectador el plan maestro para realizar un robo que resulta muy difícil de lograr y que incluso se presentan dificultades a medio robo y a pesar de mostrar el plan de robo, buscan sorprender y entretener al espectador con situaciones inesperadas, también recurren a romper con la línea de tiempo haciendo retrocesos en la historia. Este sería un poco el esquema Hollywoodense que se tiene de este tipo de películas para que sean considerabas, entretenidas, buenas o pochocleras.
Para ser honesto el Robo del Siglo que fue basado en un hecho real supo desarrollar su historia para hacerlo entretenido en todo momento y divertido en otros, increíble me parece la manejo del guion para crear esos momentos de humor de forma sutil en los cuales los diálogos podrían pasar como verídicos (porque al momento de hablar muchos decimos cada cosa loca y graciosa), y es que uno se imagina al autor del atraco narrándole al guionista con humor por cada cosa que pasaron.

Entre los hechos reales y ficticios en esta película uno queda bastante satisfecho con esta producción sin nada malo que decir, ni nada que pedir que se le agregue.

Calificación 7.5/10