Por: Virginia Cattaneo

Esta nueva pieza teatral toma como base al filósofo alemán Friedrich Nietzche y a su libro “El ocaso de los ídolos” donde se plantea el tema de la belleza y la fealdad ya que para el autor lo verdaderamente bello es el ser humano y en Mutis, Hefesto se da cuenta de ese pensamiento. Los personajes son un hombre y una mujer que viven enfrentados, recordando un pasado lejano y siempre a la espera de que llegue alguien a la casa que rompa con esa quietud y monotonía desesperada y que les lleve la frescura de la juventud y de la estética tan deseada. El deseo se les cumple y aparece en escena un joven cadete que trae consigo la belleza que ellos ya perdieron o quizás jamás tuvieron y desata en estos la lujuria por poseerla. 

Los actores Samira Murad, Fernando Blanes y Ariel Puente se destacan en el desarrollo de esta obra tan reflexiva y nos regalan la posibilidad de disfrutarla un viernes a la noche en una sala pequeña y con pocas butacas, lo cual asegura un clima cálido y ameno. Suma también que la escenografía es muy sencilla y con pocos elementos en escena lo que genera que uno se pueda concentrar más en lo que va sucediendo. Creada y dirigida por Martín Barreiro, Mutis Hefesto es la fealdad encontrándose con la belleza y nos reencuentra con aquello que Nietzche afirmaba: nada es bello, salvo el hombre; pero también nada es feo, excepto el hombre que degenera.

Desde La Butaca Web te la recomendamos fervientemente! Las funciones se dan todos los viernes a las 20hs y podes adquirir las entradas mediante la web de Alternativa Teatral o en la boletería del Teatro El Convento (Reconquista 269, caba.)

La expresión del amor

El amor en todas sus etapas e intensidades representa la manifestación de la pasión y la esperanza, emociones tan profundas que pueden tambalear a medida que pasen los años hasta desaparecer. ¿Acaso estamos destinados a la expectativa de que el amor sobreviva y nos salve?

Las expresiones del mismo van más allá de las palabras y los obsequios, se establece en momentos y los recuerdos que asociamos. Es un manifiesto donde todo está escrito salvo el final, mientras prevalece y quiere seguir estando. Los Pipis Teatro presentan su más reciente obra: El mecanismo de Alaska, dirigida por Matías Milanese  y Federico Lehmann (Los Pipis) y escrita por este último.

»Dos pibes se encuentran en la Universidad Nacional de las Artes, se enamoran en un debate pasional, adoptan una gata que encuentran en un teatro a la que se comprometen en cuidar. Este es el punto de partida para esta obra que pretende descendencia, donde el mecanismo de la historia es puesto en marcha y también traicionado. Como la coalición de dos cometas. Una chispa multicolor. El origen de la ficción. El cauce de la pasión para abandonar el mundo habiendo dejado algo. Un reflejo de expresión como el ronroneo de un gato, que le pasa en el cuerpo y no lo puede evitar». Es la sinopsis de la obra presentada en Timbre 4.

Milanese y Lehmann, junto a la participación especial de Camila Marino Alfonsín, recrean la biografía de Los Pipis y  la relación de pareja de ambos desde el inicio hasta hoy. Una muestra de lenguaje abstracto  e histriónico donde las emociones están en euforia.La poesía y el performance forman parte del estilo de Los Pipis y en esta, su obra más personal rinde homenaje a sus afectos por lo que hace una experiencia íntima, reveladora y pasional. Glitter, colores fuertes, pelucas, baile, telas y sorpresas son parte de los recursos que Los Pipis utilizan, todo esto acompañado de la música original de Stevie Marinaro, el cual hace reminiscencia a Bad Romance de Lady Gaga.

El mecanismo de Alaska más allá de ser un manifiesto, es la prueba de un amor que sigue vivo y  la existencia de la poesía. La poesía hecha obra y una muestra de amor de Los Pipis hacia el público. Disponible los domingos a las 18 horas en Timbre 4 (México 3554) Escribió Sebastian Arismendi para La Butaca Web.

Por Eloy Rossen

En los cruces, el hallazgo

Entrelazando autorías y lenguajes, Nayla Pose dirige “En este mundo loco, en esta noche brillante”, una pieza de la brasileña Silvia Gómez que diseña un concierto sensiblemente bello para una trama puramente desconcertante.

Plataforma Fluorescente -un dispositivo de creación transdisciplinario- trae a Buenos Aires la primera edición de Temporada Fluorescente, en esta ocasión con la participación de las integrantes del grupo teatral Piel de Lava -conocidas por sus producciones como “Petróleo”- que curaron tres piezas bajo el lema “El mapa de nuestro tesoro: cartografías de supervivencia”. La propuesta trae consigo la dramaturgia de tres autoras de diferentes nacionalidades que escriben desde la sensación constante del colapso inminente, desde narrativas insolentes frente a las lógicas coloniales, capitalistas y patriarcales. “En este mundo loco, en esta noche brillante” constituye una de las patas de este gran proyecto, inscribiéndose en la intrincada iniciativa de gestar nuevos mundos con un lenguaje distinto y propio: una tarea que no pretende dar respuestas ni resolver acertijos, sino dudar de todo y construir desde el escombro. La obra se realiza en Estudio Los Vidrios, un espacio dedicado a la producción escénica, pero toma lugar en el Kilómetro 23, una parcela árida y vacía donde ni los aviones llegan, un lugar fuera y dentro del mundo que se tiñe de un color distópico y apocalíptico. La rutina de una vigilante del Kilómetro se transforma con la llegada de una chica que sufre delirios, una niña prácticamente, que fue agredida sexualmente en esa misma noche estrellada. No hay grandes estructuras de acero o madera para aggiornar la escena -estrategias de las cuales hoy en día las producciones teatrales abusan continuamente-, sino que la misma embebe al público en un sólo gesto con dos colchones, algunas sillas y un par de cascos. Daniela Flombaum y Carolina Saade gozan en el escenario con una corporalidad afilada y conmovida, que invita a los ojos del espectador a comerse la puesta. Sumergidos en una lógica paralela y distante, emerge en los ojos de la audiencia algo sincero y quebrado: en el encuentro de esas dos mujeres, la empatía se tropieza con los miedos de los últimos momentos de nuestro violento, consternado y doliente mundo, que reclama desesperadamente la imaginación de otras realidades posibles. El teatro todavía como lugar para probar un poco de lo desconocido: se ratifica la convicción una vez finalizada la obra y el mundo descansa.

La dirección de Nayla Pose sobre el texto de la autora brasileña, Silvia Gómez, contiene una lectura profunda y expansiva que corre el texto hacia nuevos enfoques de interpretación y sensibilidad. La obra juega con el cambio de registros entre la ficción y la realidad, revelando los artilugios que componen el engranaje poético: el equipo técnico interviene en la obra, las intérpretes rompen con la cuarta pared de manera constante y los “efectos especiales” no son más que francas invitaciones a entrar en el juego, develando un avión despegando en las aspas de un ventilador de pie o una trinchera de guerra entre dos colchones viejos. A su vez, todo se ve sumido en el abundante significado que provee la poética dramaturgia de Gómez; y el delirio de la chica joven se traduce en la vorágine de nuestro hipervínculo global; la defensa de esa letal vigilante del KM3, en los últimos intentos de construcción de un mundo otro; la presencia implícita de “otros” que vienen por ellas, en el advenimiento de los últimos momentos del ecosistema como lo conocemos. Sin dudas resulta una atinada  decisión la construcción de un lenguaje escénico absurdo y poético para la pieza, ya que permite catapultar otras lecturas posibles desde una violación sexual: a partir del síntoma individual se desentraña un aflicción colectiva de opresión y sumisión. En el cruce de autorías nacionales y extranjeras, yacen las preguntas necesarias para un manual de supervivencia comunitario y regional. “En este mundo loco, en esta noche brillante” ofrece un terreno fértil para que el público pueda reflexionar y reflexionarse: es ahí donde se produce el temblor revelador que sacude la platea, esa cosa que llamamos teatro pero en realidad es pura humanidad. 

“En este mundo loco, en esta noche brillante” está todos los domingos en Estudio Los Vidrios a las 19hs. Podés conseguir tus entradas por Alternativa Teatral.

Manzanas picantes


Ya sabemos la historia de la manzana prohibida y la posterior expulsión de Adán y Eva del Edén. ¿Culpa de ella por seducirlo?

Si nos ponemos a pensar en el poder que tiene una manzana, el simbolismo de aquel fruto, ¿Pueden ser las manzanas picantes? En un posible contexto de que Adán y Eva sean argentinos y que lo estén pasando bomba. Paul Caballero trae su primera comedia escrita y dirigida por él mismo, esta cuenta con la siguiente sinopsis:

»Adán se comió la manzana pero a Eva la culparon de todo. ¿Conspiración de la serpiente? ¿fake news del diablo? Luego de ser expulsados del paraíso Adan y Eva deberán reconstruir su vida y su relación. Ante la novedad de un mundo que es totalmente extraño para ellos, cada uno disputará su punto de vista sobre lo que le espera al mundo a partir de ellos. Muchas preguntas y muchas respuestas en esta bíblica comedia de enredos».


Cristian Mariani hace de Adán y Nancy Meijide de Eva. Él muy holgazán en su privilegiada posición de hombre, ella estresada y angustiada por el futuro que se le viene. Adan y Eva no congenian pero aún así lo pasan bien entre sus malentendidos, dan origen a nuevos conceptos y se cuestionan las decisiones del todopoderoso. Hay blasfemias claro, pero si mucha diversión.


La obra de Caballero es simpática y ocurrente, muy urbana  bíblica. La puesta en escena de Alan Faboulus es simple y rudimentaria, con toques selváticos. Mariani está increíble en este papel, su acento cordobés se potencia  y aporta inocencia a la obra Meijede hace la contraparte en este rol histérico y divertido.


La Manzana de Adán es una comedia divertida, blasfema y simpática ideal para irla a ver al teatro luego de una jornada de trabajo estresante.Disponible los jueves  a las 23 horas en el Teatro NUM (Juan Ramirez Velasco 416)


Escribió Sebastián Arismendi Ramos.

Onegin en Ballet

En la temporada Ópera y Ballet, el Teatro Colón tiene el agrado de mostrar piezas poco conocidas dentro de la cartelera clásica. Dentro de las mismas destacan las reversiones de óperas y novelas llevadas al Ballet, las cuales se destacan por su nivel de interpretación y solemnidad.

Durante los primeros 11 días de septiembre, El Teatro Colón presentó Onegin, ballet alemán presentado por primera vez por el sudafricano John Cranko en 1965 en Sttugart. 

Onegin está basado en la novela  de Alexander Pushkin‘s (1825-1832) Eugene Onegin, con música de Pyotr Ilyich Tchaikovsky  y arreglos de Kurt-Heinz Stolze. 

Junto a la dirección de Mario Galizzi, encargado del Ballet estable del Colón. Tara Simonic, directora musical estadounidense encargada  por esta vez de La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Diseño de escenografía por el gran Pier Luigi Samaritani y vestuario original de Roberta Guidi di Bagno, se presentó esta pieza.

Con una composición de seis escenarios y tres actos, el Ballet estable acompaña a los bailarines principales  del ballet de Stuttgart  Martí Paixà y Elisa Badenes.

Galizzi coordina a los bailarines con delicadeza y minuciosidad, estos van a transitar en grupo o parejas en el escenario de  Samaritani, el cual crea el efecto de ilusión óptica con el uso de espejos, tridimensionalidad con el uso de decorados y luces. Pasamos de exteriores e interiores durante los entreactos, colocando principal atención  a la transición de los bailarines en la misma.

El vestuario de Guidi di Bagno se pasea entre lo clásico y moderno, dando importancia a representar a la aristocracia rusa en sus trajes, también la sensualidad enfocada en los momentos en solitario de la pareja protagonista, siendo el escenario escogido los interiores del palacio.

La música de Tchaikovsky dirigida por Tara Simonic sabe cómo trascender a cada butaca del teatro, estando sus vals presentes no solo en los pasos de los bailarines, sino estando estos clásicos  en nuestra memoria colectiva.

Onegin se hace una experiencia más que audiovisual, sensorial. La gran puesta en escena y el ballet estable provocan suspiros y pupilas dilatadas entre la delicadeza, el asombro y la magia que desprende esta obra.

Onegin es inolvidable.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.