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Chicos lindos es una obra que se presenta los viernes a las 20 horas en espacio artístico La sodería. Se trata de una performance que nos trae a un grupo de chicos denominados lindos, que harán catarsis y una crítica sobre la percepción de la belleza en el ambiente artístico, así como también un juicio sobre el concepto de masculinidad previamente instalado.
Vamos a una realidad, el mercado para el rubro actoral es bastante cruel. Estamos acostumbrados a tener una definición de belleza, más ahora debido al alto consumo de Netflix, quienes son los que más colocan un filtro de belleza al elegir sus casting. O no van a creer que en estas producciones siempre eligen en la mayoría de los casos a los chicos carilindos, bien entrenados y perfectamente rasurados. Desde ese punto arranca chicos lindos, hablando desde el punto de vista teatral, sobre cuáles son las exigencias que tienen estos muchachos para poder sobresalir, y cuál es la realidad que pasa sobre sus mentes.
La obra usa el texto y lo performatico en conjunto, primero hablando de manera directa la problemática de sus protagonistas, pero en momentos buscando una forma mucho más visual para para darse a entender. La obra nos deja unos 55 minutos intensos dónde no nos da respiro a pesar que se encuentre dividida en secuencias casi autoconclusivas. Los actores juegan con la mirada del público, trabajan con ello y se ve convincente.
Chicos lindos es una más que agradable opción para apreciar una mirada distinta sobre la percepción de la belleza y el concepto de masculinidad dentro de un ambiente feroz y que aún necesita de una fuerte deconstrucción. Chicos lindos puede verse los viernes a las 20 horas en el espacio artístico La sodería (Vidal 2549) Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web.
Uno de los precursores del expresionismo alemán fue F.W. Murnau que, en la década de los 20 había triunfado con filmes como Nosferatu y Amanecer. Su llegada a Hollywood al igual que gran parte de la línea de directores expresionistas, supuso entrar a grandes productoras, en este caso la de WIlliam Fox. Al no tener 100 % de libertad creativa, se alejó de su estilo original y se fue hacia el realismo, tal es el caso de »El pan de nuestro día», primer filme sonoro de Murnau y también su último antes de fallecer.
El film, realizado en 1930, cuenta la historia de un amor comprometido por las circunstancias y una oposición entre el campo y la ciudad, con un padre que somete a su tiranía patriarcal. Charles Farrell, Mary Duncan, David Torrence y Edith Yorke son parte del elenco de este filme ambientado en un campo de trigo, donde una joven de ciudad debe enfrentar al machismo y a su suegro, todo esto en una época y en un contexto socio geográfico donde la mujer tenía poca voz.
La historia de »El pan de nuestro día» es simple, el filme cobra fuerza en su segundo acto cuando la protagonista conoce a sus suegros, la tensión aumenta así como el conflicto que comienza a cocinarse bien. El manejo de cámara de Murnau es espléndido, fue uno de los precursores del traveling, a su vez la fotografía es impecable. La referencia del trigo y del pan como alimento, fuente de trabajo y opresión es clara. Los prejuicios, la tiranía, la reivindicación, el perdón y el bajar el orgullo son partes de las fases que enfrenta el villano.
Este filme fue exhibido en el VIII festival Asterisco en el CCK el domingo 31 de octubre, para ello se reprodujo en un proyector de celuloide de cintas de rollo,su versión muda original, acompañada por banda sonora en vivo a cargo de 107 Faunos y Niño Elefante. (Se encuentra en Youtube, la recomiendo) Más información sobre la programación del festival la pueden encontrar en https://festivalasterisco.com.ar/ El festival termina el 7 de noviembre.
Aunque ya venía rumoreándose desde hace tiempo (con una suculenta filtración desde la base de datos del servicio en streaming de Nvidia), no ha sido sino una grata sorpresa encontrarse la tarde del 20 de octubre con una nueva página en Steam, para la precompra del último título de la saga God of War, con fecha del primer trimestre de 2022.
Y es que el título de Sony Santa Monica es una de las joyas de la corona que conforma el catálogo de PlayStation. No obstante, este no es el único juego que hemos visto abandonar la base de la empresa nipona, para entrar en tiendas de pc como Steam o Epic Store. Títulos como Horizon Zero Dawn o Days Gone son algunos de los últimos que siguieron este movimiento. Y eso me genera una pregunta: ¿hace esto que dejen de considerarse exclusivos? ¿consideraremos todos los exclusivos como exclusivos temporales?
Ante la primera pregunta, la respuesta rápida es, sí, claro, ya no son exclusivos, están en más de una plataforma. Pero no es tan simple. God of War por ejemplo, salió en 2018, y si haces números te darás cuenta de que para el momento de su lanzamiento en ordenador, habrán pasado cuatro años desde que vio la luz en consolas.
¿Cuál es el objetivo de una exclusividad? Sencillo, dinero. Si un juego sólo se puede jugar en tu consola, la gente que quiera jugarlo tendrá que comprarte la consola lo que genera dinero, y desde luego comprará el juego lo que genera más dinero. Pero cuatro años después, prácticamente todo el mundo que ha querido jugar God of War, ha tenido tiempo más que de sobra. A día de hoy, el título ha venido unos 20 millones de copias, siendo esto casi la mitad de lo que ha vendido toda la saga. Creo yo, que la funcionalidad del exclusivo se ha cumplido, con creces.
Lanzar el título ahora en pc lo único que conseguirá es aumentar el número de ventas, explotando todavía más la licencia después de haber cumplido su función original de vender consolas.
Respecto a si todos los exclusivos son exclusivos temporales, tomemos como ejemplo Death Stranding. Este título se lanzó directamente como un exclusivo temporal: en noviembre de 2019 salió en Ps4 y no llegó hasta ordenador hasta Julio del año siguiente. 8 meses de diferencia, anunciado así desde el momento de su lanzamiento. Esto es lo que entiendo como exclusivo temporal. Llega Sony y te dice: ¿tienes muchas ganas de jugar al juego? Cómpratelo para Ps4. ¿Uy, no tienes ps4?, no pasa nada, cómpratela. Si no, puedes esperarte 8 meses, tu verás.
Con el resto de juegos antes citados, se presentaron en un origen como exclusivos de la consola de Sony. Esto significaba que no iban a salir en otras plataformas, al menos de momento, y sin ningún tipo de fecha programada. Entre el lanzamiento de Horizon Zero Dawn en Ps4 y Pc pasaron más de 3 años y con Days Gone pasaron algo más de dos. Todos estos casos sin saber a ciencia cierta hasta el momento del anuncio si realmente iban a ser porteados. En el caso del Horizon, este vendió unas 10 millones de copias en ps4 y en su mes de lanzamiento en pc, se acercó al millón de copias vendidas. Es una estrategia excelente desde el punto de vista de generar mayores números, pero ha generado mucha controversia entre el público.
La gente ha aprovechado para decir todo lo que se le pasa por la cabeza, entre otras cosas el profetizar “el final del gigante azul, una vez se quede sin exclusivos” y esto no puede estar más lejos de la realidad.
Siendo claros, en mi caso prefiero saber de antemano si un título será exclusivo temporal, aunque esta temporalidad abarque varios años, que permanecer con la duda de si comprar un título en consola será la mejor opción o si me arrepentiré en los próximos meses al ver un suculento y mejorado port a PC (Miyazaki, por favor, lleva Bloodborne a pc).
Merece la pena recalcar que, los títulos que estamos viendo porteados forman parte de lanzamientos originales de Ps4, consola cuyo recorrido ya ha terminado prácticamente, aunque algunos títulos siguen lanzándose simultáneamente para esta consola y la nueva generación. De forma que de momento olvídate de ver en pc un Spiderman, el último Ratchet and Clank o Returnal entre otros.
Cambiando de colores, si bien Microsoft lleva tiempo sin apostar por la exclusividad directa, ofreciendo versiones de la inmensa mayoría de sus títulos en Pc, a la vez que en consolas, ha dado un paso más allá, permitiendo a través de Xbox Cloud Gaming y utilizando una Xbox One, conectarse a una Xbox series X para jugar a los juegos del Gamepass con mayor rendimiento y acceder a juegos no disponibles en la vieja consola de Phil Spencer, pero si en la nueva generación.
Recapitulando, la respuesta a la pregunta no es ni sí ni no. Depende mucho de la forma en la que lo veas, no hay blancos ni negros en el mundo, sólo una amplia escala de grises. Igual que en la vida, y la actitud con la que te lo tomes influirá mucho en esta. Al fin y al cabo, lo importante, es disfrutar de los videojuegos, estén en tu consola o no.
Como es costumbre, antes de empezar con un título, suelo revisar la información que aporta el portal desde donde lo juego. Es por ello que me sorprendió ver que Inked: A Tale of Love presenta una fecha de lanzamiento de hace 3 años, y me hizo preguntarme qué estaba haciendo, analizando un título antiguo, en esta etapa del año, momento en el cual se presenta la mayor cantidad de nuevos lanzamientos en el medio video lúdico. No tardé en encontrar una nota del equipo de desarrollo resolviendo mi pregunta. Y es que Inked se lanzó originalmente en 2018, presentando una premisa similar a la que muestra a día de hoy, pero no llegó a mucha gente. El equipo de Somnium Games, presentó en ese momento su propuesta y aportación al medio con un título que si bien, impactaba fuertemente en su apartado visual, no conseguía conectar con el jugador en el resto. Principalmente, un mal sistema de control, que provocaba que el resolver algunos puzles fuera una tarea frustrante, provocó un alud de malas reseñas en Steam. Pero la perseverancia es la esencia del éxito y en lugar de abandonar a su suerte al título en un mar de nuevos lanzamientos, el equipo de Somnium Games continuó su trabajo para intentar conseguir hacer brillar a su pequeño proyecto, desafío que fue facilitado cuando el Publisher Pixmain les ofreció trabajar con ellos y lanzar además, el título en smartphones. Es por ello que, en septiembre de 2021, la nueva revisión de Inked: A Tale of Love vio la luz, y es esta la versión que he tenido la suerte de jugar.
Inked: A Tale of Love es un juego de puzles, juego en el cual avanzaremos por distintos escenarios utilizando nuestro poder para redibujar algunos elementos del entorno para abrirnos paso entre portales que conectan distintos mundos, con el fin de recuperar a nuestra esposa. Es debajo de esta premisa principal donde el título presenta una historia de amor y pérdida, de frustración e ira.
En un primer momento, no es fácil anticiparse a los hechos que van a ser contados a lo largo de la historia. Con uno de los diseños artísticos más originales que he visto en los últimos años, se nos presenta al héroe sin nombre, protagonista de la aventura, el cual se encuentra de camino a reunirse con su mujer. Atravesando estos entornos dibujados a pluma, resolveremos unos cuantos puzles iniciales que nos permitirán entender cómo funciona el sistema de juego. No pasará mucho rato antes de que todo se ponga patas para arriba. Y es que, desde el inicio de la partida, nos encontraremos de forma esporádica con el dibujante: el responsable del mundo por el que avanzamos y de todo lo que en él habita. Esto en un principio me sacó de lugar, impidiendo que me sintiera parte del mundo, puesto que no paraba de recordarme que estoy viendo una obra producida por otro. Si bien en un principio las intenciones del dibujante permanecen ocultas, no pasará demasiado tiempo hasta que descubramos que no cumple el papel de creador bondadoso, y está causando estragos por su mundo. Al negarnos a seguir su mandato, desintegrará a nuestra mujer por castigo, y es entonces cuando la narrativa del juego se trasforma en algo fresco e impactante.
Jugablemente, tendremos que seguir avanzando y resolviendo puzles para intentar recuperar a nuestra mujer, pero tendremos la opción de escuchar lo que el juego quiere contarnos, que dista de ser una historia. El héroe sin nombre dejará de ser el protagonista, cediendo el papel al dibujante, la vida del cual podremos observar a lo largo de nuestra aventura. Vida que da un brusco giro en un momento dado. Provocando una gran impotencia en el dibujante, el cual descarga ese sentimiento sobre lo único que tiene a su control: su obra. Todo el caos que causa en su mundo es una forma de pedir auxilio, una forma de olvidar que el mundo real es mucho más duro de lo que merecemos, y en muchas ocasiones no hay forma de conseguir que las cosas vayan bien, por mucho que nos esforcemos. A lo largo de la vida, casi todo el mundo debe pasar por momentos traumáticos, como es la muerte de un ser querido, por suerte o por desgracia, la vida sigue, y en muchas ocasiones ver como nada a cambiado para el resto del mundo, es una de las sensaciones más agridulces que podemos padecer.
Inked: A Tale of Love trata sobre aceptar la pérdida, sobre entender que no podemos controlarlo todo, el mundo real no es una obra que hayamos dibujado nosotros mismos. Y esto no es algo bueno, ni malo, sencillamente es así, y engañarse creyendo lo contrario tan sólo nos causará más malestar.
Este mensaje calará dentro del jugador a lo largo de los distintos niveles, duración de los cuales dependerá de su soltura a la hora de resolver puzles. Si bien, en caso de resolver estos desafíos de forma rápida, se puede completar el juego en poco más de dos horas, es posible quedarse enganchando con algún que otro enigma, el cual no parece tener una resolución instintiva. Reconozco que he tenido que recurrir a una guía en algunos momentos, para evitar perder mucho tiempo resolviendo estos puzles. Pero quitando algún que otro momento de frustración, es bastante satisfactorio encontrar como se debían de posicionar los elementos en el escenario para dirigirnos a la siguiente zona. Al no ser un título excesivamente largo, esta mecánica no llega a sentirse muy repetitiva, junto con el hecho de que al avanzar a cada zona se ampliará un poco más el repertorio de sistemas que tenemos a nuestra disposición para resolver el rompecabezas.
Como he comentado antes, el elemento más llamativo del título es su apartado audiovisual, con un mundo dibujado a pluma que ha conseguido enamorarme. Junto a este entorno, la banda sonora del título presenta una suerte de música ambiental oriental que puede servir para convertir el bullicio mental de un largo día en un periodo de calma y meditación.En conclusión, Inked: A Tale of Love es una propuesta muy original, que cuenta una historia tan real y amarga como es la vida. Con un precioso apartado visual, merece la pena recorrer este mundo pintado a mano. Si te gustan los puzles, es una opción a tener en cuenta, pero es importante aclarar que el título es calmado, no esperes acción ni frenetismo, sino momemntos de instropección en uno mismo. El hecho de que también se haya desarrollado una versión para movil presenta una buena opción para esos ratos muertos viajando en metro. Una obra curiosa, que si no pasará a los anales de los mejores videojuegos, si lo hará al de los más originales.
Bajo el intenso calor de finales de mediados de primavera, el Centro Cultural Konex se llenó de estrellas en su quinta edición de los Premios Konex Espectáculos 2021.
100 fueron los seleccionados por los diplomas al mérito en 20 categorías (5 ganadores por temática). Estos forman parte de lo más destacado por la Fundación Konex de la década entre 2011 y 2020.
A eso de las 18 las estrellas comenzaron a llegar, todos los principales, todos los medios hegemónicos e independientes hacían fila para hacer los reportes.. Una imponente y radiante Natalia Oreiro estuvo un rato extendido concediendo entrevistas a los medios que pudo. Ricardo Darin (presidente del jurado) pasó a las casi 19 a saludar a la prensa. Alrededor estaba Iván de Pineda con elegante traje, Peter Lanzani con su nuevo look afro, Mercedes Morán saludando con júbilo, Fer Dente tomado de mano con su pareja Nicolas Di Pace, entre otros.
Luego de las 19 entraron la prensa y las estrellas, la ceremonia arrancó media hora después cuando ya la mayoría estaba dentro.
Fernando Bravo fue el encargado de conducir esta ceremonia. Los protocolos de Covid-19 no estuvieron presentes, quienes decidían usar barbijo lo hacían, el resto tenía la libertad individual de quitárselos, pero las sonrisas, abrazos y aplausos no faltaron.
Sin mucho espacio para los discursos ni lectura de la trayectoria de los ganadores, luego de anunciar a las 100 personalidades y que estas reciban sus premios junto a la foto grupal junto al presidente del Jurado y los presidentes de cada categoría, se sentía la ausencia de varios artistas que por varias razones no pudieron asistir, ya sea compromisos de agenda o personales. Erica Rivas, Graciela Borges (secretaria del jurado), Diego Peretti, Julieta Zylberberg, Lucrecia Martel, Pompeyo Audivert entre otros fueron parte de los ausentes.
Se mencionaron a los ganadores de la categoría Konex de Honor: Agustín Alezzo y Fernando Favio. Para las menciones especiales: Héctor Alterio, Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín, Grupo La Cochera, Grupo Piel de Lava, Pepe Soriano y Teatro Nacional Cervantes fueron los seleccionados.
Los ganadores al Konex de Honor y menciones especiales serán homenajeados en la gran ceremonia este 7 de diciembre en el mismo lugar.
La lista de los 100 artistas que recibieron el diploma al mérito la pueden consultar en:
Tuvimos el placer de a una de las funciones «Clandestino Maracaná», obra escrita y dirigida por Marcelo Pérez y que nos cuenta muchas historias dentro de una fonda. Toda una serie de personajes se juntan para compartir sus miserias mientras son parte de la comunidad de un lugar, que les parece ser propios.
Es difícil definir la historia propia de la obra, ya que en realidad la protagonista de la misma, es la fonda donde se llevarán a cabo los hechos. Es una puesta en la que tenemos varios personajes en escenas, y que ellos sirven para mostrar lo que genera el espacio de mencionado lugar. Un lugar donde las personas pueden refugiarse y hacer catarsis de todas las problemáticas que los rodean. Así vemos a la dueña de la fonda, con un espíritu de pelea , debido a la relación que tuvo con sus padres, a una cocinera que reniega de su Status, una posible compradora del establecimiento, dos amigas con comentarios bastante ácidos, entre otros. Existe un cúmulo de situaciones que nos muestra la desesperación de los personajes y porque desatan sus problemas todos en un mismo lugar.
Existe una muy buena dirección actoral, ya que al tener varios personajes en un solo escenario, toca medir la participación de cada uno y que esta también tenga una relevancia dentro de la puesta. Es así también, cono el ingenioso uso de la escenografía, cuando un personaje da su texto, los demás se encuentran interactuando ahí mismo, cómo espiando detrás de las cortinas, haciendo quehaceres en la cocina o simplemente estando en su mesa durante la puesta. Todo el escenario es aprovechado y logra relucir una excelente ambientación de la fonda.
Clandestino Maracaná es una obra interesante, dónde los problemas de las personas importan, pero el lugar que los une es el verdadero protagonista de una puesta en escena amena para terminar un viernes por la noche con buen teatro. Clandestino Maracaná se puede ver los viernes a las 22:30 horas en Teatro el tinglado (Mario bravo 948)
Lo inevitable (Fercks Castellani, 2021, Argentina)
El cine de terror está muy ligado con lo religioso, especialmente lo cristiano. El subgénero de posesiones está muy presente hoy en día con la saga del Conjuro de James Wan o cualquier otro refrito que sale dos veces al año. Se relaciona al fanatismo religioso y de la fe dentro del terror pues se habla de portales, los mismos son el paso entre el más allá o el infierno con el plano material, así como también el enlace para poder contar historias.
»Una familia se refugia en una antigua casa de campo las últimas horas antes del anunciado juicio final. Pero la aparición inesperada de un intruso, que dice ser un salvador, pone en riesgo su fe y su destino.» Es la sinopsis de la nueva película escrita y dirigida por Fercks Castellani.
Luciano Cáceres, Juana Viale, Daryna Butryk y Javier Godino encabezan el elenco de este filme donde los recursos son aprovechados, el 90 % de la película ocurre en una casa donde esta familia debe tomar una decisión en esta especie de apocalipsis que anuncia la radio. La fotografía de Eduardo Pinto es un gran acierto, le da un enfoque sofocante, lúgubre y onírico, parece haber salido de una pesadilla esos tonos opacos y negruzcos. La música de Nicolás Iaconis IV nos adentra más dentro de esta historia que resulta asfixiante, así como el manejo del sonido detallista.
El problema con Lo Inevitable cae en su guión, que si bien como dije anteriormente, aprovecha los pocos recursos para contar una historia decente, las lagunas argumentales son tantas que pueden ahogar a los espectadores. Los personajes no son proactivos y se limitan a lo que tienen, les falta chispa y dinamismo. El final si es inesperado y un 30 % convincente. Si bien no es una excelente ni mala película, puede ser el inicio de un resultado mejor en caso de que Castellani decida involucrarse más dentro del cine de terror.
Calificación 6/10
Lo inevitable está disponible en cines en Buenos Aires a partir de este jueves 28 de octubre. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web. Instagram: cachalote94
Tuvimos el placer de asistir el miércoles pasado a la función de «La Bomba» obra protagonizada por Juan Paya y Nicolás Maiqués. Dos personajes y una bomba a punto de explotar en el medio son el detonante de una comedia dónde las risas no van a faltar.
Dos personas quedan encerradas en una oficina y resulta que hay una bomba a punto de explotar con ellos. Resulta que al activarse el protocolo por la amenaza de bomba, todas las puertas se cerraron y estos dos personajes desafortunadamente quedaron adentro. Uno es un torpe hombre que pasaba su primer día en la oficina, la otra es una señora de pocos modales que por «casualidad» se quedó encerrada ahí. La obra juega mucho con el absurdo, en el que los personajes no son lo suficientemente conscientes de que están por morir, aunque debido a ello, se generan situaciones divertidas y que de a poco nos damos cuenta que no todo es lo que parece cuando aparece un elemento fundamental, el dinero.
Juan Paya y Nicolás Maiqués tienen una gran química en el escenario, entre ellos se pelean, se ríen, y hasta se cachondean. La obra rompe un poco lo verosímil para concentrarse en las locuras de los personajes, que funciona en tanto en los momentos que siguen más estrictamente el texto, como en aquellas partes donde se dejan llevar por el momento y las risas.
La Bomba es una obra más que divertida para pasar un miércoles a la noche. Se trata de una historia bastante alocada dónde tenemos dinero, una bomba y dos personajes bastante particulares que brillan por la excelente química que hay entre los actores.
Puedes ver «La Bomba» los días miércoles a las 20 horas en Paseo La plaza (Av corrientes 1660). Les escribió Daniel Alvarez para La Butaca Web.
Las peleas, reproches, celos y desencantos hasta terminar en el rompimiento, es parte del ciclo de una relación amorosa. Se vuelve muchas veces un ciclo que no se rompe: terminar- volver, volver- terminar. ¿Es sano o muchos sabemos amar así?
»Elmer y Madelón se están separando, pero nunca terminan de hacerlo. Desde el humor absurdo, la obra aborda temas como el conformismo, o el no conformarse con nada, la forma de querer, el tiempo desperdiciado en pensar en un futuro que todavía no llegó, la vida y la muerte como una analogía sobre la felicidad y el concepto del ‘eterno retorno’ de NietzscheDivertida y de texto profundo de la uruguaya Angie Oña, esta tragicomedia absurda, que pasa por varios géneros, es una imperdible opción para terminar la semana.» Es la sinopsis de la obra Angie Oña, dirigida por Laura Cecilia Álvarez.
Pablo Rusconi y Camila Sebio interpretan a esta pareja enemistada- enamorada que en medio de maletas deben decidir quién se va, quien se queda o si vuelven a la cama. Ambos tienen una muy buena química , se desenvuelven entre dos sillas de madera.
Laura Cecilia Alvarez también es responsable de la escenografía, completamente atinada. El diseño de luces tiene una intimidad característica, el rojo es el color que más predomina. El libro de Éter retornable es una comedia romántica sobre lo que ya no está, lo que queremos recuperar pero aun así no es fácil. Éter retornable está disponible los domingos a las 20 horas en el Teatro Buenos Aires (Corrientes 1699) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
En honor a Halloween este domingo y al lanzamiento de Call of Duty: Vanguard la próxima semana, quisimos compartir un video que muestra la «Pared de trofeos Vanguard Zombie» de Londres, que debutó a principios de este mes.La aterradora instalación, que permitió a los fanáticos conocer de cerca y personalmente a los miembros del ejército de los muertos vivientes, pueden encontrarla aquí:https://www.youtube.com/watch?v=rtFciheY9d0&ab_channel=CallofDuty¡Feliz cacería!
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