Crítica: El Escándalo

Por Leonardo D’Assaro
Edmund Burke dijo: “Cuanto mayor es el poder, más peligroso es el abuso”


Y de eso se impregnan los fotogramas de esta película, que nos grita en la cara que quien tiene el poder, generalmente abusa del mismo. Lo quiere todo, porque piensa que puede tenerlo todo. Bombshell, es una película basada en hechos reales.

Al principio, se nos anuncia que la película menciona nombres reales y que, en algunos casos, los nombres de las personas fueron modificados, como también algunas situaciones para ajustarlas al guión.
La película se centra en las denuncias por acoso sexual que caen sobre Roger Ailes, el fundador de Fox News y cómo muchas de sus empleadas mujeres que fueron sus víctimas, buscan sacar adelante la verdad, enfrentando a toda una cadena y a una parte del país que se identifica con lo que Roger Ailes representaba.
Esto ocurrió en el año 2016, previo al movimiento #Metoo y las declaraciones de acoso sexual que las actrices realizaron contra el dueño de Miramax, Harvey Weinstein. Somos testigos, de cómo estas mujeres, la presentadora Gretchen Carlson (Nicole Kidman), la periodista estrella Megyn Kelly (una excelente actuación de Charlize Theron), y la periodista principiante y personaje que no pertenece a la historia real, Kayla Pospisil (Margot Robbie) forman parte de la denuncia de acoso sexual al fundador de Fox News, Roger Ailes (Un gigante y oculto detrás del maquillaje John Lithgow).

Generalmente cuando estamos frente a una película basada en hechos reales, se genera una necesidad de querer saber la verdad detrás de los hechos expuestos. Mas si uno desconoce la historia y los personajes involucrados.
En este caso, falta compromiso. Hay una mano blanda detrás de la dirección que hace titubear el concepto, a pesar que el barco llegue a buen puerto. Es un viaje que puede ser agradable para un espectador de telenovelas vespertinas, pero no termina de ajustar las tuercas para dejar bien en claro el mensaje de la historia.

Además, hay recursos de dirección que no se justifican (hablo de esa primera parte con personajes hablándole directamente al público – Se le llama romper la 4ta pared – que no aparece nunca más en el resto del metraje). En cuanto a las actuaciones, por momentos no logran llegar a transmitir lo que le pasaba a las victimas de este siniestro personaje. Hay una sensación de acartonamiento de los actores, a pesar de grandes actuaciones de Charlize Theron y John Lithgow.

Da la sensación que con más detalle y compromiso por parte de todos los implicados, podría haber sido una mejor película.

Clasificación: 6/10

Análisis: Strike Force Kitty para Nintendo Switch

Creo que me resulta difícil resistirme a un juego en el que los personajes principales son adorables gatitos, esto es lo que presenta Strike Force Kitty, un juego en el que un escuadrón de gatos deben salvar a la princesa gatita secuestrada por el imperio Fox. Se trata de un título que nació a partir de un juego de navegador, y que ha logrado salir en Switch, brindando una experiencia simple, ágil y entretenida.

En cada nivel tienes la misión de encontrar el mejor camino y a su vez ir obteniendo disfraces que serán útiles para ir contra los enemigos. Estos disfraces están hechos en referencia a la cultura pop, los cómics y el animé, y cuenta con más de 300 disfraces que además de contar con su aspectos coleccionables, cuenta con alguna habilidad en lo jugable. En cuanto a los controles, lo que mayormente se debe realizar en el juego es saltar, ya que los personajes pelean solos, y obviamente también buscar la manera de llevar al escuadrón al lugar que quieres llegar. La dificultad no es muy desafiante, aunque te incentiva a regresar niveles para fortalecer a tus gatos, todo esto está pensado para el disfrute de un público quizá más infantil, aunque la historia es bastante entretenida para todos.

A pesar de ser un juego que cuenta con un carácter web o de móvil, el título de adapta bien a la Nintendo Switch, teniendo un mejor rendimiento desde lo portátil. El apartado visual cuenta con un diseño de personajes coloridos y adorables, puede que sus escenarios y niveles no tengan demasiada profundidad, pero cumplen en su función de lo jugable. La banda sonora es bonita y dinámica con el juego, dicha banda sonora cambia con el ambiente en el que se encuentran los personajes dentro del juego.

Strike Force Kitty es un título que nos trae a unos adorables gatitos en un juego ágil y entretenido. Además de la jugabilidad principal, cuenta con acertijos y minijuegos que completan varias horas de entretenimiento para los más chicos, y disfrute para los adultos también. En su mezcla de rol, plataformas y estrategia , nos muestra una propuesta que aunque es muy sencilla en su ejecución, resulta bastante agradable para pasar el rato.

Calificación 7/10

Crítica: Aves de presa y la fantabulosa emancipación de una Harley Quinn

Por Agustín Villegas

El personaje invitado siendo el protagonista…

Hace veintiocho años Paul Dini y Bruce Timm crearon a Harley Quinn con el fin de darle al Joker una sidekick. Su primera aparición fue en la épica BATMAN: THE ANIMATED SERIES, en la cual se la presentaba como la demente y sumisa novia del principe payaso del crimen, una novia capaz de dar la vida en protección de su abusivo Mr J. Probablemente toda historia la conozcan, el personaje alcanzo un rango de popularidad altísimo en la década pasada, culminando con su aparición estelar en SUICIDE SQUAD encarnada por Margot Robbie. El personaje multiplicó su popularidad por mil ya que era por lejos lo mejor de ese proyecto mal habido. Robbie se comprometió con el personaje y con ayuda de Warner comenzó a cranear éste proyecto que, de pasada, sirvió como historia de origen del grupo de heroínas gotamitas BIRDS OF PREY. La primera formación de ésta pandilla justiciera estaba compuesta por BLACK CANARY, THE HUNTRESS y BATGIRL, personajes que hasta tuvieron una serie live action propia a la cual no le fue nada bien. En éste film toman la versión mas moderna del grupo y sustituyen a Batgirl por RENEE MONTOYA, un personaje medio under de las viñetas de BATMAN que había agarrado cierto protagonismo gracias a la serie de cómics GCPD centrada en el cuerpo policíaco de GOTHAM CITY. Y como si éste quilombo fuera poco tenemos como villano a ROMAN SIONIS (Ewan McGregor), mejor conocido como BLACK MASK, uno de los muchos enemigos del murcielago que en éste caso cumple una función de gangster maldito de turno (en un principio se quiso poner al PINGUINO, pero Matt Reeves quiso usarlo en THE BATMAN (2021) encarnado por Colin Farrell). Tenemos también a VICTOR ZSASZ (Chris Messina) como matón de Sionis, un asesino conocido por hacerse una marca en el cuerpo por cada persona que se carga.

Los trailers hacían que el dispositivo en el que se estaban viendo chorreen grasa, los colores y las explosiones combinados con los vestuarios y la acción demencial me dieron el presentimiento de que estabamos ante una SUICIDE SQUAD REMIX FT. BIRDS OF PREYS, y lo loco es que mí prejuicio estaba en lo correcto … pero resulto funcionando. A diferencia de su predecesora ésta película tiene un enfoque centrado y sabe a donde apunta, es coherente y verosimil dentro de su propia locura y no necesita atarse a personajes de las grandes ligas como BATMAN o ROBIN para funcionar. La narrativa es fresca y entretenida, ya que Harley narra la historia de forma desordenada presentando cronologicamente primero la acción y a los personajes después. El estilo de humor tiene mucho de DEADPOOL pero no se siente como un plagio, ya que la historia usa a Harley como un elemento que, si bien es central, resulta ser lo que ensambla al grupo que le da nombre al film y por ende pudieron mantenerla dentro de una zona oscura y criminal sin caer forzosamente en tratarla como una heroína reprimida. Ésto último le da a la película un toque especial y distintivo que ensambla inesperadamente bien con el resto de acciones y reacciones, asi que en lo que es narrativa la película garpa bastante.

El punto negativo que le encuentro es que la historia se centra mucho en Robbie y su Harley, dejando de lado a Jurnee Smollett-Bell y Mary Elizabeth Winstead quienes no se llegan a apreciar como BLACK CANARY y HUNTRESS, un tema que es distrae ya que para los que conocemos al team de los cómics sabemos que este podría tranquilamente valerse por si mismo y se siente mas una excusa para hacerle un live action al personaje popular del momento. Otro problemita que tiene la película es la bajada de linea generica con la que cuenta. TODOS (absolutamente TODOS eh) los personajes masculinos son malos o traidores. Uno entiende que sea una película para chicas (y genuinamente una BUENA película para chicas) pero un mensaje así podría ser tomado como mensaje de odio por algunos grupos anti feministas que están surgiendo actualmente, grupos surgidos en forma de confrontación al otro extremo que me gusta llamar como FEMINISMO COOL que venden en los medios y en las grandes sagas … pero quizás ese sea el juego no? Crear un movimiento masivo extremista para que salga otro movimiento extremista no tan masivo que lo confronte y así generar una masa ridícula de enfrentamientos moralistas (al fin y al cabo los poderosos deben depositar mucho de su organigrama de control mundial mediante Hollywood, divide y reinaras), pero bah, puedo perdonar ésto teniendo en cuenta lo inevitable que se volvió, soportamos el exceso de nacionalismo yanqui post 11 de Septiembre, podemos soportar ésto.

Con respecto a BLACK MASK me sentí muy estafado. McGregor se divierte en el rol y hace un laburo muy alocado en el mejor de los sentidos, pero me hubiese gustado ver a un villano hombre abiertamente homosexual. Tenía a Zsasz como pareja potencial y todo se quedo solo como una falsa publicidad que muestra como los estudios usan a los movimientos activistas para sacar provecho y, aún peor, como estos se conforman con tal poco. Recuerden que en RISE OF SKYWALKER también tuvieron la oportunidad de presentar el primer romance gay entre protagonistas con POE DAMERON Y FINN pero el propio Oscar Isaac confirmo que Disney no tuvo los huevos de hacer esto una realidad dejando como premio consuelo un beso lesbico de fondo. Yo soy de los que piensan que la sexualidad de los personajes no es algo extremadamente importante, lo que molesta es que se use de forma inescrupulosa y mentirosa para captar entradas, ya que durante toda la campaña de marketing ésto se vendió como un hecho.

Cathy Yan funciona como directora, la puesta en escena y diseños de producción en general son muy interesantes, dejando en evidencia que la directora logro liderar todos los frentes con gran eficacia … excepto el de la acción, ya que para las peleas y tiroteos llamaron a David Leitch con el fin de que la película tenga el toque genérico blockbuster post JOHN WICK que tanto le gusta a mí generación.

Si, no pense que diría ésto, pero disfrute BIRDS OF PREY (y la emancipación de blabla harley blabla). La banda sonora le da vida a una historia simple pero bien narrada, con un enfoque claro que reconfirma que Warner está apostando a la heterogeneidad con sus proyectos basados en cómics … ¿¿tendremos una película de LAS SIRENAS DE CIUDAD GÓTICA?? Veremos como le va en taquilla.

Harley Quinn (Margot Robbie) volverá en THE SUICIDE SQUAD de James Gunn, estén atentis.

Calificación 6.5/10

Análisis: 140 para Nintendo Switch

Ya hace unos días hicimos un análisis del juego THOT, título lanzado en nintendo Switch por parte de Jeppe Carlsen y que ha llegado en simultáneo junto a 140, el juego que estamos por analizar. Manteniendo una estética minimalista como el anterior mencionado, este se trata de un juego que usa las plataformas y los puzles como modo de juego. Se trata de una experiencia simplista y un tanto desafiante, agradable si has probado THOT, aprovechando también la oferta de comprando uno y obteniendo el otro gratuitamente.

Si nos ponemos a mencionar sus mecánicas, las acciones que debemos realizar son más que sencillas. Debemos saltar , correr y coordinar con la música para conseguir avanzar, siendo un círculo cuando te mueves y un triángulo cuando saltas. La importancia del juego es la coordinación, que si bien puede resultar un tanto desafiante, pero a medida que comprendes sus controles, el dominio no resulta tan complejo. El juego cuenta también con algunas resolución de puzzles, de acomodar pequeños ascensores, así como también adaptarse a las formas que se acercan, y los pequeños jefes que van en sintonía con la música. Si hay algo que nos hace que nos quedemos enganchados con 140 , es lo hipnótico que puede resultar el uso musical, en sintonía con lo visual, manteniendo una serie de niveles muy bien diseñados, que aunque se lleva desde un estilo único, hay una diferenciación para cada nivel que le da cierto encanto a cada uno de ellos.

En cuanto al apartado visual, mantiene una estética muy similar a la que hemos visto en THOT, con un diseño minimalista, al igual que una combinación variada sobre el uso de la paleta de colores. Pero lo que realmente sobresale en el apartado técnico es la música, y la importancia que está tiene sobre la jugabilidad. Si te gustan los sonidos electrónicos , la realidad es que desde este punto, es lo que mantiene al jugador prendido en cada uno de los niveles , que mantienen una coordinación que resulta muy entretenido en el campo de lo jugable.

140 es un juego que se desarrolla a través de mecánicas simples, pero que mantiene una composición en conjunto a la música y los gráficos que la hace una experiencia satisfactoria. La música es el gran punto fuerte de 140 , y lo mejor, es que lo puedes disfrutar en conjunto a THOT, comprando uno y obteniendo el otro.

Calificación 7.5/10

Análisis: Rugby 20 para PS4

Quizá el rugby no sea el deporte más popular por estos lados en este preciso momento, pero más allá de eso , toca reconocer el esfuerzo y la labor por recrear una disciplina particular y que cuenta con mucha riqueza al trasladarlo al mundo del videojuego. La gente de Eko Software junto a Big Ben, ha logrado hacer una representación interesante en el campo de la simulación de deportes, manteniendo un sistema de juego fluido y gráficamente correcto.

Ya en anteriores análisis había mencionado sobre la dificultad de reseñas los juegos de deportes, un género con el que me ido haciendo amigo en este último tiempo. Su disfrute obviamente radica en el interés que se tiene en la práctica que estamos queriendo jugar, aunque si también toca analizar si dicha práctica está bien implementada. La empresa Big Ben, junto a las desarrolladoras que trabajan para su compañía , nos han brindado en este último tiempo una gran cantidad de juegos de simulación. Sean de deportes o de conducción, es un terreno que es necesario crear unos estándares algo más que aceptable, más si no provienen de productos populares que manejen altos presupuestos. No vamos a comparar una máquina del marketing como lo es el fútbol, con un deporte como el Rugby, que cuenta con su creciente números de seguidores, pero no al mismo nivel. Ya con los estándares que Big Ben nos ha traído en sus últimos juegos del género, Rugby 20 llega con un trabajo que denota el refinamiento que se logra con un producto más modesto, para un público quizá más minoritario.

Acá no vamos a echar en líneas el reglamento del deporte , que si igual no lo conoces, no resulta muy difícil de comprender. Si vamos a hacer mención de las acciones que generalmente se realizan en la práctica, como lo es correr, empujar, agarrar o embestir; como las acciones que se pueden realizar en dicho juego. Para ello se necesita de un sistema de juego, que pueda ser lo suficientemente intuitivo y que respete su carácter de simulación. Para que su jugabilidad pueda ser dinámica a la hora de la práctica, su pequeño tutorial es claro en cuanto a los controles y las distintas jugadas que se pueden realizar, ya que este mismo deporte nos pide que seamos estratégicos para enfrentar cada partida. Aunque sus controles sean sencillos, su jugabilidad puede resultar un tanto dura al principio, quizá porque la misma IA contenga una dificultad más compleja de lo que debería , aunque con su domino la cosa pueda controlarse.

No soy muy conocedor de ligas , equipos y jugadores, aunque si toca hacer mención de algunas de sus licencias, al menos con un carácter informativo. El juego cuenta con algunas de las ligas europeas , como la primera división inglesa . También cuenta con una serie de equipos internacionales con su equipamiento y jugadores oficiales. Aunque también existe una serie de equipos sin licencias oficiales, representados en países como Argentina, Nueva Zelanda , Estados Unidos, entre otros.

A nivel visual podemos notar el trabajo que se ha tenido de llevar el apartado gráfico apuntando al realismo, aspecto que muchas veces queda a medias en productos de modesto presupuesto. Quizá pueda que exista una desproporción en los modelados algunos jugadores, que podemos notar algunos mejor trabajados que otros, pero aún así el acabado en general es bastante correcto. Las cosas mejor se sienten en el mismo gameplay, que nos brinda una imagen limpia de todo el terreno de juego. El apartado sonoro está bastante bien implementado, aunque toca decir que toda su narrativa está completamente en inglés , algo que le hace falta su traducción a pesar de ser un título que no predomina por lo narrativo.

Rugby 20 es un ejemplo de la línea que maneja Big Ben en sus juegos de simulación y deportes, quizá no sea el mejor producto en este campo, pero logra un equilibrio entre gráficos y jugabilidad para brindar una experiencia visualmente notable con un gameplay fluido. Una de los aspectos que nos echa para atrás es el tema del idioma, algo que ya muchos juegos por más modesta producción que tengan, logran trasladar el idioma a nuestro territorio. Al que no le importe eso y le interese obviamente el Rugby, es un juego bastante correcto y entretenido.

Calificación 7.5/10

Reseña: Con mi chico no te metas

Por Denise González

Los sábados veraniegos en el Teatro Luisa Vehil el elenco de Con mi chico no  te metas recibe a su público para hacerlos reir como nunca. Cuatro actores de calidad encarnan la historia de dos hermanas en sus sesenta que llevan una vida monótona. Mireya, la viuda, encerrada en el aburrimiento de su rutina, sorprende a Ana al contarle que decidió contratar a un acompañante a la casa. Su reacción no es nada positiva: como es de esperarse, la católica y solterona se indigna por esta decisión. En medio del conflicto suena el timbre: aparece en escena Emanuelle, que no se parece en nada a la foto de internet. Aunque duda, Mireya se conforma con el cuarentón de figura descuidada con tal de tener su noche fogosa. Ana, furiosa, les dice a gritos todo lo que piensa sobre ambos, y antes de llegar a la puerta para retirarse se golpea la pierna contra la mesa. Este es el momento del que Emanuelle se aprovecha para conquistarla – más bien a su billetera. Así la víctima se ve envuelta en un enamoramiento infantil e intenta desplazar a su hermana. Pero en medio de la secuencia llega Segismundo: el empalagoso hombre con el que sale Ana hace treinta años y quien jamás le tocó un pelo. Entonces se producen los enredos: Emanuelle se convertirá para Segismundo en el supuesto doctor que atenderá a Ana. Mientras tanto, ella continuará declarando su amor al taxi boy y soñando una vida con él, para, al final, quedarse con una valiosa lección de Mireya: nunca será tarde para dar color a su vida.

La obra tiene varios momentos: el principio se encarga de presentarnos a Mireya, un personaje ácido, sarcástico. Sus intervenciones rompen las estructuras durante toda la obra, tentándonos a la risa constantemente. En la segunda mitad, el centro de atención se focaliza en Ana, ingenua y anticuada. Ella nos abre una nueva gama de posibilidades cuando muestra su lado soñador y por fin entiende que siempre se ha conformado. Es el motor de las risas en la transición increíble y extrema de su participación. Emanuelle, por su parte, es fresco. La simplicidad de sus diálogos y la excesiva confianza en su físico lo hacen cómico. Además es rápido para sacar el jugo a cada situación. Por último, Segismundo, con su inocencia y lo ridículo de sus apodos melosos para Ana, se convierte en la frutilla del postre y nos hace estallar.

A sala llena y en una atmósfera de completa alegría, la obra en sí es desarrollada dinámicamente, con soltura y la precisa explotación de los dotes de cada actor. Se pone en juego su estética al servicio de la historia y así se convierte en el gran suceso que alegra la noche de tu sábado.

Funciones: Sábados a las 21:00 hs.
Duración: 90 minutos 
Teatro LUISA VEHIL – Av. Hipólito Yrigoyen 3133. CABA.
Localidades $ 350.  Reservas al: (011) 4943-0001

Entradas por: http://www.alternativateatral.com/obra70182-con-mi-chico-no-te-metas

Crítica: Gretel & Hansel

Película dirigida por Oz Perkins, protagonizada por Sophia Lillis(Gretel), Samuel Leakey(Hansel) y Alice Krige(en el papel de la bruja Holda). Encontramos en esta nueva adaptación del cuento clásico una trama que buscó ser un poco más fidedigna a la historia original que es más oscura en comparación al cuento que muchos conocemos desde niños. Ya de por si el título llama un poco la atención en la película, porque muchos lo conocemos como Hansel y Gretel, pero esta adaptación decidió poner el nombre de Gretel primero, no en vano debido a que la película está enfocada en ella.


Como diría el tío Ben, un gran poder conlleva una gran responsabilidad; y Oz se encargó de esto, para esta adaptación donde la industria cinematográfica demanda lo políticamente correcto, la inclusividad y el empoderamiento femenino tenemos una película que encuentro bastante equilibrada, en mi opinión, sobre lo que se quiere representar o dar a entender. Conocemos que el cine como arte no solo busca entretener, sino que también llama a concientizar o dar un mensaje al espectador. Y este se entiende perfectamente durante la película, sin necesidad de caer en la literalidad de las cosas. La representación de los personajes y el guion se encuentran bien desarrolladas para este tipo de adaptación.
La evolución de la historia se vuelve atrapante debido el misterio que envuelve al personaje de Gretel y su pasado, la ambientación de los escenarios me parecieron muy bueno, salvo quizás la casa de la bruja que en mi opinión parecía chalet alpino posmoderno (como de las cabañas modernas que se suelen ver en instagram), algo fuera de época. Sin embargo, los efectos, maquillaje y vestuarios me parecieron bastante buenos.

Cuando hablamos de empoderamiento femenino tenemos a una excelente Gretel a mi parecer, pues hoy en día existe una polarización de opinión en cuanto al feminismo; y encuentro a ésta película que sin ánimo de alabar el movimiento, con un enfoque de lo que es o podría llegar a convertirse. Y no quiero meterme tanto en este tipo temas, en cuanto a pensamiento o ideologías, pues lo dejo en la opinión de cada uno. Pero en mi opinión(sin ser feminista) encuentro todo bien con esta Gretel.

Calificación: 7/10

Reseña: El loco y la camisa

Por razones que desconozco, hace mucho tiempo que venía teniendo pendiente la obra de Nelson Valente y la compañía Banfield Teatro ensamble, que ha cosechado un gran éxito en los últimos años tras su paso por el teatro El picadero y su paso por el exterior. Quería entender el porque esta obra sigue vigente convirtiéndose en una obra de culto dentro de la cartelera porteña. Lo poco que puedo en este párrafo sobre la obra, es que se trata de una comedia negra familiar, que nos habla sobre la violencia que se vive de forma implicita, y dónde un personaje que no responde a los comportamientos socialmente aceptables, destapa estos hechos en una intensa reunión.

Si nos ponemos a desarrollar un poco la premisa que nos trae el loco y la camisa, es simplemente una reunión familiar. Una familia de zona sur, con una madre que ha dejado de trabajar para criar a sus hijos, un marido con un carácter machista , y dos hijos, del cual uno es el denominado «Loco» por no responder a las normas sociales. Todo el conflicto se desata cuando la hija va a llevar a su novio a la casa a cenar, siendo la oportunidad para presentarle su pareja a la familia. La cuestión es que esta mujer, avergonzada quizá de su clase social y algo de su familia, pide a su hermano que no esté presente en la cena, ocasionando problemas con sus padres y con ella misma. La cena se lleva a cabo, y el loco hace gala de su presencia, destapando las caretas de cada uno de los integrantes, incluyendo al visitante.

Durante la obra se tocan temas como la infidelidad, el sometimiento de la mujer por parte del hombre, ya que este novio refiere que cuando tengan hijos, no permitirá que su pareja trabaje para dedicarse a la familia. Entre otras cuestiones, el loco y la camisa, lo que hace es brindar una catarsis no intencional de cada uno de los personajes, de los dilemas que guardan cada uno dentro, y donde el loco, parece ser el más cuerdo de todos. La dramaturgia de Valente es exquisita, pensada en el detalle en cada uno de los diálogos, haciendo una crítica a nosotros mismos como sociedad y como llevamos a cabos las relaciones con los demás

El impacto que tiene la obra desde la dramaturgia, no hubiera sido posible plasmarse si no fuera por la labor de cada uno de los actores. Cada personaje tiene su rol definido dentro de la historia, cada uno con sus propios demonios, interpretados de forma magistral. Los actores en escena son Lide Uranga como la madre, Ricardo Larrama como el padre, Soledad Bautista como la hija, José Pablo Suárez como el novio y Gabriel Beck como el loco. Toca hacer una mención especial por la interpretación de Gabriel Beck, quien realiza una labor excepcional en el papel de aquel personaje que logra desbaratar la convivencia familiar, y que en su locura nos destapa grandes verdades que los personajes deben enfrentar.

El loco y la camisa es una obra que tiene motivos suficientes para seguir vigente tras diez años de estar en cartelera. Es una de las obras que más te harán reflexionar, además de ser una excelente pieza teatral que mantiene un perfecto equilibrio entre el humor y el drama, que dejara más que satisfecho a todos los espectadores.

Teatro el picadero

Elenco: Soledad Bautista – Gabriel Beck – José Pablo Suàrez – Ricardo Larrama – Lide Uranga

Funciones: Domingo 20.30 hs

Entradas: Desde $600.-

Desde: 5 DE ENERO 2020.-

Crítica: Judy

Por María Luz Stella

La vida al final del camino de ladrillos amarillos

Rupert Goold crea una biopic preciosa que muestra el detrás de escena de una estrella del cine de la Edad de Oro hollywoodense. Una historia emocionante por la lograda interpretación que realiza Renée Zellweger quien pone cuerpo y voz para recrear a la actriz y cantante Judy Garland. En ese periodo de tiempo va a Londres para dar una serie de shows con la finalidad de poder comprar una casa donde vivir con sus hijos. Para su sorpresa, allí su visita es muy ansiada y esperada por el público.

Zellweger hace lucir a Judy en sus facetas como madre, mujer y por
sobretodo destacándose arriba del escenario como cantante atravesando diferentes estados de ánimo tanto en el show como fuera del mismo. También es muy conmovedora, por la desafortunada y triste vida de la niña detrás de Dorothy (protagónico del considerado film de culto, El Mago de Oz, 1939) y los decorados de la Metro-Goldynw-Mayer (estudio con quien mantuvo contrato por muchos
años) que la llevaron a dejar de lado su niñez por la fama. El lado de esta trágica historia es retratado en el film a través de flashbacks que la complementan y permiten ver las
carencias y maltratos que arrastra Judy en su carrera y en su vida.

Calificación 8/10