Por Agustín Villegas

Sutil como patada de burro.

La oportunidad fue desechada. El biopic del autor John Ronald Reuel Tolkien (Nicholas Hoult), creador de la ficticia TIERRA MEDIA, resulto ser un cursi homenaje al universo literario del autor más que al autor en sí. La historia del escritor se ve pasada por trescientos filtros que convierten al personaje en un ser de luz, un hombre buenazo más movido por sucesos que por su creatividad en sí. Los paralelismos con su obra son mostrados de dos formas: mediante trucos visuales interesantes pero carentes de toda creatividad y con lineas de diálogo que exceden la exposición argumental.

La historia sigue Tolkien (pronunciado correctamente se dice Tol-Keen, dato de color aprendido en el film) durante su infancia, adolescencia y adultez, mostrando como sus amistades, vivencias bélicas y experencia de vida lo llevaron a crear uno de los universos literarios mas fructíferos y amados de toda la historia.

La historia evade todo rastro del racismo que Tolkien tenía para con la comunidad negra de Sudáfrica, llegando a borrar el interesante dato de que el autor habría usado a los negros para crear a los famosos orcos, seres que en los libros cuentan con una descripción bastante alejada de lo que Peter Jackson termino haciendo en las películas. Recordemos que el escritor en pleno apartheid, por lo que presentar ésto en el film no hubiese sido algo para golpear a Tolkien, sino para presentar su persona desde un punto de vista más humano, mas cercano a un hombre real transitando una epoca oscura. Ésto ya retrata un poco la necesidad de Fox Searchlight por vender el producto de una forma pulcra y sin riesgos.

Nicholas Hoult es uno de los mejores actores que nos dio la industria, pero en éste film no brilla. Su personaje es un sujetito encantador y nada más. Lo mismo con Lily Collins como su interes amoroso Edith Bratt. Los personajes en sí intentan tener un estilo muy Spielberg que los deja en un area vacía.

Lo visual tengo que admitir que fue de lo mejor del biopic. El director Dome Karukoski nos brinda un mundo muy verosímil y bien adaptado, zona en la que las películas de época suelen tener mucho cuidado. La fotografía brinda detalles visuales que son lindos de ver para todo conocedor de la obra, pero abusan tanto de ésto que se torna un recurso inmersivo un poco chanta.

‘TOLKIEN’ no se siente como un biopic, sino como un homenaje de nenes de segundo grado con un gran presupuesto. La falta de conflicto interno nos deja una película más del monton, pero a pesar de ésto, como fan, me alegro haberla visto.

Calificación 5/10

Por Bruno Glas
¡Es una lucha!
“Soy el Fred Astaire del karate”
Jean-Claude Van Damme

El cine de acción puede, en sus mejores películas, ser un verdadero acontecimiento feliz. Género más de una vez menospreciado, extraño si tenemos en cuenta que en él se trata siempre de mostrar el movimiento en escena (¿y qué es lo inherente al cine al fin y al cabo, caramba?). La experiencia del cine de acción es la posibilidad de ver gente actuando con todo el cuerpo, arriesgando la integridad física de los personajes pero también la del propio intérprete.
Esta tercera, pero seguramente no última, entrega de John Wicktiene algo tremendamente gozoso en su interior. No podemos hablar de una comedia de acción hecha y derecha, y sin embargo hay una comicidad interna a las escenas de pelea. Acá el protagonista busca huir de quienes lo persiguen luego de que sus propios empleadores pusieran sobre su cabeza un enorme botín. Esta circunstancia lo llevará a enfrentarse a la legión de sicarios que quiere verlo muerto. Con esta premisa, el film se las ingenia para mostrar peleas coreografiadas con el mayor detalle pero también con una libertad absoluta. Como el mismo Wick, usa todo lo que tiene alrededor para enfrentarse a los que quieren bajarlo (y no saben cómo hacer). El timinges preciso no sólo a la hora de mostrar las peleas cuerpo a cuerpo, sino de lograr con ellas el efecto cómico mencionado. Vean sino los enfrentamientos en el cuarto donde se exhiben las armas, o en el establo con los caballos. El buenhacer del director, y sobre todo de Keanu Reeves, logra que creamos posible lo hiperbólico de estas escenas. Así como estos extensos momentos de acción funcionan de maravillas, las partes más flojas son aquellas donde interviene la palabra. Es cierto que la saga involucra un universo complejo donde comparten lugar asesinos de varias agrupaciones, pero el manejo de información que los personajes llevan a cabo se hace un poco pesada. El tono pomposo de los diálogos desentona con la ligereza y la diversión de las luchas. Aún con estos reparos, el momento que mejor representa la esencia de John Wick 3proviene de una línea de diálogo. Zero (Mark Dacascos), uno de los asesinos contratados para matar al protagonista, termina arrodillado junto a él, con dos katanas atravesándole el pecho. Como si el dolor que el personaje debiera sentir fuese menor al placer que el mismo Dacascos debió experimentar filmando, le dice tranquilamente “fue una gran pelea”. Lo mismo digo.

Aclaración: la copia que se exhibió en la privada mostraba varios cortes, con la pantalla yéndose a negro. Desde este espacio esperamos que la exhibición en cines no corra la misma suerte.

Calificación 7/10

Por Daniel Alvarez

El cine dirigido hacia el público adolescente, pasó por una época en el que se realizaban adaptaciones de novelas de ciencia ficción hasta el hartazgo. Este género se fue apagando de a poco a medida que llegaban films con una calidad cuestionable, y que tampoco resultaban rentables en la taquilla. Este tipo de cine tomó un nuevo rumbo, el de adaptar dramas adolescentes, en la que hemos tenido cintas interesantes como Extraordinario, Las ventajas de ser invisible, entre otros. Lamentablemente ya se está sintiendo aquel abuso al género, donde hemos tenido bazofias como After o Cada día, solo siendo llamativas para un número reducido de espectadores, los lectores de los libros. El sol también es una estrella es una película que llega callada dentro de este género, y si bien puede resultar algo fantasiosa e inverosímil, se coloca como un film entretenido y con un interesante punto de vista sobre el tema de la inmigración.

La protagonista pertenece a una familia proveniente de Jamaica, debido a una redada aleatoria que se hizo en el bar donde trabaja su padre, deberán abandonar los estados unidos por encontrarse viviendo ilegalmente. Ya su familia resignada a tener que irse a su hogar, ella busca hasta el último recurso para quedarse, y es en el camino donde se encuentra con un chico surcoreano, con el que tendrá un fugaz romance. Quizá el punto flaco de la historia, es la forma en que se lleva a cabo esta historia de amor, tomando como excusas las casualidades y el destino para su encuentro, y que por ello deben estar juntos. Aún así su recorrido es interesante, ya que todo sucede en un solo día y logran dar un correcto desarrollo a los personajes.

Los protagonistas Yara Shahidi (Black-ish) y Charles Melton (Riverdale) están correctos en sus papeles, aunque obviamente caen en los clichés de su guión, pero a pesar de todo existe química entre los personajes , haciendo creíble su relación, más allá de la fantasía.

El sol también es una estrella es una película correcta y entretenida, que para ser dirigida al público juvenil, está muy bien lograda en comparación a los últimos estrenos dentro de este subgénero de dramas adolescentes. Mantiene un planteo interesante sobre el tema de la inmigración, aunque no se les escapan los diálogos lleno de clichés y situaciones un tanto inverosímiles. Es una película que que denota carisma desde su sencillez, aunque no esté abierto a todo el público.

Calificación 6.5/10

Por Rodrigo F. Ruiz.

UglyDolls- ¡Que vivan los feos!

En toda película para niños siempre me llama la atención lo que los grandes estudios norteamericanos suponen que es mostrable y lo que no. En este género tan particular donde conviven los recortes que rozan la censura, UgglyDolls es un caso más aunque con algunas particularidades.
La película trata sobre el deseo de un juguete rechazado/defectuoso por convertirse en un objeto de consumo,o en otras palabras por convertirse en el juguete de alguien. El mercado, la compra y la venta serán omitidas en la película, aquí primará la elipsis cuando el hecho, la consumación del deseo se concrete.
En lo que sí, la película hará énfasis en mostrar es en el proceso de formación y tormento por el cual la protagonista debe pasar para convertirse en el juguete de alguien. Es significativo el hecho que en la mayor parte de la película se resalta la tenacidad de Moxy ( la protagonista, el juguete feo) por adecuarse a las reglas de un sistema totalitario y penitente. Podemos decir que la película plantea la problemática de la vida en una sociedad donde a todo ser (u objeto en este caso) se le exige venderse y mostrarse como en una vitrina de supermercado. Y la película nos lo cuenta desde los excluidos de este sistema, desde los juguetes rechazados, lo hace de una forma en donde no encuentra alternativas o ni siquiera las plantea, es más, la película realiza un festejo de la tenacidad de los excluidos para enfrentar a las exigencias absurdas que le presenta el sistema, sin contradecirlas. Los personajes obedecerán hasta el absurdo; su único dolor y el nuestro como espectadores será cuando se enteren que nunca tuvieron chances reales de ser comprados por alguien.
Ahora, fuera de la crítica ideológica, en la cual UglyDolls es similar a todas las películas que pertenecen a este particular género ( aunque por lo menos Buzz Lightyear tomaba consciencia de ser un producto), el problema de Ugly Dolls en mi humilde opinión es su realización en general. Si podemos tomar casos similares en donde la realización, la épica, el humor remediaban carencias éticas de los filmes, esta no es el caso. Ugly Dolls contiene un conjunto de personajes indiferenciados entre sí, el grupo de amigos que parte a la aventura son tan chatos como los que se encontrarán más adelante, los traídos al mundo para ser puestos en una vitrina. Retaría a alguien que salga del cine y pueda nombrar a los amigos de Moxy, es imposible. Sumando que los segmentos musicales, en las que tanto Disney como luego Pixar brillaban en su realización, ahora se estancan en animaciones básicas.
En síntesis, Ugly Dolls plantea un acercamiento interesante desde su temática a nuestra sociedad actual, al poner el foco en los excluidos del sistema, la cuestión es que su ejecución es nefasta. Si el 70% de la película es mostrar esta adecuación a cualquier precio por parte de los personajes al mundo de la compra/ venta, no hay happy end que la salve. Sobre lo que se puede o no decir, tengamos en cuenta que esto se encuentra bien controlado, sobre lo que es bello y lo que es feo, deberíamos saber que la belleza ( o la fealdad) de Moxy y sus amigos era lo que los hacía únicos en este mundo totalitario propuesto por el film. Si la fealdad es el arma para permanecer fuera del ambiente concentracionario que es el proceso de selección de juguetes ¡Que vivan los feos!

Calificación : 3/ 10

Por María Luz Stella 

Mercedes se despierta casi a la hora de la siesta, enciende un cigarrillo, va al baño, luego se dirige a la cocina, se sirve café y enciende otro cigarrillo. Empieza a preparar un tuco para comer pasta con su hijo, mientras corta los vegetales conversa por teléfono con una amiga… Es en ese momento en el cual comienza un diálogo que parece interminable hasta el clímax de la película. Pero volvamos al inicio. Mientras se cocina el tuco, Mercedes (interpretada por Mónica Raiola) va realizando distintas tareas hogareñas como doblar ropa y lavar. En montaje paralelo vemos como el personaje de Mirna (interpretado por Maruja Bustamante) recorre en bicicleta las calles de tierra de un pueblo o pequeña ciudad ubicada en las afueras de Buenos Aires. La película inicia con un ritmo lento para el ojo acostumbrado al cine comercial, porque muestra casi como en un tiempo real lo que cada una va haciendo hasta el momento del encuentro. Con un dejo del cine oriental, la directora decide mostrar los detalles de cada acción para que acompañemos a estas mujeres en sus recorridos por la vida diaria.

Como bien dijo la directora, y logra verse reflejado en esta obra, hay un interés por indagar en la palabra y su uso desmedido para ilustrar un universo femenino específico en una película que tiene como base la cotidianidad y la conversación, con una simpleza en cuanto a lo técnico, logra construir una historia firme que deja abiertas las puertas para la reflexión.

Se estrena en las salas el jueves 16 de mayo.

Ficha técnica:

Guión y dirección: Azul Lombardía

Producción Ejecutiva: Lucas Mirvois, Pablo Ingercher y Ramiro Pavón.

Producida por: La Maldita y Oh My Gómez! Films

Dirección de Fotografía y Cámara: Eric Elizondo

Dirección de Arte: Santiago Badillo

Montaje: Nicolás Goldbart

Vestuario: Victoria Nana

Maquillaje y Peinado: Lorena Superville

Dirección de Sonido: Maxi Gorriti

Música Original: Mariano Otero

Por Ignacio Festa 

“Si estás vestida así es porque esperas a alguien”, le dice Mirna a Mercedes después de recalcarle que se le ve la ropa interior. Está convencida que mercedes es la amante de su esposo y la ha visitado con el único objetivo de enfrentarla.

Doberman es la primera película de Azul Lombardía, basada sobre la obra de teatro que presento en el ciclo de óperas primas del Centro Cultural Rojas en 2013. Interpretado por Mónica Riola y Maruja Bustamanente, el film trata sobre la conversación que Mercedes mantiene con Mirna en la cocina de su casa. Mientras espera que su hijo regrese, prepara un tuco para recibirlo con un plato de pastas. La visita de Mirna no es una casualidad: cree que su marido le es infiel con la dueña de casa y ha ido hasta allí en busca de una respuesta. El encuentro hará que las realidades de las dos mujeres se vean enfrentadas y termine de la peor manera: una tragedia doméstica.

La película busca retratar las habladurías que se gestan entre vecinos y como la envidia, el prejuicio y la hipocresía  repercuten en la vida de barrio. La personalidad de los personajes se va construyendo a través del diálogo. Si bien la conversación entre Mercedes y Mirna tiende a extraviarse, como suele ocurrir en cualquier charla ocasional, el espectador logra conocer la identidad de las protagonistas. El modo en que está filmada la película hace que el espectador se sumerja en ese mundo y presencie lo que ocurre en la película como si formara parte de la escena. A medida que la película avanza, las mujeres se irán embrollando cada vez más en la conversación, llevando al encuentro a un final inesperado.

A su vez, el film deja un mensaje de género acerca de una cuestión que afecta a ambas mujeres: la ausencia de la figura masculina. Mercedes es divorciada y, si bien vive con su hijo, pasa mucho tiempo sola porque el muchacho suele ausentarse en la casa. Mirna es madre de seis hijos, es consciente de que su pareja muestra poco interés en cumplir su papel de padre y esposo, pero se siente en la obligación de retenerlo para poder garantizar el sustento económico de su familia.

Doberman logra representar desde la cotidianeidad tanto miserias de estas mujeres como una problemática femenina que las damnifica a ambas. La cercanía de las circunstancias donde transcurre la historia hace que el mensaje que la película busca transmitir sea tangible para el espectador. La propuesta no carece de imaginación y creatividad como de verosimilitud. En un lugar cualquiera, donde parece que nada extraño puede llegar a ocurrir, suceden acontecimientos fuera de lo normal.

Calificación: 7/10