Por Daniel Alvarez

Bumblebee es una película que nos trae una historia dentro del universo de Transformers, la franquicia cinematográfica iniciada en el 2007 por el director Michael Bay. Cabe destacar que se trata de un spin off que nos relata las aventuras de Bumblebee, el simpático Autobot amarillo convertido en Camaro, aunque su historia pasa antes de convertirse en ello. Poco se extraña los excesos de Bay, ya que esta cinta resulta la más entretenida de la saga.

El conflicto principal es muy similar a lo que vimos en las anteriores entregas, la guerra entre Autobots y Decepticons está en pleno auge, y parece que la última esperanza para nuestros queridos Transformers es enviar a uno de ellos a la tierra para plantar una base y así organizar una resistencia. El Autobot enviado a la tierra, luego de una batalla donde pierde la memoria y su voz, logra convertirse en un automóvil beetle y es donde conoce a Charlie y comienza su amistad. Ahí arranca una persecución donde intentan atrapar al ahora apodado Bumblebee, que es la clave para el refugio de la resistencia.

La película se apoya mucho más en la comedia, aunque sin olvidarse de la acción y las peleas de robots, sin muchos excesos como ha sucedido en las anteriores entregas. Lo que la hace entretenida, es que se trata de un historia simple y poco pretenciosa ejecutada de una manera correcta , manteniendo perfectamente el equilibrio entre la comedia familiar y la acción. También cabe destacar el carisma de Hailee Steinfeld, quien comparte el protagonismo en vez de resultar un estorbo dentro de la lucha de robots. Las anteriores películas se han caracterizado por una marcada acción frenética, que ha llegado a grandes absurdos argumentales, agotando cada vez más el interés por la saga. Este film es más íntimo, pausado y centrado en la comedia , mostrando también su lado emocional.

El director Travis Knight (Quien también dirigió la fabulosa Kubo) realiza un trabajo más que correcto al cambiar de aires a una saga repleta de acción, centrándose en una aventura sencilla y entretenida. Las escenas de acción , aunque sin grandes sobresaltos, resulta efectiva y acorde al ritmo del relato. No hay que olvidarse de la nostalgia ochentosa , siempre es un buen añadido dentro del cine de aventuras.

Bumblebee es un soplo de aire fresco para una saga que se veía realmente agotada por los excesos de su director. Travis Knight consigue dirigir una película sencilla en el buen sentido, mostrando una película familiar más que entretenida, sin olvidarse de las peleas entre los Transformers, que son el alma de la fiesta. Es hora de que Michael Bay de un paso al costado, al menos detrás de las cámara, porque en esta ocasión lo han hecho muy bien.

Calificación 7.5/10

ROMA de Alfonso Cuarón, preseleccionada para los Oscar y ya en Netflix / Crítica de CJ COLANTONIO.

Con una fotografía sublime en blanco y negro -digna de ver en pantalla grande- Alfonso Cuarón nos regala una historia que es el reflejo de nuestro pasado, aquel que nos recuerda a nuestras niñeras de la infancia y lo que surge del más profundo amor.  La mía y de mis hermanos –de nombre Lili- habría tenido la misma edad que la Cleo de Cuarón, aquí interpretada de manera extraordinaria por Yalitza Aparicio, quien surgió de un exhaustivo casting y que expresa más allá de las palabras.

Aquellos momentos, los recuerdo tanto como este relato sincero e íntimo que construyó con paciencia este ganador del Oscar -quien rodó su anterior película hace ya 5 años, “Gravedad”- y que aborda unos de los temas más transversales del ser humano.

Con diálogos precisos, ROMA (nombre de la colonia que dispara varias interpretaciones) contiene una de las frases más representativas de nuestro tiempo.  «No importa lo que te digan, (las mujeres) siempre estamos solas»; y en ése devenir, una de las imágenes más significativas cuando un integrante de la familia se lleva las bibliotecas dejando una enorme cantidad de libros en el suelo, como si la sabiduría de los integrantes de esta familia, fueran ahora sostenidas por la fuerza de las mujeres.

Eso es ROMA, posiblemente la próxima ganadora al Oscar por película extranjera.

(Calificación: 9/10)

Critica por Douglas Poito

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A Oscuras pretende viajar en la intimidad de personajes solitarios y marginales de la gran ciudad de Buenos Aires que luchan por no caerse y se refugian en sus secretos y adicciones. Esta película tiene el objetivo de contraponer los lugares oscuros de los tres personajes: Lola (Esther Goris) intenta no dejar caer su talento, amenazado por el paso de los años y los eventos irreversibles que arrasaron con su felicidad. Ana (Guadalupe Docampo), intentará sobrevivir a una violenta relación con Víctor (Alberto Ajaka) que la acercará al mundo de la prostitución. Lucio (Francisco Bass) de la mano de la adicción a la cocaína, destruirá su precaria humanidad. Este largometraje pone en evidencia la violencia económica, prostitución, mandato de belleza y juventud eterna que toda mujer debe cargar en una sociedad desigual. Una gran propuesta del cine argentino para el año 2019 y será uno de los primeros trabajos para disfrutar del emergente e indetenible talento femenino argentino en el área cinematográfica. Es una película que parte en sí con una significativa metáfora en estas 3 historias que fluyen en paralelo y determinan la oscuridad en las que se encuentran los 3 personajes protagonistas de este interesante filme. Desde mi opinión debo confesarles que particularmente disfruté plenamente esta película. Tiene muchos elementos que la consolidan como un buen producto final. Excelentes actuaciones de todo el elenco, un buen guion y una acertada dirección. Además de tener sólidos trabajos logrados en el aspecto técnico. A pesar de ser un filme oscuro por los temas que toca el relato, la trama tiene buen ritmo y te atrapa en esa telaraña lúgubre de acontecimientos sociales que conducen a las acciones de los personajes protagonistas. En este filme hay una tendencia muy al cine español pero con gran personalidad argentina. Quizás me hubiese gustado que la cinematografía estuviese más al estilo de un thriller. Desde mi conceptualización hay mucha iluminación, pero sin desmejorar en exceso el trabajo logrado por Chaya Miranda. La recomiendo ampliamente. Podés disfrutarla a partir del próximo 10 de enero en tus salas de cine favoritas.

Ficha:

País de rodaje/producción: ARGENTINA

Duración: 83 min

Dirección y producción: VICTORIA CHAYA MIRANDA

Productor ejecutivo: MARTÍN BULLRICH

Guión: CARLA SCATARELLI

Música original: LULA BERTOLDI

Director de fotografía y cámara: PABLO PARRA ( ADF)

Directora de arte: CATALINA OLIVA

Asistente de dirección: MARTÍN OSO ARMOYA

Montaje: LILIANA NADAL

Sonido directo: MARILINA GIMÉNEZ

Vestuarista: LORENA SEGOVIA

Maquillaje: FABIANA YANUM

Productora asociada: GALE CINE

Con el apoyo de: JOSÉ LUIS DÍAZ

Puntuación: 7/10

Por Douglas Poito

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A partir de este 20 de diciembre llega a Argentina la película dirigida por Svyatoslav Podgaevskiy, donde cuenta la historia de Marina y Roma, una pareja que se ve envuelta en unos extraños sucesos. Marina comienza a investigar lo que sucede, y es entonces cuando descubre que Roma ha conocido a una mujer cerca del lago. Poco después, se da cuenta de que se trata de una sirena que trata de matarlo, arrebatándole su energía vital. La sirena murió numerosos años atrás ahogada en ese mismo lago, y todo aquel hombre que ose rechazarla perderá a la mujer que ama. Es por eso que Marina deberá darse prisa si quiere salvar a su marido de la influencia de la Sirena. El director de ‘La novia’ se encarga de dirigir esta cinta de terror que está protagonizada por Viktoriya Agalakova, Igor Khripunov, Efim Petrunin, Nikita Elenev y Sesil Plezhe.  Este filme ruso tiene sus momentos, pero desde mi perspectiva, solo se queda en eso: momentos. El género del terror es complicado y con un grado de dificultad muy alto porque busca aterrorizar a los espectadores y por ende cuando un individuo selecciona como opción a una película de este género, tiene esa intención: aterrorizarse. Es como subir a una montaña rusa. En líneas generales les puedo decir que esta cinta tiene sus momentos acertados (sonido, cinematografía), pero su guion le hace malas jugada a pesar de que su leyenda la hemos escuchado muchísimas veces. Eso desmenuzándola un poquito, me refiero a que el público juvenil que ama este género la disfrutará sin tantas exigencias. Cuenta con recursos utilizados en otros filmes, por lo tanto no trae nada de innovación. Si es tu opción para disfrutarla en una sala de cine, te aseguro que todo dependerá de lo exigente que seas como cinéfilo. No hay grandes cosas que resaltar en este filme.

Ficha:

Título original: “Mermaid – Lake of the dead”.

Año: 2018.

País: Rusia.

Director: Svyatoslav Podgaevskiy.

Elenco: Viktoriya Agalakova, Igor Khripunov, Efim Petrunin.

Género: Terror.

Puntuación: 5/10

LA MULA dirigida y protagonizada por Clint Eastwood con guión de Nick Schenk y basada en la historia real de Leo Sharp. / Crítica: CJ COLANTONIO.

Con un guión escrito por el mismo de Torino, esta película está basada en un artículo de la revista The New York Times sobre la historia real de Leo Sharp, un veterano de la Segunda Guerra Mundial que a sus ochenta años se convirtió en traficante de drogas del Cártel de Sinaloa.  Sin embargo, no le llega ni a los talones a aquella maravillosa película y para quienes conocemos la filmografía de Eastwood, bien podría pasar desapercibida.

Pese a todo, existe cierto dejo autorreferencial en cuanto a la profundidad de la temática, la que tiene que ver con el paso del tiempo y cómo -al llegar a la vejez (Clint ya tiene 90 años)- emerge la irremediable autocrítica sobre la importancia -en tiempo- que le dimos a nuestras carreras por sobre nuestra familia.  Con la cantidad de películas que Clint nos ha regalado, sin duda, tuvo que dejar de lado muchos compromisos personales y aquí se da la oportunidad de pedir perdón.

Su presencia en la pantalla es cautivadora siempre, pero no es una de sus mejores actuaciones, más que nada porque el papel no llega a lograr una transición en una estructura tan lineal que la vuelven fofa.

(Calificación: 6/10)

Por Alina Spicoli

La Sirena: La Leyenda Jamás Contada” (Rusalka: Ozero myortvykh) es una película de terror rusa dirigida por Svyatoslav Podgaevskiy (La Novia), que también se encargó del guión junto a Natalya Dubovaya e Ivan Kapitonov. Protagonizada por Viktoriya Agalakova y Efim Petrunin, el reparto se completa con Nikita Elenev, Sesil Plezhe, Sofía Shidlovskaya e Igor Khripunov.

La historia gira en torno a Marina (Viktoriya Agalakova) y Roma Kitaev (Efim Petrunin), una joven pareja comprometida a la que le falta poco para ir al altar. Antes de dar ese gran paso, Ilya (Nikita Elenev), mejor amigo de Roma, convence a Kit de hacer una despedida de soltero en la casa de verano abandonada del padre de éste último. Roma va pero, como no se está divirtiendo mucho, decide alejarse y pasar tiempo en el lago cercano. Allí tiene un encuentro con una mujer misteriosa, que lo besa y le deja su peine. Desde ese momento, Roma se sentirá extraño en su propia piel y, junto a Marina, deberá resolver qué es lo que debe hacer para que el espectro los deje en paz.

Victoriya Agalakova vuelve a trabajar para Svyatoslav Podgaevskiy en esta nueva cinta de horror en la que otra vez el director decide ponerla en el rol de una chica que está próxima a casarse. Con el agregado de un ser maligno en el agua, la cinta se conforma por un sinfín de momentos que, más que dar miedo, producen risa en el espectador. Y es que el abuso extremo de jump scares, donde se pretende generar miedo haciendo que una persona aparezca bruscamente en pantalla o que los personajes tarden tiempo en abrir una puerta, lo que menos hace es transmitirnos temor, en especial porque ya nos damos una idea de lo que ocurrirá.

Grifos que no funcionan, un sótano inundado, duchas que tiran agua a su antojo, bastantes pesadillas, un ritual que se debe hacer dentro de un baño y casualmente una joven que no sabe nadar constituyen un film que se hace eterno a pesar de sus 90 minutos. Por otro lado, el guión es tan pobre que utiliza el típico cliché de un hombre raro que se la pasa dibujando figuras oscuras; obviamente éste es el padre de Roma y vivió una experiencia trágica en su pasado, la cual está relacionada con lo que le sucede ahora a su hijo.

No obstante el peor error de la cinta consiste en su título ya que es completamente engañoso: durante toda la trama esperamos ver a la vengativa sirena sin embargo no hay rastro en ninguna parte del ser mitológico. Así es como Lisa Grigorieva (Sofia Shidlovskaya), la mujer que habita en el lago, no es más que una humana que a veces adquiere aspecto “tenebroso” (los efectos no están bien logrados).

“La Sirena: La Leyenda Jamás Contada” se suma a la lista de películas de terror ultra olvidables que pasará sin pena ni gloria por los cines. Con una repetición tediosa de frases tales como “¿Me amas?” y “Toma lo que es tuyo y devuélveme al amado”, el nuevo filme ruso llega a ser incluso peor que “La Novia”, otra de las producciones del director.

Puntaje: 3/10 

BORDER (Gräns) dirigida por Ali Abbasi con un guión de Abbasi, Isabella Eklöf y John Ajvide Lindqvist basada en el cuento del mismo nombre de Ajvide Lindqvist de su antología Let the Old Dreams Die. / Crítica: CJ COLANTONIO.

Border es una película sueca, seguramente una de las críticas sociales con todos los elementos para sorprender a un público que tiene un bombardeo de imágenes y que ya no sabe lo que busca, qué le gusta, qué es bueno y tiende a desecharlo si la crítica no lo atesora.

BORDER, “Frontera” en español, nos habla justamente de nuestras fronteras, de las que ponemos a los demás, la que la minoría lo hace y la que la naturaleza pone ante nosotros.  Por eso, colocar el sello de fantasía a este película dramática policial, sería un poco injusto si pensamos el cine como un bien cultural, un material en donde aprender -como lo es aunque reniegue- porque tiene que ver con nuestra época, nuestra idiosincrasia; y el no creer es también una frontera personal.

Basada en un cuento del mismo escritor de terror de “Déjame entrar” y escrita en conjunto con Isabella Eklöf (Holiday) y por el director iraní-sueco Ali Abbasi, esta cinta cuenta la historia de una respetada agente de aduanas que tiene la habilidad de oler la culpabilidad de un individuo y quien es llamada para que participe en A una investigación que podría tratarse de un caso de pedofilia.  Paralelamente conoce a alguien como ella, que le hará descubrir de dónde viene y con quien tiene sexo de una manera que de seguro no has visto en el cine.

(Calificación: 10/10)

BURNING de Lee Chang-dong (148´) película coreana que se estrenó en el marco de la Semana del Festival de Cannes en el CINE GAUMONT. / Crítica: CJ COLANTONIO.

La clave de esta película -que ha dejado a varios espectadores con muchas dudas tras la proyección- es una escena que sucede cuando nuestro protagonista tiene una cita con una conocida de la infancia llamada Haemi, a quién no recuerda, tampoco reconoce y que ella lo excusa –de algún modo- con que se ha hecho una cirugía estética en la cara.

La escena que parece inocente y hasta tonta, guarda una información fundamental que te harán entender con mayor facilidad la propuesta que Lee Chang-dong -director coreano de Poetry- nos propone a partir de un historia basada en un cuento del reconocido escritor japonés Haruki Murakami, el de Tokio Blues ó 1984, aquella que se convirtió en un best seller y que escribió en referencia a la famosa novela de Orwell.

El protagonista, un joven solitario, apático que estudió letras y quien escribe una novela, parece no poder reaccionar a las microagresiones que recibe de manera constante de un nuevo amigo de Haemi, aquella chica que al parecer ahora es su novia.  En contraste, conocemos a su padre, quien está siendo juzgado por reaccionar agresivamente en una situación equis.

Aquella escena es en la que Haemi le hace una pantomima en la que come una mandarina y le dice: “El truco no es imaginar que la mandarina existe, sino hacer el esfuerzo en imaginar que no está.”

(Calificación: 7.5/10)

CAPHÄRNAUM de Nadine Labaki (directora de Caramel; ¿Y ahora adónde vamos?), película libanesa que se estrenó en el marco de la Semana del Festival de Cannes que se proyecta en el CINE GAUMONT y que se desarrolla en paralelo a las actividades del Mercado Internacional de Ventana Sur. / Crítica: CJ COLANTONIO.

La película tiene una propuesta que podría parecer un tanto antojadiza, pero que es el puntapié para un desarrollo inmenso sobre el maltrato infantil o -en este caso- sobre la crueldad hacia los niños, con la que coexistimos en este mundo, y en la que somos responsables indiferentes.  Quien tenga la posibilidad de ver esta película, le advierto que esté preparado para uno de los relatos más extremos que se han realizado sobre este tema.

El protagonista es un niño -Zain- de unos once (11) años de edad, quien es uno de los hijos de una familia de refugiados en el Líbano y a quien explotan laboralmente, no va el colegio y sufre maltrato físico.  La película nos instala -en un principio- en el juicio de Zain quien denuncia a sus padres por haberlo traído a este mundo, tras un acto de violencia ejecutado con la intención de parar con el destino que lo golpea de manera constante, y desde ahí nos remontamos a las circunstancias que lo llevaron, en un ida y vuelta revelador.

Lo más interesante es el equilibrio que logra el relato para darle argumento, no sólo al niño, sino a los padres sobre su maltrecha situación.  Como si los adultos, no fueran más que víctimas de este mundo tan agresivo.

Los diálogos, que a ratos podrían parecer escritos para adultos, logran una rareza, porque terminan por convencerte de que se trata de lo que podría decir un niño con una noción acabada sobre el mundo y sus diferencias, casi como un iluminado, un ser tan lleno de amor, como de justicia.  La actuación del niño protagonista, de los adultos, y hasta de un bebé, es impactante. Una película obligatoria.

Esto no es una película más.  Según nos contó ‎Tierry Frémaux -Director del FESTIVAL DE CANNES- tras la conferencia de prensa en el festival, la actriz protagonista se instaló en Francia, y el niño protagonista tomó la residencia en Noruega; un acto para alejarse del país que les fue injusto.

Una curiosidad.  El personaje de la abogada de Zanin es la propia directora.

(Calificación: +10/10)