La muerte de la memoria es la antesala al final, el perder todos nuestros registros, logros y conocimientos mientras se espera en un sillón, debe ser una experiencia dolorosa. El cine lo recreó hace dos años en el filme The Father (Florian Zeller, 2020). Anthony Hopkins interpreta a un octogenario en una etapa avanzada de Alzheimer, este verá poco a poco su realidad distorsionada durante el progreso de su enfermedad. El teatro también nos trae la mirada sobre la demencia con »El alemán que habita en mí».

»Es una fiesta, o el intento constante de un hombre común por reconstruir aquello que pudo haber sido, o todas las vidas de la vida de un pequeño hombrecito que está en guerra contra el tiempo voraz y los magnéticos recuerdos que se desvanecen como si despertara de una feliz pesadilla, o también la desenfrenada vida de excesos de un padre de familia viviendo en una casa entre extraños». Esta es la reseña de la obra escrita y dirigida por Alejandro Genes Radawski.

Lujan Bournot, Natalia De Elía, Cecilia De Paoli, Valen Gagliardi, Carlos Kusznir, Milagros Martino y Milagros Plaza Díaz forman parte del elenco de esta obra, siendo Kusznir el protagonista. ÑLas actrices se van a relacionar con el personaje de Kusznir ya sea como interlocutoras de la historia o producto de su realidad alterada por la enfermedad. Los actores se comprometen al normal y serio desarrollo de una obra de narrativa oscura y problemática real.

Alejandro Genes Radawski conoce el espacio en que se desarrolla su producción, es por eso que la monta en escena. Junto a un grupo musical conformado por piano, acordeón, violín, batería y voz, la obra de Genes Radawski es proyectada sobre tablas en una manera onírica.

Genes Radawski da espacio a la reflexión y a la filosofía en su texto, toma capas y la superpone, creando una obra abstracta, cruda y conmovedora.El Alemán que habita en mí es el recuerdo que se esfuma y el dolor que deja en quienes ven partir la memoria de un familiar.

Disponible los viernes a las 22 horas en El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Universos capaces de todo

“Sos MUY fácil de querer y MUY fácil de dejar de querer” lee uno de los textos de Bel Eiff en las voces de los intérpretes que trabajan “Ahí”: una lectura performática para seis actores en Casa Teatro Estudio.

Decidirme por primera vez a hablar desde esta primera persona, a abandonar los circunscriptos límites de la “objetividad periodística”, es una de las muchas cuestiones que resolví cuando salía de Casa Teatro Estudio el pasado sábado por la noche, después de dejar mil pesos en la bota -en lugar de la gorra- que me ofrecía el gestor del espacio, y antes de hurtar uno de los textos rotos que quedaron de la función. ¿Por qué utilizo el término “rotos”? “Rotos”, porque cada vez que finaliza la ficción retornan a la simple tinta muerta sobre el papel y porque literalmente terminaron hecho pedazos antes de que abandonara la sala la última intérprete. La idea de que los textos de Bel Eiff permanecieran una semana completamente rotos sin que nadie les vuelva a dar cuerpo me estremecía y, confieso, ahora incluso para el elenco que lee esto por primera vez, que tomé uno sin ser visto para luego guardármelo en el bolsillo y huir. Lo curioso de este dispositivo, fruto de un taller de dramaturgia por Martín Flores Cárdenas -cocreador de “Love Me” junto con Marina Otero-, es que robar el guión no me bastaba para reconstruir el total de la pieza, debido a que la misma se constituía también de pequeños papeles que leían frases u acciones.

“Decí con énfasis en MUY: Sos MUY fácil de querer y MUY fácil de dejar de querer”. Pequeñas acciones como ésta permanecen ocultas para los actores hasta el momento de la función, sin saber tampoco con quienes, ni con qué escenas, ni con qué fragmentos se encontrarán esa noche en los veinticinco minutos de ficción que les permite un timer sobre la mesa. A causa de esto es que, una vez leyendo mi papel hurtado ya fuera del teatro, me vi imposibilitado a habitar el total de la pieza en mi imaginario, y fui víctima de la ironía que guardaba su propio título: “Ahí”, la lectura performática donde la ficción se vuelve impredecible con cada función que inauguran.
Se vuelve cada vez más dificultoso disfrutar de los nuevos dispositivos teatrales en escena, la gran mayoría solemnes y distantes -conceptos que deberían guardarse en los cajones del realismo clásico-, donde el juego cómplice entre la audiencia y el trabajo del actor pasa a un segundo lugar y lo único legitimado resulta la lectura visual, por encima de todo. “Ahí” no posee grandes estructuras ni artificios: su espacio se constituye de un timer, una mesa y algunos papelitos de colores.

Los textos de Bel Eiff se devoran universos enteros -sus escenas varían entre el diálogo, el contrato, el monólogo y la lírica- y permiten que, en la conjugación entre carne y dramaturgia, tome vida una verdad filosa, que permita imaginar todo. Se podría imaginar llanamente la posibilidad de que algún individuo del público haya bajado de su butaca para interpretar la ficción; se podría imaginar que los mismos textos fueran escritos por personas de la audiencia -en parte cierto, ya que la audiencia puede escribir frases una vez finalizada la obra para utilizarse en próximas funciones-; se podría imaginar que más que una obra, “Ahí” sea una prueba puramente original que creamos todos quienes ingresamos esa noche a la sala.

Chispazos de originalidad como estos se tienen que salvaguardar lo más que se pueda, y mi aporte hacia el mismo lo hago desde la individualidad de mi persona y la subjetividad de mis palabras: perderse del desafío que implica ir a ver “Ahí”, es perderse de una apuesta preciosa por un teatro capaz de todo.
“Ahí” está todos los sábados a las 23.00hs en Casa Teatro Estudio (Guardia Vieja 4257).

Pasión y Teatro Colón

Desde el nacimiento del drama jocoso en el siglo XVIII, la comedia romántica cobra fuerza en las operetas italianas, este género derivaría a muchos musicales de Hollywood que ya conocemos.Dramas simples y con poca profundidad, carisma, mucho baile y un final feliz, son los elementos que Donizetti plasmó en L’elisir d’amore, una de las precursoras del género.

El Teatro Colón tiene el honor de presentar la representación de »L’elisir d’amore», la ópera cómica de Gaetano Donizetti.
Ópera cómica en dos actos (1832)
Música de Gaetano Donizetti, con libreto en italiano de Felice Romani, basado en el libreto de Eugène Scribe para la ópera Le Philtre, de Daniel François-Auber. Evelino Pidò es el director musical encargado de presentar este clásico de 190 años. El músico oriundo de Turín, aterriza en Buenos Aires para dar una maestría de excelencia al público porteño.

Enrique Bordolini es el argentino creador de este alucinante escenario. Sus referencias pueden ser alguna escena del musical West Side Story (1961), pero también algún barrio de inmigrantes en la década de los 50. Recrea una cancha de basket en un vecindario amigable. Paredes de ladrillo, rejas y gradas son los elementos de su escenario, todo esto es acompañado junto al multicolor vestuario de Renata Schussheim, la cual remite a aquellos coloridos musicales de la época dorada de Hollywood.



Javier Camarena, Santiago Martínez, Nadine Serra, Oriana Favaro, Ambrogio Maestri, Ricardo Seguel , Alfredo Daza, Germán Alcántara, Florencia Machado y María Luisa Merino forman parte del elenco principal de esta ópera, junto a veinte actores coristas.

L’elisir d’amore es una obra jocosa, bienintencionada e inocente, con una narrativa clásica y tierna. Más allá de la historia de amor protagonista, habla sobre el engaño colectivo, las falsas creencias y las personas que se aprovechan de la inocencia del pueblo. El Colón trae de vuelta a Gaetano Donizetti con fuerza, risas pero también una explosión de color que no caerá en blancos y negros, pues este es es un espectáculo sin igual, digno de aplaudir.



Disponible hasta este martes 10 de agosto.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Memoria en escena

Este sábado 6 de agosto a las 21:00hs, la sala Osvaldo Pugliese del Centro Cultural de la Cooperación aloja una nueva versión de Potestad, escrita e interpretada por Tato Pavlosky en 1985.

Hay ciertas obras que trascienden en el tiempo y permiten su reversión. Eso es lo que, en parte, hace a los clásicos: la condición de “textos actualizables”, nunca muertos, siempre latentes. Potestad regresa al escenario este sábado 6 de agosto en el Centro Cultural de la Cooperación, con una puesta dirigida por Christian Forteza e interpretada por Jorge Lorenzo.
El monólogo de un hombre desgarrado al que sólo le queda el ejercicio de la memoria para rescatar del olvido a la hija ausente. Un hombre rodeado de fantasmas. Un hombre que se presenta como víctima y el devenir de su relato lo revela como victimario, cómplice de los crímenes de la última dictadura militar. Potestad es una obra donde los opuestos conviven e incomodan: ternura, compasión, el terror, el dolor, violencia sangrienta y descarnada. En palabras de Pavlosky: “Potestad encara el problema de la represión y de la tortura, observados desde la óptica del represor (…) El represor se nos aparece cada vez más sofisticado, más científico, más “ambiguo”. Más difícil de caracterizar que otras veces. Puede estar al lado nuestro, usar el mismo lenguaje en todos nuestros intersticios (…)”.
Dos sillas vacías, luz cálida. La escenografía es austera y funcional a la creación del espacio íntimo donde él, el hombre, reconstruye el día en que se llevaron a su hija. Recuerdos que incluyen referencias a terceros, descripciones posturales y espaciales, reflexiones. Jorge Lorenzo aborda de forma maestra las diferentes tonalidades que la intensidad del texto requiere. El actor juega con cambios corporales y vocales para recrear los recuerdos que le vienen a la memoria y genera, así, una pieza dinámica donde el tiempo pasa sin que el público se de cuenta. La interpretación está cargada de silencios y miradas que todo el tiempo cuentan y mantienen al espectador expectante, valga la redundancia, por lo que vendrá.

El dinamismo del monólogo también se logra con algunos cambios de luces, juegos de sombras e intervenciones sonoras que construyen distintos climas: sueños, flashbacks.
La puesta dirigida por Forteza nos sumerge en un relato filoso, nos enfrenta con un personaje contradictorio, nos confirma que el ejercicio de la memoria es necesario, que aún hay silencios en la historia y que una obra como Potestad, escrita hace casi cuarenta años, sigue viva en nuestros tiempos.

Funciones: Sábados a las 21:00 en Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543).
Escribió: Micaela Steinbach

Nuestros sueños son gracias a María Elena Walsh

La importancia de María Elena Walsh radica en la inocencia e imaginario de la cultura argentina. Compositora, poeta y narradora, su magia sigue estando en los más grandes pero también se conserva en las nuevas generaciones.
Nunca vi tantas sonrisas juntas en un teatro hasta ver Recuerdos a la hora de la siesta.

»María es una niña con imaginación con alas. Hay días en que los personajes que crea en su cabeza se le aparecen todos juntos a tomar el té y no hay lugar en el living de su casa para semejante reunión. Recuerdos a la hora de la siesta es una invitación a imaginar la infancia de María y su peculiar forma de ver el mundo. Una celebración del juego, la fantasía y la libertad». Así describe Emiliano Dionisi su obra.

Andrea Lovera, Lucía Baya Casal, Belén Pasqualini, Mariano Mazzei, Laura Silva, Gimena Riestra, Juan Andrés Romanazzi, Mercedes Torre, Carolina Setton y Federico Fedele forman parte del talentoso elenco de actores que, en este musical demuestran más allá de sus dotes artísticos, su carisma y total entrega.



Gonzalo Córdoba Estevez hace la increíble escenografía de esta obra, la misma recrea una casa de mundo encantado donde varios personajes saldrán por distintas puertas y ventanas. El ingenioso vestuario de Marisol Castañeda llena de color y creatividad a los actores. El grupo de Titiriteros de Adelaida Mangani es uno de los grandes espectáculos de la noche, el diseño tanto realista como abstracto van a deslumbrar a los espectadores.



Dionisi junto a Martin Rodriguez escriben la letra de las canciones de esta obra, las mismas están inspiradas en el universo de Waslh. Rodríguez por su lado hace la música original y la dirige. Se puede nombrar cada aspecto aplaudible de esta obra, para eso necesitaría varias reseñas. Lo que destaco como principal, es que es el espectáculo más puro, genuino, inocente y hermoso que he visto en este año.



Disponible sábados y domingos a las 15 horas hasta finales de agosto en el Teatro San Martín, sala Casacuberta. Escribió Sebastián Arismendi.

Calor humano

En todas las tragedias que ha enfrentado la humanidad, siempre hay espacio para un punto en común dónde las brechas sociales e ideológicas se unen, en este instante dónde ponemos nuestra solidaridad y empatía sin pedir nada a cambio. Se podría decir que las desgracias nos unen, pero más allá de lo oscuro de la historia, todos somos uno.

Come from away es un musical original de Broadway de Irene Sankoff y David Hein. Más de 7 mil pasajeros provenientes de todas partes del mundo que aterrizaron inesperadamente en la isla de Gander, New Foundland (Terranova) y de la gente de este pequeño pueblo canadiense que les dio la bienvenida desde la solidaridad más pura.

Cuando 38 aviones fueron desviados de sus destinos para aterrizar en esta isla, el 11 de septiembre de 2001, el lugar vio duplicada su población en un instante. El 9/11 es una fecha que queda marcada en nuestra memoria, pero la adaptación que Carla Calabrese y Marcelo Kotliar, hacen del hermoso musical de Broadway, una experiencia inolvidable para el público porteño.

Come from away posee un elenco diverso en edades y etnias, encabezado por Gabriela Bevacqua, Carla Calabrese, Sebastián Holz, Mela Lenoir, Fernando Margenet, Argentino Molinuevo, Edgardo Moreira, Silvina Nieto, Marisol Otero, Agustín Perez Costa, Pablo Sultani, Silvana Tomé, Manu Victoria, Lali Vidal y Pato Witis. Los actores harán de pobladores de New Founland y también de pasajeros, teniendo que interpretar a varios personajes al mismo tiempo.

La dirección de Carla Calabrese es estupenda, el ver la coordinación de estos actores en un texto tan dinámico, dónde deben tener agilidad para transitar entre personajes y contar una historia tan sensible, hacen de Calabrese una maestra en el área. La puesta en escena de Tadeo Jones está compuesta por estructuras de madera, mesas y sillas, la última será de vital importancia ya que los actores lo usarán para la transición de los personajes.

Come from away es un musical hablado pero que posee unas canciones hermosas, que gracias a la dirección musical de Santiago Rosso, hacen de este un deleite al oído. Come from away es una muestra de talento argentino remarcable y de primera línea, un musical sobre el amor al prójimo y hecho con amor. Una experiencia conmovedora que sana el alma.

Disponible de viernes a sábado en el Teatro Maipo (Esmeralda 433) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.