Otra secuela horrible, como corresponde.

Sabíamos que esto algún día pasaría, de alguna forma u otra se las iban a ingeniar para resucitar la saga THE MATRIX. La primera película de la franquicia es una joya que supo fusionar conceptos previamente vistos y presentárselos al publico mainstream, de hecho, fue el primer producto para «gente grande» que me morfe de pequeñito y que me llevo a considerar el cine como una forma de vida. Ahora tenemos éste revival, que cuenta con un porcentaje de regresos bastante alto, no tenemos a Laurense Fishbourne pero tenemos a un harapiento Keanu Reeves y a una Carrie Anne Moss que parece sacada de una publicidad de maduras calientes a kilometros de usted. Lana Wachowski, una de las directoras de la original, regresa también para coescribir y dirigir éste nuevo capítulo que, sin intención de sonar goma, admito que es innecesario, pero ¿Es esto un problema? RELOADED y REVOLUTIONS ya eran al pedo, dejaban en claro que la idea estaba planteada para UNA PELÍCULA, por ende sí, un concepto tan rico como el que crearon las Wachowski merecía ser tratado con mucho cuidado en vez de convertirse en una saga de acción pochoclera.

Thomas Anderson (Keanu Reeves), ahora un trastornado programador conocido por crear la exitosa trilogía de videojuegos MATRIX, empieza a cuestionarse su realidad cuando una serie de eventos podrían estarle dando a entender que los hechos de su obra pudieron haber sido reales y que toda su vida es una simulación creada para hacerlo olvidar que él es Neo, el único y verdadero elegido.

El concepto dicho como se los digo suena muy interesante, y lo es durante la primera mitad de la película, cuando se perciben dejos de originalidad cargados de comentarios meta que funcionan de crítica para la industria creativa contemporánea, ya que uno de los problemas del primer acto es que Thomas, quien sufre de «trastornos mentales», tiene un brote cuando le exigen que continúe la trilogía MATRIX, un comentario muy acertado e interesante. A esto se le suma la aparición de Tiffany (Carrie Anne Moss), una mujer casada con hijos a la que conoce en un bar y parece tener una conexión implacable, y de un nuevo Morfeo (Yahya Abdul-Mateen II), quien ahora es un programa de computadora basado en el original, interpretado en su momento por Laurence Fishbourne. La primera mitad de la película cuenta con unas elecciones visuales copadas, si se hubiesen limitado en jugar con la flasheada de QUÉ ES REAL? y con la historia de amor entre Anderson y Tiffany pudimos haber tenido una reinvención de MATRIX que se acople con la actualidad, pero no, en cierto punto todo lo interesante se va al pasto y caemos en el terreno de lo genérico.

A partir de la segunda mitad empiezan a errarle. El guión juega con nosotros de una forma bastante tramposa, hacen una crítica a la manipulación mediante la nostalgia, usando LITERALMENTE escenas de la película original como motor para convencer a Thomas de que es Neo, con flashbacks o diálogos replicados. El nuevo Morfeo es un desperdicio actoral, ya que el tipo pone lo mejor de el y cuando está haciendo una reinterpretación copada del personaje suelta un chiste referencial que queda mas fuera de lugar Ésto me lleva a otro comentario ¿Se acuerdan de los comentarios religiosos y filosóficos de la saga? Bueno, acá desaparecen, no vaya a ser cosa que ofendan a alguien, ahora eso es sustituido por una cantidad excesiva de humor Marvel, porque había que ir a lo seguro. La historia esta contada desde el punto de vista de Bugs (Jessica Henwick) una nueva heroína a la que menciono recién ahora porque no recordé su existencia hasta éste punto de la reseña, un personaje que ejerce lo que a mí me gusta llamar «el efecto Rey Skywalker», que consiste en un personaje malo pero interpretado por un actor carismático.

A nivel visual pasa lo mismo que con la historia, el principio es interesante y despues cae en terrenos genéricos dignos de Dominic Toretto. Ésto representa un problema mayúsculo ya que podremos tener mil temas en contra de las dos secuelas de THE MATRIX, pero no se puede negar que las escenas de acción la rompían, tenían unos laburos que iban mas allá de buena coreografías, sino que los movimientos de cámara complementaban los característicos efectos especiales de la saga. La actuación de Keanu Reeves es lamentable, todo lo que dice parecen eslogans depresivos, ni siquiera su look estuvo a la altura, pareciendo un viaje ácido de John Wick. Carrie Anne Moss es la única actriz de la trilogía original que vuelve para darle clase al film, con una interpretación llena de carácter que se adecua al surrealismo del universo.

THE MATRIX: RESURRECTIONS es una síntesis de lo que fue la trilogía original, una idea que empezó siendo interesante y que con el tiempo paso a ser cualquier cosa. El error fue el enfoque, querer hacer de ésto una secuela de las originales cuando tenían la posibilidad de contar con otra de las encarnaciones del elegido o, mejor aún, una MATRIX en donde las primeras tres trilogías sean realmente una ficción. Una oportunidad desaprovechada, por mí parte me voy a volver a ver ANIMATRIX para sacarme el mal sabor de boca.

Calificación 4.5/10

Campaña de marketing nivel Dios.

Es probable que la tercera parte de la nueva saga del arácnido sea el boom mas grande de la era pandemia. Lo sorprendente de ésto es la forma en la que la película se promociono, bah, la forma en la que, justamente, NO se promociono. La campana publicitaria estuvo lisa y llanamente construida por los fanáticos, con sus teorías, sus memes y sus espectativas, la promoción del film se construyó sóla. No soy gran fan de las dos películas individuales previas (HOMECOMING y FAR FROM HOME), tienen ciertos enfoques creativos, como los team up comiqueros con otros personajes del MCU (Tony Stark en la primera y Nick Fury en la segunda) o el carisma tontolon de Tom Holland como Peter Parker, pero el apartado visual, la carencia de drama y los personajes secundarios tiraban para abajo mis ganas de seguir con ésta saga. También tengo en cuenta que tuvimos en la década del 2000 la trilogía SPIDER-MAN del maestro Sam Raimi, la cual nos dejo la vara muy alta con respecto a lo que podemos esperar del personaje en el ámbito del séptimo arte. Con unos villanos, lineas y planos memorables se convirtió en un hito, un clásico moderno. Posterior a esto tuvimos las de AMAZING SPIDER-MAN dirigidas por Marc Webb, reinterpretación que paso media desapercibida al punto de ni siquiera haber concretado una trilogía. La calidad fue buena y Andrew Garfield es probablemente el actor mas carismático que haya encarnado al trepamuros, pero eso no basto y todo el universo que pleaneaba Sony, titular de los derechos cinematográficos del amigable vecino, se vino abajo cuando Disney negoció con la empresa un trato que prendió fuego años de memes centrados en Spidey excluido de los Avengers, presentando una nueva encarnación del héroe en CAPTAIN AMERICA: CIVIL WAR. Y como si ésto fuera poco se mandaron la galardonada SPIDER-MAN: INTO THE SPIDER-VERSE, centrada en Miles Morales, el sucesor de Peter Parker. En ésta se exploro el concepto de multiverso arácnido, que ya venía agarrando fuerza desde hace algunos años gracias a videojuegos y arcos comiqueros.

Tengo la teoría de que las primeras dos películas de la época Holland fueron flojas intencionalmente, todo a fin de que la tercera genere en los fanáticos una cálida experiencia basada en expectativas bajas. Les confieso que vi NO WAY HOME con mucho cuidado, teniendo en cuenta esto que les menciono a fin de no caer en la trampa de la nostalgia inducida. El hype en masa es peligroso, llevó a gente decir que el Thanos de Infinity War es una adaptación leal a los cómics y a afirmar que es una de las mejores películas de la historia y la mejor del subgenero de superhéroes (el podio, en lo que a mí respecta, lo tiene, justamente, SPIDER-MAN 2 de Sam Raimi), no obstante puedo afirmar que la película que protagoniza ésta reseña es un fan service benigno y amoroso hacía el fandom del cabeza de red. No obstante les aviso que es un homenaje para los seguidores del personaje en el ámbitos cinematográfico, ya que de los cómics solo hayamos destellos y ni siquiera destellos basados en obras que ni siquiera fueron bien recibidas en su momento.

La historia sigue a Peter Parker (Tom Holland) siendo perseguido tras haber sido expuesto por Mysterio al final de la película anterior, quien falsificó pruebas en contra del arácnido haciéndolo quedar como un asesino despiadado. Ahora todo el planeta sabe que él es Spider-Man, generando en él mismo y en sus amigos, MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon) una ecatombe personal que lleva a nuestro héroe a pedirle al hechiero supremo Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) que genere un hechizo capaz de devolverlo al anonimato, pero claro que las cosas salen para el traste y los enemigos de otros Spider-Men del multiverso caen en el MCU a hacer estragos.

Es muy difícil saber que es lo que ustedes consideran spoilers y que no. El hecho de que me cueste hablar de la película porque TODO es spoiler habla del contenido vacío de la misma. Hablando de los aspectos técnicos, como lo visual o lo artístico la película evoluciona mucho con respecto a sus predecesoras. Tenemos escenas muy bien logradas, con planos secuencias de mucha calidad y los personajes secundarios por primera vez se lucen, se sienten reales. A nivel actoral a todos se los nota mucho mas preparados y la película en sí se siente mucho mas seria, la primera mitad es muy Marvel Studios, mientras que la segunda tiene una onda mas Sony permitiendo al director Jon Watts llevar a los Protagonistas a situaciones de extrema oscuridad. Sigo sorprendido con la crudeza y dramatismo de algunas escenas, en mas de una vez sentí nudo en la garganta y todo en momentos que tienen como centrales a Tom Holland o a la Tia Milf, digo May, de Marisa Tomei. La justificación de porque los villanos del universo Raimi y el universo Webb caen al MCU es poco sólida, se entiende, pero hasta ahí, aunque la realidad es que no importa, el fan service de la película tiene como motor explorar lo que significa ser SPIDER-MAN, siendo pieza clave en la evolución del personaje. Me voy a limitar a hablar de Alfred Molina, Willem Dafoe y Jaime Foxx, quienes son los únicos actores oficialmente blanqueados. Me frustró un poco ver al Doc Ock rejuvenecido por CGI, un actor como Molina tendría que haber tenido su rostro real luciendose como el interprete de teatro puro que es, esa onda gráficos de Playstation 4 me distrajeron bastante, pero la presencia del personaje en escena no pasa de moda y, a pesar de no ser NI AHÍ lo que fue en su momento, se sigue sintiendo real. Foxx se redime como Max Dillon, A.K.A Electro, quien tuvo un paso bastante errante en THE AMAZING SPIDER-MAN 2, permitiendole acá ser el alivio cómico de los villanos multidimensionales alcanzando la redención que tanto quería el actor. Ahora quiero hablar de Willem Dafoe, la verdadera estrella de la película. El actor es un caso muy raro, ya que queda desnucado con el universo planteado por ser DEMASIADO BUENO, su actuación es terrorífica, da lo mejor que puede y se le nota disfrute en volver a ser Norman Osborn y su alter ego El Duende Verde. El personaje no se adapta a la moda family friendly de Disney, es literalmente el villano mas violento que vimos en mucho tiempo. Sus motivaciones son pura maldad, las gesticulaciónes del actor dejan en claro que no necesita máscara ni prótesis para ser el único Duende Verde del cine.

Si, de todos modos hay problemas. La primera mitad de la película se siente perezosa a nivel narrarivo. Si bien la dirección de Jon Watts resulto ser inesperadamente genial la forma en la que la historia se cuenta se pierde en lo ilógico, desaprovechando posibilidades infinitas de ver a Spiderman en situaciones nuevas. Una película sobre Peter Parker siendo acusado de asesinato hubiese sido mas que suficiente para brindarle al personaje una evolución solida, pero el estudio decidió en volcarse a la nueva amiga de Hollywood, la nostalgia. La segunda mitad toma mucha mas forma, se vuelve oscura y los recursos utilizados, como mencione mas arriba, se alinean con la construcción del protagonista y, por primera vez en la franquicia Holland, se siente que el pibe que no es el mismo.

SPIDER-MAN: NO WAY HOME es una carta de amor tóxico y manipulador para los fans, una carta redactada muy bien y con muchos dibujitos de colores … Una carta de amor llena de recuerdos alterados y flasheadas megalomaniacas de las cuales atesoraria con mucho afecto.

Considero que el mayor desafío para un director es hacer toda su película en un plano secuencia. Estos resultan un ardúo trabajo de ingeniería y coordinación donde el guión debe someterse a las limitaciones de la fotografía, por lo que no se pueden establecer pasos en el tiempo ni trasladarse a otra ciudad, todo esto involucra también a los actores quienes deben ensayar tal y cual estuviesen en una obra de teatro sin los entreactos dramaturgos.

El plano secuencia es lo llamativo de la nueva película de Who la cual Juana Viale y Laura Novoa protagonizan junto a Pablo Mónaco, Esteban Bigliardi, María Soldi, Fabián Arenillas, Camila Peralta, Ariel Gigena, Ernesto Mischel, Marcos Woinski, Agustina Rudi, Gabriela Lerner, y Joselo Bella en el reparto.

»Este atrapante thriller cuenta la historia de Claudia (Juana Viale), quien se presenta en un bar para conocer a Luis (Pablo Mónaco), un médico que la contactó a través de una aplicación de citas. Claudia no se imagina lo que el destino le tiene preparado. Un secuestro que termina con una muerte inevitable, pero a la vez impredecible. Una historia de venganza, suspenso, y giros sorprendentes hasta el último segundo, narrada en un único plano secuencia». Es cómo Who describe su película.

Causalidad es un thriller indescifrable pues no hay pistas narrativas al suceder todo en tiempo real, no se sabe muy bien cuál será el desenlace o porqué, el hecho de que haya sido un plano secuencia sin cortes (reiterando este aspecto), lo hace destacable y aplaudible para poder coordinar la trama en una sola toma.

La historia de Causalidad no es nueva ni tampoco impactante. La cámara en mano tiende a marear y se pierde la estética que pudo tener al no acondicionar mejor la iluminación, paleta de colores y focos. La historia coge fuerza ya hacia mitad cuando ya sabemos hacia dónde se dirige, aunque el giro de tuerca del final no se espera, no convence en la ejecución del mismo.

Las actuaciones de Causalidad no son perfectas, pudo ser mejor el trabajo actoral sin embargo el esfuerzo de someterse a rodar dos horas de película en una toma, contando que si hay un error se debe grabar todo de vuelta, destaca las interpretaciones.

Causalidad es un thriller eficiente pero no sorprendente que se sostiene con los pocos recursos que tiene para contar una historia en una toma.

Calificación 6.5/10

Disponible en Amazon Prime.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web

Instagram: cachalote94

Petite maman

Luego del triunfo de la maravillosa película Retrato de una mujer en llamas (2019), Céline Sciamma vuelve con un drama corto, íntimo y mágico, el cual explora a profundidad de una manera inocente, las relaciones entre madres e hijas.

Las mellizas Joséphine Sanz y Gabrielle Sanz protagonizan esta historia junto a Nina Meurisse, Stephane Varupenne y Margot Abascal.
Luego de la muerte de su abuela, una pequeña de ocho años debe ir con sus padres a hacer la mudanza del hogar donde vivió su madre y su abuela. Entre tantos recuerdos materiales, madre e hija se consuelan. No es hasta que la madre decide irse por un tiempo cuando esta nena se encuentra con una niña de su edad muy parecida a ella. Ambas iniciarán una relación de amistad muy genuina, protectora e inocente.

El guión de Céline Sciamma es delicado, sencillo pero poético. Toda la atención está puesta sobre estas niñas actrices que en 72 minutos de película, muestran todo su talento actoral.

Hay un ligero misterio que va pausado sin generar sorpresas, pero es el tratamiento tan natural, sencillo e íntimo lo que resalta en la trama.

El amor entre madre e hija es mostrado de una manera muy pura, desde el punto de vista infantil.

Sciamma demuestra su habilidad para dirigir a infancias actorales, siendo estos capaces de protagonizar buenos dramas.

Calificación: 7/10

Disponible en cines este mes.

Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.

Serena y Venus Williams son las tenistas más importantes del mundo. Su historia ha servido de inspiración para todas las niñas a nivel mundial, especialmente a las afrodescendientes. Siendo el tenis un deporte elitista de alta clase y gente blanca, ambas demostraron poder salir adelante, todo esto gracias a su padre Richard Williams, del cuál se basa esta película.

Dirigida por Reinaldo Marcus Green y escrita por Zach Baylin, y sigue la vida de Richard Williams, el padre y entrenador de las famosas tenistas Venus y Serena Williams. Está protagonizada por Will Smith, Aunjanue Ellis, Saniyya Sidney, Demi Singleton, Tony Goldwyn, Jon Bernthal y Dylan McDermott.


King Richard es un drama familiar y deportivo de este año donde Will Smith ejerce su mejor interpretación, acá encarna a un hombre terco, orgulloso y por instantes desesperante pero con el que podemos empatizar por el esfuerzo y dedicación hacia sus hijas.


Parece que Will Smith resalta en sus papeles sobre padres entregados, cómo en Busca de la felicidad, filme por el cual estuvo nominado al Oscar.


A pesar de ser un drama familiar, tiene tonos oscuros adecuados para no ser tan diabética la historia, especialmente al personaje principal el cual no queda bien parado en varias escenas.

Este biopic tiene las conveniencias clásicas del género deportivo: una fuerte carga de coaching, partidos emocionantes y tensión, momentos dramáticos y un final feliz. Cosa que no está mal pues es la historia real, fue un biopic autorizado.

Saniyya Sidney hace un excelente trabajo que seguro dará de que hablar.
King Richard es una película para toda la familia, para los amantes del tenis y para aquellos que disfrutan los dramas de la historia real.

Calificación 7/10

King Richard está disponible en cines en todo el país.
Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Por Agustín Villegas

No, no son David Lynch.

Es muy feo cuando se intenta ser flashero. El don de poder aplicar el surrealismo y salir bien parado es algo con lo que se nace, como el humor. LA SOMBRA DEL GATO es la segunda película del director Jose Maria Cicala, la cual intenta narrar una historia sobre los diferentes tipos de encierro tomando como foco las razones del mismo. Tenemos un reparto bastante bien armado y una dirección que resalta la estética, lastima que el guión no acompaña al proyecto, siendo el producto final una sucesión de eventos bizarros que carecen de una conexión solida.

La historia sigue a Emma (Maite Lanata), una piba de campo aislada del mundo real. Con ella viven su padre Gato (Guillermo Zapata), el mentor de éste, llamado Sombra, interpretado por la estrella mexicana invitada Danny Trejo, una especie de abuela interpretada por Rita Cortese y una descendiente de aborigenes llamada Kimana, interpretada por la preciosa Griselda Sanchez. En su hambre de ver el mundo real, la joven Emma se mete de cabotaje en la camioneta de su abuelastra y se aventura al pueblo y termina encontrándose un celular que usará para mostrar su pequeño mundo a la red. El problema es que sus videos, los cuales subió a no se donde, ni se como, ni por qué, terminan siendo vistos por un lacayo de su familia materna, la cual fue totalmente anulada de su historia por su padre. La chica decide escapar a ver a su otra gente, que vive en una mansión en el medio de la nada y cuenta con unas … Particulares formas de ver la vida.

Aparentemente la temática de secta satánica no les basto, tuvieron que agregar detalles de todo tipo y color que nos muestren sin ningún tipo de tridimensionalidad, unas entidades oscuras que parecen ser científicos nazis que hacen experimentos malignos y paran a morfar o a hacer rituales. La historia abusa de unos flashbacks que parecen estar escritos en el momento, dejando detrás lo que se plantea en el primer acto. Tenemos toda una historia de como Gato conoció a la madre de Emma, interpretada por Monica Antolopulus, y a su familia, encabezada por el patriarca Otto, encarnado por el siempre genial Miguel Angel Solá. Luego tenemos otros recuerdos centrados en Gato de chico, en donde nos brindan detalles poco claros de como Sombra lo rescato, pero todo por encima, como un supuesto trato que la granja tenía que cerrar y que después queda en la nada misma.

Los diálogos no solo son cursis, sino que son irreales. Intentan ser solemnes y quedan desubicados y anticuados, como el personaje de Trejo, que es una especie de chaman estereotipado que tira frases indias que no vienen al caso. La trama toma rumbos que parecen interesantes, como los flashbacks de la familia materna de Emma, pero todos desembocan en un final surrealista que no se si está intentando venderme un simbolismo inteligente o una secuencia random que intenta emular a TWIN PEAKS: THE RETURN.

Las actuaciones son lo mas fuerte, todos están mas que aceptables en sus papeles, en especial Lanata, Zapata y Solá, a quienes se les nota que son actores de raza. Trejo nunca me gustó, me parece un rostro que sirve para vender y ya. A la película le doy crédito por no ser para nada aburrida, dentro de sus inconsistencias uno esta atrapado hasta el final queriendo ver a donde toda esta ensalada de conceptos.

LA SOMBRA DEL GATO es una película para ver fumandose un porrito y escabiando algo, uno de esos films que uno pone cuando esta con sus mejores amigos y le hace observaciones graciosas encima comiendo una picada. A pesar de lo mala que es la recomiendo, dudo que la pasen mal viendola.

Calificación: 7/10

Por Agustín Villegas

De vuelta a los orígenes (del miedo).

La saga de videojuegos RESIDENT EVIL siempre se caracterizó por su estilo camp cargado de elementos del cine de horror clase B. La cámara fija y los gráficos poligonales colaboraban con la estética de terror que siempre pidió a gritos tener una chance REAL en el cine. En la década del 2000 tuvimos una saga cinematográfica libremente inspirada en la saga, dirigida por Paul W.S Anderson (no, no es el mismo que Paul Thomas Anderson, de hecho, ni siquiera cerca) y protagonizada por, actualmente su esposa, Mila Jovovich. Fue una franquicia exitosa de no se cuantas películas, cargadas de acción, gran presupuesto y efectos de primera linea … Pero todo muy alejado de lo que la saga de juegos buscaba transmitir. No puedo decir si fue una buena o mala franquicia ya que nunca le preste la atención suficiente por, justamente, irse muy por las ramas con respecto al material original, siempre vi pedazos sueltos de sus películas en canales de televisión al punto de nunca poder distinguir cual es cual. Ahora el estudio cambia de enfoque totalmente, haciendo un 2×1 adaptando los primeros dos jueguitos con un poco del tercero. johannes Roberts no solo dirige, sino que también escribe, haciendo que la película tenga mucha mas consistencia y tenga una aura mas de autor. Hasta el propio Anderson vuelve como productor ejecutivo.

La historia sigue a Claire Redfield (Kaya Scodelario), quien regresa a su natal Raccon City a fin de sacar a la luz los chanchullos de la corporación Umbrella, una farmacéutica exageradamente perversa (lo cual queda GENIAL con el tono de la película) que está en pleno proceso de cerrar la ciudad tras haberla usado para sus experimentos. En la misma se recuentra con su hermano Chris (Robbie Amell), un policía que lidera un equipo integrado por Jill Valentine (Hannah John-Kamen), Albert Wesker (Tom Hopper) y el novato Leon S. Kennedy (Avan Jogia). Ese primero de Septiembre de 1998 un accidente en la mansión Spencer, donde reside el cabecillia de Umbrella, William Birkin (Neal McDonough) junto a su familia, lleva al team a presenciar como todo el lugar termina de ser envenenado al punto de convertirse en muertos vivientes.

La cualidades de éste film son muchas. Como ADAPTACIÓN DE VIDEOJUEGO la película es un diez puntos, entiende la mitología y las mecánicas del mismo haciendo de la experiencia un placer para todo que sea fan del universo Biohazard. La puesta en escena es brillante, la estética y los detalles tienen un nivel de pulido excepcional, creativo y muy bien trabajado, todo sin salirse del estilo perturbador que intentar plasmar. Los infectados son de lo mejor, desde EXTERMINIO que no se ven Zombis tan bien hechos, las criaturas muestran su agonía en el proceso de conversión, logran modular, lo cual es realista dentro del demencial contexto que se nos presenta. Si bien hay algunas diferencias con respecto al tiempo en el que los juegos se llevan a cabo la historia logra fusionar las entregas de una forma prolija en la que los personajes van de punto A a punto B sin caer en secuencias que sobren. Tenemos fan service del bueno, vemos personajes como Lisa Trevor y locaciones como el tren de RESIDENT EVIL 3: NEMESIS que dan gusto y se adaptan a la historia sin forzar nada. Los sustos estan muy bien trabajados, quizas se hace mucho uso del efecto de sonido fuerte injustificado, pero al ser un homenaje al cine noventero de horror se deja pasar y hasta se entiende el recurso.

Es perfecta? Para nada, hay algunos defectos. El primero es que se enfoca demasiado en la acción y no tanto en la tensión dramática. Ésto se debe a que algunas elecciones de cast son bastante erradas, como Avan Jogia o Robbie Amell, quienes son una versión diluida de los personajes originales. El guión hace mucho énfasis en la moda actual de Hollywood de que los personajes masculinos sean tontos y los femeninos sean fuertes y determinados. Las relaciones entre los personajes no terminan de entenderse, algunos de los diálogos casuales son incómodos de escuchar, dan medio verguenza ajena de la cantidad de cliches que tienen a cuestas.

No obstante RESIDENT EVIL: WELCOME TO RACCOON CITY es una película completa que merece ser vista. Si son fanáticos de la franquicia de Jovovich sin haber consumido mucho de los videojuegos probablemente se encuentren con un proyecto mucho muy distinto al que imaginan, pero si conocen la obra previa les aseguro que van a salir bastante contentos. El director y guionista declaro que quiere hacer una secuela que fusione CODE: VERONICA y, el que yo considero uno de los mejores videojuegos de la historia, RESIDENT EVIL 4. No me importa ver a este cast de vuelta siempre y cuando Roberts sea el escritor y director de lo que se viene, espero que suceda.

Calificación 7.5/10

El arte de arruinar un concepto.

La película, basada en la francesa «53 THE WAGES OF FEAR, tenía simplemente que enfocarse en el peligro que es cruzar los lagos congelados que se encuentran bien al norte del continente, agregándole algún conflicto que genere interés tanto en los valientes héroes como en el ambiente. La idea era muy copada, un entorno asi puede sacar a relucir comportamientos muy piolas en los protagonistas, pero el director Jonathan Hensleigh se fue por el lado ‘ »fast an furiu’ y hasta contacto a Liam Neeson, porque con deformar una obra no le bastó.

La historia sigue a un chofer de camiones especializado que tiene la misión de llevarle provisiones y un medio de escape a unos muchachos atrapados en el medio de la nada. Para llegar los vehículos tienen que cruzar unas zonas de lagos y arrollos congelados que, a la minima modificación de peso o velocidad, se romperían haciendo que nuestros héroes se pierdan en la nada.

El suspenso se vende y se convierte en una mezcolanza de generos que, a partir del punto medio, pasa a ser una idea genérica mas del monton. Los giros se ven venir desde antes de entrar a la sala, el bueno que es malo era el que todos pensabamos que iba a ser y lo mismo a la inversa, un concepto que en su simpleza pudo haber funcionado acá se llena de anabólicos y nos terminan dando un vaso de Pepsi con hielo puesto hace una hora.

El reparto tiene en su haber estrellas como Liam Neeson, quien desempaco y se instalo en el genero de acción/suspenso como si fuese en su casa, o Laurence Fishbourne, quien se la paso dos años haciéndose el que no vuelve a THE MATRIX: RESURRECTIONS porque no le gusto el guión. Despues hay otros, que la verdad no conozco y no planeo googlear sus nombres porque no lo vale, no hicieron nada especial ni merecen ser mencionados. Hasta se perdieron la chance de hacer que Benjamin Walker tenga algun parentesco con Neeson en la trama.

THE ICE ROAD es una de esas películas que pasaban los sabados en telefe con unos doblajes que nos pedían a gritos que nos suicidemos. Alejense de éste proyecto mientras les pidan dinero a cambio de verlo, no lo vale, que la próxima no nos tomen por idiotas y hagan cosas que nos hagan pensar. Dicen que la versión original que puse mas arriba está piola, probemos con esa.

Calificación 3/10

Sinopsis: En 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrella en un glaciar en el corazón de los Andes. Solo 29 de sus 45 pasajeros sobrevivieron al accidente. Atrapados en uno de los entornos más inaccesibles y hostiles del planeta, se ven obligados a recurrir a medidas extremas para mantenerse con vida.

Director: J. A. Bayona (Lo imposible, El orfanato, Jurassic World: El reino caído). Reparto: Enzo Vogrincic Roldán, Matías Recalt, Agustín Pardella, Tomas Wolf, Diego Ariel Vegezzi, Esteban Kukuriczka, Francisco Romero, Rafael Federman, Felipe González Otaño, Agustín Della Corte, Valentino Alonso, Simón Hempe, Fernando Contigiani García, Benjamín Segura, Jerónimo Bosia.Guionistas: JA Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marques y Nicolás Casariego.Productores: Belén Atienza (Lo imposible, El orfanato) y Sandra Hermida (Lo imposible, Un monstruo viene a verme).

La película está basada en el libro La sociedad de la nieve de Pablo Vierci. El rodaje se llevará a cabo en Sierra Nevada (Andalucía), Montevideo (Uruguay) y en distintas localizaciones de los Andes (tanto en Chile como en Argentina) incluyendo El Valle de las Lágrimas, localización real donde sucedió la historia. De J.A Bayona: Fue durante el proceso de documentación para Lo imposible cuando descubrí La sociedad de la nieve, la fascinante crónica que Pablo Vierci hace de la tragedia de los Andes.

Más de diez años después, mi fascinación por la novela permanece intacta y estoy feliz de afrontar el reto que tengo por delante: contar uno de los acontecimientos más recordados del siglo XX, con toda la complejidad que implica un relato que da tanta relevancia a los supervivientes como a aquellos que jamás regresaron de la montaña. Además, lo encaro en español, al que regreso emocionado después de 14 años sin rodar en mi lengua, y con un plantel de jóvenes actores uruguayos y argentinos con los que estoy entusiasmado.

De Belén Atienza y Sandra Hermida: Después de años trabajando en el proyecto, estamos muy emocionados de arrancar el rodaje de La sociedad de la nieve. Queremos dar las gracias a Netflix por su decidido apoyo al proyecto, que se rodará íntegramente en español. También a Cetursa Sierra Nevada por su implicación brindándonos rodar en la estación de esquí durante la temporada de invierno y especialmente agradecer a los supervivientes y a los familiares de los fallecidos en la tragedia de los Andes, por su enorme generosidad al compartir con nosotros su historia.