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La Universidad de Buenos Aires y la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU), a través de la Secretaría de Políticas de Diseño e Innovación Tecnológica, la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación, y la Carrera de Diseño de Imagen y Sonido, anuncian la realización de la cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la UBA
(FIC.UBA), que se llevará a cabo del 30 de septiembre al 7 de octubre de 2026.El FIC.UBA 2026 reafirma su compromiso con el cine y se consolida como un espacio de exhibición, formación e intercambio que conecta a la comunidad universitaria con el panorama audiovisual contemporáneo, tanto local como internacional. Con entrada libre y gratuita, el festival presentará una programación diversa que incluirá sus distintas competencias, retrospectivas, homenajes y ciclos especiales.
Convocatorias a competencias
La inscripción de películas para el Festival Internacional de Cine de la UBA ya está abierta. Desde el 28 de mayo hasta el 30 de junio de 2026, realizadores y realizadoras podrán registrar sus obras -nacionales e internacionales- a través de la web oficial del festival o también a través de festhome.com. La inscripción es gratuita y está abierta a películas de ficción, documental y animación, tanto de largometraje como de cortometraje. El festival cuenta con cinco competencias y otorgará premios en efectivo en cada una de ellas: Para conocer las condiciones de participación y el reglamento completo, se puede consultar la web oficial del festival fic.uba.ar
-Competencia Internacional de Largometrajes.
-Competencia Iberoamericana de Cortometrajes.
-Competencia de Cortometrajes U.B.A.
-Competencia de Largos Graduados DIS
-Competencia de Cortos Graduados DIS
Estos reconocimientos refuerzan el compromiso del FIC.UBA con la formación, el intercambio internacional y el acompañamiento de nuevas voces del cine. En la cuarta edición, FIC.UBA volverá a entregar premios económicos, viajes internacionales y becas de participación en festivales y programas de formación en instituciones públicas y privadas.
En ese marco, se volverá a premiar al mejor cortometraje argentino de la Competencia Iberoamericana de Cortometrajes con el Premio Distribución Festhome, que consiste en un año de distribución internacional a cargo de Festhome.com con tasas de inscripción incluidas. Con una mirada puesta en el futuro de los y las jóvenes cineastas, el FIC.UBA distinguirá los proyectos ganadores de la Competencia Cortos UBA con:
-Un viaje a España para participar del Málaga Talent, en el Festival de Málaga.
-Un viaje a Colombia para asistir a BIFF Bang, el área de formación de talentos del Festival de Cine de Bogotá.
Los directores de cine son egoístas al escribir, eso es así. Pero piensan cuán generosos pueden ser con sus películas, si es que el privilegio de una vida de cineastas no les nubla la visión y su conexión con el mundo que quieren retratar. Realidad, ficción, metaficción y autoficción dialogan entre sí en la nueva película del gran cineasta español Pedro Almodóvar, quien con este film sigue la temática crepuscular de Dolor y gloria (2019) pero haciendo énfasis en el proceso de la creación y la realización artística personal.
Amarga navidad es un puzzle cinematográfico con la clara firma de su autor que retrata dos historias, o mejor dicho una historia dentro de otra historia (dentro de la propia historia de Almodóvar). La secuencia que abre el film es la de Elsa Rosado (Bárbara Lennie) padeciendo unas terribles migrañas y que debido al insoportable dolor de cabeza decide ir a una guardia médica junto a su pareja Bonifacio (Patrick Criado), bombero y stripper. Luego de una escena de presentación subrayada desde los movimientos de cámara y unos diálogos acartonados, ojo a este detalle, se revela que Elsa es una cineasta ‘de culto’ que lleva tiempo sin rodar una película debido a que, hace años ya, se dedica exclusivamente a la publicidad y curiosamente así fue que conoció a su pareja, contactándolo para un anuncio luego de verlo realizar un espectacular striptease.
La trama nos muestra que la historia de Elsa es parte del guion que está escribiendo Raúl Durán (Leonardo Sbaraglia), un director de cine reconocido que hace años no rueda y cuyas mejores películas ya han pasado, un alter ego del propio Almodóvar. La propia historia de Raúl empieza a tomar peso cuando Mónica (Aitana Sánchez-Gijón), su asistente personal de toda la vida, le comunica que dejará de trabajar para él porque una amiga muy cercana a ella está pasando un mal momento y quiere dedicarle tiempo para acompañarla. Raúl se lo toma muy bien e incluso humanamente le pide estar al tanto de esa situación para ayudar en lo posible, en su lugar queda su enigmático compañero, Santi (Quim Gutiérrez). Con esto ya planteado inicia el puzzle meta cinematográfico de idas y vueltas entre las historias donde una se alimenta de la otra.
Raúl quiere escribir un buen guion y no sólo vivir del prestigio ganado antaño. El problema aparece cuando, para escribir ese buen guion, exprime las delicadas historias personales de sus cercanos sin consentimiento alguno. Almodóvar vuelve a la trama que escribe Raúl, mostrando que su película no es demasiado buena, al menos de momento, juega con diálogos acartonados y explicativos a modo de chiste metacinematográfico y avanza cuando Elsa se toma un tiempo de descanso para que la crisis nerviosa que atraviesa no le siga dando migrañas. Para eso viaja a Lanzarote, una particular isla canaria de playas negras, que la rodea de algo más cercano a cenizas que a arena en sí, ejerciendo para la ocasión de antítesis frente a la nieve blanca que hace juego con el título del film. En la isla Elsa se reencuentra con el deseo de filmar una película y se dispone a escribir un guion autobiográfico para exorcizar un duelo que no logró cerrar. A Lanzarote la acompaña su amiga Patricia (Victoria Luengo) en plena crisis matrimonial debido a una sospecha de infidelidad en su relación, pero luego es reemplazada por Natalia (Milena Smit) otra amiga en duelo de Elsa. Los cineastas protagonistas, un poco en el mismo punto, toman las mismas decisiones a la hora de reconectar con la escritura cinematográfica.
“Si va a llegar el día en que me abandones / prefiero, corazón, que sea esta noche. / […] Vas a saber que aquello que dejaste / fue lo que más quisiste, pero ya no hay remedio.”
Canta Chavela Vargas en Amarga navidad, canción compuesta por José Alfredo Jiménez que le da título al film. No es la única obra de Chavela que atraviesa la película ya que el director utiliza espléndidamente su figura. En primer lugar, Amaia Romero le canta a Elsa para calmarla, sosteniendo una escena completa solamente con su dulce voz. Una emoción que sólo se logra alcanzar con ternura y talento. El otro tema es La llorona y en este caso la escena es sostenida por la voz de Chavela y la emoción de dos amigas que necesitaban llorar. Acá es cuando Almodóvar muestra su altura y sensibilidad como artista haciendo un paralelismo consigo mismo.En las últimas presentaciones en vivo de Chavela, ya a sus 93 años y luego de una vida entera de cantar y cantar, lógicamente su voz no es lo que era, incluso la estaba perdiendo. Almodóvar toma esto y filma que una gran verdad puede ser representada en el arte también con susurros, incluso en el ocaso de una carrera. Su puesta en escena es acotada pero pulcra, ya no dirige películas visualmente histriónicas ni rimbombantes como sus films de los ‘80 y ‘90 y es consciente de ello.
Raúl está en medio de una crisis creativa y no sabe qué rumbo darle a los personajes de su guion, acá se cuela su realidad en la película. El director parece no saber relacionarse con sus seres cercanos y llena todo vacío personal filmando; el propio personaje de Sbaraglia lo dice: «Hace 5 años que no filmo; si no ruedo, me voy a morir». Eso es todo lo que un cineasta quiere, filmar. Y hará cualquier cosa para lograrlo, en especial para poder hacerlo bien, con una historia que le reviva el fuego que le celebraban en sus buenas épocas. Así que Almodóvar pone a Raúl en incómodas situaciones donde se le reclama ser demasiado complaciente consigo mismo y vivir de su prestigio de director en vez de su oficio como cineasta.
Amarga navidad es el retrato de una contradicción humana y artística, un artista necesita canalizar su realidad para devolverla transformada en belleza, sin importarle que sea a costa de esa misma belleza que lo rodea. Almodóvar filma su propia madurez desnudando las miserias del oficio en este puzzle de guion y pone en valor personas que aparentemente siempre fueron invisibles pero en realidad nunca lo fueron. ¡Al cine!
Calificación: 8/10 Por Julián Lloves para La Butaca Web.
Esta vez vamos a hablar de algo diferente, y es que nos vamos casi a la otra punta del mundo, para hablarles de una película que mezcla drama y terror y que nos llega desde Japón. Veamos por qué vale la pena darle una oportunidad a este proyecto llamado Dollhouse.
La trama se centra en la pareja de Yoshie y Tadashiko, quienes, tras perder a su pequeña hija, buscan un poco de paz con una muñeca de cerámica de tamaño real. Pero pronto la muñeca es dejada de lado cuando Yoshie queda embarazada. Los años pasan, y situaciones extrañas se empiezan a dar en torno a Aya, la despechada muñeca, que oculta varios secretos.
A verdad que no esperaba demasiado de esta película, sobre todo, porque no conocía a nadie de los involucrados; y, por ende, no tenía referencia de si eran buenos artistas o no. Y si, al menos en este caso, se nota talento en varios de los apartados. Empezando y destacando por sobre los demás, el del guión.
Si, la historia a priori parece media cliché, con una familia perdiendo a un ser querido, y en su desesperación por llenar ese vacío, termina atrayendo a un ente maligno. El tema es que la parte dramática está tan bien mezclada con la terrorífica, que ni nos damos cuenta cuando pasamos del miedo al nudo en la garganta, y viceversa.
En esto ayuda bastante las actuaciones de la pareja principal, Masami Nagasawa y Koji Seto, pero solo de ellos, porque si bien el estilo de actuación oriental dista bastante del nuestro, el resto de los personajes se sienten muy sobreactuados. En especial, el de la abuela, algo irónico, porque se supone que la actriz es la que más experiencia tiene.
Otro problema que le veo a Dollhouse, es que se alarga demasiado. Creo que la parte dramática del inicio, se extiende sin necesidad, siendo bastante redundante en lo respectivo a la pérdida de la hija. Si, sabemos que es un evento muy dramático, pero como espectadores esta historia la vimos cientos de veces, no hacía falta que nos cuenten lo mismo de siempre, con tanto detalle.
Quitando eso, Dollhouse es una película se sostiene bastante bien. Aunque se estira en su presentación, y algunas actuaciones sacan de clima, en general si es un proyecto que merece no solo ser aprobado, sino también recomendado. Para ver, pasarla bien y no mucho más.
Es la ópera prima de Curry Barker, un creador que saltó de YouTube y TikTok al cine de estudio. Obsesión (título original Obsession) llegó a Argentina el 14 de mayo de 2026 y se estrenó en Estados Unidos el 15 de mayo, con el sello de Focus Features después de volverse fenómeno en festivales como TIFF y Overlook. Barker mezcla terror psicológico, humor negro y romance tóxico para hablar de consentimiento y de hasta dónde puede llegar la fijación por otra persona.
Resumen
Bear, interpretado por Michael Johnston, es un empleado solitario de una tienda de deportes que compra un juguete sobrenatural llamado One Wish Willow. Lo rompe y pide su único deseo: que Nikki, su crush de toda la vida interpretada por Inde Navarrette, lo ame más que a nada en el mundo. El deseo se cumple al pie de la letra. Nikki se enamora de forma total, pero esa devoción se vuelve obsesiva, glitcheada y violenta, y Bear descubre que obtener exactamente lo que pidió tiene un precio oscuro y siniestro. Lo acompañan Cooper Tomlinson, Megan Lawless y un cameo de Andy Richter.
Lo que me gustó
La película funciona porque no trata a Bear como héroe romántico sino como lo que es, un tipo con derecho que no ve a Nikki como persona. Inde Navarrette hace un trabajo impresionante pasando de chica idealizada a auténtico demonio, con un comportamiento errático que incomoda en cada escena. Michael Johnston sostiene a Bear con una ansiedad que lo hace despreciable pero humano, y esa tensión convierte la historia en algo más cercano a una tragedia que a un simple susto. Barker, que venía del found footage viral Milk & Serial, dirige con un equilibrio muy fino entre lo grotesco y el humor seco, en un tono que la crítica comparó con lo mejor de A24. Se toma su tiempo, cocina a fuego lento y después entrega un clímax frenético con algunas de las escenas gore más recordadas del año, tanto que tuvo que recortar para no perder la clasificación R.
Lo que no me gustó
La premisa del deseo cumplido no es nueva y el arranque es pausado, así que si esperas acción inmediata puede hacerse larga. Además, el propio Barker reconoció que el sistema del One Wish Willow tiene un agujero lógico, si el juguete funciona de verdad el mundo estaría lleno de dragones y deseos cruzados, y la película no intenta resolverlo. Es parte del juego, pero deja una sensación de regla inventada sobre la marcha.
¿A quién se la recomiendo?
Es ideal si te interesa el terror de la Generación Z que habla de relaciones tóxicas sin moraleja fácil. Funciona para fans de Midsommar, Pearl o cualquier película donde el horror nace del deseo mal formulado. No es una comedia romántica con sustos, es un cuento de advertencia sobre pedir sin pensar, y Barker lo cuenta con una crudeza que se queda contigo después de salir de la sala.
El Mandaloriano ahora trabaja como cazarecompensaspara la nueva república buscando a antiguos generales del imperio junto a su joven aprendiz Grogu. Pero para cumplir con su nueva misión debe hacer un trato con los Hutts por información, cosa que no le gusta nada.
Los Hutts le piden a cambio que rescaten a su primo en un planeta ciudad donde no todo es lo que parece. ¿Podrá el querido Mando cumplir con su misión o algo más se atravesará en su camino? Habrá que verla para enterarse, debajo analizamos el resto.
¿Qué me gustó?
El título está bien puesto, realmente es la película de los dos. Incluso se le da al personaje de Grogu su espacio de desarrollo que no había tenido a lo largo de la serie.
La acción es constante y van saltando de aventura sin tanta política, aunque esta, como una peli de este universo debe ser.
¿Qué no me gustó?
La evolución del personaje principal ya se contó en la serie, por lo que esta entrega no funciona ni como principio, ni como final de esa historia, queda más como una nueva temporada llevada al cine con nuevas misiones que cumplir.
La música icónica de la serie está presente, pero también hay una reversión tecno que no encajan para nada con este universo.
Los cameos (tanto de actores como personajes) están muy bien en algunos casos, pero en otros son completamente innecesarios y nos terminan sacando un poco de la historia.
¿A quién recomiendo esta peli?
Por supuesto a todos los fans de la serie y el universo StarWars que la estaban esperando. Si no viste la serie podes verla pero no van a hacer nada para explicarte el origen de los personajes, te recomiendo en este caso ver la primera temporada de The Mandalorian que vale la pena.
El esperado regreso del estudio detrás de Coraline y Kubo and the Two Strings ya comenzó a romper récords: el teaser de Wildwood superó las 100 millones de visualizaciones globales en sus primeros días online y se convirtió en el lanzamiento digital más exitoso para una película stop-motion hasta la fecha, además de marcar un récord histórico de engagement para LAIKA.
Basada en el libro homónimo de Colin Meloy, la película se estrenará en octubre en cines.Dirigida por Travis Knight y escrita por Chris Butler, Wildwood acaba de lanzar su primer teaser. La animación stop-motion llegará a los cines en octubre, distribuida por Imagem Filmes, presentando una aventura épica sobre el amor, el sacrificio y la magia que se revela cuando nos atrevemos a mirar más allá de lo familiar.
El estudio LAIKA es una referencia mundial en animación stop-motion y responsable de clásicos contemporáneos como Coraline, ParaNorman, The Boxtrolls, Kubo and the Two Strings y Missing Link, todas nominadas al Oscar a Mejor Película Animada. Reconocido por el trabajo artesanal de sus artistas, que combinan técnicas tradicionales con innovaciones tecnológicas premiadas incluso con el Oscar Sci-Tech, el estudio dedicó más de una década al desarrollo de Wildwood, su sexta película stop-motion y considerada por el propio director y CEO de LAIKA, Travis Knight, como el proyecto más ambicioso realizado por la compañía hasta la fecha.
La historia sigue a la decidida adolescente Prue McKeel, quien emprende una desesperada misión de rescate después de que su hermano menor es secuestrado por una bandada de cuervos. Acompañada por su torpe pero leal compañero de clase Curtis Mehlberg, Prue atraviesa un mundo habitado por animales parlantes, bandidos y figuras poderosas impulsadas por el dolor y la ambición. A medida que ambos son arrastrados a un conflicto que amenaza el equilibrio del propio bosque, Prue deberá descubrir una fortaleza y una fe que jamás supo que poseía. Para salvar a su hermano y proteger el frágil futuro de Wildwood, tendrá que arriesgarlo todo.Basada en la aclamada trilogía literaria escrita por Colin Meloy e ilustrada por Carson Ellis, la película cuenta con alrededor de 120 escenarios construidos manualmente y marca el debut del estudio en una narrativa de fantasía épica ambientada en su propia región, en las afueras de Portland.
Con dirección de Travis Knight (Masters of the Universe, Kubo and the Two Strings, Bumblebee) y fotografía del seis veces nominado al Oscar Caleb Deschanel, Wildwood cuenta con un elenco de voces estelar que incluye a Carey Mulligan, Mahershala Ali, Angela Bassett, Awkwafina, Jacob Tremblay y Tom Waits, entre otros.
A veces lo peor que te puede pasar es que se cumpla tu deseo.
La historia:
Bear es un muchacho algo tímido que siempre se junta con Nikki, Ian y Sarah, sus compañeros del trabajo. Secretamente ama a Nikki aunque no sabe cómo decírselo pero debe hacerlo pronto porque la chica va a renunciar a su trabajo y posiblemente no vuelva a verla.
Decide, como último recurso, utilizar un regalo que iba a darle a ella, un palito que al romperlo te concede un deseo que había comprado en una tienda de chucherías místicas al que parecía que se le habían acabado los Mogwai.
Increíblemente el deseo funciona de inmediato y la chica no puede estar lejos de él. Pero pronto Bear se dará cuenta que lo que deseó no es tan bueno como imaginaba. ¿Podrá Bear romper el hechizo, o esa obsesión lo llevará a las últimas circunstancias? Habrá que verla para enterarse, si esta peli era o no todo lo que deseábamos lo vamos a analizar debajo.
¿Qué me gustó?
El cambio de tono constante de esta película, que especialmente se da en el personaje de Nikki, interpretada por Inde Navarrette, hace que uno se sorprenda o no sepa que esperar y es el gran diferencial de la peli, aunque seguramente su actuación va a dividir aguas en lasopiniones.
Dentro de este cambio constante de tono, el uso de humor es sorpresivo pero por momentos muy efectivo y le da una característica especial a la peli.
¿Qué no me gustó?
La trama en si es bastante previsible, ya de por si el uso del recurso del deseo que no sale como esperábamos ya está bastante desgastado y esta película no busca darle una vuelta de tuerca. Sin ir más el año pasado por ejemplo se estrenó El mono (2025) basado en un cuento de Stephen King. Por otro lado, también tiene elementos de Al diablo con el diablo (2000) por esto de querer conquistar a la chica de tus sueños con magia, por supuesto que con un tono totalmente distinto.
El protagonista masculino, Bear, es el tipo más quedado, entiendo que no pueda decirle a la chica que le gusta lo que siente, pero ya negárselo cuando la chica se lo está preguntando es demasiado, aparte de otras actitudes que tiene más adelante en la peli. Esto hace que no pierda empatía con el personaje.
¿A quién recomiendo esta peli?
A los amantes del terror y de las películas bizarras que juegan con la incomodidad del espectador, si te sentiste identificado esta es una buena elección.
Que íbamos a tener una secuela, era mega sabido. Y es que al final de la entrega del 2021, se vaticinaba la llegada de Johnny Cage como uno de los personajes estrellas para Mortal Kombat ll. y ahora, casi a mediados del 2026, nos llega esta ¿esperada? segunda parte. Veamos si es mejor, o si al menos, alguien se digno a ver un gameplay de la franquicia del fatality.
Ahora empezaremos conociendo la historia de Kitana, quien, siendo niña, vio como el invasor Shao Khanmató a su padre, el Emperador Jarrod, para conquistar el reino de Edenia. Es así que conoceremos, por fin, como funcionan las reglas del Mortal Kombat. Y en el medio, como campeón de la Tierra, tendremos a un actor de artes marciales en sus horas más bajas.
Si, leyeron bien la sinopsis, y no van ni dos minutos de película y vemos que siguen sin respetar el canon de los videojuegos (algo que no es muy difícil), pero bueno, también sirve como advertencia para que no busquen algo totalmente fiel si es que son fans, y se dejen llevar por una cinta en la que su mayor fuerte, radica en las escenas de combate.
Pero centrándonos en la película, hay que decir que es mejor que la primera (algo fácil de conseguir). Y no solo por el hecho de que ahora por fin tengamos un torneo mortal, sino que no van ni cinco minutos y ya tenemos el primer combate; ahorrándose tiempo en explicación y justificaciones de porque algunos tienen poderes. Palo y a la bolsa.
A eso hay que sumar las actuaciones de Karl Urban y Adeline Rudolph. No digo que sean merecedores de Oscar, o que sean los mejores del elenco, pero si los que parecen haber aprovechando al máximo lo que se les dio para trabajar, y el tiempo que tuvieron en pantalla. No por nada ellos son los protagonistas de esta segunda parte.
Pero obviamente, esta película iba a tener cosas malas, y hay que hablar de lo obvio, que es el cgi bastante chafa que tiene. Los poderes se ven okey, pero esos fondos, recuerdan a las nubes de Windows 98 de Black Widow. Solo basta ver todo lo que no es set en El Templo de Raiden para darse cuenta que los personajes están pegados sobre una pantalla verde. Y mejor no hablemos de las licencias creativas con respecto al videojuego, que, al fin y al cabo, la historia no es tan compleja como para que deba ser simplificada.
Mortal Kombat ll es superior a su predecesora, eso no se duda, aunque la tenía fácil. Solo queda ver como le va en taquilla para saber si tendremos una tercera entrega, que no es sugerida en esta secuela, pese a que cierto villano icónico de la franquicia, es nombrado varias veces…
Volvemos a hablar de producciones de Netflix, y esta vez con una película que a priori, podríamos decir que ya la vimos mil veces. Pero bueno, la voy a comentar, porque los involucrados son intérpretes que en lo personal no solo me parecen buenos, sino que aparte, me caen muy bien. Así que cortemos la cháchara, y veamos de qué trata Apex.
La trama sigue a Ashley, una fan de la adrenalina, que sufre un accidente haciendo alpinismo, en el cual, muere su instructor y amigo. Tiempo después, decide cerrar el círculo yendo a Australia. Lo que parecía ser una reconexión con su pasión, termina en pesadilla cuando conoce a Ben, un hombre local bastante turbio.
Si, ya se, la trama de persona en peligro que es acechada en un ambiente natural y exótico, ya la vimos hasta el hartazgo, y les diría que incluso, mucho mejor resueltas que en Apex (a todos seguro se nos vino esa donde Anthony Hopkins lucha con un oso en el bosque) ¿Entonces por que me molesto en hablar de Apex? Porque como dije, tanto Charlize Theron como Taron Egerton me caen muy bien.
Y es que esta película son ellos dos, y ya. Si, hay un grupito de hombres ahí merodeando, pero son utilizados más como una falsa amenaza que como antagonistas reales. Cosa que no tiene nada de malo, contrario a lo que pasa con el no uso del escenario. Y es que veremos cascadas, ríos, bosques y montañas; pero shet, la película pasa en Australia, uno de los países con la fauna más peligrosa del mundo. olvídense de ver arañas del tamaño de un gato o serpientes venenosas (bueno sí, sale UNA). En fin, un desperdicio.
Pero, así como se desperdicio el escenario de Apex, sí se aprovechó el tiempo que se tuvo. Durando apenas unos noventa y seis, y con Theron y Egerton (sigo diciendo que estos personajes son los que mejor le calzan al ex Kingsman) dando lo mejor de sí, pese a no tener demasiado con lo que trabajar, hacen que la peli dirigida por Baltasar Kormákur no aburra.
Y queda muy poco para agregar sobre Apex, porque la película no busca ser mucho más. Bien por el dúo protagonista, pero mal por el director al no aprovechar el entorno donde sucede todo. Ahora toca esperar que Theron y Egerton elijan proyectos más desafiantes.
Damian McCarthy vuelve después de *Oddity* (“Rareza”) con su primer trabajo para Neon, y confirma que no fue una casualidad. *Hokum* retoma dos ideas que le obsesionan, el horror popular y cómo una violencia muy terrenal puede abrir la puerta a una represalia sobrenatural, pero no suena a repetición.
Resumen:
Adam Scott interpreta a Ohm Bauman, un escritor de terror famoso, alcohólico y difícil de querer, del tipo de autor con problemas que asociamos a Stephen King. Viaja a un hotel perdido en Irlanda, donde sus padres pasaron la luna de miel, para esparcir sus cenizas junto a una secuoya que sale en una foto antigua de su madre. La madre murió en un accidente trágico y el padre se hundió en el alcohol, y Ohm marca esa diferencia con un gesto pequeño: deposita con cuidado las cenizas de ella y vuelca las de él como quien cumple un trámite. En el hotel conoce a Fiona, y cuando desaparece tras una fiesta de Halloween, Ohm se aferra a encontrarla aunque el gerente y los demás ya se rindieron. La única pista que nadie quiere seguir es la Suite de Luna de Miel, cerrada porque, dicen, ahí vive la bruja.
Lo que me gustó:
Me gustó cómo McCarthy confía en la imagen antes que en la explicación. La fotografía de Colm Hogan trabaja con encuadres quietos, mucho aire alrededor de los personajes y sombras que no buscan el susto fácil, lo que te obliga a compartir la mirada de Ohm y a preguntarte qué hay en la oscuridad con él. Ese control se apoya en el montaje de Brian Philip Davis, que dosifica muy bien cuándo apretar y cuándo soltar, así la película entra y sale de momentos muy intensos sin perder el pulso. Adam Scott está en su mejor registro porque no intenta caer bien, sostiene a un tipo irascible que quema puentes y carga culpa, y eso hace creíble su descenso. Todo ocurre prácticamente dentro del hotel, y esa limitación se vuelve virtud, el lugar funciona como una casa de muñecas embrujada donde cada pasillo suma tensión sin necesidad de efectos agresivos.
Lo que no me gustó:
La historia es deliberadamente simple y McCarthy no se detiene a armar una mitología detallada de la bruja, lo que puede frustrar si buscas respuestas claras. Además, Ohm es tan antipático que una parte del público puede desconectarse antes de que la película le pida empatía, y algunos secundarios del hotel quedan más como parte de la atmósfera que como personajes con recorrido propio.
A quién se la recomiendo:
Es para quienes siguen a la nueva generación de terror de autor, como Oz Perkins o Zach Cregger, y prefieren el folk horror atmosférico al susto de manual. Si te atraen las casas encantadas clásicas, los relatos que mezclan duelo y culpa con lo sobrenatural, y no te molesta que una película se tome en serio un cuento de brujas irlandesas sin guiños irónicos, “Hokum” te va a funcionar.
