Por María Luz Stella

Un día me dijeron que para que un guión cinematográfico funcione no puede faltarle “sexo, drogas y rock & roll”, ingredientes que tiene la historia de Celeste (interpretada por Raffey Cassidy en su adolescencia y Natalie Portman a sus 30 años) y en la cual están muy bien articulados – sin ser exaltados pero manteniéndonos expectantes – en la creación de una estrella de la industria discográfica. Sin necesidad de recurrir a imágenes explícitas y con la utilización de varias elipsis importantes (ya que el film recorre más de 15 años), el director logra plasmar la vida desenfrenada de una joven adolescente que de un día para el otro se encuentra camino a la fama. Una vida desenfrenada que deja ver el trauma, que esconde los motivos reales por los cuales ella llegó a ese lugar y el por qué eligió dedicarse a la música pop.

En cuanto a lo visual, se utilizan recursos poco habituales en el cine tradicional. Como ser el uso de un formato 4:3, presente en dos oportunidades: en primer lugar, para la introducción que ilustra la vida de Celeste de pequeña haciendo referencia a un formato en desuso como lo es el VHS y, en segundo lugar, en una secuencia de la gira donde ya está consagrada como estrella. Ambos momentos ni siquiera son flashbacks cómo podría de esperarse para el cambio de formato de panorámico a 4:3 como justificación dramática.

Otra característica particular es la decisión de realizar una iluminación que se acerca a la realidad y que se aleja a lo que acostumbramos a ver en las pantallas. Esto podemos identificarlo en la primera escena donde Celeste canta, en el recital de rock donde conoce al futuro padre de su hija y en su show/escena final. En la primera, la protagonista se encuentra cantando por primera vez mientras la iluminan los flashes de las fotografías que le toman. En las otras dos escenas que suceden sobre los escenarios, las luces de colores y estroboscópicas invaden el cuadro reventando la imagen creando así un efecto realista de lo que se experimenta al estar realmente en un espectáculo.

“¡Estoy harta de que me traten como si no fuera una persona!”

La vida de Celeste quedó pausada con el suceso trágico que la marcó desde el principio (que de hecho es un tanto curioso como el inicio de esta película se asemeja a un final) y que la volcó al mundo de la música donde pasó a convertirse en un producto. Ésta idea se resalta con la utilización de la misma canción tanto para iniciar su carrera como para marcar su renacer, diciéndonos sutilmente que sigue siendo la misma persona más allá de todas las fortalezas que haya tenido que construir para sobrevivir dentro de la industria.

Dirigida por Brady Corbet y producida por Natalie Portman y Jude Law, este film independiente (lo que puede explicar la libertad de poder tomar ciertas decisiones a nivel formal), podrá verse próximamente en las pantallas argentinas en el marco del BAFICI.

Funciones:

• Miércoles 10 de abril, Cine Gaumont 1, 22:40h
• Sábado 13 de abril, Multiplex Belgrano 2, 23:45h

Calificación 9/10

Por Macarena Maidana

Las Dos Reinas (Mary Queen of Scots, 2018) es una película de drama histórico dirigida por Josie Rourke. Basada en el libro de John Guy llamado “Queen of Scots: The True Life of Mary Stuart”. Con un gran reparto actoral entre los cuales se encuentran Saoirse Ronan, Margot Robbie, Guy Pearce, Gemma Chan, Jack Lowden y David Tennant, entre otros; Rourke nos trae un repaso  desde el punto de vista de cada una de las responsables de dicho evento histórico.

Después de enviudar a los 18 años, Mary Stuart (interpretada por Saoirse Ronan) Reina de Francia y heredera del trono de Escocia, regresa a su tierra natal para reclamar su trono. En el otro lado de la isla británica se encuentra la poderosa Reina Elizabeth (interpretada por Margot Robbie), prima de Mary.

La sola existencia de Mary pone en riesgo la soberanía de Elizabeth. Traiciones, rebeliones y conspiraciones forman parte de la turbulenta relación de estas dos regentes que cambió la historia.–

Las Dos Reinas se convierte en espectacular repaso de historia europea, con algunas libertades por parte de Josie Rourke,  donde (una vez más) Saoirse Ronan destaca en un drama de época y Margot Robbie sorprende en el papel de Isabel I, el guion de Beau Willimon ( House of Cards) encaja perfecto en este presente femenino que estamos viviendo y vemos a María Estuardo por primera vez como una joven Reina rozando el papel de heroína pero logra que también entendamos a Isabel desde su posición en Inglaterra.

Ambas mujeres se ven rodeadas de los clásicos clichés de la época que van desde traiciones, fanáticos religiosos, confabulaciones políticas, etc, pero nunca se torna aburrido el relato gracias a debido a la gran actuación que proponen tanto Ronan como Robbie.

Lamentablemente pasó casi sin pena ni gloria en USA al estrenarse el mismo día que La Favorita, con la cual perdió la pulseada ante la inevitable comparación  pero logró dos nominaciones a los premios de la Academia en los rubros donde más destaca Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Maquillaje y Peluquería.

Si bien no quedará en la memoria de muchos, es una obra sobresaliente que no le queda nada grande la potente historia que carga, punto para la Rourke y una prueba más de que Saoirse Ronan sigue trepando alto en la industria.

Calificación: 7/10

LA REBELIÓN (Captive State) con John Goodman, Ashton Sanders, Vera Farmiga, entre otros. – Guión: Erica Beeney, Rupert Wyatt – Dirigida: Rupert Wyatt. / Distribuye: @diamondfilmsarg / Estreno en Argentina: 28 de MARZO 2019 / Crítica: CJ COLANTONIO.

La Rebelión presenta a la humanidad sumida -hace diez años- en un mundo liderado por extraterrestres, quienes son como una especie de ser humano delgado de tres metros y una combinación de puerco espín, además de otras mascotas que rondan por la tierra, y que lamentablemente son poco aprovechados como un factor emocional dentro de las tramas.

Supuestamente la llegada de estos seres ha solucionado el problema de la pobreza y los crímenes, esto último porque la tecnología que estos bichos poseen es súper-recontra avanzada.  En fin… algunos rebeldes que se oponen a estar bajo la tutela de los súper poderosos alienígenos, quienes además hablan un idioma que sólo algunas traductoras saben entender, son quienes dan el título a esta película.

Se podría decir que es una suerte de ciencia ficción y espionaje, pero sumamente predecible y que invitan desde la primera secuencia a momentos de interesante acción que nunca llegan, lo que se quedan en una especie de mezcolanza para televisión que diluye la trama con tantos personajes.

Calificación: 4/10.

Por Bruno Glas

La nueva película de Mariano Cohn, responsable junto a Gastón Duprat (aquí productor y guionista) de “El ciudadano ilustre” y “Mi obra maestra”, entre otras, cuenta como un ladrón se mete en una camioneta para robarla, para terminar quedando atrapado en ella. El chorro en cuestión (interpretado por Peter Lanzani) se halla no sólo incomunicado con el exterior, sino a merced de la voluntad del dueño (gigante Dady Brieva), capaz de controlarla desde afuera.

La sinopsis de 4×4 remite de forma muy clara a un subgénero recurrente dentro del thriller : el film que transcurre en un espacio cerrado. Pero al mismo tiempo, encuentra en esta propuesta a priori atractiva, un problema usual: el de la idea que resulta mejor que su ejecución. Veamos por qué.
Los primeros minutos son de una fuerza que apabulla. El montaje dispone con un sonido estridente y gran rapidez imágenes de carteles que indican zonas vigiladas por cámaras y control policial. Este comienzo pone de manifiesto uno de los temas centrales del filme: la seguridad, y la falta de ella. El ladrón, de nombre Ciro, hurta el vehículo y comienza a desesperarse una vez que se sabe atrapado. El director demuestra un enorme virtuosismo al mostrar esta situación sin una sola palabra, y transmitiendo al espectador la misma angustia que siente el personaje. La primera voz que escuchamos será la del dueño del auto, un obstetra, que le hará pasar las mil y una al personaje de Lanzani. Con todo ello, 4×4 comienza como un thriller claustrofóbico, que saca provecho de lo reducido del espacio donde transcurre. Pero los problemas comienzan cuando el punto de vista se traslada al exterior. En este punto, la película da un vuelco y se sale del planteamiento inicial para tratar, de manera no muy sutil, la problemática de la delincuencia, la pobreza, y las diferencias de clase. Como si esto fuera poco, el guión le hace decir al protagonista que nos encontramos en una sociedad injusta, como si las imágenes no nos lo hubieran dejado en claro desde el principio. Y lo mismo pasa con la conversación entre el médico y el ladrón, que de a poco deja de lado la tensión entre ambos para remarcar que ambos pertenecen a mundos distintos.
Cuando es un thriller, 4×4 logra un clima inquietante. En cambio, cuando se pasa al bando de la denuncia social, termina por desviarse. Ahí la película termina por perder el terreno.

Calificación 4/10

Por María Luz Stella

Joaquín y Julián Azulay han realizado ya cinco films en los cuales documentan viajes a distintas partes del mundo donde van acompañados de sus tablas de surf, que por cierto son muchas. Los gauchos del mar – como fueron bautizados por unos amigos – apasionados por el cine y el surf, son los protagonistas de un film que en esta oportunidad se propone viajar a las Islas Malvinas en búsqueda de una ola perfecta. La ola sin fronteras nos acerca a un sitio que recuerda parte de la historia argentina con la idea de transmitir un mensaje de paz y unión entre seres humanos, olvidando los límites geográficos y haciendo hincapié en que no son más que eso: lineas imaginarias.

Al estilo de una road movie, el relato nos sumerge en un trayecto que recorre por tierra, mar y aire distintos lugares de las islas. La belleza del paisaje, la fauna y el mar contrasta con los escalofriantes restos latentes de la guerra. Además de ir en búsqueda de una ola perfecta para zambullirse con sus tablas, los directores se entusiasman con la idea de conocer a los dos únicos habitantes de las Islas Malvinas que practican el deporte y que casualmente son hermanos como ellos. Por lo que, la necesidad de este encuentro se torna parte de la motivación de la película. Encuentro que se ve afectado por las dudas de estos hermanos y la mala comunicación de la zona.

Con una narrativa y puesta en escena tan simples como armónicas logran transmitir a la perfección y con transparencia su mensaje pacifista de reconciliación.

Calificación 7/10

Production: Gauchos del Mar / Caudillo Cine

Producers: Joaquín Azulay, Diego Amson

Directors: Joaquín Azulay, Julián Azulay, Fernando Salem

Screenplay: Joaquín Azulay, Julián Azulay, Fernando Salem

Directors of Photography: Julian Azulay, Joaquín Azulay

Edition: Leandro Ferrer

Line Producer: Lucila de Arizmendi

Mograph Designer: Pablo Brancatella

Sound Post Production: BUM! Audio

Original soundtrack: Ignacio Seratti and Matias Gibbs

Por Candela Otero 

En su primera experiencia como director, Pablo González Pérez nos trae un film que llega a las salas tras poca difusión, y que, a priori, no promete mucho, pero resulta ser un gran
trabajo, que deja conforme al espectador.

En esta oportunidad, Pablo Echarri, de gran trabajo, encarna a un “típico” hombre de clase media: Ya ha formado una familia, trabaja en una oficina, no está a gusto con su empleo y siente que allí está perdiendo el tiempo. Por lo que, acepta el retiro voluntario que ofrece su
empresa, y compra el kiosco de barrio al que tanto iba durante su niñez, del cual guarda hermosos recuerdos. Pero las cosas se complican cuando se anuncia la construcción de un
viaducto en esa calle, hecho que aislará al kiosco de los autos y los colectivos, y le quitará a los clientes.

 
Además de Echarri, se destaca en su actuación Rolly Serrano, quien interpreta a un pizzero muy ocurrente, quien busca todos los medios posibles para resolver el tema del viaducto, y
otorga la mayor cuota de humor al film.
La película cuenta con un guión firme, que no deja cabos sueltos, y que sabe enfrentar al personaje principal a un fuerte conflicto, que necesita resolución inmediata: Las deudas son cada vez mayores, la casa está hipotecada y al kiosco no ingresa dinero.

 
Desde la dirección, sorprenden algunos planos aéreos donde se aprecia la magnitud de los edificios y las autopistas de Buenos Aires. El montaje y el sonido hacen un gran trabajo.
Prolija en todos sus aspectos, alterna momentos cómicos con otros dramáticos, y presenta un fuerte tono de melancolía, visiblemente en el personaje de Echarri.

 
No pasan de largo los comentarios de la situación socio-económica crítica que atraviesa el país: la radio informa que el dólar no hace más que subir, las empresas ofrecen retiros voluntarios, y hay reiterados comentarios sobre que no es un buen momento para dejar el trabajo y aportar por un emprendimiento como el kiosco.

Con una creativa resolución, y un buen trabajo de todas sus partes, se logra una buena película, de carácter muy actual, que le genera una identificación al espectador, y llega para ser vista en el momento justo.

Calificación: 7/10

Por Pedro López

“Quiero ser dueño, quiero ser libre”

Así decía en esta película Mariano, personaje protagónico interpretado por Pablo Echarri. Una comedia que nos enseña a mantener nuestros valores en momentos de crisis. 

Harto de su trabajo en una oficina, Mariano  decide darle un giro a su vida. Tras aceptar un retiro voluntario, invierte el dinero obtenido y todos sus ahorros en la compra del kiosco de Don Irriaga, un lugar repleto de buenos recuerdos en el barrio de su niñez.

Poco tiempo después, descubre que la calle sobre la que está ubicado su flamante kiosco será próximamente cerrada al tránsito para hacer un viaducto, obra que dejará a su emprendimiento completamente aislado.

Condenado a una ruina inminente, Mariano tiene los días contados para hacer “algo” que los salve, a él y a su familia, antes de que la calle quede clausurada. Para eso, deberá confrontar con la adversidad, con sus afectos y, sobre todo, consigo mismo.

Un guión bien logrado se conforma de escenas bien logradas y es claro que esta película tiene algunas, como así también tiene algunas situaciones cómicas, alguna que otra buena toma, y algunos estupendos actores. Pero decir que esta película es buena es omitir muchísimos detalles, ya que “El kiosco”, película dirigida y escrita por Pablo Perez Gonzalez, también nos deja situaciones cómicas genéricas y un guión que falla rotundamente sobre el final, pues no posee un arco dramático. Una de cal y otra de arena. En fin, una película zafable y costumbrista. No corre muchos riesgos y cumple, al igual que muchas otras, con la simple función de entretener.

También existen cuestiones que debo comentar acerca del bagaje cultural que se inserta y se distribuye a través de este medio de comunicación masivo. Esta película no es solo una comedia costumbrista; sino que también exhibe los valores clásicos del estereotipo argentino clase media, respetando los intereses neoliberales vigentes.

Me explico.

¿Recuerdan cuando dije “que no posee un arco dramático”? Bueno, en general las películas tienen personajes que pueden poseer o no un arco dramático. Algo que el protagonista debe cambiar de sí mismo o debe enterarse para poder resolver el conflicto, y así completar su objetivo. Cuando el personaje principal no tiene un arco dramático, (quiere decir que mantiene sus valores iniciales en toda la historia) lo que adquiere un arco dramático es su entorno, ósea los personajes secundarios. Entonces la historia trata de cómo ese entorno modificado ayuda al protagonista a conseguir su objetivo.

En esta película el entorno no cambia al igual que su personaje protagónico, entonces ¿cómo se resuelve el conflicto? Bueno lo voy a decir sin más vueltas: SOLO. El conflicto se resuelve solo. Y esto es, además de un enorme error del guionista, una forma de inculcar cultura. “Todo se va a resolver” “Vamos a estar bien” “Tranquilo todo se va a arreglar”.

Creo que lo lindo en las historias es ver la transformación del personaje, ver cómo este sortea los obstáculos y cumple su objetivo. Es motivador ver cómo alguien no se rinde hasta conseguir lo que quiere o hasta entender que en verdad lo que quiere es otra cosa. Lo motivante no son estos finales “esperanzadores” donde el conflicto se resuelve gracias a alguna mano invisible. De hecho es todo lo opuesto, es desmotivante

La esperanza no reside en confiar que el destino pueda acomodar tu camino hacia la felicidad, sino en que uno mismo o un colectivo de gente pueda lograr un objetivo más allá de los obstáculos que encuentre. Reside en creer al menos que nosotros podemos llegar a ser dueños de nuestro futuro y de nuestro destino.

La esperanza reside en la lucha, en el conflicto y sobre todo en vencerlo. Esa es la enorme diferencia entre un final feliz y un final “esperanzador”.

“Quiero ser dueño, quiero ser libre”

Así decía Mariano protagonista de esta película. Una comedia que nos podría haber enseñado a mantener nuestros valores en momentos de crisis, pero optó por un básico y rotundo final “esperanzador”

Calificación: 5/10 

LA SANADORA  | La Guérisseuse (Largos Árabes) Un film de MOHAMED ZINEDDAINE (2018) MARRUECOS, ITALIA, CATAR, ficción, dialecto marroquí – Función: Miércoles 27/3 EL CULTURAL SAN MARTÍN – SALA 1 / Crítica: CJ COLANTONIO.

Si tienes interés de salirte del circuito cinematográfico comercial, el Festival Internacional de Cine Latino Árabe aterriza en su octava edición.  El año pasado, la organización fue galardonada por la UNESCO y considerada como una de las 100 instituciones más influyentes en el mundo árabe por el Arab Cinema Magacine en el marco del 71º Festival Internacional de Cine de Cannes.

En forma anticipada pude ver “LA SANADORA”, una película hablada en dialecto marroquí que podría considerarse -de manera transversal- dentro del cine social, más que nada porque se muestra a los personajes como “a la suerte de Dios”.

Su protagonista, un joven que vive en las afueras de un estanco minero, intenta aprender a leer y escribir, y su madre adoptiva, la curandera del pueblo, busca proteger su lugar de privilegio a través de las leyes del oscurantismo.  Paralelamente, un ladrón de poca monta, sufre una enfermedad en la piel y termina visitándola. Entre ellos, se traza una fina línea que delimita aún más el destino opresivo.

Calificación: 3/10.

* SEDES: 

– Complejo Bajo Plaza – CCGSM  (Sarmiento 1551): Valor de las entradas: General  $ 70 – Jubilados y Estudiantes $ 40.

– Alianza Francesa  (Córdoba 946): Entrada Gratuita.

– Sala Leonardo Favio – Biblioteca del Congreso de la Nación (Alsina 1835): Entrada Gratuita.

PROGRAMACIÓN:  http://www.cinefertil.org/latinarab/index.php/programacion/

UN LADRÓN CON ESTILO (The Old Man & The Gun) Un film de David Lowery / La película con la que se retira de la actuación el icónico Robert Redford. Con Sissy Spacek, Cassey Affleck, Danny Glover y Tom Waits. Basada en una historia real reportada por David Grann en el New Yorker en 2003 (al pié, link al artículo) / Fecha de estreno en Argentina: 21 de Marzo. / Crítica: CJ COLANTONIO.

Robert Redford dijo que sería su última aparición, y encontró un relato que habla por sí mismo, sobre cómo se ha tomado su trabajo y un homenaje a las películas de antaño.  Basado en una historia real, su personaje es un viejo ladrón de bancos que roba con cierta amabilidad y quien logró escaparse 18 veces de prisión. Un evidente trazo de aquellas películas, muchas de las cuales rodó con su amigo Paul Newman.  

Aquí, te encontrarás con una las escenas más románticas del cine de los últimos tiempos, la que comparte con Sissy Spacek; como también, una de los momentos de mayor reflexión –acompañado con Casey Affleck- cuando policía y ladrón se encuentran cara a cara, y ambos entienden que no se trata de perder o ganar, se trata de tener la oportunidad de hacer un papel en la vida que te mantenga vivo.

Las líneas de diálogo lo dicen todo: “Se ha pasado la vida entre rejas.  Salvo cuando se escapaba”. “Debería haberse retirado hace tiempo.” “Bueno… cuando encuentras algo que te apasiona…”.  “Una vez estaba con él y le dije: -Tiene que haber otra forma de ganarse la vida. Y él miró y me contestó: -No se trata de hablar de cómo ganarse la vida, sino te trata de vivir.”

Ó… “Siempre que cierro la puerta, pienso, ¿será la última vez que pueda hacer lo que fuera que estaba haciendo?” / “¿Sabes lo que hago?, saltar por la ventana.”

Calificación: 9/10.

Acceso al artículo en donde se basó la película: ACÁ

Por Agustín Villegas

Sacando al espectador de su zona de confort…

La cantidad de inversión que Universal le está poniendo encima al marketing de éste proyecto me genera esperanza por el alcance y el futuro del cine de autor. Pensar en que una película tan creativa y distinta va a llegar al espectador común me alegra debido al aporte que ésta puede brindarle a una persona que, al estar acostumbrada al cine de genero, puede acercarlo a un estilo que cada vez se aloja más en servicios de streaming y no tanto en las salas de cine convencionales. El punto al que intento llegar es que la rueda funciona de una forma perfecta. El espectador conoce un estilo diferente, éste le vuela la cabeza y por ende comienza a buscar más proyectos similares para ampliar un poco su espectro. Esto deriva a que los estudios tomen más riesgos y más artistas puedan contar con la libertad de hacer películas con un sello mucho mas personal.

Antes de hablar del talento de Jordan Peele hay que darle crédito a Blumhouse productions, una productora que vive demostrando que apuesta a un cine de primera linea. En su impecable curriculum tenemos películas como ‘SPLIT’, ‘THE PURGE’, ‘GET OUT’ (la cual va a ser mencionada en ésta reseña), ‘WHIPLASH’ y la reciente ‘BLACKKKLANSMAN’. En su historial tiene tres nominaciones al Oscar y un oceano de halagos por parte de los cinefilos experimentados. Ahora hablemos un poquitito de Jordan Peele, productor, director y escritor de ‘US’, quien conquisto a la crítica especializada con la ingeniosa ‘GET OUT’. Antes de ésto algunos lo conociamos por su gran show de comedia ‘KEY & PEELE’, el cual protagoniza junto al crack Keegan Micheal-Key. Ambos pasaron un ratito por la primera temporada de la serie «FARGO» (recomendadisima por cierto), basada en la película de Los Hermanos Coen, en donde interpretan a dos extravagantes agentes del FBI quienes buscan solucionar con urgencia una cagada grande que se mandaron durante la investigación de un sindicato criminal. Con éste nuevo proyecto confirmamos que Peele llego a Hollywood para quedarse, y en un cine repleto de monotonía y bajada de linea carente de sutileza la llegada de un tipo así siempre es algo positivo para el arte en general.

La historia sigue a una familia que, en sus vacaciones, es acosada por doppelgangers diabólicos de ellos mismos. Lupita Nyongo, Winston Duke y Elisabeth Moss protagonizan éste surrealista film.

La escasez de información en la sinopsis es intencional, los proyectos como éstos es mejor ir a verlos con poco conocimiento de la trama en la cabeza. El genero de la película es una cuestión muy dificultosa de abordar. No estamos ante una película que de MIEDO constantemente, la fortaleza de la idea se encuentra más que nada en el suspenso y en la incertidumbre de la situación que esta familia vive. El mensaje de la película va a ser muy subjetivo para cada uno de ustedes, si ‘GET OUT’ buscaba transmitir la falsa aceptación de la comunidad blanca hacia los afroamericanos entonces podemos decir que ‘US’ va mas allá criticando a la sociedad en general. La idea se dedica a hablarnos de miedo a lo externo y del consumismo excesivo de la sociedad occidental. En la review de ‘CAPITANA MARVEL’ les mencione que uno como crítico debe alejarse de la ideología y enfocarse en como ésta es aplicada en una obra. En éste caso el mensaje esta plasmado de formas tan sutiles y abiertas a la heterogeneidad de interpretaciones que se me es imposible no aplaudirla. En un mundo en donde los mensajes son metidos a la fuerza resulta fresco que alguien se digne a tocar temas desde un punto de vista tan delicioso.

La película es estéticamente increíble. Los dobles malvados tienen un estilo visual que no solo es reconocible, sino que es atractivo a la vista y contrasta perfecto con la prolijidad y la pulcritud de la versión original de ésta familia afroamericana moderna. El hecho de que los monstruos sean las mismas personas a las que queremos ver salir de esa situación es una maravilla que sale de todo patrón que establece el cine de horror. Además hay que agregar que la comedia está presente de una forma muy inteligente, lo que hace de este proyecto digno de piropearle algo que yo AMO ver en las películas y series que consumo … la imposibilidad de encasillarla en un genero especifico, ya que mezcla de todo un poco.

Mí única critica negativa es que por momentos la película se torna demasiado surrealista, bordeando lo exagerado, pero SIEMPRE encuentra la forma de volver a la ruta sin desbarrancar.

«US» es una película que TIENE que verse por el bien del cine y por lo excelente de su planteo. Las actuaciones son una joya y, en aspectos técnicos, no falla absolutamente NADA.

Calificación 9/10