Por Denise González

Los sábados veraniegos en el Teatro Luisa Vehil el elenco de Con mi chico no  te metas recibe a su público para hacerlos reir como nunca. Cuatro actores de calidad encarnan la historia de dos hermanas en sus sesenta que llevan una vida monótona. Mireya, la viuda, encerrada en el aburrimiento de su rutina, sorprende a Ana al contarle que decidió contratar a un acompañante a la casa. Su reacción no es nada positiva: como es de esperarse, la católica y solterona se indigna por esta decisión. En medio del conflicto suena el timbre: aparece en escena Emanuelle, que no se parece en nada a la foto de internet. Aunque duda, Mireya se conforma con el cuarentón de figura descuidada con tal de tener su noche fogosa. Ana, furiosa, les dice a gritos todo lo que piensa sobre ambos, y antes de llegar a la puerta para retirarse se golpea la pierna contra la mesa. Este es el momento del que Emanuelle se aprovecha para conquistarla – más bien a su billetera. Así la víctima se ve envuelta en un enamoramiento infantil e intenta desplazar a su hermana. Pero en medio de la secuencia llega Segismundo: el empalagoso hombre con el que sale Ana hace treinta años y quien jamás le tocó un pelo. Entonces se producen los enredos: Emanuelle se convertirá para Segismundo en el supuesto doctor que atenderá a Ana. Mientras tanto, ella continuará declarando su amor al taxi boy y soñando una vida con él, para, al final, quedarse con una valiosa lección de Mireya: nunca será tarde para dar color a su vida.

La obra tiene varios momentos: el principio se encarga de presentarnos a Mireya, un personaje ácido, sarcástico. Sus intervenciones rompen las estructuras durante toda la obra, tentándonos a la risa constantemente. En la segunda mitad, el centro de atención se focaliza en Ana, ingenua y anticuada. Ella nos abre una nueva gama de posibilidades cuando muestra su lado soñador y por fin entiende que siempre se ha conformado. Es el motor de las risas en la transición increíble y extrema de su participación. Emanuelle, por su parte, es fresco. La simplicidad de sus diálogos y la excesiva confianza en su físico lo hacen cómico. Además es rápido para sacar el jugo a cada situación. Por último, Segismundo, con su inocencia y lo ridículo de sus apodos melosos para Ana, se convierte en la frutilla del postre y nos hace estallar.

A sala llena y en una atmósfera de completa alegría, la obra en sí es desarrollada dinámicamente, con soltura y la precisa explotación de los dotes de cada actor. Se pone en juego su estética al servicio de la historia y así se convierte en el gran suceso que alegra la noche de tu sábado.

Funciones: Sábados a las 21:00 hs.
Duración: 90 minutos 
Teatro LUISA VEHIL – Av. Hipólito Yrigoyen 3133. CABA.
Localidades $ 350.  Reservas al: (011) 4943-0001

Entradas por: http://www.alternativateatral.com/obra70182-con-mi-chico-no-te-metas

Por razones que desconozco, hace mucho tiempo que venía teniendo pendiente la obra de Nelson Valente y la compañía Banfield Teatro ensamble, que ha cosechado un gran éxito en los últimos años tras su paso por el teatro El picadero y su paso por el exterior. Quería entender el porque esta obra sigue vigente convirtiéndose en una obra de culto dentro de la cartelera porteña. Lo poco que puedo en este párrafo sobre la obra, es que se trata de una comedia negra familiar, que nos habla sobre la violencia que se vive de forma implicita, y dónde un personaje que no responde a los comportamientos socialmente aceptables, destapa estos hechos en una intensa reunión.

Si nos ponemos a desarrollar un poco la premisa que nos trae el loco y la camisa, es simplemente una reunión familiar. Una familia de zona sur, con una madre que ha dejado de trabajar para criar a sus hijos, un marido con un carácter machista , y dos hijos, del cual uno es el denominado «Loco» por no responder a las normas sociales. Todo el conflicto se desata cuando la hija va a llevar a su novio a la casa a cenar, siendo la oportunidad para presentarle su pareja a la familia. La cuestión es que esta mujer, avergonzada quizá de su clase social y algo de su familia, pide a su hermano que no esté presente en la cena, ocasionando problemas con sus padres y con ella misma. La cena se lleva a cabo, y el loco hace gala de su presencia, destapando las caretas de cada uno de los integrantes, incluyendo al visitante.

Durante la obra se tocan temas como la infidelidad, el sometimiento de la mujer por parte del hombre, ya que este novio refiere que cuando tengan hijos, no permitirá que su pareja trabaje para dedicarse a la familia. Entre otras cuestiones, el loco y la camisa, lo que hace es brindar una catarsis no intencional de cada uno de los personajes, de los dilemas que guardan cada uno dentro, y donde el loco, parece ser el más cuerdo de todos. La dramaturgia de Valente es exquisita, pensada en el detalle en cada uno de los diálogos, haciendo una crítica a nosotros mismos como sociedad y como llevamos a cabos las relaciones con los demás

El impacto que tiene la obra desde la dramaturgia, no hubiera sido posible plasmarse si no fuera por la labor de cada uno de los actores. Cada personaje tiene su rol definido dentro de la historia, cada uno con sus propios demonios, interpretados de forma magistral. Los actores en escena son Lide Uranga como la madre, Ricardo Larrama como el padre, Soledad Bautista como la hija, José Pablo Suárez como el novio y Gabriel Beck como el loco. Toca hacer una mención especial por la interpretación de Gabriel Beck, quien realiza una labor excepcional en el papel de aquel personaje que logra desbaratar la convivencia familiar, y que en su locura nos destapa grandes verdades que los personajes deben enfrentar.

El loco y la camisa es una obra que tiene motivos suficientes para seguir vigente tras diez años de estar en cartelera. Es una de las obras que más te harán reflexionar, además de ser una excelente pieza teatral que mantiene un perfecto equilibrio entre el humor y el drama, que dejara más que satisfecho a todos los espectadores.

Teatro el picadero

Elenco: Soledad Bautista – Gabriel Beck – José Pablo Suàrez – Ricardo Larrama – Lide Uranga

Funciones: Domingo 20.30 hs

Entradas: Desde $600.-

Desde: 5 DE ENERO 2020.-

Por Leandro Bres

¿Una obra creada hace más de 50 años puede seguir vigente? ¿Qué lectura hacemos hoy de su argumento, sus historias y personajes?

Hello Dolly! es considerado un clásico del teatro musical, estrenada en el año 1964 y con numerosas reposiciones en todo el mundo, e incluso con una versión cinematográfica (protagonizada por Barbra Streisand y dirigida por Gene Kelly) en el año 1969 .

La casamentera y buscavida Dolly Levi (Lucía Galán), hace un viaje a Yonkers, para conocer al adinerado soltero Horacio Vandergelder (Antonio Grimau)  que solicita sus servicios, Él, considera que en su casa falta un toque femenino y busca una esposa que se ocupe de los quehaceres del hogar. Los empleados de su tienda (Interpretados por Lopilato y Sullivan) están cansados de ser explotados laboralmente, y deciden huir para viajar a New York a buscar “chicas a quienes besar”. Dolly convence a Horacio, a su sobrina y su pretendiente, de ir a Nueva York a conocer una candidata, que es dueña de una tienda de sombreros. Allí se cruzan todos, produciendo una escena de enredos en la tienda. Dolly empareja a los ex-empleados de Vandergelder con la mujer dueña de la tienda (Ángeles Díaz Colodrero) y su asistente (Laura Azcurra) . Luego de dos intentos fallidos (intencionalmente) para que Horacio esté con otras mujeres, este sucumbe a los “encantos” de Dolly y terminan juntos.

Hasta aquí la trama resulta bastante naif y agena a nuestra contemporaneidad. Realmente lo es, teniendo en cuenta que la figura más cercana a una casamentera en la actualidad podría ser el tinder (la app para conocer gente) y que la juventud de hoy no busca el matrimonio como una solución a los problemas. Incluso en el transcurso de la obra, escuchamos frases de una joven de 17 años que teme ser una solterona a los 19, diálogos que reivindican el matrimonio como estilo de vida, el romanticismo chiché y todas las cualidades que una “buena esposa” debe tener. Diría entonces que, en tiempos del empoderamiento femenino, donde las mujeres avanzan en la lucha por la igualdad de derechos, sostener este discurso sin darle ninguna valoración o un nuevo punto de vista… atrasa. Los hombres están presentados como proveedores de seguridad, dinero y honor. Las mujeres como románticas idiotas o simpáticas interesadas.

Hello Dolly! hoy, es una oda a la institución del matrimonio, la heteronorma y el machismo. Ni hablar que, lejos de mantener en un primer plano los intereses económicos de Dolly por casarse con un hombre adinerado (por la falta de picardía en la interpretación de Lucía Galán) quedan expuesta la falta de dirección y criterio para decidir hacia dónde va el discurso de la obra.

La versión de  Masllorens y González del Pino “amputa” situaciones claves del musical original, haciendo la trama de esta puesta aún más confusa e incoherente.

Lopilato y Sullivan, encargados de llevar adelante el humor como dupla en la obra, muy pocas veces lo logran, quedando expuestos en chistes que no causan gracia y pasos de comedia que no van a ninguna parte.

Es destacable el trabajo del ensamble, quienes están constantemente en escena bailando y cantando, con innumerables cambios de vestuario. Por momentos, las coreografías resultan cargadas, desorientando por momentos la mirada del espectador (al menos la mía).

Sin duda la protagonista de la obra es la imagen y el sonido, el despliegue escenográfico, de vestuario y utilería traídos desde Méjico, donde se puso en escena esta obra en 2019. La música en vivo con Ángel Mahler a la cabeza suena genial, y las letras de las canciones resultan bastante claras. Vocalmente, se destaca Ángeles Díaz Colodrero, en el rol de la dueña de la tienda de sombreros, quién luce su gran voz y su virtuosismo técnico.

Quienes conozcan ya la historia de Hello Doly! podrán deleitar su vista y oídos en vivo con esta puesta en escena ambiciosa. Y quienes no, posiblemente vean que el desarrollo del argumento no tiene razón de ser, y que mucho virtuosismo sobre el escenario está al servicio de una historia tan antigua como confusa.

Pueden ver Hello Dolly! de jueves a domingo en el teatro Ópera, Av Corrientes 860 (CABA)————————————-

· ELENCO ·
LUCÍA GALÁN: DOLLY GALLAGHER LEVI
ANTONIO GRIMAU: HORACIO VANDERGELDER
DARÍO LOPILATO: BARNABY TUCKER
AGUSTÍN SULLIVAN: CORNELIO HACKL
LAURA AZCURRA: MINNIE FAY
ÁNGELES DÍAZ COLODRERO: IRENE MOLLOY
NATALIA MOURAS: HERMELINDA
TALI LUBI: ENSAMBLE
KARINA BARDA: COVER IRENE MOLLOY
ELUNEY ZALAZAR: COVER MINNIE FAY
SOL GIULIETTI: COVER HERMELINDA
FLAVIA PEREDA: COVER ERNESTINA
VERONICA PACENZA: SWING
MATÍAS ACOSTA: AMBROSIO KEMPER
EZEQUIEL CARRONE: STANLEY
MARCELO AMANTE: POLICIA – COVER JUEZ
PEDRO FRÍAS: ESCRIBIENTE
PABLO GARCIA: JUEZ – COVER RUDOLPH
SANTIAGO ALMARAZ: COVER CORNELIO HACKL
JUAN MARTIN DELGADO: COVER BARNABY TUCKER
ANDRES ROSSO: COVER AMBROSIO KEMPER
DIEGO MARTIN: DANCE CAPTAIN
MARTIN MENA MAUGER: SWING

· FICHA TÉCNICA ·
LIBRO: MICHAEL STEWART
MÚSICA Y LETRAS: JERRY HERMAN
COREOGRAFÍA: ELIZABETH DE CHAPEROUGE
DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA (PARA LA PUESTA ORIGINAL EN MÉXICO) : ADRIÁN MARTÍNEZ FAUSTO Y EMILIO ZURITA
DISEÑO DE VESTUARIO (PARA LA PUESTA ORIGINAL EN MÉXICO):
ESTELA FAGOAGA
ADAPTACIÓN DE CANCIONES: MARCELO KOTLIAR
PREPARACION VOCAL Y CORAL: DAMIAN MAHLER
ASISTENTE DE DIRECCIÓN: HERNÁN KUTTEL
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: FEDERICO BRUNETTI
PRENSA: WE PRENSA
DIRECCIÓN MUSICAL: ÁNGEL MAHLER
DIRECCIÓN: ARTURO PUIG

PRODUCCIÓN GENERAL
ÁNGEL MAHLER, LEO CIFELLI & ASOCIADOS

Por Leandro Bres

Esta obra escrita por Pablo Mir y dirigida por Diego Reinhold, aborda un tema que posiblemente todos en algún momento de la vida nos cuestionamos: la paternidad. Tanto si estamos preparados para ser padres/madres o no, si queremos o quisimos ocupar ese lugar y hasta incluso preguntarnos cómo fueron nuestros padres en ese rol, y qué hay de ellos en nosotros.

Valeria (Soledad Garcia) y Diego (Sebastián Presta) son una pareja sin hijos, aterrados con la idea de la paternidad. Ante un atraso, y la posibilidad de ser padres, deciden hacer un test de embarazo para saber cual es su situación. Y esto es lo que da pié al devenir de escenas y situaciónes que desarrollarán a lo largo de la obra, que transcurre en esos supuestos 5 minutos que tarda el resultado del test. A lo largo de esos minutos, Valeria y Diego imaginan situaciones de como podrían ser sus vidas ante la paternidad/maternidad, qué aspectos deberían resignar. Se preguntan qué potenciales conflictos podrían tener con sus hijos y como reaccionaria ante ellos. Abordan entonces, varias hipótesis de ¿Qué pasaría si… se arrepintieran de tener un hijo, si fueran padres de una adolescente descontrolada, si alguno de ellos no fuera responsable, si fueran padres que quieren divorciarse, entre otros.

A lo largo de toda la obra, que transcurre en el departamento de la pareja los personajes ponen en duda sus capacidades para ser padres, y cuestionan cómo la paternidad podría afectar en un futuro su relación, la vida sexual, y el ámbito laboral de cada uno.

Para entrar en el código de las situaciones imaginadas, el director utiliza un recurso de iluminación cambiando el foco de las luces de la escena al público en un instante. Esto, junto al efecto de sonido nos marca a los espectadores un cambio de plano (del real al imaginario). Este recurso sencillo pero eficaz, junto a cambios de vestuario y uso del espacio, se utiliza a lo largo de toda la obra, haciendo muy claro el paso de una situación a otra. Así también, un reloj de cocina marca los supuestos 5 minutos de espera del resultado del test, haciendo alusión al plano real y diferenciándolo del imaginario.

Las actuaciones resultan correctas, y destaco que Presta y García no busquen sostener el espectáculo a base de chistes gestuales y humor efectista, más propio del ámbito televisivo.

Soledad García logra momentos diversos y atractivos, pudiendo desarrollar escenas paródicas y otras en un código más realista, construyendo incluso un buen momento emotivo.

Presta parece saber que tiene el público de su lado, y utiliza la complicidad como un recurso para hacer humor.

La obra se desarrolla a partir de una premisa muy interesante, y toca todos los lugares comunes que puede abordar. Esto la hace quizá, bastante predecible. De todas maneras, espectadores y espectadoras en la sala, ríen y se identifican con varias situaciones, principalmente aquellos que hoy rondan los 30/40 años, son padres, o están pensando en serlo.

Pueden ver esta obra en su 3ra temporada, de viernes a domingo 21hs en el teatro Metropolitan, Av. Corrientes 1343.

El viernes 24 de enero a las 22:30, Los Bla Bla, desembarcaron con su humor tan Bla Bla, en el teatro Caras y Caretas 2037.

No tiene historia, son sketchs, uno tras del otro, el moderador e intérprete serio al momento de tocar el piano es Sebastián Furman. Una obra inclusiva, todo risa y humor, en algunos casos desde lo performático. El único momento donde se pusieron serios, fue al finalizar uno de los cuadros humorísticos, en plena algarabía de aplausos, cuando dijeron que son fervorosos mensajeros de paz y acérrimos defensores en las escuelas de educar, en contra del bullying y evitarlo.

El grupo Los Bla Bla, está formado por Manuel Fanego, Sebastián Godoy, Pablo Fusco, Julián Lucero, Tincho Lups y Sebastián Furman, es humor elevada a la quinta potencia, con una coordinación general de Florencia Pereiro, es excelente el trabajo porque no es fácil unir eslabones de humor, pasar de un temática a otra, como demuestran que son capaces de hacerlo, siendo la dirección artística de Marcelo Melingo y Horacio David, también excelente porque juega mucho en esta puesta, la disposición en escena, el vestuario además del humor en sí.

Así que ya lo saben, un viernes, pueden darse un chapuzón de humor para refrescarse del verano, la van a pasar muy bien y no preparen la risa, que de eso se ocupan Los Bla Bla.

Ficha Técnica y artística

Actuan: Manuel Fanego, Pablo Fusco, Sebastian Godoy, Julian Lucero, Tincho Lups
Músicos: Sebastián Furman
Vestuario: Los Bla Bla
Redes Sociales: Diego Bocha Fernandez
Diseño web:Diego Bocha Fernandez
Asistencia general: Maribel Villarosa
Producción ejecutiva:Maribel Villarosa
Web: https://losblabla.com
Duración: 70 minutos
Clasificaciones: Humor, Teatro, Adultos
CARAS Y CARETAS 2037
Sarmiento 2037
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Viernes – 22:30 hs – Del 24/01/2020 al 27/03/2020

Reseña: Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Por Leandro Bres

Este espectáculo de los Macocos, banda de teatro, es una verdadera joya del teatro argentino. En si mismo, porque los cuatro integrantes de los macocos (Daniel Casablanca, Martín Salazar, Gabriel Wolf y Marcelo Xicarts) una vez más se encuentran sobre el escenario para hacernos disfrutar de un humor blanco y súper efectivo. En segundo lugar, porque nos hacen un recorrido por la historia del teatro argentino, a través de esta compañía ficticia llamada «Los MARRAPODI». En la historia de la obra, nos cuentan que los Marrapodi desembarcaron en el año 1792 en el puerto de Santa María de los Buenos Aire, para contar una historia a quien quisiera escucharla. El problema es que por varios motivos, nunca llegaron a estrenar sus obras y difundirlas, y por ello los Macocos nos traen su historia y sus obras. Utilizando como excusa situaciones muy sencillas, principalmente sentimentales, abordan conflictos como: el pedido de mano de su hija a un hombre, una mujer sometida por su padre a casarse por intereses económicos, hombres que se disputan el amor de una dama, amores prohibidos, escenas de despecho, una mujer que decide arriesgarse por su amado y finalmente, capocómicos de la revista porteña que hacen chistes básicos y cosifican a la vedette. Todo esto, en un tono absolutamente paródico, remarcando las diferencias en los vínculos a lo largo del tiempo y construyendo situaciones cómicas con cada personaje. Van así desde el teatro español, pasando por el sainete, la zarzuela, el circo criollo, el grotesco, el realismo argentino y finalmente el género revisteril.

Nos invitan a reírnos con ellos de todo aquello que en algún momento fue tendencia en el ámbito teatral, y que hoy desde una mirada anclada en el presente nos resulta ingenuo, exagerado, terrible o pavo.

Daniel Casablanca interpreta magníicamente todos los personajes femeninos que aparecen en la obra. Vemos así, el rol de la mujer (en la sociedad y el teatro) a lo largo de la historia, abordado desde el código de la parodia, pero sin ridiculizarla. Hasta incluso por momentos, el actor pareciera distanciarse de los personajes para señalar lo cruel de la historia con las mujeres.

Con momentos de música en vivo, pequeños monólogos explicativos, y escenas/sketchs que desarrollan los actores interpretando distintos personajes, el espectáculo se torna muy llevadero y disfrutable, sin llegar nunca a tornarse reiterativo ni aburrido. Los constantes cambios de vestuario y escenografía dan un dinamismo a las escenas, sorprendiendo durante toda la obra.

Si bien este espectáculo fue creado hace más de 20 años por los Macocos (grupo conformado en el año 1985), continúan siendo vigentes tanto los temas que abordan, cómo la mirada que tienen sobre ellos.

En mí opinión, me hubiera encantado que avancen un poco más en la historia del teatro argentino, para ver la lectura y mirada del grupo con respecto a géneros y poéticas teatrales más contemporáneas.

Indudablemente… ¡me quedé con ganas de ver más y seguir riendo!

Pueden ver este espectáculo los días viernes y sábados a las 23.00 horas en el Teatro CPM Multiescena, Av. Corrientes 1764. (CABA

En el Metropolitan Sura, el domingo 19 de enero tuve oportunidad de ver la obra Petroleo, con dirección y dramaturgia de Piel de Lava y Laura Fernández.

Los espectadores sentados en sus butacas, pasaron del corazón de la calle Corrientes, un domingo a las 19 hs a transportarse a un yacimiento petrolífero, en el sur, en medio del frío y la soledad de la estepa patagónica, donde una máquina no para de extraer petróleo y confluyen cuatro trabajadores en un trailer, cansados de la jornada, sin sus respectivas familias. Se inicia una ola de ideas divagantes con un humor irónico, suavemente ácido, desplegando una escenografía, que tiene peso en sí misma, porque ayuda a crear el clima y un elenco formado por el grupo Piel de Lava, excelentes, por su espontaneidad, cintura actoral para lograr hace reír, desde la mirada capciosa, insinúa sin decir nada.

El grupo Piel de Lava, integrado por Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa y Laura Paredes, se formó en el año 2003 y vienen trabajando haciendo creaciones colectivas.

La obra está el miércoles 22 y 29 de enero y miércoles 5 de febrero a las 21 hs y los domingos de enero hasta el 2 de febrero a las 19 hs. No se la pueden perder, porque encontrarán humor, una crítica al sistema, tiene mucho ingenio, excelente la dramaturgia y la puesta de la obra.

Miren si será importante el petróleo, que ha dado lugar a tantas guerras. En cambio, grupo Piel de Lava, se preocupara sobre cómo es el diario vivir, donde estos hombres intentan parar la olla y el espectador seerá testigo de su lucha.

Ficha técnico artística
Dramaturgia:Elisa Carricajo, Valeria Correa, Laura Fernández, Pilar Gamboa, Laura Paredes
Actúan:Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa, Laura Paredes
Vestuario:Gabriela A. Fernández
Escenografía:Rodrigo González Garillo
Iluminación:Matías Sendón
Diseño De Sonido:ZYPCE
Música:ZYPCE
Entrenamiento corporal:Andrés Molina
Meritorios vestuario:Daniela Dell Acqua
Asesoramiento artístico:Andrés Molina
Asistencia de vestuario:Estefanía Bonessa
Asistencia de dirección:Fabián Barbosa, Sofia Palomino, Daniela Sitnisky
Producción técnica:Claudio Del Bianco
Coordinación de producción:Mariana Mitre
Dirección:Elisa Carricajo, Valeria Correa, Laura Fernández, Pilar Gamboa, Laura Paredes

Reseña: Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

En su segunda temporada, en el Picadilly Teatro, el viernes 17 de enero, asistí a la función de Chicas Católicas, una obra de Casey Kurtti, con dirección de Daniel Casablanca, protagonizado por Gala Castiglione, Tamara Garzón, Cande Molfese e Iride Mockert.

La historia son de cuatro mujeres, que se retrotraen en el tiempo, cuando se iniciaron en el primer grado de la primaria, con mucho humor y despojo, cuentan cómo fue crecer en un colegio religioso.

La comedia, se hace dueña de la escena, el elenco es genial, excelentes actuaciones, y además mucha empatía y camaradería, no me pregunten cómo, pero la escena lo capta, es algo intangible pero fluye.

Fue una puesta original de Alicia Zanca, la cual la tuvo de protagonista y la idea fue germinando, hasta llegar a lo que es hoy, con estas jóvenes actrices, que dan lo mejor de ellas, para que el público se reía y obviamente los obligue a recordar experiencias propias.

Las funciones son viernes y sábados 23 hs y Domingos 22 hs. Un aire de frescura a la calle Corrientes, con una cuota de humor necesaria, para el verano, donde católicas o no, son chicas, que se harán mujeres, no sólo vale la pena, la experiencia ser vivida de la mejor manera posible, sino que está bueno ser contada.

Ficha técnico artística

Autoría: Casey Kurtti
Actúan: Sofía Gala Castiglione, Tamara Garzón, Iride Mockert, Candelaria Molfese
Diseño de vestuario: Kris Martínez
Diseño de escenografía: José Ponce Aragón
Diseño gráfico: De Licea Pablo Vaiana, Diego Feldman, José María Gómez Santa Cruz
Asistencia de escenario: Macarena Del Mastro
Asistencia De Producción:Renee Civitate
Asistencia de dirección:Gabriela Biebel
Prensa:Ximena Goldenberg, Marcos Mutuverría
Producción ejecutiva:Gustavo Enrietti
Dirección:Daniel Casablanca
Duración: 80 minutos
Clasificaciones: Comedia, Adultos
TEATRO PICADILLY
Av. Corrientes 1524
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina

Reseña: Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

En el teatro Metropolitan Sura, el viernes a las 20:30 una obra para reír, a más no poder, sobre cuando nos toca ir a «La Sala Roja» del preescolar, ya no en el rol de niños sino como el de padres.

El lugar escénico es la reunión de papis y mamis, deliberan sobre temas de importancia acerca de las actividades de sus hijos, donde tres mamás, y dos papas velan por la educación de sus hijos. A esto se agrega la contrariedad que la directora del jardín de infantes está demorada y en el mientras tanto hay una maestra jardinera que intenta moderar.

Grandes logro del elenco, del libro y dirección, para parodiar a lo «noño», a lo que parece ordenado, prolijo, pero en el fondo es caótico, todos opinan sin escuchar al otro, donde hablamos a nuestros hijos de compañerismo, empatía y el mundo de los adultos, no aplica nada de eso . La intención es por un ratito, evadirnos de la realidad, y tomarlo con humor.

La obra ha sido escrita y dirigida por Victoria Hladilo. Muchos cuando la vean como padres harán similitudes. En el dossier, Victoria cuenta que Sala Roja nació después de haber sido madre, donde volvió a andar caminos, pero desde otro rol.

Una propuesta interesante y lo demuestra el reconocimiento del público, porque esta es su sexta temporada. Tuvo gira por España. También fue representada en Panamá, Brasil y Paraguay. Este espectáculo formó parte del Festival de Teatro de Rafaela 2015.

Una invitación para reír, la propuesta de sentarse a ser el espectador de «La Sala Roja «, del elefante trompita y de padres empoderados, en un espacio, donde los niños aprenden a convivir y los progenitores, a veces, olvidan que se debe predicar con el ejemplo.

Ficha técnico artística

Autoría: Victoria Hladilo
Dramaturgia: Victoria Hladilo
Actúan:Catalina Auge, Victoria Hladilo, Axel Joswig, Carolina Marcovsky, Julieta Petruchi, Manuel Vignau
Diseño de vestuario: Susana Berrio
Diseño de escenografía: Magali Acha
Diseño de luces: Magali Acha
Diseño sonoro: Ignacio Viano
Realización de escenografia: Manuel Escudero
Fotografía: Luis Abadi
Diseño gráfico: Trineo, Sabrina Lara
Asistencia de dirección: Catalina Auge, Natalia Rodriguez
Colaboración artística: Mercedes Quinteros
Supervisión dramatúrgica: Joaquín Bonet
Co-Dirección:Cinthia Guerra
Dirección:Victoria Hladilo
TEATRO METROPOLITAN SURA
Av. Corrientes 1343
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Web: http://www.metropolitansura.com.ar/
Viernes – 20:30 hs – Hasta el 13/03/2020

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

El miércoles 15 de enero, en el Teatro CPM MULTIESCENA a las 21 hs, concurri a una de las funciones del reestreno de «Había una vez..Edipo Rey» de José Abadi.

Cuando vayan a verla, José Abadi, en persona, les explicará las causas que explican que un reconocido psicólogo y médico psiquiatra, termina arriba de un escenario, narrando historias.

Es un monólogo, un unipersonal, donde, contará la historia de Edipo, un tema muy vilipendiado y generalmente por gente que no conoce del tema.

José Abadi, moviéndose cómodo en el escenario, tomando una copita de vino, y como buen anfitrión, que recibe al público, los invita al ingreso a sala, con un exquisito vino. Público y José,además de brindar juntos, compartirán una historia, ubicándonos en los anfiteatros griegos e incursionando en las tragedias griegas., recordándonos a filósofos como Esquilo, Sófocles y Eurípides, para internarse en la historia Yocasta, la reina de Tebas y su esposo Layo.

Me agrada el ámbito del teatro como el concepto de poder enseñar, es interesante porque se elimina el carácter académico, para que sea un momento de laxitud, donde se escuche con placer una historia.

Al terminar la narración, José rompe con la cuarta pared, habla con el público, y desea que le hagan preguntas, deja al público en libertad de cuestionar, de inquirir más, de polemizar.

Es una obra teatral, interesante, porque es un estilo personal con una forma nueva y diferente de hacer teatro, que es la primera vez, a la cual accedo y que me dejó muy satisfecha. Es contar con la oportunidad de que alguien que se interesó por un tema, de manera didáctica, hábil, con chispas de humor, lo pueda narrar a un público, que tal vez, poco sepa y llevando un montón de información que si le interesa puede seguir investigando.

Por esta forma de utilizar al teatro como un medio artístico y cultural, levanto la copa, felicitaciones por la iniciativa y porque el anfiteatro griego y el porteño, brillen de la manera en que lo vi brillar.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com