Luego de la enorme sorpresa que fue Scream V, y el boom de Jenna Ortega tras protagonizar Merlina, era obvio que íbamos a recibir una nueva entrega de la mítica saga de terror creada por Wes Craven; así que acompáñenme para saber que tal es esta nueva iteración.

La historia se sitúa dos años después de los eventos ocurridos en la quinta, con Tara intentando seguir con su vida adelante, pero Sam aún estancada pensando en que es hija de un asesino serial. Y todo vuelve a repetirse, cuando pese a haberse mudado a Nueva York, la ola de asesinatos vuelve a darse.

Ya tenemos la mala experiencia de que cuando una franquicia que siempre se sitúa en un lugar, sale del mismo, no funciona. De hecho, la película a la que hacemos alusión es Jason Toma Manhattan, es decir, la Gran Manzana, mismo sitio donde pasa Scream Vl. Y si tenían miedo de este precedente, y tras ver la sexta entrega de esta saga, podemos asegurarles que dejen dichos temores de lado.

Si les gustó la quinta parte, está sigue el mismo camino, pero con algunas cosas mejores. la primera de ellas, es que Jenna Ortega ya no es la única que actúa bien del elenco; ya que el resto de sus compañeros que ya vienen desde la cinco, parece que ahora si estudiaron actuación y sostienen varias escenas de suspenso por sí solos. en especial, la del subte que vimos en el trailer.

A esto hay que sumarle un incremento en el gore, y que gracias a dios, no es sangre en cgi (algo que debería estar prohibido en el cine); así que si van buscando sobredosis de kétchup, con Scream Vl lo van a recibir.

Si bien esta película tiene algún qué otra cosa sacada de la galera solo para que la historia avance, o personajes que se teletransportan o desaparecen a conveniencia de guión, es en líneas generales una película disfrutable. Bien actuada, con bastante sangre, algunos giros de guión e innovaciones para la saga, al menos a quien le habla, no le molestaría ver una tercera parte de este reinicio de franquicia.





Calificación: 7/10

Lo mejor: se vuelve a tratar de innovar con la historia en lugar de repetir a las anteriores, el nivel actoral mejora con respecto a la anterior.

Lo malo: algún que otro sin sentido.

Diamond Films anuncia con orgullo el estreno en salas de toda América Latina de MISÁNTROPO, la producción cinematográfica de origen norteamericano rodada por el argentino Damián Szifron.

El creador de la mítica serie Los Simuladores y director de la película Relatos salvajes, nominada al Oscar, ganadora del Bafta y el film nacional más taquillero de la historia, es también autor del guion junto al británico Jonathan Wakeham.

Shailene Woodley (Big Little Lies, The Fault in Our Stars, The Divergent Series) protagoniza este implacable thriller junto a Ben Mendelsohn (Rogue One: una historia de Star Wars, Ready Player One, Robin Hood).

La dirección de fotografía es del también argentino Javier Juliá (Relatos salvajes, Argentina 1985) y la banda original de sonido lleva la firma del legendario Carter Burwell, autor de la música de todas las películas de los Hermanos Coen, entre ellas Barton Fink, Fargo, El gran Lebowski y la ganadora del Oscar a mejor película Sin lugar para los débiles.

El estreno en los cines de Argentina está previsto para el próximo 4 de mayo y el Tráiler Oficial para la región está disponible en HD y subtitulado en todas las redes sociales.

SINOPSIS
Baltimore, la noche de año nuevo. Un feroz ataque producido por un único hombre deja un saldo de 29 muertos y ni una sola pista. Eleanor Falco (Shailene Woodley), una retraída pero talentosa mujer policía de bajo rango, es reclutada por el agente especial del FBI Geoffrey Lammark (Ben Mendelsohn) para integrar el equipo a cargo de la identificación y captura del homicida.

MISÁNTROPO
Del griego, mīsos ‘odio’ y ānthropos ‘hombre’. Que siente rechazo o desconfianza por la especie humana.
La aversión puede ser leve, manifestándose en actos de crítica social y aislamiento, o severa, con tendencia a la autodestrucción y a la destrucción de los demás.
En casos extremos, la misantropía ha conducido a asesinatos en masa.


FICHA TÉCNICA
Título en Argentina: “Misántropo”
Título en Estados Unidos: “To Catch a Killer”
Elenco: Shailene Woodley, Ben Mendelsohn, Jovan Adepo
Dirigida por: Damián Szifron
Escrita por: Damián Szifron y Jonathan Wakeham
Producida por: Aaron Ryder, Stuart Manashil, Shailene Woodley, Damián Szifron
Productores ejecutivos: Glen Basner, Alison Cohen, Milan Popelka, Michael A. Jackman, Russell Geyser, Jane Oster Sinisi, Clay Pecorin, Russ Posternak
Dirección de fotografía: Javier Juliá
Compositor: Carter Burwell
Casting: John Papsidera
Diseño de producción: Jason Kisvarday
Diseño de vestuario: Aieisha Li
Director de sonido: Sylvain Bellemare

La película sigue la vida de Lucas (Juan Grandinetti) que parece vivir en un estado de
alienación constante trabajando en un call center mientras intenta dedicarse a la actuación.

Asiste a un casting en el que interpreta una escena con una actriz (Veronica Gerez) a la que asegura haber visto en un sueño, decide ir a un retiro de actuación durante 4 días en donde tiene que fingir ser otra persona en una quinta alejada de la ciudad motivado porque la mujer que conoció también va a ir. La mentira se vuelve una constante a lo largo de la película y como espectador uno tiene que indagar en detalles tanto visuales como verbales para intentar encontrar aunque sea un destello de verdad que nos permita tener un ancla con la realidad pero esta se difumina y solo queda caer en teorías porque no se entiende si todo es parte de la propia dinámica del retiro, un juego macabro por parte del coordinador, si la casa está embrujada, etc.

El que no se entienda exactamente lo que sucede es una virtud del guión, parece que cada vez hay una mayor necesidad de explicar cada cosa que aparece en pantalla, subestimando a la audiencia, cuando el espectador podría ser estimulado por la historia y la racionalice por su cuenta. En la charla con el equipo de la película cayó un comentario entre el público tachandola de “poca creativa” o tener “agujeros de guión” por no explicar todo cuando es todo lo contrario, si hay algo que caracteriza a Los Inventados es la creatividad que se
requiere para que una película sea entretenida y se sienta como estar dentro de un sueño en donde tal vez no entendes todo pero querés saber más.

Calificación: 8/10

Por Patricio Müller

Close es una cinta maravillosa que explora el amor y la amistad desde muchos puntos de vista y desde una perspectiva plena y llena de matices, con sus pros y sus contras, como lo es la adolescencia.

Close nos presenta la historia de dos chicos belgas de 14 anos, Leo y Remi, ambos mejores amigos que han compartido momentos eternos, pero de repente la vida les dara un golpe cuando por un lado, Leo empieza a sentir que su relacion de amistad es algo mas, y Remi no soporta el hecho de que su amigo y unica persona a la que puede confiarle todo, se va alejando poco a poco. Y este suceso lamentablemente provoca suicidio de Remi y el desamparo total de Leo por entender la vida.

Es el segundo largometraje del director, Lucas Dhont. Es un director que le gusta indagar en temas como el amor, la libertad y la sexualidad en etapas tempranas de desarrollo, y en especial en la adolescencia.
Es un film que te propone pensar y analizar el como afecta la sociedad en nuestras decisiones y en como somos respecto de los que nos rodean. Ambos personajes buscan respuestas, que quizás jamas encuentren, pero sin embrago, se suman al limbo para encontrarse a ellos mismos.

El director cuenta muy bien la historia, a veces casi sin diálogo, pero con el uso del primer plano nos incita a ponernos en la piel de los personajes, y cabe mencionar, ambos actores lo hacen genial y nos logran transmitar un monton de emociones.
Para que te des una idea, es una mezcla entre El arbol de la Vida de Terrence Malick y Llámame por tu nombre de Luca Guadagnino.

Mas que decirles que es altamente recomendable. Y un dato no menor, es que esta nominada al Oscar a mejor película internacional y que justamente compite contra nuestra querida Argentina,1985.

Calificación: 8.5/10

“The Whale”

Por Sofía Luna Roberts

Este jueves 02 de marzo hará su estreno la película, con tres nominaciones a los premios Óscar, “The Whale” dirigida por Darren Aronofsky y protagonizada por Brendan Fraser, Sadie Sink, Hong Chau y Samantha Morton. En la cual nos muestran una intensa experiencia que va mucho más allá de su premisa en sí: Charlie (Brendan Fraser), un profesor de literatura con obesidad vive en una profunda depresión derivada en su adicción por la comida. Pasa sus días encerrado en su departamento y se sostiene con la ayuda de su amiga y enfermera Liz (Hong Chau). Es ella quien le informa que la decadencia de su salud ha llegado a un punto crítico. En su última semana de vida, hará todo lo posible para reconectar lazos con su hija adolescente (Sadie Sink), a quien abandonó cuando tenía ocho años.

Basada en la obra de teatro homónima del dramaturgo Samuel D. Hunter, “The Whale” cumple con uno de los principales propósitos del cine como arte: remover las emociones del espectador. Sus escenas van desde la empatía absoluta que Charlie provoca, hasta sentimientos de contención que también se generan debido a que toda la narrativa se desarrolla en un solo espacio que parece demasiado chico para el personaje de Fraser. La iluminación produce un ambiente desolado, el director desea que sepamos que el protagonista no solo vive aislado sino también que se encuentra en un lugar muy triste de su vida en el que, de vez en cuando, entra la luz cuando se abre la puerta.

Me parece interesante enfocarnos en el cine de Aronofsky ya que demuestra ser un creador al que le preocupa lo que va más allá de lo que dicen las palabras y los personajes presos de la adicción, la fe o de sí mismos y sus propios delirios. En la película nos trae un personaje marginal, alejado de la sociedad que trata de pagar una culpa y pasar por un duelo que le lleva a mortificarse de una forma dolorosa. También se esfuerza para que el relato visual sea claustrofóbico, la cámara se acerca al personaje de Brendan para mostrar sus soledad y desarraigo, hasta que el espectador se encuentre conectado con la experiencia de Charlie.

Aunque en la superficie pareciera que el mensaje que Samuel D. Hunter quería transmitir a través de su protagonista es el de: “todos tenemos aunque sea algo bueno en nuestro interior”, hay mucho más sobre cómo la película refleja las luces y las sombras de las personas. El espectador es sometido a un viaje emocional en el que se enfrenta a la realidad de que hay bondad, pero también maldad en la gente. La relación que mejor sintetiza esta dicotomía es la que Charlie tiene con su hija, Ellie, a quien su madre cataloga como “malvada” debido a sus conductas destructivas. En medio de la ira contenida que la joven resguarda a lo largo de todo el film, su padre insiste en hacerle saber lo maravillosa que es a partir de los recuerdos que tiene sobre un ensayo que escribió acerca de la novela de Herman Melville, “Moby Dick”. En este ensayo, Charlie encuentra su salvación durante años en los que ha vivido en depresión así como lo hace en su propia hija, a quien le ofrece su amor incondicional, incluso en medio de todas sus luces y sombras.

En “The Whale”, el peso de Charlie es el tema menos importante. Entre otras temáticas que abarca como el abandono, la fe, la redención y la depresión, el film es primordialmente un relato sobre las áreas grises de los seres humanos y de la vida en general. En la película, el director desglosa las relaciones sociales del protagonista y su propio duelo cargado de culpa. Como nosotros no vivimos los sucesos anteriores al film, nos encontramos alejados de la realidad de los personajes. Pero mientras se van revelando y nos vamos enterando, nuestra empatía llega a todos los personajes y no sólo al principal. Por todo esto y más, “The Whale” nos enseña a tomar coraje, ser honestos con nosotros mismos y seguir avanzando hacia la luz entre tanta oscuridad.

Calificación 8/10