Análisis Armored Core 6: Fires of Rubicon para PS5


Por Alejandro Corell


Es imposible que escuchar a alguien pronunciar las palabras FromSoftware no provoque en nosotros ninguna reacción. Así pues, cada vez que a lo largo de este año nos recordaban la vuelta en escena de la saga Armored Core algo se revolvía detro de mí. Aun a sabiendas que las batallas de Mechas poco tienen que ver con la fantasía medieval de la saga Souls y derivados, el gusanillo por volver a encontrar esa esencia a la que tan acostumbrados estamos ya picaba con más fuerza todavía.


Unas semanas después de la llegada de Armored Core VI: Fires of Rubicon a tiendas, he podido disfrutar (y sufrir, mucho) del desafío que el capitalismo extremo pone delante de nuestro nuevo Cuervo. Así pues, con la refrigeración activa, los motores listos y las armas cargadas, estoy listo para comentarte mis impresiones de la obra.
Antes de seguir, me veo obligado a recalcar que nunca antes había jugado a ningún título de la saga, pero a lo largo de los años he disfrutado de muchos análisis, ensayos y divagaciones sobre estas peleas de mechas. Es por ello que sus bases no me eran ajenas. La dificultad despiadada, la gestión de recursos, los complejos sistemas de montaje, así como el resto de elementos característicos no han entrado de nuevas en mi vida. Esto es un punto importante porque pese a encontrarnos con el Armored Core más accesible de la franquicia, sigue ofreciendo una barrera de entrada mucho más elevada que otros juegos actuales.



Tal es así, que muchos jugadores han aquejado de verse totalmente indefensos y superados delante del primer gran jefazo, el gran muro que tenemos que superar para entrar de lleno en la aventura. Por suerte o por desgracia, esta situación no es inesperada, sino que es la base de Armored Core. Construir un robot, luchar con él, encontrarse un enemigo más poderoso y darse cuenta de la basura que estamos pilotando. Reconstruirlo, dominarlo, descubrir de nuevo que sigue sin ser suficiente, llorar, levantarse, recoger la llave inglesa y así sucesivamente.
En Armored Core vamos a pasar prácticamente el mismo rato visitando el taller que peleando. La personalización de nuestros mechas es tan amplia que puede asustar, pero una vez “dominada” es parte del núcleo jugable. A diferencia de otros juegos de la compañía, no podemos enfrentarnos a enemigos más débiles para subir de nivel y volvernos más fuertes delante de los grandes desafíos. A lo sumo, podemos conseguir algo más de dinero para comprar nuevas piezas con las que experimentar. Nuestro robot no mejora de forma directa, sino que lo hacen nuestras dotes como piloto.


Pese a todo el sufrimiento, llegar a ese momento en el que todo hace click, cuando esa guardia infranqueable del enemigo desvela durante un instante un punto débil, dándonos el tiempo suficiente para plantear un nuevo plan de ataque, morir (desde luego), volver al taller y adaptar al robot y dotarle de una nueva estrategia, esta vez funcional, es quizá incluso más gratificante que el posterior al superar a uno de los grandes jefes de la saga Souls. Escribo estas líneas con unos niveles de dopamina y serotonina estables pero que me aspen si no he sufrido picos extremos mientras jugaba.



Siento que ya he nombrado la saga estrella de Miyazaki más veces de las que me permite el contrato. No cabe duda de que estamos delante de un juego totalmente diferente. Gran prueba de ello es su narrativa ambiental. Podemos ver esto a través de su diseño de niveles. A diferencia de otros títulos, nos encontramos delante de escenarios diseñados para ser sobrevolados o atravesados a gran velocidad.
Todos nuestros robots tendrán alguna forma de desplazarse rápidamente y deberán hacerlo, prácticamente todo el tiempo. El frenetismo de cada combate, acompañado de incontables alertas por todas partes de nuestro campo visual convierten a cada espacio por el que nos desenvolvemos en meros refugios de balas y cohetes. Es por ello que la ambientación de Rubicon, compuesta principalmente por cascarones de edificios y fábricas de extracción se presenta como uno ideal, pero no evita que se sienta extremadamente vacío. Avanzamos por el espectro de una ciudad, donde a parte de otros pilotos y sus mechas, no encontraremos prácticamente nada.


Es cierto que si buscamos bien encontraremos notas secretas que enderezarán nuestro camino por la historia del juego, pero la forma en la que esta se cuenta, a través de pequeñas conversaciones entre misión y misión, no invita con demasiada fuerza a desglosar todos nuestros dotes detectivescos. Lo que sí que me ha quedado claro una vez más es que el enemigo público número 1 es el capitalismo, lo cual queda remarcado de forma muy ciberpunk.

Así pues, con Armored Core VI: Fires of Rubicon tenemos una excelente vuelta a las raíces de FromSoftware. Estamos delante del título más accesible de la saga, pero no por ello menos difícil que los anteriores. Se nota sobremanera el aprendizaje de la compañía a lo largo de la última década, donde la fantasía medieval tomó las riendas y el futuro y los robots quedaron a un lado. Con esta vuelta FromSoftware se muestra capaz de destacar fuera de su saga maestra con sorprendente facilidad. De esta manera, lo único que nos falta por saber es si este desarrollo permitirá redirigir el nuevo aprendizaje a sus futuras producciones de la misma forma que las anteriores han guiado esta nueva obra.

Calificación 8.5/10

Reseña: Il turco in Italia

El turco en El Colón

Luego de 23 años sin presentarse, regresa Il Turco in Italia, la operetta de Giacocchino Rossini al Teatro Colón. El resultado fue una ovación total y una puesta en escena ambiciosa y detallista.



Rossini le dio un giro jocoso a la estructurada y rígida ópera, si bien en sus operetas el uso de la comedia era frecuente, haciéndolas bufonas pero siempre dejando un espacio para el drama. Las oberturas y el uso del aria eran tan importantes como los coros, ya que los personajes brillaban sin necesidad de un equipo coral de soporte.
Estrenada en 1814 en Milàn, la historia del acaudalado comerciante otomano que arriba a costas italianas y causa sensación entre las mujeres, supuso un èxito dentro de la carrera de Rossini luego de haber presentado el aclamado El Barbero de Sevilla (1775) y La Italiana en el Ángel (1810).

Bajo la dirección musical del maestro catalan Jordi Bernacer y la puesta en escena de Pablo Maritano, »El turco en Italia» consta de dos actos de 90 minutos cada uno.

La apertura melódica y acelerada de la ópera que Bernacer dirige es acompañada con créditos animados (original de Matias Otàlora), como si se tratara de un filme de los años cuarenta. Luego se abre el telón y se muestra la ambiciosa puesta en escena de Maritano: Un escenario que gira en 360 grados y que consta de cuatro partes del hotel donde se basa la historia: La recepción, el jardín de la pileta, las habitaciones y el espacio de la cocina y administración.

El uso de madera pulida, terciopelo, vinotintos pronunciados y hasta un elevador componen la recepción. El resto es el mínimo detalle para recrear el hotel. Los cantantes y el coro se irán desplazando entre habitaciones y pasillos, haciendo esto un set donde van a interactuar.Todos estos detalles de estructura y utilería de la escena fueron gracias Gonzalo Còrdoba Estevez.

Renata Schussheim confecciona los trajes de los personajes que iràn desde los empleados del hotel, los turistas y los habituè del lugar. Cada uno està definido y poseen un estilo acorde al holllywood clàsico donde los colores amarillo. violeta, negro y rojo destacan.

El gran reparto de voces nacionales e internacionales que se reparten entre las funciones, ejecutan un perfomance digno de todos los aplausos. Los artistas saben cómo actuar con la picardía necesaria para una obra de Rossini, a su vez, sus dotes vocales son capaces de deleitar a todos y aun asi, saben como hacer reir al publico. Selim fue interpretado por Erwin Schrott y Marko Mimica. Fiorilla por Irina Lungu y Constanza Díaz Falú.

El Turco en Italia fue un regreso necesario de Rossini al Colòn, el cual significa un respiro entre las clásicas tragedias y los shows posmodernistas. Un clásico sobre el amor libre y sus enredos que no envejece.

Escribiò Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Reseña: Antigona en el baño

«Antigona en el baño» es una divertida comedia teatral que cuenta con un elenco estelar compuesto por Verónica Llinás, Héctor Díaz y Esteban Lamothe. Ambientada en un baño, la obra nos sumerge en la vida de una exitosa actriz de televisión, interpretada brillantemente por Llinás, quien se encuentra ensayando el papel de Antígona para volver al teatro.



La trama gira en torno a la relación de la actriz con su joven y despreocupado manager (Lamothe) y las tensiones sexuales que se desatan entre ellos, a pesar de llevarse mal. A medida que se acerca el día del estreno, la protagonista sufre una crisis, sintiendo que no está a la altura del personaje de Antígona, lo que la lleva a considerar suspender nuevamente la función. Para resolver esta situación, deciden buscar la ayuda de un terapeuta.

«Antigona en el baño» destaca por su desenfado y situaciones disparatadas que provocan risas constantes en el público. La trama guarda ciertas similitudes con la obra clásica de Antígona y la tragedia de Edipo y Yocasta, lo que agrega una capa interesante a la historia.

El talento de Verónica Llinás brilla en esta producción, demostrando su gran habilidad para la comedia. Su interpretación es encantadora y logra conectar fácilmente con el espectador, mostrando una amplia gama de emociones a lo largo de la obra. Además, Héctor Díaz y Esteban Lamothe complementan de manera eficiente las locuras de Llinás, aportando su propio humor y buen desempeño actoral.

La puesta en escena también merece mencionarse, con un buen trabajo de luces que contribuye a la ambientación del baño, lugar donde transcurren todos los hechos. Este elemento escenográfico ayuda a sumergir al espectador en la intimidad de los personajes y a crear un ambiente propicio para el desarrollo de la comedia.

En conclusión, «Antigona en el baño» es una comedia teatral que cumple su objetivo de hacer reír y relajar al público. Con un elenco destacado, situaciones disparatadas y un toque de similitud con obras clásicas, la obra logra entretener y mantener la atención del espectador durante toda la función. Una propuesta teatral ideal para disfrutar y desconectar del día a día.

Dora: Un ingrediente especial

Por Florencia Gorini



Tuvimos el placer de asistir a una de las funciones de «Dora, un ingrediente especial» Se trata de una obra muy hermosa que provoca muchas risas, llantos y emociones.
Guionada y dirigida por Martín Goldber y protagonizada por Cristina Maresca.



Dora es una mujer mayor de edad que vive su vida en relación a su entorno: la casa, su cocina, su familia y cercanos lo todo para ella. Lo que más quiere es que estén bien y no preocuparlos ante alguna situación.

El guion me pareció muy dinámico y llevadero, su trama remonta a la famosa frase “cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia”.Le puede generar al espectador mucha empatía y catarsis ante las situaciones dadas trasmitiendo en sí un mix de emociones.

Los personajes no solo interactúan con el cuerpo a través de sus reacciones y gestos sino también utilizan tanto todo el espacio en sí como los recursos a su alcance. Me pareció interesante porque conyebaban movimientos a las escenas, aunque el único medio donde transcurre la obra es en la cocina de Dora.

Una obra dinámica, llevadera y entretenida que resigna en un mundo muy habitual y ocasional. La súper recomiendo <3.

Reseña: Donn Warp

La fiesta de Carla Di Grazia

El teatro convencional es concebido como una experiencia donde el espectador necesita estar quieto, no emitir sonidos y estar atento ante la puesta en escena. Un espacio donde los únicos en constante movimiento son los actores pero, ¿Si se saca esa fórmula y las tablas se vuelven una fiesta electrónica?



Carla Di Grazia tuvo la idea junto a Kchi Homeless de crear Donn warp, bajo una premisa que no revela nada pues el proyecto es una experiencia que cada uno vive a su forma:

»La Historia es una serie de intrigas rápidas que se repiten gritando sin parar. Este Universo es un tejido de imágenes ilusorias, retazos de recuerdos inventados, escombros del pasado, fugaces visiones».

Donn Warp es Carla Di Grazia elevada a la potencia de n. La artista nos regala una interpretación completa, su imaginario y su fuerza en una hora donde la música electrónica, las pantallas y las luces consonantes serán los agregados de esta fiesta.

Kchi Homeless es quien compone la música original del reventón que Di Grazia toca en una tabla de DJ, la artista va hacia el techno, progresivo y coquetea con la música clásica electrónica. Por su parte, todo el apartado físico: luces, artefactos y puesta en escena está a cargo de Lucio Bazzalo.

Bazzalo ofrece una puesta post punk e industrial donde las estructuras de hierro serán el enclave de Di Grazia. La bailarina irá directamente hacia ellas manejandolas a su antojo y mostrando su fuerza, luego jugará con las pantallas y el resto de la utilería para crear el espectáculo.

Di Grazia organiza una fiesta donde el espectador decide ser observante o participador. La energía joven y eléctrica se transmite en toda la sala la cual fue adaptada para el disfrute y poder moverse, mientras hace la premezcla el público va entrando a la propuesta de la bailarina.

En Donn Warp no hay reglas. El espectador es parte de la fiesta y Di Grazia demuestra todo su talento, nos arroja su energía house, electro y postmodernista. Donn Warp está disponible los viernes de septiembre a las 21 horas en el Maquinal Espacio Cultural.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Ecko, el segundo artista de la iniciativa ROMPE de Amazon Music la rompió con un show vía live streaming

El pasado martes, como parte de la iniciativa Rompe Argentina de Amazon Music, Ecko se adueñó del Teatro Vorterix como el segundo artista del ciclo frente a fanáticos vibraron al ritmo de sus hits.




En la noche del martes 5 de septiembre, Ecko se subió al escenario del Teatro Vorterix como parte de ROMPE Argentina, la iniciativa de Amazon Music que apoya a artistas que la están rompiendo. El ícono del trap y freestyle argentino, se presentó desde el emblemático teatro a las 21hs con un emocionante show que se transmitió por el canal de Twitch AmazonMusicEnVivo

Ante un grupo privilegiado de fanáticos, Ecko tuvo una charla íntima con Ale Pluz, aka Pluzito, el host de la noche, una de las figuras más importantes del hip hop en Argentina. Luego del mano a mano en el que respondió preguntas que otros seguidores hacían vía Twitch, el artista se apoderó del escenario para repasar en vivo los éxitos que lo llevaron a ser una figura destacada en la escena musical argentina como “Sin Seguro”, “Dorado”, “Coroné”, “34 Amor y Mafia RMX”, “Te escapas de mis brazos” y “Gusty DJ | Session en el barrio #7”, entre otros.

La iniciativa ROMPE Argentina tiene como objetivo brindar apoyo a los artistas locales que la están rompiendo a través de un plan diseñado de la mano de cada artista y de acuerdo a sus necesidades. Rompe Argentina incluye contenido audiovisual y musical, campañas de marketing, visibilidad en playlist y la programación musical de Amazon Music y apoyo promocional, en este caso, los apoyos al artista ROMPE Argentina se llevan a cabo durante todo el mes inmediato a su presentación en vivo por el canal de Twitch Amazon Music En Vivo.


En Argentina, cada primer martes del mes a las 21 horas de Argentina, un artista de la escena musical actual se presentará en el icónico Teatro Vorterix para tener una sesión en vivo acompañado de un afortunado número de fans. Amazon Music hará un live streaming a través del canal de Twitch AmazonMusicEnVivo de cada presentación que los artistas realicen en Vorterix. El programa Rompe Argentina está compuesto de 5 ediciones y la lista de artistas argentinos ya cuenta con nombres como Callejero Fino y Ecko.


El evento, transmitido en directo en el canal de Twitch AmazonMusicEnVivo, permitió a los espectadores de todo el mundo sumergirse en la música de Ecko. Agendá la fecha en el calendario y prepárate para descubrir quienes siguen como parte de esta iniciativa.

Reseña: Una historia de amor

Después de tres temporadas, vuelve al escenario “Una historia más de amor”  en el Espacio Cultural Savia todos los domingos a las 20hs. 

¿Amor?, ¿cómo se habla?, ¿qué palabras se usan?,  ¿qué del cuerpo propio?, ¿y del ajeno?, ¿y del tiempo? Dos se encuentran y construyen su lenguaje, su código. Esos dos y el deseo, el sufrimiento, la duda, la certeza. Esos dos y tanto tanto y tanto poco. ¿Una historia más?, ¿una historia como otras?

Loreto Luco Ferrada y Nahuel Cuadrelli son los directores, productores y actores de “Una historia más de amor”. Entre ambos narran un encuentro fortuito , fatal y vital. A través de distintos cuadros desarrollan las aristas de una relación: el cotidiano, el miedo, la alegría, la ternura, el pasado, la reflexión. Dos cuerpos en escena que se someten a todo lo placentero y sufriente de ese otro. La escucha, el manejo del tiempo, el humor, las pausas, los juegos escénicos, la comunicación con el público: fluye la energía en escena, los cuadros de esta relación se suceden y producen expectativa y ganas de acompañar.  

Narración, actuación, danza, teatro- físico, música. “Una historia más de amor” se sirve de distintas disciplinas para poner en escena esta historia. Una forma original de dar cauce a uno de los temas más teorizados, tratados y, paradójicamente, inagotables  de la historia. 

Nada de utilería ni de escenografía. El espacio se delimita por el público dispuesto en círculo.  Los cambios de luces generan dinamismo y ayudan a entrar y salir de cada uno de los climas. 

“Una historia más de amor” es un rito. El amor se produce entre ellos dos, pero también en el propio teatro que habilita el encuentro íntimo y colectivo. Las preguntas quedan en el aire, ¿una historia más? Acaso, quizás, una de tantas y, a la vez, única e inenarrable, salvo de esta forma mágica: el teatro.  

“Una historia más de amor” – Savia Espacio Cultural (Jufré 127)- Domingo 20hs.

Ficha técnica: 

Dirección, producción, actuación: Loreto Luco Ferrada y Nahuel Cuadrelli// Asistencia técnica: Ián Martin.

Escribió: Micaela Steinbach

Reseña: Personas que se encuentran en lugares



«Personas que se encuentran en lugares» es una encantadora obra de teatro en formato de musical que logra conquistar al público con su originalidad y su capacidad de conectarnos con situaciones de encuentros fortuitos de personas que simplemente se topan por alguna razon. La trama gira en torno a dos actores, quienes asumen múltiples roles y nos transportan a diferentes espacios y momentos.



Lo que destaca de esta obra es la maestría con la que los actores logran dar vida a estos personajes variados y únicos. Michel Hersch y Sabrina Samiter encantan con sus interpretaciones, Desde el primer momento, nos sumergimos en la narrativa de la obra y nos vemos envueltos en las emociones de cada personaje. Su habilidad para cambiar de un personaje a otro sin perder la esencia de cada uno es admirable y muestra su talento actoral.

Además de la actuación, la música desempeña un papel fundamental en «Personas que se encuentran en lugares». Las melodías pegajosas y los momentos musicales nos envuelven en la trama y resaltan las emociones de los personajes. Acompañados por un tecladista en vivo, los actores nos deleitan con sus voces y nos hacen sentir aún más cerca de cada situación.

La obra es llevada a cabo por la dupla de Ignacio Olivera y Juan Pablo Schapira, quienes han realizado grandes obras referentes del teatro musical off en Buenos Aires, como «Mamá está más chiquita» y «Caso de éxito», entre otras. Con una propuesta fresca, Olivera nos muestra un gran trabajo en la dirección y en las letras, mientras que Schapira destaca por una impecable dirección musical, además de ser coautor de las canciones de la obra. Por eso que es muy importante seguir a esta dupla para aquellos amantes de los musicales en Buenos Aires.



No puedo evitar mencionar el impacto que esta obra tuvo en mi estado de ánimo. Salí del teatro con una sonrisa en un domingo gris y lluvioso. La combinación de la comedia y la ternura presentes en «Personas que se encuentran en lugares» logra tocar las fibras sensibles del espectador y nos brinda un oasis de felicidad en medio de la rutina diaria.

Ficha técnico-artística

Libro, letras y dirección: Ignacio Olivera

Letras, música y dirección musical y vocal: Juan Pablo Schapira

Actúan: Michel Hersch y Sabrina Samiter

Piano: Juan Pablo Schapira

Asistencia de dirección y producción: Augusto Moreno

Asistencia general: Rocío de León

Vestuario: Marisol Castañeda

Diseño de luces: Samir Carrillo

Diseño de escenografía: Vanessa Giraldo y Giuliano Benedetti

Realización de escenografía: Giuliano Benedetti

Utilería: Solange Gasquet

Sonido: Augusto Moreno y Joaquín Santiago

Diseño gráfico: Milagros Borches

Fotografía y audiovisuales: Camila Uset

Gestión de públicos: Emiliana di Pasquo

Funciones: Domingos 18 hs / El Método Kairós Teatro (El Salvador 4530, CABA).
Entradas: $3500, a través de alternativateatral.com
Duración: 85 minutos

Análisis Agatha Christie – Hercule Poirot: The London Case



¿Conseguiremos descubrir el misterio?
Son ya numerosas las referencias que tenemos de Agatha Christie tanto en el cine como en los libros y cómo no, en los videojuegos. The London Case llega para continuar el legado que comenzó The First Cases. Aquí volvemos a ver a un Poirot más joven al que su juventud no le resta prepotencia. Un caso se abre ante él y no puede hacer otra cosa que hinchar el pecho y demostrar quién es.



Poirot es el encargado de proteger un cuadro durante su traslado y posterior exposición. Cuadro que es sustraído de manera sibilina, por lo que Poirot, acompañado de un improvisado compañero, deberá resolver quién se ha llevado y a dónde el famoso cuadro. Así empezamos esta aventura plagada de misterio y puzles. Engaños, dudas y puzles Sin duda alguna, el grueso del juego se desarrolla con los puzles. Se trata de una aventura gráfica donde la exploración está bastante condicionada y dónde lo que más nos interesa es hacer las deducciones correctas e investigar el objeto adecuado para dar con la solución.


Es por esto por lo que, lo más importante son los mapas mentales que realiza Poirot. A través de sencillos enlaces podemos ir descubriendo la verdad de manera muy visual y acertada. No importa si nos hacemos un poco de lío uniendo conceptos ya que el juego no nos penaliza por ello y simplemente al ratito de fallar nos destacará las ideas que debemos unir para llegar a la conclusión correcta.

Es quizá esto lo que menos me ha gustado ya que al no sufrir penalización de ningún tipo, se pierde un poco la gracia de hacerlo bien o intentar recabar todas las pruebas para poder avanzar sin peligro. Algo más de riesgo en este aspecto mejoraría la experiencia global del juego.



El mismo Poirot de siempre


Si algo me gusta de estos juegos es que apenas innovan porque no les hace falta. Tanto los de Agatha Christie como los de Sherlock Holmes son juegos muy similares que no aportan apenas novedades entre unos y otros, pero no les hacen falta.
Pero esta falta de innovación es un arma de doble filo y como no podía ser de otra manera, jugar a este no deja de ser jugar a una continuación del anterior. De hecho, el mayor fallo para mí es en la puesta en escena.

Gráficamente se coloca a la altura de juegos de 2015-2016, los personajes se mueven de manera tosca y los movimientos en los diálogos son erráticos. Igualmente, la versión de PS4 contaba con unos tiempos de carga exageradamente largos que rompían por completo la continuidad de la investigación.
Me gusta que cuiden los detalles de los personajes añadiendo objetos o fondos que dan más contexto al misterio y lo colocan en una franja temporal. Desde pequeños broches a intrincados detalles del escenario, todo está colocado donde debe estar y tiene una finalidad. Pero eso no hace que olvides que gráficamente no es ningún portento.
Muchos personajes, todos culpables
Por otro lado, han creado un elenco de personajes de lo más variados y enigmáticos. Todos aportan algo importante al desarrollo de la historia, pero lo hacen sin involucrarse de manera directa ya que lo único que obtenemos de ellos son respuestas mediante el sistema pregunta-respuesta. Personajes que quedan relegados a cumplir la función de responder sin llegar a cautivarnos ni a crear ningún tipo de relación con nuestro protagonista.



Hastings, nuestro compañero, es con el único con el que mantendremos una relación más larga y compleja, aunque tampoco termina de resultar para el jugador. Igual lo rápido que pasa todo o el poco interés que tienen los personajes, hace que no termine de interesarte ninguno de ellos. De hecho, ni siquiera empatizo con Poirot ya que hace gala en más de una ocasión de lo bueno e increíble que es sin tener necesidad de ello.
Los textos están todos en español. Esto hace que sea mucho más sencillo seguir la trama e interesarnos por lo que nos dicen, pero incluso así muchas veces el diálogo se convierte en un mero trámite.

Lo bueno si breve, dos veces bueno
Y así es The London Case. El juego cuenta con varios capítulos (8 en total si no recuerdo mal), pero una vez que hemos cogido el truco y aprendemos a explorar y realizar las conexiones correctas, avanzamos entre ellos rápidamente. El juego apenas dura unas 5-6 horas depende de lo que nos entretengamos y siempre podríamos reducirlo si ignoramos las conversaciones y reducimos los tiempos de carga. A pesar de ser tan cortito, creo que tiene la duración correcta ya que alargarlo más lo haría tedioso y el enigma inicial se diluiría en un mar de dudas y preguntas.

Para este tipo de juegos, considero que tiene la duración perfecta ya que no se hace pesado y te mantiene enganchado a la consola para descubrir qué ha pasado y quién es el culpable. Eso también lo consigue la historia ya que, aunque de primeras parece bastante clásica y sencilla, tiene un par de giros dramáticos bastante buenos que enganchan y no te sueltan hasta dar con la solución.



Conclusiones


The London Case es una maravilla del misterio que como juego se queda algo corto. Gráficamente nos recuerda a The ABC Murders (2016) lo que puede generar cierto rechazo ya que juegos como Murdered Soul Suspect salieron con mejor apartado gráfico mucho antes…
Agatha Christie consigue atraparme con la historia y el desarrollo de esta, pero no con la jugabilidad por lo que tengo sentimientos encontrados a pesar de todo.
Un juego muy asequible para cualquiera que nos pondrá a pensar (aunque tampoco demasiado). En línea con los anteriores por lo que, si los has jugado y te quedaste con ganas de más, ni te lo pienses: hazte con él ya mismo.

Calificación: 6/10

Reseña: Eva Duarte, una verdad que incomoda


Por Sofía Luna Roberts
“Eva Duarte, una verdad que incomoda” es una obra con dramaturgia de Susana Barbato y dirección de Martín Hache que nos propone una versión original sobre la vida de Eva Duarte. La pieza comienza a cuestionarse si su figura realmente ha muerto o sigue vive como los seres que son elegidos para un destino superior; hay un gran balance entre la vida y la muerte, la salud y la enfermedad, los derechos humanos y la opresión. La obra se va a presentar todos los domingos a las 16 hs en el Beckett Teatro (Guardia Vieja 3556).

Lo que se presenta en escena son las distintas facetas del cuerpo y la vida de ella. Ya que, desde el título de la pieza, podemos presentir que nos vamos a encontrar con la vida de Eva antes de convertirse en la Evita del pueblo. Si bien, se alude a una misma persona, los nombres no significan lo mismo. Pienso que la obra nos quiere enseñar eso, que las etapas de la vida de Eva Duarte van mutando y evolucionando hasta la Santa Eva que todos conocemos. Esto se puede corroborar gracias a los simbolismos que se presentan en las diferentes versiones de la persona: de niña con su actitud ya desafiante que la va acompañar durante toda su vida, de adulta siendo una referente política que pisa fuerte en la toma de decisiones siempre en beneficio del pueblo culminando con una Eva enferma y angustiada porque su cuerpo no va al mismo ritmo que sus convicciones.

Maria Ines Alvarez, Mayra Blaiotta, Rocío Estévez, Lourdes Fargi, Alejandra Figueras, Max Flügel, Martin Hache y Kevin Agustin Lanza se ponen en la piel de los personajes de una manera auténtica, interpretando figuras importantes en la historia argentina, con una tonalidad dramática y nostálgica que embellece la pieza en sí. La delicadeza y fuerza que le dan al cuerpo de Eva traspasa el espacio escénico y llega al espectador de una manera única dándonos a entender la importancia de su figura tanto en su trayectoria como después de ella.

Es muy interesante cómo su corporalidad va mutando a la par que su vida ya que, con el tiempo, va cobrando cada vez más dolor por las propias exigencias que carga a lo largo de su vida política. Es cautivador el detalle que le dan a los pies de Eva, ya que desde la portada de la obra nos llama la atención la presencia en primer plano de esos pies que dejan atrás los zapatos cotidianos. Durante el desarrollo de la obra, la primera aparición de ella es descalza en búsqueda de aquella pequeña Eva en la que está comenzando a germinar el espíritu de la rebeldía Se puede arriesgar en interpretar que esos pies dejaron de estar calzados cuando el cuerpo de Evita se convierte en una persona santificada que deja atrás la vida civil (esos zapatos negros) para quedarse eternamente tanto en la historia argentina como en los corazones de cada ciudadano que pudo gozar de los derechos que ella tanto defendió.