Crítica: El Robo Perfecto

Tenía cierta expectativa con la cinta El robo perfecto, debido a su buena recepción en Estados Unidos de cara a su estreno y ya con una secuela confirmada. La película se centra en la persecución de un policía que intenta desbaratar el plan de robar el banco más seguro del país por un grupo de delincuentes entrenados. Mucha acción y testosterona en una película entretenida , que a pesar de sus altibajos , cumple con lo que quiere brindar.

La trama avanza mostrando a dos bandos sobre una misma acción , un arriesgado plan para robar uno de los bancos más importantes en el país. Vemos por un lado al equipo que va a ejecutar el plan y por el otro lado a quienes intentan detenerlo. La cinta se toma su tiempo para elaborar el proceso que cada cosa lleva , donde todo estaba perfectamente pensado para logra el objetivo, aunque parezca que no. La película busca ese entretenimiento de acción sin tantas complicaciones , teniendo sus dosis de disparos y peleas entre machos pecho peludo. Ahí radica el problema, a la película le sobra al rededor de cuarenta minutos mostrando historias ajenas a la trama principal y que poco aporta a ella misma , solo por querer dejar en claro que es una película de «Machos» para machos. Así vemos cómo el protagonista (Gerard Buttler) es abandonado por su esposa a la que engaña y aparece ebrio para denotar su despecho , o como un un grupo de hombres malos intimidan a la cita de la hija adolescente, queriendo hacer de la hombría un chiste. Quitando eso de lado , el film resuelve inteligentemente aquel dichoso plan del robo , siendo lo que realmente importa al final.

En cuanto a los actores , a la cabeza se encuentra Gerard Buttler , que ha encontrado un papel que le sienta bastante bien ,el del héroe de acción en etapa de envejecimiento. Los spots promocionales decían que era una película del actor mencionado y 50 cent (?) , Creo que el conocido rapero aparece en el film pero sinceramente no recuerdo que hacía su personaje , pasando de lo meramente secundario. El resto del reparto es efectivo en lo que la historia quiere transmitir sin más preámbulo.

El robo perfecto es el primer trabajode Christian Gudegast (guionista de London has fallen) que brinda una cinta de acción entretenida y bien orquestada. Existen algunos clichés de las películas de acción que se ven forzados y no funcionan , pero a pesar de ello la historia se disfruta si quieres ver una película para machos.

Calificación 7/10

TITULO ORIGINAL: Den of Thieves

ACTORES PRINCIPALES: O’Shea Jackson Jr., Pablo Schreiber, Gerard Butler.

GENERO: Policial, Drama, Acción.

DIRECCION: Christian Gudegast.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Diamond Films

ESTRENO: 22 de Febrero de 2018

140 Minutos

Crítica: La forma del agua

Crítica de Santiago Simcovich

¿Y qué si hay magia? ¿Qué milagros hay en el mundo que no somos capaces de ver por mirar tanto al cielo? ¿Qué formas tiene el amor que no llegan a la tradición evocada por el hombre y sus determinismos físicos y culturales?

¿Y qué si hay magia, y chocara con los peores rasgos del hombre? No estamos hablando de un hombre en particular, sino por el que rige, el poderoso: el que constituye la violencia como método, la guerra como metodología del honor, y la sensibilidad y los rasgos de lo distinto como un signo de la más patética debilidad. Guillermo del Toro tiene su propio instinto para contar un cuento de hadas, y ese instinto le dice que la magia y lo místico cobran un rasgo mucho más oscuro en el mundo de los hombres. Historias sobre amores entre bestia y mujer, espionaje en plena Guerra Fría, experimentos secretos de entidades gubernamentales estadounidenses y la constante tradición actual de evocar el cine tradicional Hollywoodense, nos harían creer que “La forma del agua” no puede traernos nada nuevo, y que Guillermo del Toro se volvió a repetir para obtener un asiento reservado en los Premios de la Academia y tratar de pegarle a Mejor Banda de Sonido. Pero sin embargo, aunque no pudo obtener la pieza unica y solemne que logró crear con “El laberinto del fauno”, tarea imposible, le dio tanta honestidad y valentía a su ultimo film que es imposible no salir enamorado de cada aspecto, de cada pequeño mensaje y grito de lucha contra las injusticias que nos imprimen dia a dia la crueldad del hombre en el poder. El elenco es sumamente impecable y no movería de lugar ningún papel. Cada personaje segrega vida y empatía. Incluso la criatura, que alcanza la perfección técnica, nos debate entre la naturaleza salvaje y temerosa y la falta de crueldad que posee, bailando entro lo humano y lo animal, esa incomprensión que no llega a todos los corazones y que se traduce al firme cartel de “a quien se parece Dios”. Y Dios tiene la forma del agua, la forma de todas las formas y todos los colores, todos los reflejos y clases de cariño que nos parecen tan distintos y temibles, tan fuera de lo normal que nos hacen tener miedo. Pero es esa forma la que hay que salvar y abrazar, la capacidad de comprender y superar ese muro que quieren imponer algunos solo por evitar la simpatía y mantenerse a salvo en el hermetismo de lo conocido. Y Elisa Esposito (Sally Hawkins), aquel personaje mujer, sin ninguna belleza extraordinaria incapaz de emitir palabra, es la inocencia que Guillermo del Toro refleja como la salvadora de todo lo que es puro. Aquella voz que no puede emitir juicio pero que sabe mirar, no tiene miedo a lo distinto ya que ella lo es. Su personaje lleno de curiosidad la hace descubrir, y volcarse a la valentía. No es desconocido para nadie que al fin (gracias Hollywood, se tardaron demasiado), el cine más popular empezó una política de inclusión y representación en sus historias con respecto a perspectivas feministas y contra todo tipo de racismo, xenofobia e incluso homofobia. Medida que sin embargo me huele a marketinera y que nació de forma poco natural, pero aun asi, no vamos a ponernos a discutir eso, si no que lo maravilloso de esta película es que toda su estructura clásica y ubicación tiempo espacio, se combina como la herramienta perfecta y bien realizada para una denuncia. La historia se desarrolla fluyendo pero sin perder el eco de un grito que pide un alto contra los abusos hacia aquellos que en 1960 no tuvieron voz y que todavía se les es cuestionada ridiculamente. Un parate a la violencia de la forma más creativa y bella que nos trajo de sorpresa Guillermo del Toro, director que a mi criterio merece la estatuilla a Mejor Director, porque su producción logró traer la magia una vez más y hacernos acordar porque hace falta salvarla, y mostrarnos la pureza y la violencia de la forma más cruda y valiente que se vio en todas sus producciones, una evolución profesional involucrando incluso la sensualidad de manera que casi parece pintada en un cuadro, donde la belleza no debe tener el cuerpo de Channing Tattum y Mila Kunis para ser preciosa.

La única inconformidad, minúscula, que encontre en esta producción, es el final precipitado y predecible, pero la olvide a los dos pasos al volverme a la cabeza esas escenas que gritaban una leyenda de amor, que esperemos entre como agua y como magia en las conciencias de aquellos que todavía no aprendieron, a donde hay que mirar.

TITULO ORIGINAL: The Shape of Water

ACTORES PRINCIPALES: Octavia Spencer, Doug Jones, Sally Hawkins.

GENERO: Nominada al Oscar, Fantasía, Drama, Aventuras.

DIRECCION: Guillermo del Toro.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Fox

ESTRENO: 22 de Febrero de 2018

Reseña: ¿A quién le importa Gracy Sanders?

Gracy Sanders, una mujer soñadora con grandes ideales y convicciones frente al mundo del cine. Lleva una vida de mucha lucha, culminando en ser un gran exponente como directora, prestigiosa en la década del 70. Todo hasta ese momento es maravilloso, cada día significa un éxito y más objetivos por cumplir, hasta que de pronto comienzan a nublarse…

Comienza el declive de su cine, con la llegada de nuevas tecnologías y el cambio total en la industria cultural. Así es como el público actual es atraído por un nuevo cine con grandes efectos especiales. Esto representa una gran crisis tanto económica como mental para la majestuosa directora.

De forma inesperada, Gracy se sienta en un bar, donde es atendida por un joven talentoso, Nico, fanático de todas sus películas. Ella se sorprende por el deseo de este joven y se ve reflejada en él.

Decide tenderle una mano, haciendo de él un gran director de cine y comenzando a vivir momentos de profunda densidad y amor, sobre un mundo tan difícil e incierto, como lo es el arte.

Al pasar del tiempo, este vínculo se solidifica hasta el punto de convertirse en familia. Se transforma para ella, en una odisea de momentos profundos que reviven a cada instante su antiguo cine, su espíritu y sobre todo: a ella misma. La historia parece simple pero es pensada y dirigida magistralmente por Pepe Cibrián Campoy.

Nicolás Pérez Costa es la gran Gracy Sanders, Payuca Del Pueblo se luce como su asistente Minino y son acompañados por un gran elenco que con sus voces, te llevan a ese mundo imaginario donde el cine es la gran excusa para que pensemos en los sueños que tenemos y que no nos animamos a concretar, que hay personas que llegan a nuestra vida, se podría decir de manera providencial, para ayudarnos a seguir en la lucha. No importa si sos joven o mayor, siempre necesitas de alguien que no solo te admire, sino también que te haga sentir que podes hacerlo.

¿A quién le importa Gracy Sanders? Tiene una encantadora puesta de vestuario, que parece simple al principio, pero que es atractiva a medida que se desarrolla la historia. Las luces y el ambiente de Teatro el Cubo ayudan a terminar de darle a la obra un marco de gran belleza.

Ficha Técnica:

Libro y Letra: Pepe Cibrián Campoy

Música Original, dirección vocal y arreglos Corales: Pablo Flores Torres

Elenco: Nicolás Pérez Costa – Agustín Pérez Costa – Payuca del Pueblo – Analia Peñas – Denise Roxana Depauli – Natalia Troccoli – Daniela Luján Rubiatti – Natalia D’Amore – Eliab Fernández – Maximiliano Areitio – Santiago Errecalde – Luca Santiago Calcaterra – Patricio Díaz Maldonado – Elian Farias – Jorge Fidel Albarado – Mauro Nuñez Duarte

Coreografía: Nicolás Pérez Costa, Natalia Troccoli y Denise Depauli

Vestuario: Pepe Cibrián Campoy y Nicolás Pérez Costa

Vestuario de Nicolás Pérez Costa: Fernando Crisci Munz

Escenografía: Romano Piccato

Maquillaje: Sandra Sehn

Diseño de Luces: Nicolás Pérez Costa

Prensa: We Prensa

Difusión: Pato Rébora

Producción Gráfica, fotográfica y audiovisual: Pamela Dávalos

Asistencia de Dirección: Cindy Yu y Romano Piccato

Asistente de Escenario: Matías Litvak

Productor Ejecutivo: Pato Rébora

Coordinación General: Nicolás Pérez Costa

Director: Pepe Cibrián Campoy

TEATRO EL CUBO – Zelaya 3053 – Abasto – CABA – 4963-2568

Funciones: Jueves 20.30 hs.

Localidades: desde $250

Alejandra Martínez

Reseña: Romance, de Fabio Golpe

En el Club Cultural Matienzo (Pringles 1249) a las 20:30 hs se presenta todos los viernes de febrero, extendiéndose hasta el 02/03/2018, la obra «Romance». Son un hombre y una mujer, ambos jóvenes, Èl, contador público, de Mendoza y Ella, actriz. Se han conocido por internet. Èl ha quedado “flasheado” o “cautivado” y la llama todas las noches, porque la quiere convencer que vayan a tomar algo y que se conozcan más para iniciar una relación más formal.

Hay una razón por la que ella se niega, alega que no se siente bien. Vamos a mantener en el anonimato la cuestión, para que les pique el bichito de la curiosidad. Pero en este caso, claramente aplica la frase que dice «una imagen vale más que mil palabras»

Al principio, Ella cree que Èl la está chamullando. Con el transcurso de las conversaciones, se va dando cuenta que la cosa viene en serio. Ella se posiciona más positiva, menos escéptica llega a disfrutar de las conversaciones que mantienen por la noche. Para ambos se les va haciendo una necesidad el tomar contacto hablándose por teléfono.

Esta línea narrativa en que se basa la obra, está muy teatralmente logrado ese intento de Él, sin renunciar a querer conocerla y ella como va aflojando y se va enamorando. La dupla actoral se compone de Martín Larocca y Sofía Zorraquín. Quienes están muy bien ambos, porque logran mucha naturalidad y espontaneidad en los diálogos de los personajes. La asistencia de dirección Sebastián Kargdorian acompañado del director y autor de la obra Fabio Golpe, quienes han sabido marcar a los actores en el marco de un guion original e ingenioso.

Cuando terminé de ver la obra, no pude evitar asociar lo que un taxista me había dicho hacia poco en un viaje: ¡usted, señora, no sabe lo que había que remarla, no es como ahora..…!!! Y en la obra justamente cuenta como son los vínculos, con un cuota de humor, donde Èl, hoy, también la rema. Creo que lo único que cambió es que la tecnología ha logrado que la distancia no impida los vínculos pero si obstaculice las relaciones personales. Ese proceso previo de reconocimiento y exploración que en algunas parejas termina en el fracaso y en otras se transforma en amor. Esa previa: el romance, es muy importante, porque es cuando dos personas se exploran mutuamente antes de entregarse. Es el examen que toda pareja aborda para saber si ambos cubren las expectativas de amor del otro. Creo que todo eso es Romance, contar la previa, en el hoy, con sus virtudes y defectos.

Se las recomiendo, como así también que disfruten de la terraza del Club Matienzo para tomar algo fresco en una noche de calor. Aprovechen si van en pareja para mirarse a los ojos, escuchar al otro, para que en el álbum personal puedan anotar el recuerdo de un hermoso viernes, pasándolo con un romance por nacer o disfrutando de alguno que ya floreció y porque no, compartiéndolo con amigos/as para que San Valentín vuelva con más ganas de apostar al amor, el 14 de febrero del próximo año.

Ficha técnico artística

Libro: Fabio Golpe
Actúan: Martín Larocca, Sofía Zorraquín
Diseño de luces: David Seiras
Música original:Potra
Fotografía:David Rosso
Arte:Lucho Lomastro
Diseño gráfico:Gastón Martino
Asistencia de dirección:Sebastián Kargdorian
Dirección:Fabio Golpe
Clasificaciones: Teatro, Adultos
CLUB CULTURAL MATIENZO
Pringles 1249
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Entrada: $ 150,00 / $ 100,00 – Viernes – 20:30 hs – Hasta el 02/03/2018


Reseña Diana Decunto

Crítica: Pantera Negra

Black Phanter es un personaje que ha sido introducido en el universo cinematográfico de Marvel en la cinta Capitán América : Civil War , con una participación meramente introductoria pero muy efectiva para incluir al héroe en el equipo Avengers. Ahora toca ver sus aventuras de forma individual, brindando una película distinta para lo que Marvel nos tenía acostumbrado, tornándose más seria y mitológica.

Los hechos se desarrollan luego de Capitán América: Civil War , después de que el rey de Wakanda haya sido asesinado. El príncipe T’Chala (Chadwick Boseman) debe regresar a su tierra donde está por ser coronado nuevo Rey , ahí conocemos su mundo que se encuentra apartado del resto de la población, y que cuenta con una tecnología inimaginable que se encuentra escondida para evitar amenazas del mundo exterior. Conocemos parte de los inicios del personaje , de lo que significa ser la pantera negra en aquella civilización y como se relaciona con el pasado del nuevo rey , incluyendo al villano en esa historia y en la misma familia.

Si bien existe una conexión con el plan de Marvel de unir a los personajes en un mismo universo de cara a Avengers 3 , la película se disfruta desde un punto aparte , centrándose en el universo de Wakanda y su héroe como eje principal de la historia. Wakanda se encuentra dominado por la cultura y las tradiciones africanas , más allá del elemento fantástico que posea. Esto ha permitido al espectador ver algo distinto, donde se alzan los valores de las tradiciones , lugar donde nace la mitología del héroe en cuestión .

Algo que se suele apreciar en la cinta de Ryan Coogler , es la libertad que puede notarse al darle una identidad a la película. Tanto en la estética como en la narrativa vemos una película mucho más madura e inmersa en su propia mitología, algo totalmente distinto a las demás películas de la compañía. Sin ser una excusa para el desarrollo de universo Avengers , Pantera negra de disfruta como una película independiente, donde la conexión está presente de todos modos , ya que tendremos al héroe próximamente en el equipo de los vengadores.

La elección de Chadwick Boseman ha sido más que acertada , algo que ya se ha notado desde su aparición en capitán América. Ahora podemos ver su historia y personalidad con más matices , aunque la película no se trate precisamente de una historia de orígenes. Michael B Jordan responde a un villano que actúa en consecuencia a una vida que se le ha privado , y que ha sucedido por la preservación de los secretos de Wakanda. Si bien no se explica el proceso de cómo el personaje llegó hasta ese lugar , es un villano creíble y que hacía el final obtiene algo como una redención.

Pantera Negra es la película que a Marvel le hacía mucha falta , sin la necesidad de recurrir al humor fácil , la cinta se adentra en una aventura fiel a su mitología. Con un apartado visual y efectos especiales notables , la película se posiciona entre lo mejorcito de Marvel, también por su guión y tono más serio. Siendo una grata sorpresa ya veremos un poco más del rey de Wakanda cuando estrene Infinity Wars.

TITULO ORIGINAL: Black Panther

ACTORES PRINCIPALES: Chadwick Boseman.

GENERO: Drama, Comic, Aventuras, Acción.

DIRECCION: Ryan Coogler.

ORIGEN: Estados Unidos.

DISTRIBUIDORA: Buena Vista

ESTRENO: 15 de Febrero de 2018

134 Minutos

Apta mayores de 13 años

Reseña: Las destructoras

Una historia de bailanta

El mundillo de la bailanta, sus códigos y cultores, ha sido tratado ya entre otras, por “Menea para mí” (Dir. Mariana Bustinza), en clave testimonial: los despectivamente denominados “villeros” cuentan su vida, la de todos los días, sus deseos, sus miedos, la mirada de los otros, la de si mismos. También “Todo piola”
(Dir. Gustavo Tarrío), aquí en clave metafórica: dos jóvenes de ese mundo de carencias, donde la más básica es la material, se enamoran y ese es un punto de encuentro con la maravilla.

La obra que ahora nos interpela, trata el tema mediante un discurso que apela a lo anecdótico. Organizado en cuadros, que se separan a través de canciones del repertorio del trío, éste musical nos relata las peripecias de Roxy, de Leila y de Bettina, durante las giras que realizan viajando en una van, de un local de bailanta a otro. Sus deseos y frustraciones, envidias, amoríos, sexo como moneda de intercambio y a veces, como placer, todo se manifiesta en el reducido
espacio vital del trío que, tal olla a presión bailantera, solo encuentra una válvula de salida, de liberación, en las canciones del espectáculo que brindan. El decadente trío nos cuenta sus vicisitudes con gracia, con cuidado mal gusto, con un histrionismo de tintes bataclanescos y desmesurada bizarría. Y también,
con encantadoras canciones.

Bueno es el trabajo actoral del siempre eficiente Mosquito Sancinetto, de Laura Manzini (interesante voz la de ésta actriz) y de Victoria Orquín, que aporta una
cuota de áspera sensualidad.

La escenografía, el perfil de la van, con una cortina que se pliega ó despliega, según estén en viaje o en un show, un hallazgo. Un musical bien realizado, que apela a lo festivo y lo logra con graciosa capacidad.

Ficha Técnica

Autor: ALFREDO MEGNA

Elenco: LAURA MANZINI // FABIO «MOSQUITO SANCINETO» // VICTORIA ORQUÍN

Dirección: MATÍAS STRAFE

Funciones: SÁBADOS 21 hs
Teatro: El Método Kairos
Dirección: El Salvador 4530 – Palermo
Entrada general: $250
Informes: 4831-9663

A. R. Belano

Reseña: No dejes de mirarme por favor

Un vodevil contemporáneo y fresco para narrar en tono cómico los fracasos de personajes que evocan a Chejov, intentando trascender y perdurar en la escena porteña

Una consagrada intérprete se dirige a la casa de una actriz del teatro off para evitar que estrene el unipersonal en el que su hijo la dirige. Una performance que contiene un video que compromete su carrera. Descubrió en la computadora del muchacho un video íntimo que grabó su actual pareja, un exitoso escritor, teniendo sexo con la joven actriz.

A partir de este conflicto, No dejes nunca de mirarme por favor se transforma en un dinámico juego cómico y absurdo de entradas y salidas en esa casa con mil puertas, donde abundan los desencuentros y confusiones, y subyace el deseo y la frustración.

Nina y Daniel fueron pareja y tienen un pequeño hijo en común. Hoy Daniel está casado con Leonor, madre de Lautaro. El joven es el impulsor de este proyecto teatral que ensaya con Nina como protagonista. Una obra autobiográfica, en la que se proyectan fotos de la infancia de la actriz. Un micrófono en escena le permite ir narrándose a sí misma. Citas explícitas y algunas más ocultas, permiten asociar este intento artístico a la La Gaviota de Chejov, que empieza justamente con la puesta en escena de una obra simbolista. La obra de Bernardo Cappa retoma los personajes chejovianos en un presente estallado y caótico donde se vuelven más explícitas las luchas por la necesidad de alimentar sus egos maltrechos. Trigorin, el autor exitoso, es aquí Daniel. Su mujer Arkadina, famosa actriz, es Leonor. El hijo de ésta, Treplev, es aquí Lautaro, un joven director teatral que busca innovar pronunciando discursos confusos mirando a público y filmando con su celular las escenas de la obra ensayada. Nina lleva el mismo nombre que en la obra del ruso, pero aquí se muestra como una mujer independiente, cuyo hijo es el motor para el cambio.

Mientras que en Chejov los sentimientos e ideas de los personajes tenían capas ocultas que apenas podíamos percibir a través de sus quiebres, con acciones que tardaban en exteriorizarse, aquí encontramos sentimientos a flor de piel, expresados por acciones impulsivas y un lenguaje actual confuso. Un tiempo convulsionado, estallado y acelerado que actualiza las influencias del teatro clásico.

Lautaro decide conscientemente exponer la intimidad de Nina y Daniel porque eso le sirve como medio para lograr su consagración. Eso desata la ira de Leonor, no por el deshonor que implicaría involucrar a su marido, sino porque los espectadores y la prensa, asociarán el nombre de su hijo con ella. Así, los cuatro discuten, se amenazan, se provocan y se extorsionan en un juego perverso que crece sin parar.

Ya desde el título de la obra vemos la angustia frente al paso del tiempo, la necesidad de estar en el foco de la escena los actores juegan con salir de la representación abandonando el espacio escénico, manteniéndose en la oscuridad del fuera de escena, de que los reflectores iluminen sus rostros de personajes estereotipados, de roles de los que no pueden salir.

Cada uno a su manera construye una impostura, una máscara frente a los otros. De esta manera, Cappa abre una reflexión irónica sobre el universo teatral actual: propuestas que no pueden despegarse de la lógica de mercado, obras como productos enlatados que no se cuestionan, que son puro entretenimiento, puestas que se consideran innovadoras por el sólo hecho de romper la cuarta pared y mirar a público.

La inminente fatalidad será la puerta de salida para que Nina logre abandonar el personaje e imponer sus deseos, frente a tanta hipocresía. Para cuestionar la necesidad meramente vanidosa del teatro, y sus actores, de ser alabados para existir.

Ficha técnico artística

Autoría: Bernardo Cappa

Actúan: Pablo Caramelo, Celina Font, Aníbal Gulluni, Maia Lancioni

Diseño de vestuario: Pia Drugueri

Diseño de escenografía: Pia Drugueri

Diseño de luces: Ricardo Sica

Fotografía: Natalia Pinilla

Asistencia de dirección: Agustina Dalmaso

Prensa: Carolina Alfonso

Colaboración en dramaturgia: Pedro Sedlinsky

Dirección: Bernardo Cappa.

Sala: El camarín de las musas (Mario Bravo 960, CABA). Viernes 20:30hs

Melina Martire

Crítica: El sacrificio del ciervo sagrado

Por Maximiliano Pouchan

Steven es un importante cirujano casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Tienen dos hijos hermosos, Kim de 14 años y Bob de 12. Viven en una bella casa, en un lindo barrio y disfrutan de todo lo que les puede ofrecer una buena posición económica. En su hogar abunda el amor y la perfección.

Martin es un amable y frágil adolescente de 16 años. Su casa es humilde y no está ubicada en el mejor lugar. Vive con su madre, una mujer inestable y buena, que intenta esperanzada sobreponerse a una perdida. La de su marido.

Steven y Martin poseen un extraño vínculo. El cirujano pareciera querer compensar la ausencia del padre del adolescente como si cargara con una culpa. Y el muchacho lo acepta. Al principio todo esto será oculto, pero luego Anna , Bob y Kim lo conocerán. Todo será agradable pero no tardara en volverse complejo y confuso. El cirujano comenzará sentir incomodidad en estos encuentros y tomara distancia. Entonces Martin, a modo de venganza, hará caer una aberrante maldición sobre Steven y su familia.

Basado en el mito de Ifigenia, este relato pareciera inicialmente una película de suspenso pero luego todo adquirirá un tono más de horror.

Con cuidada y excesiva composición de cuadro, con abuso de zoom, con constantes cambios de ángulo y posiciones de cámara, lo visual, termina resultando monótono y agobiante.

La insistente referencia a kubrick, es innecesaria. Y ciertas indefiniciones en cuanto al género hacen que pierdan valor algunas situaciones que son interesantes.

La distancia estética, los elementos argumentales y los recursos expresivos desplegados son tantos y tan ambiguos que terminan por volverse inaccesibles. Y este hermetismos solo termina construyendo otro mito que trasciende a la película. El del director, que algunos consideran un genio y otros una estafa.

Un filósofo me dijo hace un tiempo que en el arte, el límite entre la genialidad y la banalidad es sutil y uno puede pecar de entusiasta o de tonto con mucha facilidad.

Yo debo confesar que no me resulto estimulante. La película me pareció pretenciosa, confusa y demasiado distante del espectador.

Quizá este frente a una verdadera obra de arte, pero todos los recursos que poseo apreciarla me distancian de ella.

Calificación 5/10

The Killing of a Sacred Deer, Reino Unido-Irlanda-Estados Unidos/2017. Dirección: Yorgos Lanthimos. Elenco: Nicole Kidman, Colin Farrell, Alicia Silverstone, Barry Keoghan, Bill Camp, Raffey Cassidy y Sunny Suljic. Guión: Yorgos Lanthimos y Efthymis Filippou. Fotografía: Thimios Bakatakis. Edición: Yorgos Mavropsaridis. Duración: 121 minutos. Apta para mayores de 16 años.

Chicago Med estrena su tercera temporada el 19 de febrero por Universal Channel.

“Chicago Med” estrena su tercera temporada el próximo lunes 19 de febrero a las 22hs ARG., a través de la pantalla de Universal Channel. La nueva entrega de este exitoso drama médico creado por Dick Wolf, contará con 22 emocionantes capítulos y mantendrá la participación del elenco protagonizado por Oliver Platt, Torrey DeVitto, Nick Gehlfuss, Colin Donnell, entre otros.

Luego de el sorpresivo final en la segunda temporada, donde el Doctor Charles (Oliver Platt) fue abatido por un lunático ex paciente, los doctores favoritos de la televisión vuelven con más dramas que no dejarán de sorprender a sus seguidores. Tras la llegada de la doctora Ava Bekker, una nueva y competitiva compañera interpretada por la actriz invitada Norma Kuhling, el Dr. Connor Rhodes (Colin Donnell) tendrá que demostrar su experiencia como cardiólogo. Mientras tanto, Sharon Goodwin (S. Epatha Merkerson), la respetable jefa de Chicago Med, continuará su ardua labor de cuidar todos los detalles del hospital más grande de Chicago, a fin de mantener el ambiente profesional y de excelente calidad.

El romance también se abre paso esta temporada, el Dr. Will Halstead (Nick Gehlfuss) debe lidiar con la resposabilidad que conlleva ser el médico de cabecera y a la vez, dedicarle tiempo al romance que mantiene con la Dra. Natalie Manning (Torrey DeVitto). Por otra parte, April Sexton (Yaya DaCosta), la inteligente y audaz enfermera de urgencias, hace oficial su relación con uno de los médicos más famosos del hospital, a pesar de las quejas por favoritismo de sus compañeras.

Para más detalles acerca del estreno de la tercera temporada de ¨Chicago Med¨, el lunes 19 de febrero a las 22hs ARG., visita www.universalchannel.com y súmate a la conversación a través de nuestras redes sociales:

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Crítica: Una mujer fantástica

Una mujer fantástica es la historia de Marina, una mujer transgénero, que enfrenta la muerte de su pareja Orlando, la familia de éste que no la acepta y no la deja despedirse de él, como cualquier persona haría ante la pérdida de un ser amado. Marina se ve luchando ante prejuicios y violencia de todo tipo. Pero esa mujer luchará para poder salir con dignidad de todas las pruebas a las que se ve sometida.

Sebastián Lelio, el director chileno, muestra con sutileza, claridad y mucha poesía, la lucha de ésta mujer transgénero por sus derechos ante la sociedad que no comprende y que excluye lo que no comprende.

Daniela Vega se luce, en su primer protagónico, en el papel de Marina. El personaje sufre en silencio la humillación y el rechazo social, una frase que resuena y de forma dura es la de la ex esposa de Orlando: «Para mí eres una quimera». Es lo que muchas veces la sociedad ve en esas mujeres.

La transexualidad en un mundo aparentemente abierto de mente y preparado para lo diferente. Pero te hace pensar ¿Qué es lo diferente? ¿A quién llamamos diferente? El espectador saldrá de la sala con la idea de un mundo lleno de muros y donde la exclusión es real, aunque no le pase. Deberá tomar a una mujer maravillosa, como un film que no solo es una historia más sino una historia que plantea lo que le pasa al colectivo LGTB, su lucha, su soledad y su exclusión.

Es la primera cinta latinoamericana en carrera por el Oso de Oro del festival de Berlín. Nominada para los Oscar como mejor película de habla no inglesa y ganadora de Premio Goya.

9.5/10

Ficha Técnica

Director: Sebastián Lelio
Guionista: Sebastián Lelio, Gonzalo Maza
Productor: Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín, Sebastián Lelio, Gonzalo Maza
co-Productora: Maren Ade
Música: Matthew Herbert
Fotografía: Benjamín Echazarreta
Montaje: Soledad Salfate

Datos Técnicos

Drama

Año: 2017
Duración: 104 min.
País: Chile

Estreno en Argentina 22 de febrero

Alejandra Martínez