Por Agustín Villegas

Ese Capitán Marvel si se puede ver…

La historia del verdadero CAPITÁN MARVEL fue un sube y baja a lo largo de los años. Fue creado por Bill Parker y Clarence Charles Beck allá por el año 1939. Debido a su parecido físico con SUPERMAN la empresa DC Cómics llevo el asunto a tribunales dejando a la competencia en bancarrota. La empresa se vio obligada a vender los derechos de sus personajes a una editorial que posteriormente fue adquirida por una imparable DC Cómics que ya se encontraba en pleno crecimiento. Luego de unos años la editorial incluyo al personaje en historias junto a personajes como SUPERMAN y hasta se le brindaron nuevas historias individuales que respetaban la idea básica del personaje; un huerfano que es bendecido con los poderes de los dioses del olimpo. El niño, conocido como Billy Batson, podía transformarse en un Dios con solo gritar la palabra que le da el título al film. Pero los quilombos no cesaron para el joven superheroe, ya que Marvel Cómics le había puesto de nombre CAPITÁN MARVEL a uno de los heroes que termino siendo uno de los pilares de la editorial por muchos años. Hoy en día el manto le pertenece a Carol Danvers, papel que interpreto Brie Larson en la mediocre película de Marvel Studios estrenada hace un mes. Capitán Marvel volvió a perder, obligando a DC a llamarlo SHAZAM! Durante el reboot comiquero conocido como The NEW 52.

Tras años de espera finalmente el Capitán Marvel original llega a la pantalla grande, con una película que finalmente le hace honor a un personaje con una trayectoria desventurada. Con el gran David F. Sandberg detrás de las camaras el film plasma a la perfección como un nene reaccionaria ante tan grandiosos poderes.

La historia sigue a un huerfano de 14 años, Billy Batson (Asher Angel), que es elegido por el hechicero supremo para cagar con los poderes de los dioses del olimpo. Todo para detener a un grupo de demonios que personifican los siete pecados capitales. En ésta aventura Billy contará con la ayuda de sus nuevos hermanos adoptivos, liderados por Freddie (Jack Dylan Grazer), quienes lo ayudarán a controlar éstos grandiosos poderes sin dejar de lado la diversión juvenil.

‘WONDER WOMAN’ fue la patada que Warner necesitaba para empezar a respetar los personajes de DC Cómics. La película de la amazona no es de mis favoritas, pero objetivamente cumple con todo lo que un film de ésta clase necesita para ser bueno. Con ‘AQUAMAN’ el rumbo continuó fijado hacia la cumbre, con un estilo visual deslumbrante consiguió conquistar a muchos nuevos espectadores que seguían asqueados por la mutilada ‘Justice League’ o la enquilombada ‘Batman Vs Superman’. Si bien la película del atlante tampoco me volo la cabeza (sus personajes eran muy unidimensionales para mí gusto) mí confianza con estos personajes seguía creciendo. ‘SHAZAM!’ finalmente me termino de comprar, no exagero al decir que es la mejor película de la nueva era de DC Cómics. Las actuaciones son encantadoras, la historia es atrapante y el humor esta hasta mejor tratado que el cine de Marvel Studios. Warner se arriesgo a hacer chistes para el publico adulto, algunos bastante subiditos de tono pero en el buen sentido. Es muy bello cuando el cine comercial no nos toma por boludos y nos busca hacer reir sin caer en los cliches de humor integramente blanco al que nos tiene acostumbrados el mundo actual.

Mark Strong interpreta al Doctor Silvana, un villano que externamente parece ser un cliche pero que al resolver su conflicto interno logramos empatizar con el. Hay una gran escena del personaje en donde Sandberg se dio el gusto de meter su preciado genero de horror, con una violencia moderada pero imponente. Su papel es el contraste perfecto con la poca experiencia de Billy, haciendo que las peleas no solo sean de una gran calidad visual sino que también sobresalen con un muy buen tono humorístico.

Hubo un momento de la trama en donde pensé que la motivación de Billy se estaba perdiendo, pero los guionistas retoman éste elemento de una forma tan madura y centrada que, como espectador, tengo que admitir que me hizo un bingo de lo que me gusta ver en una película. Hay mucho humor pero en cierto momento el drama nos agarra por sorpresa y nos pega duro, la heterogeneidad de generos es algo muy difícil de nivelar y en éste caso lo hacen de una forma sublime.

Tengo una sola queja, me parece que retratar a Billy como un joven de 14 años es algo que puede perjudicar en una hipotética (aunque practicamente confirmada) secuela. La película hubiese funcionado aún mejor con un actor un poco mas jovencito. No obstante Asher Angel tiene un parecido INCREÍBLE con Zachary Levi, quien se morfa la película con su histrionismo a la hora de interpretar al todo poderoso SHAZAM. Los personajes secundarios también brillan, Freddie es un gran guía para Billy, su amistad es genuina y se construye con total fluidez.

Warner entendio todo volviendose autoreferencial. Comenzaron con esta onda en la excelente ‘LEGO BATMAN’ y posteriormente en ‘TEEN TITANS GO! TO THE MOVIES’. Los meta chistas no faltan en ‘SHAZAM!’, los errores del DC Cinematic Universe son reciclados de formas muy inteligentes para brindarnos risas y momentos espectaculares que hasta nos hacen querer revisitar los proyectos fallidos para apreciar éstos desde una perspectiva distinta … bravo por ésta idea.

No se pueden perder «SHAZAM!», una película de superheroes que sobresale del resto.

Les cuento que Warner se encuentra desarrollando una película del anti heroe BLACK ADAM, eterno nemesis de CAPITÁN MARVEL. Dwayne ‘The Rock’ Johnson interpreta al personaje en un film que promete introducir a la JUSTICE SOCIETY OF AMERICA en el cine. La idea es cruzar al personaje con SHAZAM en un épico enfrentamiento … posiblemente para el cierre de la trilogía.

Se vienen tiempos gloriosos para DC Cómics en el cine…

Calificación 8.5/10

Por Rodrigo Feldman

Es Mejor Hablar de Ciertas Cosas

Se sabe que los soldados que volvían de las trincheras de la primera guerra mundial llegan mudos, recordaba Walter Benjamin al teorizar sobre la dificultad y la importancia de narrar, de construir relatos sobre experiencias traumáticas. Al encontrarnos con un film que se desarrolla en las islas Malvinas inexcusablemente este contribuirá a poder establecer una vía de acercamiento, una construcción en ese vacío producido por el horror de la guerra.

Entonces, vamos al relato en cuestión. Los hermanos Azulay son surfers que hacen cine o cineastas que hacen surf. Ellos deciden ir a Malvinas a realizar su último film, “ La Ola sin fronteras”, nada menos que a Malvinas. El documental tiene épica, tiene emoción, tiene ritmo, y cierto talento fotográfico pero es en Malvinas. El film nos acerca al mundo del surf y a una geografía inhóspita, desolada, rica en especies, rica en belleza natural pero es Malvinas. La cuestión, y la insistencia con Malvinas; es que todos los atributos que podamos encontrar en el film se diluyen ante la liviandad con que se encara la cuestión de la guerra.

 Los puntos fuertes de la película se encuentran cuando la aventura de los hermanos en busca de olas se cruza con la historia, con las huellas de la guerra. Ejemplo de esto, es cuando vemos en el primer cuarto del film a los Azulay en una pequeña carpa bajo la inmensa noche y por corte directo se nos muestra las tumbas los combatientes. Esta conexión entre imágenes nos lleva resignificar el espacio de la narración, tornándose difícil no imaginar que en ese mismo espacio estuvieron aquellos soldados. Mismo cuando vemos a los hermanos avanzando por los terrenos siempre desérticos y fotogénicos de las islas, hasta llegar frente a un cartel de: prohibido pasar- terreno minado y vemos esa playa en donde los únicos que pueden acceder son los pingüinos. Aquí es donde el film da en el blanco, cuando la película de surf se transforma en mera excusa para confrontarnos con la presencia aún latente, aún tangible del horror.

Sucede que si bien la tensión por el conflicto bélico permanecerá a lo largo del documental. Esta no será expresada, sólo sugerida, y aunque se aprecie la sutileza, en este caso la cuestión debería enfrentarse. El film se convierte en una odisea en busca de olas, y tengamos en claro que como documental de aventuras no le faltan ingredientes, hay viajes en barco, en helicóptero, paisaje idílicos, animales exóticos y surf, mucho surf. Y aquí, quienes brillan por su ausencia son los kelpers, la visión que se nos forma de ellos a través de lo visto y oído es que son personas que viven aisladas, en terrenos despoblados, de pocas y sencillas palabras. La entrevista no abunda en el documental y es un punto que nos deja con ganas de más. Vemos una ciudad al principio y al final del film, pero como transición, poca sabremos de ella y sus habitantes.

La película abre con un deseo, los Azulay irán a Malvinas a encontrarse con los únicos surfers de la isla, quienes son kelpers, son hermanos y al igual que los Azulay  nacieron en la posguerra. El deseo es re significar las tensiones territoriales, establecer la paz entre estas nuevas generaciones y además montar unas olas juntos. En el film las olas abundan, las palabras no. Y es mejor empezar a hablar de ciertas cosas.

Calificación: 6  / 10

Ficha técnica:

Documental

Idioma: Español

Duración: 74 min

Créditos:

Producción: Gauchos del Mar / Caudillo Cine

Productores: Joaquin Azulay, Diego Amson

Directores: Joaquín Azulay, Julian Azulay, Fernando Salem

Guión: Joaquín Azulay, Julián Azulay, Fernando Salem

Directores de Fotografía: Julian Azulay, Joaquin Azulay

Montaje: Leandro Ferrer

Directora de Producción : Lucila de Arizmendi

Diseño visual: Pablo Brancatella

Post y mezcla de Sonido: BUM! Audio

Musica original: Ignacio Seratti y Matias Gibbs

VAN GOGH EN LA PUERTA DE LA ETERNIDAD – Protagonizada por Willem Dafoe como Vincent Van Gogh, Oscar Isaac como Paul Gauguin, Rupert Friend como Theo Van Gogh, Mads Mikkelsen, Mathieu Amalric y Emmanuelle Seigner. / Dirigida por Julian Schnabel / Distribuidora: @diamondfilmsarg / Estreno en Argentina: 4 de abril. – Crítica: CJ COLANTONIO.

El notable director de “La escafandra y la mariposa” nos deleita con una mirada acabada sobre Vincent Van Gogh, en específico sobre los tormentos que padeció por vivir en una sociedad bruta o poco sensible que armaba rumores ante la expresión emocional que este artista post-impresionista trasladaba a su obras, como a quienes a su alrededor demostraba cariño o amaba.

Coescrita con Jean-Claude Carrier y su coeditora -quienes además se basaron en cartas- este director aprovechó su experiencia personal como pintor para capturar en su propia forma cinética -y de manera valiente- lo que a menudo se ha evitado en el cine, y que conlleva la pintura en su creación y detiene el tiempo.

Willian Dafoe obtuvo la nominación al Oscar por esta película y aquí demuestra con creces el tamaño de actor que es, interpretando el exilio auto-impuesto en Francia de este artista holandés que pintó unos 900 cuadros, realizó más de 1600 dibujos, y quien sólo vivió hasta los 37 años.

Calificación: 9/10.

CEMENTERIOR DE ANIMALES (Pet Sematary) – Terror sobrenatural, adaptación de la novela homónima de Stephen King, remake de una película de 1989. / Dirigida por Kevin Kölsch y Dennis Widmyer, es protagonizada por Jason Clarke, Amy Seimetz y John Lithgow. – Estreno en Argentina: 4 de abril 2019 / Crítica: CJ COLANTONIO.

Lo predecible, lo contado, lo no desarrollado, lo explícito, las caras de miedo con antelación; todo eso tiene esta película plana que se olvida de cuestiones importantes como el protagonismo masculino falto de carácter.  Ya lo demostraron películas como El resplandor ó Misery -relatos también basados en novela de Stephen King- cómo este tipo de personaje llegaba a un lugar, una casa donde su paz mental se veía alterada por la locura y se veía arrastrado por ella de manera obsesiva.  Ése mal que circundaba y que además era el contraste de un partenaire con contundentes convicciones, como lo fueron en las nombradas películas, los personajes femeninos.

Con un cambio en el guión sobre la desaparición de unos de los personajes, que intenta sorprender para quien vio la película anterior y que enoja a quien leyó el libro; esta adaptación, intenta sopesar el género con pequeños trucos sonoros que te hacen saltar de butaca, un recurso deplorable para quien espera algo más después de interesante propuesta de IT.

Sigue restando una fotografía plana, que es alimentada sólo por un cenital de comienzo en drone, ésa del auto en la carretera rodeada de tupido bosque, y que te podrían hacer creer que lo que se viene tiene esa propuesta omnipresente del autor, pero no, es sólo una seguidilla de planos que carecen del manejo avezado de la óptica cinematográfica, como de un ritmo visual.

Calificación: 3/10.

Por Ramiro Delgado

Toda biopic tiene inevitablemente una mirada del director/a sobre la vida de la persona a retratar. En este caso se trata del artista Vicent Van Gogh. Al ver una película que refleja la vida de una persona deberíamos tener en cuenta al menos dos aspectos: lo primero es recopilar y ordenar internamente todo el conocimiento que uno tiene sobre la biografía del personaje a retratar, sin importar la cantidad, y lo segundo es dejarse llevar por esa mirada nueva que nos está planteando el director/a. Digo dejarse llevar porque como espectadores se nos presenta una gran dicotomía entre el conocimiento por así decirlo “real” que tenemos sobre el artista y lo que el director quiso contarnos. Julian Schanabel nos presenta una hermosa nueva mirada sobre el artista, con algunas licencias biográficas, interpretada majestuosa y tiernamente por Willem Dafoe.

Películas sobre Van Gogh tenemos de sobra, la última que pudimos apreciar se titula “Loving Vincent” (Dorota Kobiela y Hugh Welchman-2017). Dentro de la historia del arte es uno de los personajes mas enigmáticos, sobretodo por su vinculo con la sociedad y trágico final. La película toma solo una parte de su vida, específicamente la que transcurre en Arles (1888-1889), denominada por algunos autores como la etapa de la explosión del color. Decide llegar a Arles porque un gran amigo suyo, ni mas ni menos que Paul Gauguin, interpretado por Oscar Isaac, le recomienda alejarse del barullo parisino y adentrarse en los campos amarillos del sur francés. Es en está ciudad donde conecta con la idea de la eternidad.

Vemos a un Vicent infantil, tierno, conectado con la naturaleza y su movimiento. La escenas que tiene con su hermano Theo (Rupert Friend) nos muestran un artista necesitado de afecto y contención. El hermano decide escribirle a Gauguin para que pase algunos días junto a Vicent con la idea de que este reencuentro sea provechoso para la salud de su hermano. Paul acepta y es en este reencuentro donde más se potencian los miedos e inseguridades de Vicent. Paul decide alejarse de Arles y este acto desencadena en nuestro artista la decisión de arrancarse una oreja y regalársela a Gauguin.

Recomiendo el film porque trata de brindarnos una idea sobre esta ternura del personaje y su modo de vincularse con la sociedad. Cabe destacar la actuación de Dafoe y la fotografía, que despliega un abanico de variaciones del color amarillo, color favorito del artista. Para concluir hay un libro que recomiendo: “Van Gogh el suicidado por la sociedad” de Antonin Artaud. Cito una frase a continuación: “Van Gogh no murió a causa de una definida condición delirante, sino al descubrir qué era y quién era, y la conciencia general de la sociedad, para castigarlo por haberse apartado de ella, lo suicidó”.

Calificación 9/10

4X4 (Argentina) con guión de Mariano Cohn y Gastón Duprat. Dirección: Mariano Cohn.  Con Pater Lanzani, Dady Brieva, Luis Brandoni y Noelia Castaño. / Estreno en Argentina: 04/04 de 2019 / Crítica: CJ COLANTONIO.

Esta semana se estrenan en Argentina dos películas Tour de Force, expresión francesa que vendría a significar -en nuestro país- algo así como vuelta de tuerca; relatos que llevan a un único protagonista en pantalla a un cambio de rol, de ser victimario a víctima –o acosador/acosado- y que suelen buscar una nueva mirada sobre la condición humana.

Una de ellas es la película danesa preseleccionada al Oscar, La culpa, y la otra, esta película Argentina 4×4, la que plantea de manera original y contundente el flagelo de la inseguridad, como también la justicia en mano propia.

Dirigida por Mariano Cohn y producida por Gastón Duprat, esta dupla emblemática quienes escribieron el guión juntos y que supieron ofrecernos El hombre de al lado, El ciudadano ilustre y que ahora se turnan en los roles con esta y Mi obra maestra, logran una soberbia reflexión que sucede en un 90% en una camioneta 4×4 y que vuelven a poner al Cine Argentino en el lugar que demuestra que un buen guión no es solo entretenimiento, sino la oportunidad de enfrentar temas que nos importa como sociedad.

Filmada de manera cronológica, su protagonista Peter Lanzani, quien durante el rodaje fue bajando de peso para crear mayor realismo, es acompañado por Dady Brieva y Luis Brandoni; además del destacado Kiko de la Rica en la Dirección de Fotografía.

Calificación: 9/10.