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Luciano Barisone, importante periodista italiano y crítico de cine, para revistas especializadas como así también desde 1997, ha colaborado en numerosos festivales internacionales de cine, el miércoles 4 de setiembre en el aula Magna de la UMET (Universidad Metropolitana para la Educación y el Trabajo), se contó con su presencia en una Master Class donde se abordó el tema: PACTO DE FE CON LA REALIDAD.
Luciano expuso su punto de vista sobre que discrepa del término documental, sostiene que la documental es cine, donde el espectador confía en la imagen que ve e inclusive considera que la documental no siempre tiene la obligación de estar enseñando o explicando algo. Se pasaron cinco películas donde mostró este pacto de fe con la realidad es posible. Etre et avoir, Nicolas Philibert (Francia, 2002) Mein liebster Feind – Klaus Kinski, Werner Herzog (Alemania, 1999) Katatsumori, Naomi Kawase (Japón, 1994) La devinière, Benoît Delvaux (Bélgica, 2000) Un silenzio particolare, Stefano Rulli (Italia, 2004).
Lo invitamos a que si le interesa el género de «documental», hasta el 11 de septiembre, consulte la programación, http://www.fidba.com.ar/2019/programa/
Asimismo tengan en cuenta, las otros dos master class que se dictarán: Chus Dóminguez creador audiovisual el jueves 5 de septiembre en el mismo horario o Heather Haynes (Canadá), el sábado 7 de setiembre de 14:30 a 16:30.
El martes 3 de septiembre en el CCK, en su décima edición, la entrega de los Premios Hugo al Teatro Musical, con la conducción de Laurita Fernández y Diego Reinhold.
Previamente a la ceremonia de entrega de premios, se hizo un hermoso ágape, donde desfilaron por la alfombra roja, todos “aquelles” que hacen de esta industria y de este arte, distfutando de su momento.
Recordamos que los Premios Hugo nació de la iniciativa de Ricky Pashkus y Pablo Gorlero quienes lo crearon en el 2010, en homenaje al director de teatro Hugo Midón.
Previo a la entrega de premios se anunció que el Premio Hugo de Oro se pasa de ahora en más a otorgar cada lustro, y el Premio Hugo de Platino, cada diez años. Como que se desea evitar que los premios se polarizan y para los premios de Oro y Platino, se puedan valorar la trayectoria de las compañías a lo largo del tiempo.
La entrega fue transmitida desde el CCK por la Televisión pública.
Felicitamos a todos los que ganaron y por sobre todo «a todes los que hacen posible» que este género teatral siga adelante y cada año con novedades y mejores propuestas. Considero que el Musical argentino, el nuestro está avanzando y debe seguir así, porque tiene un futuro mucho más que promisorio.
Los premiados fueron:
GANADORES: PREMIOS HUGO TEMPORADA 2018-2019
1.MEJOR MUSICAL
Una vez en la vida
2.MEJOR MUSIC HALL, CAFÉ CONCERT Y/O VARIETÉ MUSICAL
De eso no se canta
3.MEJOR MUSICAL OFF
Fierro
4.MEJOR DIRECCION GENERAL
Julio Panno (Una vez en la vida)
5.MEJOR COREOGRAFÍA
Analía González (Fierro)
Verónica Pécollo (Hair)
6.MEJOR DIRECCIÓN MUSICAL
Tomás Mayer Wolf (Una vez en la vida)
7.MEJOR LIBRO DE MUSICAL ARGENTINO
Agustín León Pruzzo (Un mar oculto)
8.MEJORES LETRAS DE MUSICAL ARGENTINO
Agustín “Soy Rada” Aristarán / Pablo Fábregas (Serendipia)
9.MEJOR ADAPTACIÓN Y/O TRADUCCIÓN DE LIBRO Y LETRAS
Lily Ann Martin y Pablo del Campo (Una vez en la vida)
10.MEJOR MÚSICA ORIGINAL
Santiago Ablín (Fierro)
11.MEJORES ARREGLOS MUSICALES
Juan Ignacio López (Hair)
12.MEJOR ACTUACIÓN PROTAGÓNICA MASCULINA
Eliseo Barrionuevo (Una vez en la vida)
13.MEJOR ACTUACIÓN PROTAGÓNICA FEMENINA
Paula Reca (Una vez en la vida)
14.MEJOR INTÉRPRETE MASCULINO EN MUSIC HALL, CAFÉ CONCERT Y/O VARIETÉ MUSICAL
Nicolás Cúcaro (De eso no se canta)
15.MEJOR INTÉRPRETE FEMENINO EN MUSIC HALL, CAFÉ CONCERT Y/O VARIETÉ MUSICAL
Déborah Turza (De eso no se canta)
16.MEJOR ACTUACIÓN DE REPARTO MASCULINA
Menelik Cambiaso (Chorus line)
17.MEJOR ACTUACIÓN DE REPARTO FEMENINA
Mariú Fernández (Chorus line)
18.MEJOR INTÉRPRETE MASCULINO EN ENSAMBLE
Santiago Otero Ramos (Una vez en la vida)
19.MEJOR INTÉRPRETE FEMENINO EN ENSAMBLE
María Armellin (Una vez en la vida)
20.MEJOR DIRECCIÓN VOCAL O ARREGLOS CORALES
Daniel Landea (Hair)
21.MEJOR PRODUCCIÓN INTEGRAL
Julieta Kalik (Una vez en la vida)
22.REVELACIÓN MASCULINA
Agustín Iannone (Hair)
Agustín “Soy Rada” Aristarán (Serendipia)
23.REVELACIÓN FEMENINA
Maida Andrenacci (Camarera)
24.MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO ORIGINAL
Marisol Castañeda (Recuerdos a la hora de la siesta)
25.MEJOR DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA ORIGINAL
Gonzalo Córdoba Estévez (Recuerdos a la hora de la siesta)
26.MEJOR DISEÑO DE LUCES ORIGINAL
Mariano Demaría (Cabaret)
Gonzalo González (Tommy)
27.MEJOR DISEÑO DE SONIDO ORIGINAL
Gastón Briski / Alejandro Zambrano (Hair)
28.MEJOR ESPECTÁCULO MUSICAL PARA UN SOLO INTÉRPRETE
Un mar oculto
29.MEJOR DIRECCIÓN EN MUSICAL OFF
Manuel Ablín / Analía González / Santiago Ablín (Fierro)
30.MEJOR INTÉRPRETE MASCULINO EN MUSICAL OFF
Sebastián Iglesias (Fierro)
31.MEJOR INTÉRPRETE FEMENINO EN MUSICAL OFF
Laura Manzini (Más que real)
32.MEJOR MAQUILLAJE
Damián Brissio (Cabaret)
33.MEJOR MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL
Recuerdos a la hora de la siesta
34.MEJOR DIRECCIÓN EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL
Emiliano Dionisi (Recuerdos a la hora de la siesta)
35.MEJOR LIBRO Y/O LETRAS DE MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL
Emiliano Dionisi y Martín Rodríguez (Recuerdos a la hora de la siesta)
36.MEJOR COREOGRAFÍA EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL
Alejandro Ibarra (Recuerdos a la hora de la siesta)
37.MEJOR MÚSICA EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL
Martín Rodríguez (Recuerdos a la hora de la siesta)
38.MEJOR INTÉRPRETE FEMENINO EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL
Lucía Baya Casal (Recuerdos a la hora de la siesta)
39.MEJOR INTÉRPRETE MASCULINO EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL
Guido Botto Fiora (Huesito Caracú)
40.LO MEJOR DE LA TEMPORADA
Recuerdos a la hora de la siesta
GANADORES DE LAS CUATRO CATEGORÍAS DE LOS PREMIOS HUGO FEDERALES:
MEJOR INTÉRPRETE MASCULINO EN MUSICAL
GUILLERMO EASDALE POR “EL GRINGO” (SEDE CÓRDOBA)
MEJOR INTÉRPRETE FEMENINO EN MUSICAL
MELISSA DE MIGUEL POR “LA NANA DEL PARAGUAS NEGRO” (SEDE MAR DEL PLATA)
Apoyándose en la presencia de Paula Fernández Mbarak, “Las promesas” se enfrenta al desafío de sostener una historia a lo largo de 40 minutos contando con una sola actriz en escena. Más aún, una historia trágica. Y lo logra. Lo logra porque, a fuerza de trabajo, la obra sabe valerse tanto de los recursos de la escena, como de lo que escapa a ella. En la conjunción entre lo que el personaje narra por fuera de lo que vemos, con un relato que progresa de a poco en vistas de mantener la tensión, y los elementos de los que dispone en el escenario, es donde la tensión sale a relucir. Una serie de cajones, un jarro con agua, una cama, adquieren un papel casi tan importante como el de la protagonista. Y no porque su sentido sea unívoco y unidireccional: de ser así estaríamos ante un simbolismo un poco pretencioso. Más bien, su relevancia tiene que ver con la materialidad que su interacción comporta. A esto se le debe agregar el juego de luces y sombra, que es menos un reflejo de la ambigüedad de la protagonista, que una forma de acentuar el clima de misterio. Todo ello se sostiene, en gran parte, gracias al mencionado trabajo de Paula Fernández Mbarak. Su trabajo con la voz, sus movimientos en escena, y sus cambios de registro, capaz de pasar del minimalismo gestual a la mueca más exagerada, sin perder convicción. “Las promesas” es sin duda una experiencia generosa… Tal es así que ni hizo falta revelar mayor información sobre la trama para dar cuenta de sus grandes virtudes. ¿De qué se trata, entonces, la obra? Vayan a verla…
Seguramente muchos se acordarán de Platinum Games al recordar juegos como Nier Autómata o Bayonetta, entre algunas de sus producciones. Es en el último de los mencionados, donde la compañía comenzó una gran asociación con Nintendo, luego de lanzar Bayonetta 2 exclusivo para Wii U y posteriormente los ports del primer y segundo juego de la sexy bruja en switch. El lanzamiento de Astral Chain, responde a un juego que denota mucha ambición por parte del estudio, pero también mucho cuidado , ya que se trata de un producto con una línea narrativa potente y un gameplay que va in crescendo. El veredicto, que adoramos a Platinum Games y su hermosa relación con Nintendo, y que Astral Chain es uno de los mejores juegos en lo que llevamos del año.
La historia del juego nos traslada hacia el año 2078, una época donde la tierra lleva un par de décadas inmersa en una guerra con unos peligrosos seres llamados Quimeras , que al parecer provienen desde otra dimensión. Para poder combatir a estas especies se ha creado un escuadrón llamado Neuron, que se trata de una fuerza policial que se encarga de enfrentar a los villanos con uno de los suyos. Su arma principal son las Legiones, que son una suerte de quimeras domadas y que se encuentran atadas a nosotros a través de una cadena astral, de este modo adquirimos habilidades que serán de gran utilidad para vencer al enemigo. Si ya la trama de ciencia ficción es de por sí interesante y atractiva, también le tenemos que añadir el condimento dramático y mas humano de la historia, dónde dos hermanos policías (Justamente hijos de capitán de la fuerza Neuron) son reclutados para combatir junto a las legiones y en el que uno de ellos será clave para la supervivencia. Digo uno de ellos, porque el juego nos da la opción desde el inicio con quién queremos jugar , lejos de ser un juego de doble campaña (Véase Resident evil 2), Astral Chain nos cuenta la misma historia según elijamos al chico o a la chica en cuestión. Sin ánimos de dar spoilers sobre lo que sucede en su argumento, el juego se basa en el aprendizaje y evolución de habilidades con tu Legión, la investigación policial, algo que no puede faltar, los combates. En líneas generales, toca decir que se trata de un producto muy cuidado en términos narrativos, ya que el juego le pone mucho énfasis en el desarrollo de su historia, pero que tampoco hace abuso de cinemáticas, manteniendo un buen equilibrio entre narrativa y jugabilidad.
Haciendo un apartado sobre la jugabilidad, y como había mencionado antes, desde el inicio elegiremos a nuestro avatar, en el que podremos elegir a la chica o el chico entre los dos hermanos protagonistas. Toca aclarar nuevamente que la historia no se modifica por la elección de nuestro personaje, simplemente se adapta en cuanto a los diálogos según el sexo al que nuestro personaje pertenezca. En el único también podremos elegir la dificultad del juego, optando por fácil, normal o difícil y teniendo la opción de modificarlo luego en el juego. Tambien comenzamos con una personalización del avatar, dónde podremos adaptar peinados, color de piel, ropa y otros a nuestro gusto, y que también nos dejan nuevas opciones para modificar a medida que avancemos en el juego. Su sistema de combate en un inicio es simple y no cuenta con muchas combinaciones, pero resulta necesario para poder comprender el manejo de nuestro personaje en lucha , primero en solitario y luego con nuestra legión. La legión mantiene un sistema de lucha casi automático, uno puede fijar a algún enemigo que sea de nuestra prioridad y lanzar a nuestro aliado para realice ataques. A medida que avanzas en el juego y vas consiguiendo puntos puedes ir mejorando las habilidades y realizar distintas combinaciones que serán estratégicamente útiles con enemigos y obstáculos dentro de cada investigación. Nuestro protagonista también cuenta con un arma propias, denominada como bastón x , que cuenta con distintos modos para combate, como el modo bastón, blaster y gladius, y que también cuenta con la posibilidad de mejora en el transcurso del juego. El iris es un sistema de visión aumentada , que será de gran utilidad para las investigaciones, recabar información de los interrogados, y poder visualizar las misiones que tenemos a tu alrededor. Lo interesante de Astral Chain, es que además de sus inminentes momentos de acción y combate, cuenta con una jugabilidad muy variada, y que va desde develar misterios a través de la investigación con iris, realizar tareas de sigilo escuchando conversaciones con nuestra legión, participando de varios minijuegos y algunos puzzles. Eso es todo lo que nos brinda Astral, con una jugabilidad muy adictiva que puede llevarte una partida del alrededor de 20 horas, pero que también es bastante rejugable si quieres completar todos los desbloqueables que el juego ofrece.
A nivel técnico, primero debemos mencionar que se nota que el título fue desarrollado directamente en switch, ya que este se encuentra perfectamente optimizado para brindar una experiencia visual sorprendente y una jugabilidad que es de lo más dinámica. En cuanto al rendimiento se aprecia muy estable tanto en el modo dock como en el modo portátil, apreciándose mucho mejor las texturas jugandolo en sobremesa. Quizá la única pega es que la cámara en momentos nos falla, más en los momentos que debemos explorar el escenario con nuestra Legión, ya que de momentos se confunde el movimiento de los angulos visuales con el desplazamiento de la legión, que en algunos ratos fue molesto , aunque tampoco es algo que se aprecia muy frecuentemente. El diseño artístico denota toda el alma que Platinum Games deja en sus producciones, que en este caso nos muestra un marcado carácter japonés pero que tiene un estilo que le es muy propio. El juego cuenta con un mapeado que si bien es limitado, si cuenta con una extensión suficiente en algunos tramos para perderse en misiones secundarias y recolección de objetos. El apartado sonoro es el adecuado para la ambientación futurista que posee, y que acompaña de forma dinámica a la jugabilidad , sumergiéndose plenamente en el terreno de la acción.
Astral Chain es una carta de amor que Platinum Games ha dejado a un juego mimado, con una historia atractiva y una experiencia jugable de lo más adictiva. Además de ser uno de los mejores juegos en lo que va del año, también resulta ser uno de los títulos que serán de los imprescindibles dentro del catálogo de Nintendo Switch, y que a la espera de un Bayonetta 3, estamos ante una alianza de dos compañías que prometen un gran futuro para los nintenderos.
Mucho dinero y una decisión muy difícil de entender es lo que desata esta comedia de calle corrientes. Un hombre, casi por accidente, se encuentra con la posibilidad de ser multimillonario de la noche a la mañana, pero al parecer no es ese su mayor deseo. A pesar de vivir con las constantes presiones económicas provocadas por la llegada al mundo de su primer hijo este hombre parece valorar estas ataduras de dinero, a causa de ser parte de la clase media, y disfrutar de la vida que le toca vivir, despreciando la desorbitante suma de dinero que podría recibir simplemente cambiando su billete de lotería, lo que podría ser visto como un acto de egoísmo por su pareja.
Una obra divertida para toda la familia que se pregunta a si misma si el dinero es realmente el causante de nuestra felicidad o el generador de nuestros problemas.
Sábados 20 y 22hs Domingos 20hs Multitabaris, Av. Corrientes 831
It Capítulo 2: no hay lugar como el hogar
Pasaron 27 años desde que los integrantes del Club de los Perdedores venciera a Pennywise. Una devastadora llamada telefónica los traerá de vuelta a Derry, su pueblo natal y los reencontrará con su peor pesadilla.-
IT: Capítulo 2 (IT: Chapter Two, 2019) es la secuela y parte final de IT (2017).
Andy Muschietti vuelve a ser el director junto a su hermana Bárbara Muschietti en producción .
Escrita por Gary Dauberman (Annabelle), la cinta está basada en la novela homónima de Stephen King, publicada en 1986 y adaptada sólo una vez para la televisión en 1990.
Con un reparto de jóvenes promesas y caras super conocidas, vuelven a estar presentes Bill Skarsgård, Finn Wolfhard (Stranger Things), Sophia Lillis (Sharp Objects), Jack Dylan Grazer (Shazam!), Jeremy Ray Taylor, Wyatt Oleff, Jaeden Martell y Chosen Jacobs .Aunque los protagonistas de esta segunda parte fueron las versiones adultas, que fueron interpretadas por, Jessica Chastain (Apuesta Maestra) , Bill Hader (Barry) , James Ransone, Jay Ryan, Andy Bean, James McAvoy ( Fragmentado) e Isaiah Mustafa.
Veintisiete años pasaron desde que se enfrentaron a sus peores pesadillas, ahora cada integrante del grupo de perdedores creció y tomó su propio camino. Excepto Mike Hanlon (Isaiah Mustafa), quién fue el único que decidió quedarse en el pueblo.
Mike se replantea muchas cuestiones con tantas desapariciones y la única respuesta es : Pennywise; no tardará en contactarse con sus viejos amigos del club de Perdedores, Bill (James McAvoy), Beverly (Jessica Chastain), Ben (Jay Ryan), Richie (Bill Hader), Eddie (James Ransone) y Stan (Andy Bean).
Desde los primeros minutos Pennywise ya nos tiene apretando la butaca y ni hablar de los acontecimientos ocurridos que guían a Mike a atar cabos y reunir a los Perdedores. Durante la primera parte dejaron en claro que si Pennywise re apareciera, ellos volverían para acabar con el Payaso Bailarín, de una vez por todas.
IT (2017) fue la consagración de los hermanos Muschietti en la historia del cine de terror, con la sabia decisión de adaptar las más de mil páginas de la novela de King no pudieron haber elegido un tan acertado cast de adultos.
Aunque se rumoreaba desde un principio que Jessica Chastain era la Beverly Marsh perfecta, acá el que se lleva todos los aplausos es el Richie de Bill Hader, quien dicho sea de paso, está atravesando un gran momento en su carrera. Y digamos todo, el Bill de James McAvoy me dejó con gusto a poco.
En esta ocasión, el director tuvo más rienda suelta y jugó con muchos factores importantes, para bien.
Primero, no se enfocó en adaptar páginas que no suman absolutamente nada a la trama.
Hace el trasfondo justo y necesario en cada uno de los Perdedores, jugando con los traumas y terrores de la infancia de cada uno. Andy supo manejar la cinta con la mente de un fanático sin caer en errores groseros, cada uno de los Perdedores tiene un pasado que no puede (o no quiere) recordar, al borde de la desesperación tendrán que unirse una vez más para explorar y derrotar sus propios miedos. El juego de cámaras entre el presente y el pasado es una cosa extraordinaria, te permite acompañar la historia sin perder ni un detalle.
Los efectos especiales probablemente parezcan excesivos, pero logran que el espectador se adapte al ritmo de cada personaje.
La música es una pieza fundamental durante el transcurso de la trama y hasta por momentos asusta más que la escena en sí. Encaminada a ser una las películas más taquilleras del año y con muchos más aciertos que fallas IT: Capítulo 2 no decepciona y por muy poco no supera a su antecesora. Hay sangre, monstruos, cadáveres y no se distraigan ni un segundo porque hay varios cameos importantes .
A continuación les dejamos un breve fragmento de la conferencia de prensa con Andy y Bárbara Muschetti donde nos respondieron una pregunta sobre el Film.
Dentro del marco del Festival Green Film, el sábado 31 de agosto, tuve la oportunidad de ver de la serie de películas encaradas por Disney Nature titulada Monkey Kingdom, filmada en 2015, cuyo directores son Mark Linfield y Alastair Fothergill.
La película es interesante muestra como una mona, Maya, en las selvas del sur de Asia, lucha por la supervivencia de ella y su hijo Kip, debido a que es discriminada por el entorno social porque queda embarazada de un mono que no es el macho alfa de la manada.
Al final la película pasan algunas escenas del backstage de la película y ahí se toma conciencia del esfuerzo de todo el equipo de filmación para lograr contar una historia, con animales, que nada tiene de fácil realizar las tomas, y realmente como los monos se parecen a los seres humanos en cuanto a las reacciones, el afecto que pone Maya en ese hijo, el amor, el cuidado.
Son films para reflexionar, para disfrutar de la fotografía, pero desde la página de Disney Nature, hacen la salvedad que no es una película recomendada para niños en edad preescolar, porque tiene algunas imágenes que pueden afectar su sensibilidad. Hay que tener presente que la película intenta ser una documental y la naturaleza no siempre es benigna.
Dentro del Festival Internacional de Cine Documental (2019) celebrando su séptima edición, del 2 al 11 de septiembre, tuve la oportunidad este lunes 2 de septiembre de asistir a la función de la película apertura VARDA PER AGNÈS.
La documental está realizada en primera persona, es la vida de Arlette Varda, una creadora de realidades, explotando todos los recursos más inimaginables para mostrar una visual que capte al espectador, donde hay una emoción puesta en la búsqueda de que toda imagen puede ser atractiva, y es el artista detrás de cámara, quien le da el sentido.
Arlette Varda, es una realizadora nacida en Bélgica, en 1928, vivió muchos años en Francia, tiene un sentimiento muy profundo con la naturaleza y en especial la playa, filmó muchas escenas sobre el mar, busco la estética y se dió el lujo antes de fallecer en marzo de este año, de hacer una documental autobiográfica, donde tuvo la oportunidad de demostrar a un público joven, que la búsqueda de la belleza en la imagen, no depende directamente de un tema económico sino que está asociado a la creatividad.
Para que se den una magnitud del poder creativo de esta pionera del cine, por casualidad descubre que las papas que no cumplían con una determinada forma, eran tiradas, eran separadas y no se las destinaba al consumo humano. Está mujer encontró la posibilidad de contar una historia, y armó una exposición audiovisual de papas, con los tubérculos aflorando de aquellas papas despreciadas por tener forma de corazón.
Otra anécdota, que cuenta en el documental, es cuando quiso volver a Bélgica a filmar la casa donde había nacido y conoció a unos coleccionistas de trenes y encaró una documental sobre esa colección de trenes.
Fue una excelente elección abrir este festival con esta película. Este festival cada año que pasa viene con más fuerza, la sala estuvo repleta de público, en el Caras y Caretas, tuvieron que habilitar la parte superior porque la de abajo se llenó por completo.
Asimismo tengan en cuenta, las tres master class que se dictarán: Luciano Barisone (Italia) periodista y crítico de cine, el miércoles 4 de setiembre de 19.30 a 22:30; o Chus Dóminguez creador audiovisual el jueves 5 de septiembre en el mismo horario o Heather Haynes (Canadá), el sábado 7 de setiembre de 14:30 a 16:30.
Alejados de todo terreno conocido, una tripulación de convictos viajan hacia un agujero negro con la promesa de reducir sus condenas. Al menos, esa era la idea original. Años más tarde Monte (Robert Pattinson), el último sobreviviente de la tripulación original, debe subsistir mientras cuida de una bebe; fruto de los experimentos que la siniestra doctora Dibs (Juliette Binoche) realizaba a los viajeros. A su alrededor, el vacio del espacio que se cierra alrededor de su nave, en el interior, los cadáveres de sus compañeros.
Dirigiendo por primera vez un largometraje en ingles, la francesa Claire Denis (Un sol interior, Chocolat) se adentra en la ciencia ficción espacial, representando una visión cruda de la sexualidad en un entorno hostil. Mezcolanza de pequeños fragmentos desconectados , el film se siente un reflejo borroso de 2001: odisea en el espacio(1968), con los elementos de la supervivencia adversa y solitaria de Misión rescate(The Martian, 2015). Para la directora, es un film de sensibilidad, confianza y sexualidad, representada en su fuerte enfoque de fluidos, los cuales abundan en cantidades que delimitan con lo innecesario. Los sentimientos de los personajes son el centro de atención, y su desesperanza, tristeza y realización ante la muerte perpetua del espacio son los guías de una trama lenta y diluida entre susurros de pasillos espaciales poco inspirados. El trabajo actoral realizado por Pattinson (Life: la vida de James Dean, Damsel) y Binoche (Ghost in the Shell, Godzilla) resulta uno de los puntos más destacables de la película. Por un lado, el silencio y los momentos de introspección del condenado que debe hablarse a sí mismo para no enloquecer en el vacio espacial, por el otro los encuentros de un ente calculador, reflejo de la Medea de Eurípides, contra alguien que se resiste a colaborar y a aceptar un destino en caída libre hacia el vacio. Con escenarios carentes de personalidad (a excepción, quizás, de la huerta que la directora dijo haberse inspirado en espacios de Solaris (1972), de Tarkovsky), la película pierde en terreno visual. Ni siquiera el fuckroom (habitación para el placer) plantea un peso relevante en lo estético, cambiando el enfoque a los fluidos que acarrean los simbolismos de las temáticas centrales. Esta decisión podría resultar positiva para la subversión del genero, que suele volverse demasiado dependiente de las estéticas y tecnologías inventadas, perdiendo el valor humano entre tanta maquinaria. De esta forma, los sentimientos afloran, las miradas se endurecen, los tripulantes mueren y, tras los créditos, el espectador puede pasar a una vida mas elevada.
A veces las buenas intenciones no conduce precisamente a cosas buenas, este es el punto de partida que tiene La Viuda, que nos cuenta la pesadilla que vive una joven luego de devolver un bolso olvidado a una solitaria señora. Con las actuaciones de Chloe Grace Moretz e Isabelle Huppert, estamos ante una película que resulta muy entretenida por el suspenso que se genera a raíz de la tensión de ambos personajes, y luego de esto, ya no querrás ser un buen samaritano.
Lo que tiene de interesante es que la película va de lleno con el detonante de conflicto, un bolso es olvidado en el subte y una chica decide ir a devolverlo a la dirección donde figura los documentos para quedar con su conciencia tranquila. Si bien contamos con una breve introducción sobre el personajes de Moretz y el motivo por el cual se hace amiga rápidamente de esta señora, no tardamos mucho en darnos cuenta que había gato encerrado y dentro de bolso. Resulta que esa pérdida era intencional, que la mujer lo utilizaba como estrategia para atraer chicas con buenas intenciones y luego acosarlas con su intrincado cariño maternal. La historia es llevada a cabo con buena dinámica y que va aumentando el pico de tensión a medida que los minutos transcurren, aún así algunas explicaciones quedan perdidas en el metraje, por lo que no llegamos a entender completamente las motivaciones de la psicópata.
Lo mejor que tiene la cinta, radica en el carisma de las actrices. Contamos con una Chloe Grace Moretz, que se encuentra sumergida en la historia y denota el terror en su personaje a medida que el acoso avanza. Mas cosas podemos decir de Isabelle Huppert, quien resulta ser el alma de la fiesta (o pesadilla) con un personaje que a primera vista resulta empático y querible, y que si bien en algún momento se quería dar la impresión de que su locura de alguna manera estaba justificada, te deja bien en claro que simplemente es una persona siniestra. Una pequeña participación de Maika Monroe funciona como apoyo y nos deja alguna pequeña sorpresa dentro de la trama.
La Viuda es una película que sabe mantener la tensión entre sus personajes, cuya villana pasa de ser un señora aparentemente adorable a una persona com maldad pura . No es perfecta, ya que algunos desarrollos de la trama quedan ahí sueltos, pero aún así el film es sumamente entretenido, y nos hará pensar dos veces antes de querer tener buenas intenciones con un desconocido.