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En 2022 los festejos del vigésimo aniversario de Primavera Sound llevaron el espíritu del festival más lejos que nunca, ¿ahora qué? Pues por suerte nunca faltarán los motivos para celebrar: nuevos sonidos, nuevos estribillos, nuevas bandas. Nuevas razones musicales, en definitiva, para seguir ampliando la comunidad Primavera en diversas partes del mundo. Sea en Barcelona, en Madrid o a 10.000 kilómetros de distancia, hay cosas que no cambian: asomarse a cada Primavera Sound de 2023 será asomarse a los rincones más excitantes de la música contemporánea.
Además de la imprescindible cita de Barcelona, donde todo volverá a empezar este año, el esperado estreno en Madrid y la décima edición de Primavera Sound Porto, el festival retomará la ruta transatlántica para celebrar sus segundas ediciones en Buenos Aires y São Paulo entre noviembre y diciembre. Dos destinos que en muchos casos también serán principio de un viaje en el festival que volverá a reflejar el panorama musical más excitante en 2023.
El nuevo predio elegido para la edición Argentina de 2023: Parque Sarmiento (Buenos Aires) es una consecuencia de haber escuchado a nuestro público y haber optado por una opción que nos permita mejorar la experiencia alrededor de Primavera con el objetivo de que a nuestro público solo le reste disfrutar de la música. Aunque para disfrutarla no hace falta ningún libro de instrucciones: lo vivido alrededor del mundo en 2022, un año lleno de descubrimientos y aprendizajes saltando de festival en festival, nos enseñó que alrededor del line-up de Primavera Sound pasan cosas que no pasan en otros lados… pero también que esas cosas se entienden universalmente.
Los días 25 y 26 de noviembre en Parque Sarmiento, volverá a comprobarse en Buenos Aires, un line-up que conjugará una amplia muestra de talento local y los nombres internacionales que mejor explican el aquí y el ahora musical en todas sus facetas.
Con la ayuda de PopArt Music y Dale Play Live como partners, Primavera Sound continuará exportando en Buenos Aires su modelo de festival urbano expandiendo su propuesta musical más allá de las jornadas y los recintos principales con la programación de Primavera en la Ciudad. Sello inconfundible de una cita que paralelamente ha hecho de la sostenibilidad, la igualdad de género, el compromiso social y la integración urbanística los valores sobre los que se sustenta.
“Reflect what you are”, se celebre donde se celebre el festival: Primavera Sound Buenos Aires se reflejará en el espejo que supone Barcelona, que a su vez es reflejo de la comunidad que ha construido en todo el globo tras más de dos décadas. Un proceso de identificación en todas direcciones que sigue desbloqueando nuevos niveles.
Para el público Argentino, próximamente se estará anunciando la fecha y el canal para la venta de entradas. Toda la información será comunicada en los canales oficiales Primavera Sound Buenos Aires:
MÁS SOBRE PRIMAVERA SOUND BUENOS AIRES IG: @primaverasoundbuenosaires TW: @ps_buenosaires WEB: primaverasound.com/es/buenos-aires
El pasado viernes asistimos al teatro «El método kairós» a la segunda función del reestreno de «Una obra para mi». Se trata de una propuesta muy interesante que aborda el biodrama dentro de la creación teatral y sobre lo difícil que puede resultar para un autor mostrar su verdad en una obra.
Una obra para mi comienza con un entramado simple, pero que a medida que pasan los minutos su consigna cambia completamente, pasando incluso por un momento de confusión para el espectador pero que en poco tiempo nos encierra en lo profundo de su propuesta. Esa simpleza es muy necesaria para que el público conozca a los personajes principales, los entienda y sienta empatia por ellos. Es así como arranca un juego entre dos hombres que están juntos, que están en una búsqueda artística para crear una obra casi biográfica, pero que en esa búsqueda se da paso al juego entre los personajes, con un tono más romántico y casi erotico para luego tomar otro rumbo. En la segunda parte de la obra, nos cuentan de a poco el objetivo de la misma, del porque se llama «una obra mi» , de aquella búsqueda de inspiración para contar una verdad propia.
Los actores manejan muy bien cada uno de los distintos registros que la propuesta ofrece. De aquellos momentos más terrenales a otros que parten desde la imaginación y los recursos teatrales para pasar de la realidad a la ficción. Cuando hablamos de realidad, nos referimos a la de la puesta, ya que nos encontramos en un proceso de creación teatral, teniendo casi una obra dentro de la misma. La química entre Francisco Bertín y Sebastián Suñé es indiscutible, la interacción entre ellos es constante y logran emocionar al público en sus últimas escenas. El trabajo de dirección a cargo de Suñé y Lía Bagnoli funciona para unir todas aquellas piezas de una puesta que se vuelve compleja pero que a apreciar todo su conjunto vemos con simpleza y honestidad aquella historia que supieron contar.
La obra escrita Sebastián Suñe, que también es uno de los protagonistas, es una propuesta que se nota que es personal y sincera, pero a la vez muy imaginativa, teniendo recursos teatrales y giros que la vuelven en una historia más allá del drama amoroso entre dos personas. El dúo Sebastian y Francisco es todo lo que está bien en una propuesta que nos provocará emociones del todo tipo.
Todos los viernes a las 20hs en el Teatro del Pueblo sucede Pajarita, ganadora del premio Estrella de Mar 2023 a Mejor Actor de Drama y dos premios ACE 2021/ 2022 a Mejor Espectáculo de Teatro Alternativo y Mejor Actor.
1927, una sirvienta española se arroja a las vías del ferrocarril. Este suceso conmueve a Roberto Arlt y germina la imagen que desencadena la escritura de Trescientos millones: “Durante meses y meses caminé teniendo ante los ojos el espectáculo de una pobre muchacha triste que, sentada en la orilla de un baúl, en un cuartucho de paredes encaladas, piensa en su destino sin esperanza al amarillo resplandor de una lamparita de veinticinco bujías”. En 1932 se estrena Trescientos millones en el Teatro del Pueblo, una de las obras fundamentales del teatro argentino. En la obra, la sirvienta española se llama Sofía, la que sueña con ser rica en ese “cuartucho de paredes encaladas”, la que sueña con un galán, con los personajes que ha leído, visto y escuchado, con el Infierno y la muerte, con el fin.
Noventa años después de su estreno, Guillermo Parodi, dramaturgo y director, lleva a la nueva sede del Teatro del Pueblo una reversión de esta obra icónica. Pajarita es un abordaje de Trescientos millones, una búsqueda por la actualización y, a la vez, por el mantenimiento de elementos propios de la poética arltiana. Ese pasado que puede seguir (y bien que lo hace) hablando de este presente.
Arlt escribe en una sociedad atravesada por la crisis del ´30. Sus personajes viven en esa realidad golpeada, desolada. Criaturas pululantes que van y vienen y habitan el sin sentido. Pero son ellas también quienes desean e imaginan. En Arlt conviven el desamparo, el agotamiento y la miseria, con la posibilidad de algo distinto, la esperanza. La vigilia y el sueño, los límites entre ambos se borronean. Dentro del gris, hay chispazos que iluminan, hay momentos de luz dentro de un mundo oscurecido por el impacto de la crisis. Ese territorio es el que también aborda Pajarita ubicándose en la realidad caótica actual. Allí Sofía sufre la crisis contemporánea, habita los límites de un mundo roto. Ambas Sofías, la de Parodi y la de Arlt, acarrean fantasmas, personas de humo que viven en la profundidad de ellas mismas y esperan atentas el momento del sueño para nacer.
En Arlt lo onírico y surrealista tienen un peso aplastante. Parodi los lleva al escenario a través de las actuaciones y los elementos de puesta. “Zona astral donde la imaginación de los hombres fabrica con líneas de fuerzas los fantasmas que los acosan o recrean en sus sueños”, así comienza el prólogo de Trescientos millones, y así es también lo que se respira en la puesta de Pajarita: escenografía, vestuario, luces y sonido, recrean un ambiente onírico del que el espectador entra y sale con facilidad acompañando el tránsito de Sofía. Todos los elementos son funcionales al paso de una esfera a la otra. Lorena Szekely y Pablo Mariuzzi son quienes encarnan estas criaturas que habitan esta espacialidad de borde. Ambos despliegan un abanico de posibilidades vocales y corporales que construyen este vaivén entre realidad y sueño. Lorena hace que fragilidad y determinación convivan en esa pajarita de alas partidas. Mariuzzi presenta una gran ductilidad camaleónica, él pone cuerpo a las distintas visitas de humo que irrumpen en el viaje adormecido de Sofía.
Lo porteño, la calle, la realidad cruda y desmembrada, la risa, lo reo y lo elevado, la vigilia y el sueño, la muerte y la vida. Pajarita como eco de Trescientos millones, como eco del ayer en el hoy.
“PAJARITA”– TEATRO DEL PUEBLO (Lavalle 3636)– Viernes 20hs.
Nostalgia en estado puro. Quizás alguno de vosotros hayáis tenido la fortuna de haberlo jugado en su día en Gamecube. Para aquellos que no voy a poneros en situación. Se trata del remáster de la entrega más laureada de la saga Tales desarrollada por Namco Tales Studio y publicada en Europa en el año 2004. En esta ocasión nos encontraremos ante una extensa aventura JRPG que cuenta con ciertos altibajos con respecto a la entrega original. La historia nos sitúa en un mundo mágico llamado Sylvarant que deberemos salvar.
Para ello podremos elegir entre cuatro personajes (Lloyd, Colette, Genis y Raine) con diferentes habilidades. La selección del personaje no es sencilla puesto que dependiendo de nuestra elección variarán nuestras decisiones y las relaciones con los múltiples personajes que habitan este mágico mundo. Cuestiones tales como la religión, la revolución o la justicia chocarán inexorablemente en dicho mundo compuesto por diferentes razas (humanos, elfos y semielfos). A nivel gráfico resulta un título correcto donde destacan los gráficos con una marcada estética anime y los personajes se mueven con fluidez pudiendo jugarse en una resolución de 1080p. Como nota negativa destaca que en determinadas situaciones peca de una cantidad excesiva de pixeles y una injustificada limitación técnica a 30 fps que resulta totalmente inexplicable para una remasterización en pleno siglo XXI.
A nivel jugable es una auténtica delicia poder disfrutar de una gran variedad de mazmorras desafiantes con múltiples acertijos y secretos por descubrir. Un detalle muy positivo es que dichas mazmorras cuentan con diferentes caminos secundarios lo que supondrá un desafío para el jugador e invitará a explorarlas íntegramente. El sistema de combate en 3D por turnos está bien diseñado y la curva de dificultad bien ajustada. Contamos con un ataque básico pudiendo utilizar artes especiales que consumen puntos de maná. Así mismo podremos configurar hasta cuatro poderes equipados al mismo tiempo utilizando diferentes combinaciones de botones (con una estructura similar a Super Smash Bros). La duración de la aventura se sitúa en torno a las 100 horas y puedo aseguraros que en ningún momento resulta tedioso o insustancial. Por lo que respecta al apartado sonoro se merece un reconocimiento especial. Las melodías originales creadas por Motoi Sakuraba se mantienen intactas y resultan una experiencia sonora difícilmente superable por muchas remasterizaciones recientes. El juego cuenta con voces y textos solo en japones e inglés.
En resumen se trata de una extensa aventura de corte clásico que hará las delicias del jugador tradicional de JRPG. Los personajes, mapas y mazmorras están bien diseñados, la banda sonora resulta sublime pero algunos fallos técnicos lastran la calidad global del conjunto. Os recomiendo jugarlo (o rejugarlo) porque sin duda ninguna se trata de historia viva del mundo de los videojuegos.
Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.
El teatro no es lineal,se adapta a la visiòn de su dramaturgo, es que en lo experimental se pueden explorar/explotar formas y voces que en lo clàsico no se podría El director y dramaturgo junto al actor son cómplices de llevar una idea (pues el teatro no solo son historias, son ideas y planteamientos) al público. Este se vuelve observador de algo diferente, se cuestiona y se sumerge en el experimento.
La dupla de Emiliano Dionisi y Roberto Peloni nos ofrece su brote creativo en » El Brote», presentada en el Teatro El Pueblo.
»A un actor se le comienzan a desdibujar los límites entre la ficción y la realidad, y ahora desconfía de quien escribe los acontecimientos de su vida «¿Que clase de personaje somos en esta historia?» Bajo esta abstracta sinopsis, Emiliano Dionosi nos introduce en El Brote.
Roberto Peloni es sólido y convincente en este papel que le exige desprenderse de lo convencional. Asume el reto y encarna el no teatro en sí mismo. ¿Qué es real?, ¿Què es actuado?, ¿Qué es lo que lo interpela? El libreto de Dionisi nos habla de las relaciones humanas, del arte y el sufrimiento del mismo. Aquellos brotes de imaginación o dícese: inspiración, que llegan de forma inesperada, ¿Se escapa o se lucha contra el?
Peloni y Dionosi es el dúo que se complementa para poder romper con el teatro y hacerlo real. Disponible los lunes a las 21 horas en el Teatro El Pueblo.
De más está en decir que «cada historia de vida es un mundo», aunque la de Ramiro, tiene un tinte especial, que merece y vale la pena relatar. Un entrelazo de la industria audiovisual con el derecho y la vida…
«Director | Guionista | Productor | Editor @canal9oficial», parte del breve currículum a presentar en Instagram delata las habilidades de quien oficia también como escritor, de 43 años de edad… Su habilidad le permitió cumplir con un anhelo que arraiga desde chico, que era el de escribir. En curso con historias traumáticas de vida que giraban en su alrededor, llevó a plasmar su propio suceso ficticio basado en su realidad. Un camino de espinas lo esperaría en el círculo vicioso que un poco tiene la dinámica de la adultez, pero como bien dice el consejo, «insistir, resistir y persistir».
¿Cómo es que arrancas con la serie que se conoce como Aliados en tu vida?
Es muy larga la historia… Empecé con 20 años (por los 2000) con lo que se llamó N.N. Yo escribía letras de canciones, poesías de chico, y lo que comenzó como una letra de una canción, se volvió más larga, con personajes, diálogos… Después empecé en trabajar en cine, producción, a la historia la empecé a profesionalizar… A los siete años, ya desarrollado, estudiaba en el SICA (Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina) la carrera de Jefatura en Producción de Cine, la presenté para una carpeta audiovisual mientras estudiaba, al estar ya con varias personas del ambiente (2007/08), el guion empezó a circular por varios lados, en varias productoras… Un día me crucé a Axel Kuschevatzky, le comenté como toda persona que quiere cumplir su sueño, y me dijo, «déjamelo en Telefe», y después, pasó lo que pasó.
Vale destacar que la demanda por plagio que existe en la Justicia por el producto, incluye a Cris Morena y a Axel Kuschevatzky, como productores; mientras que a Leandro Calderone, como guionista. Apelando al dicho criollo de «no es ningún gil», Ramiro ya había registrado el material a su nombre. Al su padre haber sido abogado, sabe artimañas al respecto, de autorías y lo que sucede globalmente relacionado a patentar un material determinado.
¿Qué fue sucediendo en el mientras tanto?
Tuve una relación con una mujer que se me presentó, lo que hoy se le llama «relación tóxica», fue una psicopatía integrada, que, a propósito, presentamos un proyecto de ley en el Congreso de la Nación, lo cual lo han tomado y lo están analizando, junto con muchos especialistas. En esos meses, se me presentó esta chica, diciéndome que trabajaba para Cris Morena, que quería un guion para volver a trabajar en la televisión (lo necesitaba en un plazo de 45 días), yo inocentemente, ya venía produciendo cortos, que eran premiados… Y bueno, sucedió como un thriller psicológico, imagínate que apareció una mujer que me dijo «quiero que escribas para Cris, que va a volver». Nos enamoramos, me hizo una alienación, y me generó un secuestro encubierto, a partir de ahí me hizo perder cosas, cámaras, ahorros, por cinco años… Me hizo escribir un guion nuevo, pero la realidad es que mientras estaba desaparecido, estaban estrenando Aliados.
¿Crees que había un trabajo de inteligencia de la chica, que era tu «pareja», con la producción de Aliados?
No lo sé, no lo puedo saber, yo te cuento los hechos. Lo que pasó es que además de que lo dejé en Telefe y se usó para la Universidad, y un montón de cosas más, además se me presentó, perdí por 5 años el trabajo, el contacto con mi familia; perdí el trabajo en el Congreso de la Nación que trabajaba con Pino Solanas, donde estábamos filmando El Legado Estratégico de Perón. Terminé en Córdoba, comiendo de la calle, pasabas y me veías descalzo en los semáforos. Estaba secuestrado, amenazado de manera coercitiva. Me decía que su ex marido (militar) nos iba a matar… Y le creí, tenía un botón anti-pánico, ella salió en la televisión, convenció a jueces… Yo estaba enamorado… Yo no tenía redes, me alejó de todo. Gracias a Dios no me mató. Cuando volví me enteró que había estado mi guion en Aliados… Lo vi por internet. A mí me desaparecieron, me robaron todo… Fueron dos historias paralelas, a Axel Kuschevatzky yo se lo dejé, ahora si en el medio, en la guardia de seguridad, se llevó a otro lado, no sé. Ahora, en Telefe está, porque tenemos los sellos de entrega y millones de pruebas más. Yo antes venía negociando con gente de USA, Yair Dori (productor, quien vendió los derechos de Casi Ángeles a Israel) se estaba tratando, pero querían quedarse con la autoría, y bueno, se cayó. Se presentó todo con pericias, pruebas. En diciembre se presentaron testigos respecto a mi guion, testificaron todo, así que está avanzando a mi favor.
Y respecto al proceso judicial, ¿cuándo empezó?
El inicio empezó por fines de 2018, pero se activó en 2022, casi 2023. Presentamos con María Teresa Forero, una perita internacional, quien trabaja y se presentaron 55 páginas, más de 70 puntos que coinciden. La fiscalía la quiso sobreseer sin investigar. Muy raro. Apelamos y la Cámara empezó a investigar, si uno lee las comparaciones, no hace falta ser perito, es muy alevoso… Actuaciones, escenografías. Tienen tanto poder e importa tan poco. «De última le pagamos» pensarán.
La Ley a tratar sobre el abuso psicopático, ¿en qué consiste?
Lo primero y principal de la Ley es en pos de implementar en niveles educativos, porque es algo que no se da en ningún lado, me llaman de otros países. Los psicólogos los están estudiando. En si es generar conciencia. Penas no está hablado, no se analizó porque en marzo se presentan a los bloques. Cuando uno presenta una ley se empiezan a emparentar con otras, y entran millones de penas que va de falso testimonio a homicidio calificado. La ley está abierta y la están tomando del exterior, y que vuelve con variaciones, de hasta qué punto se puede aparentar.
¿Cómo fue trabajar con Pino Solanas y su proyecto (El Legado Estratégico de Juan Perón -2016-)?
Con Pino era multifunción. Era ser asistente de todo, hice hasta de extra… En cada rodaje nos enseñaba, nos tenía cortitos (risas) pero aprendimos un montón. Yo no soy político, no tengo afiliación, ni siquiera a su partido (Proyecto Sur), no porque estaba en contra del de él, sino por no tener bandera alguna. Me parecían genial sus proyectos, como defendía la naturaleza, como hablaba…
¿Cómo fue que llegaste con él?
Yo ayudaba en Guionarte, una escuela de guion, que era socio, y bueno, brindaba material en hacer cortometrajes, asistía a los chicos para que puedan llevar a cabo su guion. Ahí conocí a un chico, Nicolás Sulcic, al principio me pedían las cámaras y después me contrataron para que trabaje con él.
Y en lo que respecta a la industria del guion, ¿cómo la analizas?, ¿está todo muy monopolizado?
Y… mira, pasa como todo, hay gente que se encarga de robar ideas y no dejar que llegue el resto. Hay poder en personas para decir “muy bien, pero hasta acá llegaste”. Si no te ofrecerían trabaja conmigo, pero el material es mío. Cuando ves un guion y ves la vida de quien lo hizo, coincide, hay cosas a darte cuenta de si es choreado… Hay temas de plagio por todos lados.
Bueno, lo que es la “idea general”, que observamos mucho en cine, por ejemplo, da la impresión que funciona para opacar la labor del guionista…
Sí, lo que sirve es el desarrollo. A uno se le puede ocurrir una historia de una pareja, pero el real sustento está en lo que es el durante.
Conclusión Es difícil no creer y no apoyar las luchas individuales de quienes relatan un despojo y abuso al respecto. Ramiro, además de ser fiel creyente en Jesucristo, posee sensibilidad, capacidad y emoción al hacer mención de su vida, de lo que pasa y vendrá… No es casualidad que hace tan poco (2021) haya publicado un libro, Sobreviviendo a una psicópata, en referencia a las aberraciones mencionadas con anterioridad que padeció. En lo personal, deduzco que la imagen positiva que hay sobre Cris Morena, en términos genéricos, es abrumadora, y, por ende, no sorprende así que el caso de Ramiro, en lo que incumbe a Aliados, haya tenido tan poca repercusión en los medios convencionales, sumado al lento accionar judicial. La industria es un negocio donde el trabajo para destratar es de inteligencia, y el outsider es por las dudas acusado. Ramiro lejos de morderse los labios y cruzarse de brazos, buscó alternativas y lucha por el reconocimiento artístico y económico, al respecto. No busca venganza, sino que justicia. Su realidad supera a cualquier slogan y/o frase hecha que haga especulación al respecto del tema. Una ramificación de una historia de vida, que mereció ser contada. Escribió Nicolás Doyle para La Butaca Web.
En el marco de Súbete a mi moto world Tour llega al país el show de los tres integrantes de la agrupación que estremeció a varias generaciones.
Un show cargado de recuerdos y emociones en el que el grupo integrado por Ricky Meléndez, Johnny Lozada y Miguel Cancel
repasará cada uno de sus éxitos acompañados por grandes músicos. “Dulces Besos”, “Claridad”, “Súbete a Mi Moto”, “Y yo no bailo”, “Y mi banda toca el rock”, “Me voy a enamoriscar”, serán parte de las canciones que sonarán en este esperado show.
19 de Mayo
Estadio Luna Park
Entradas a la venta a partir del viernes 17/3 a las 10 am
La primera parte de su gira, tuvo un arrollador éxito en México cuando se presentaron en Monterrey, Ciudad de México y Querétaro a fines de 2021 ante más de 25 mil personas que disfrutaron de su impresionante show y bailaron cada una de sus canciones favoritas.
En 2022, pasaron por Bogotá, Barranquilla (donde realizaron sold out), Caracas, Lima, Atlanta, San Juan de Puerto Rico y Miami. Ahora le toca el turno de regresar a México y de volver luego de más de tres décadas a Argentina. En el mes de mayo de 2023, se presentarán en Ciudad de México, Monterrey y Guadalajara, en el Estadio Luna Park de Buenos Aires y en Quality Espacio en Córdoba para llenar de recuerdos los corazones de todas sus fans.
El 19 de Mayo el estadio Luna Park será una fiesta, una noche para recordar, llena de pasión, bailes y canciones donde se presentará este espectáculo de más dos horas de duración con una producción impactante, pantallas de led y mucha diversión.
Este 2023 se cumplen cuarenta años de la vuelta a la democracia en Argentina, un período de la historia que elegimos no olvidar, y que sigue presente en el arte como método de conservar la memoria. Durante el 8 hasta el 12 de marzo, el Teatro Colón se trasladó hacia el Predio de la Rural para presentar la Segunda Sinfonía de Gustav Mahler en Do menor, mejor conocida como Resurrección.
Para el Mahler, el proceso creativo de Resurrección tomò casi diez años durante finales del siglo XIX; el resultado terminò siendo una de las piezas más emblemàticas del posromanticismo, aunque han pasado casi 130 años de la primera vez que fue presentada; sigue estando vigente como el mensaje divino que da esta melodía hacia la posibilidad de que aquellos que se fueron, puedan resucitar.
Es poco ortodoxo que el Colòn traslade hacia la Rural una gran maquinaria de personas (casi 300) para poder llevar a cabo esta gran puesta en escena. Es imposible imaginar la visión que tuvo Romeo Castelluccid dentro del Teatro. Castelluccid es conocido por su vanguardia y oscuridad a la hora de llevar a cabo su escena, acà lo demuestra en un baldío donde un caballo transita perdido sin su jinete, este incidente darà paso a que se descubra un horroroso suceso: Una fosa comùn con una cantidad de cuerpos indescifrable.
Pensar en cuerpos en fosa común nos causa horror pues pueden ser aquellos de los 30000 desaparecidos que dejó el tiempo más oscuro de la historia argentina reciente. El objetivo fue logrado y la sinfonía de Mahler acompaña al dramatismo de la muestra en escena.
Charles Dutoit fue el encargado de dirigir a esta aparatosa orquesta y el orfeòn encabezado por la soprano Jaquelina Livieri y la mezzosoprano Guadalupe Barrientos. Este gran equipo logró capturar la esencia de Mahler y a su vez, adaptarse para sonar igual que sonaría en el Teatro.
Resurrección fue un espectáculo que solo se podía dar el predio de La Rural, esto demuestra la capacidad de adaptación del Teatro Colón, un despliegue de talento para hacer homenaje a la democracia.
El duelo y los procesos que conlleva, el desmerecimiento y la culpa son temas que toca el monólogo de »El hombre de la foto», presentado en la sesión de microteatro del Espacio La Gloria en Almagro.
»Un padre pierde a su hijo. Lo que duele es la trágica ironía de haber malgastado tiempo siendo campeón de carreras a mar abierto y salvavidas». Es la premisa del drama que nos trae Verónica Melián.
Emmanuel Maximiliano Pereyra es un joven actor comprometido con personajes que cargan con confusión, culpa y resignación. La experiencia previa que he visto en los personajes de Pereyra le han permitido calzar bien dentro de los zapatos de este atormentado hombre- Gracias a la dirección de Mariana Arrupe y Federico Foscaldi, con pocos recursos se orquestó este monologo tan intenso.
El personaje de Pereyra está sumido en el desastre y el abandono que puede llevar la ultima fase del tormento, aquella en la cual ya no se decide luchar. Esto es llevado a la realidad dramática y a la frustración que lleva la premisa que desencadena la trama.
El hombre de la foto es una muestra condensada de muchos males del hombre, su orgullo y su encierro. Un Emmanuel solido en un melodrama intimo y honesto. Disponible los viernes a las 21 horas en el Espacio La Gloria (Yatay 890)
Si había un tráiler que nos sorprendió a todos a la hora de su estreno, era el de 65: al borde de la extinción. Y no, no era por los dinosaurios, sino por ver a Adam Driver metido en un proyecto de ciencia ficción de dudosa calidad, siendo que estamos acostumbrados a verlo en películas con potencial de Oscar. Ya vimos la cinta en el cine, así que veamos que nos pareció.
La historia es bastante simple, y es que hace 65 millones de años, otra especie estuvo en la Tierra por accidente, y es por eso mismo que los sobrevivientes deben escapar del planeta y volver a su casa.
La trama es tan simple como eso, y creo que ahí radica tanto la mayor virtud, como el peor defecto de 65: al borde de la extinción, y es su honestidad como propuesta, pero su poca ambición como proyecto cinematográfico, que aparte cuenta con uno de los mejores actores desde hace por lo menos cinco años.
Vaya uno a saber el motivo por el cual Adam Driver aceptó salir acá, pero la cosa es que, por obviedad, es lo mejor de la película. Si bien el rol (un piloto llamado Mills) no le exige prácticamente para nada, el actor lo saca bien a base de oficio. Incluso en las pocas escenas donde tiene que mostrar algo de dramatismo, se nota que profesionalismo de Driver.
Otro valor agregado radica en el cgi. No estamos ante una superproducción, por eso gusta ver que a nivel efectos especiales, 65: al borde de la extinción cumple, siendo que al menos en cine, en ningún momento vemos algún diseño, escenario o animal con aspecto barato o que se note que no es real; funcionando todo bastante bien a nivel visual.
Pero ahora toca hablar de lo malo, y es de la poca ambición que presenta la película. Y esto lo decimos porque la historia de “hombre perdido en la nada que debe proteger a alguien más indefenso” la vimos hasta el hartazgo. Incluso esta misma semana terminó una serie que se les va a venir a la mente en más de una ocasión cuando vean 65: al borde de la extinción en el cine.
En conclusión, 65: al borde de la extinción es una película ideal para pasar el rato. No aburre y cumple con lo muy poco que promete, pero al mismo tiempo, es de esas que, con el paso de los días, ya ni se van a acordar de qué trataba.
Calificación 6/10
Lo mejor: es cero pretenciosa y sabe a qué apunta y lo cumple.
Lo peor: pero al mismo tiempo es demasiado simple y no aspira nada.
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