El animal que llevamos dentro

Nuestro lado salvaje va más allá de tener el uso de la conciencia y reconocernos, lo que nos separa de las especies de las que descendemos es solo el uso de la inteligencia. El movimiento, la expresión y las acciones a veces delatan el animal que llevamos dentro.

David Señoran entiende bien estos términos y traspola el animal hacia el hombre, lo masculino en su obra de danza interpretativa: Las bestias.

»La masculinidad y el cuerpo se entrelazan a través del movimiento y la fuerza, entendiendo masculinidad desde un punto de vista performativo, es decir, la ficcionalización del cuerpo y sus acciones que logran una emergencia del hombre frente a lo bestial y las múltiples posibilidades de ser del cuerpo en el deseo. «Las bestias» es una obra «para hombres no mansos». Así reseña su obra el dramaturgo y coreógrafo David Señoran.

Con un equipo de jóvenes bailarines conformado por Rodrigo Bonaventura, Lautaro Cianci, Lucas Coliluan, Matías Furio, Luis Garbossa, Gastón Gatti, Sergio Jardín, Cristian Katari, Arian Ortellado, Joaquín Toloza, Fernando Vera y Eduardo Virasoro; se conforma una jauría, una manada, un festín de bestias.

Desde los primeros minutos Señoran juega con el terror y seducción, le da voz a los cuerpos de sus bailarines y estos se dejan mover por las tenues pero apacibles luces de David Seiras y la tenebrosa pero melancólica música original de Alejandro Catarino. La luz y música penetra en los cuerpos de los bailarines y como si fuera un guion, éstos van a contar una historia con sus movimientos.

Erotismo, salvajismo y conmoción forman parte de la intensidad de emociones que Señoran pone en la puesta de su obra, hace de Las Bestias más allá de once bailarines tratando ser animales, once talentos mutando de cuerpo.

Disponible los viernes a las 22:30 en El portón Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034). Escribió Sebastián Arismendi.

La cena clasista

Las paredes escuchan pero también murmuran, si se diera la oportunidad de saber lo que el otro opina, se armaría el caos y caen las caretas, las paredes funcionan como separador de clases.

Un hombre come una picada con un amigo de su infancia, mientras discute sobre sus privilegios de clase, del otro lado la cocinera y el bachero hablan sobre las dificultades de tener un trabajo mal pagado. Unos se quejan de lo mucho que tienen y otros de lo poco, el mesonero irá girando el escenario y mostrando el otro lado de las cosas.

Augusto Alvarez, Matías Hynes, Diego Leske, Tomás Raimondi, Teresita Rellihan y Florencia Sacchi forman parte del elenco de esta divertida comedia, la cual mediante una jugosa sátira pone en juego la lucha de clases.

Damian Kepel es el encargado de dirigir y escribir esta obra, en ella pone sus preocupaciones sobre la  brecha social y a su  vez, rompe la pared de la misma, tal cual como lo hizo Bon Joon-ho en Parasite. Lo que nos separa más que una pared, es una línea dibujada por tizas.

El mayor atractivo técnico es el escenario giratorio en 360 ° hecho por Ramiro Starosta. El escenógrafo compone con sumo detalle, una barra de restaurante caché y del otro lado, una cocina típica de cerámicos blancos y bachas de acero inoxidable. Estos dos escenarios se  pueden girar de manera rápida y oportuna con la ayuda de algún actor. Del otro lado tiene un humor ácido y punzante, el mismo nos hará reír pero por su parte nos hará decir por dentro: yo estuve de ese lado.

Disponible los miércoles a las 21 horas en el Tinglado Teatro (Mario Bravo 948). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

La boda roja zapatea

Más allá de la poesía, Federico García Lorca era un gran dramaturgo. Hombres libres, madres posesivas, mujeres reprimidas e impulsos pasionales, son los temas frecuentes que el autor trató en sus libretos.La boda roja se zapatea, están en los tacones y los aplausos la tensión de la fiesta.

»¿Quién puede decir qué es el amor? Venimos a este mundo a destrozarnos el corazón, a enamorarnos de la persona equivocada. Bodas de sangre es una obra en transición: nada quedará en su lugar. La tragedia contemporánea sucede en medio del festejo, del rumor. El deseo es una forma de trance que no se detiene, que no tiene límites». Es la sinopsis de la adaptación de «Bodas de sangre» a cargo de Vivi Tellas y Cecilia Pavón.

María Onetto, Nicolás Goldschmidt, Miranda de la Serna, Luciano Suardi, Alfredo Staffolani, Laura Nevole, María Inés Sancerni, Claudia Cantero, Maruja Bustamante, Florencia Bergallo, Agustín Daulte, Julián Ekar, Rita Pauls, Nadia Sandrone, María Soldi, Max y Suen Mbagny Sow forman parte del elenco general de esta obra. María Onetto y Miranda de la Serna son la fuerza femenina en esta obra. Ambas actrices ejercen roles antagónicos entre sí, pero están relacionadas por un tema en común: El machismo y la opresión de la mujer. Esta opresión se manifiesta en forma de grito.

La adaptación de Vivi Tellas y Cecilia Pavón tiene una impronta femenista, esto se refleja en los intentos de la protagonista en ser libre y en el papel de las madres que decidieron hace mucho obedecer, aún así hay una gran sororidad en la historia, esto hace la visión de las dramaturgas clara y denunciante. Se ambienta en España a comienzos del siglo pasado, aún así siguen pasando estas imposiciones. La puesta en escena por Guillermo Kuitca es simple pero sorprende en un acto en particular, donde recrea la exactitud de un bosque que saldrá a relucir desde abajo. La creación de los extensos playones se asimilan a las plazas grandes de algún pueblo andaluz.

En la obra hay apasionantes números de baile flamenco, estos son coreografiados por Pablo Lugones y Eugenia Roces. Vivi Tellas hace de Bodas de sangre un espectáculo digno que reúne al público porteño con un gran clásico hispano.

Disponible de miércoles a domingos a las 20 horas en la sala Martín Coronado en el Teatro San Martín.Escribe Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

Expresionismo en el Colón

En el acertado afán de exhibir piezas de ópera que en su momento significaron la vanguardia y una muestra de modernismo, el Teatro Colón nos regala dos óperas por una: Los Siete Pecados Capitales y El Castillo de Barba Azul.

Original de Kurt Weill con un libreto en alemán de Bertolt Brecht, Los Siete Pecados Capitales fue estrenada en 1933 en París. Dos hermanas llamadas Ana viajan de Berlín a Estados Unidos, durante esta larga experiencia buscando el sueño americano, caerán en los siete pecados capitales en siete ciudades. Todo esto es narrado según el punto de vista de una de ellas mientras la otra recrea los hechos.

El húngaro Béla Bartók presentó su primera y única ópera en 1911 pero recién dos décadas adelante, cobraría notoriedad tras arreglos, El Castillo de Barba Azul tiene un solo acto y libreto de Béla Balázs, poeta y amigo del compositor. La ópera está basada en el cuento del mismo nombre escrito por Charles Perrault en el siglo XVII.
Barba Azul cuenta la historia de una mujer enamorada de un conde dueño de un castillo, en su curiosidad va a exigir a su esposo que devele que hay dentro siete puertas que él conserva cerradas con llave, ella se enfrentará con una terrible sorpresa.

Ambas óperas están a cargo de los británicos Jan Latham-Koenig y Sophie Hunter, el primero en la dirección músical y la segunda se encarga de la escena.

Por un lado Jan Latham-Koenig con suma destreza, dirige a la Orquesta Estable del Colón por primera vez, en 2023 será el director musical del teatro.
El talento del británico lo ha hecho dirigir orquestas en tres continentes, siendo este año de debuts ya que además del Colón, tiene presente dirigir en Venecia, Atlanta y Dublín.

Para Sophie Hunter también es su primera vez en el Colón. Su carrera de tres décadas se basa en la dirección de obras de vanguardia y experimentales, pero también cuenta con participaciones como cantante lírica.

Para los siete pecados capitales Hunter compone una pantalla de fondo que parece ser simple y proyectada pero apenas comienza la obra, esta se irá fragmentado, puertas se abren entre medio e imágenes temporales como las ciudades y pecados capitales que anuncian los siete actos de la misma. Cuenta con imágenes estáticas que simulan ser del Hollywood de los veinte, las hermanas protagonistas de esta historia.
Hunter da dimensionalidad a esta short ópera y nos regala una puesta en escena que pasa entre lo sensual y lo misterioso, haciendo referencias al cine noir de la década de los 40.

La puesta del Castillo de Barba Azul es más sencilla pero delicada. Hunter se concentra en las visuales que supone la apertura de las siete puertas del castillo, cada una irá proyectada con un diseño audiovisual de Nina Dunn, la cual recrea una composición de fantasía medieval oscura. El diseño de luces de Jack Knowles también marca importancia en esta representación, ya que Hunter quiso representar una historia trémula y expresionista, como si saliera de una escena del Doctor Caligari, lo cual lo consigue con éxito.

Para finalizar pero no menos importante, la interpretación de la soprano Stephanie Wake-Edwards como Anna en Los Siete Pecados Capitales es increíble, aporta misterio y sensualidad, también dinamismo entre el cambio de escenas. Hannah Rudd es el complemento ideal para representar a la otra Anna, con su coreografía logra transmitir lo que la voz de Anna narra.

Károly Szemerédy y Rinat Shaham en Barba Azul integran un dúo bien compaginado ya que se adaptan a la oscuridad de la historia, hay una química incómoda pues la representación que hacen es de una pareja en un cuento de hadas de terror, ambos logran su cometido.

Los Siete Pecados Capitales y El Castillo de Barba Azul fueron presentadas desde el martes 27 de septiembre al domingo 2 de octubre en el Teatro Colón.

Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.

El pasado miércoles tuvimos la oportunidad de asistir a una de las funciones de la obra «Gira trunca». Una puesta en la que la desgracia de dos actrices itinerantes se ve incrementada tras quedarse varadas en un remoto pueblo de la Pampa húmeda. Una obra de Sandra Franzen y dirigida por Sergio Grimblat que se encuentra cargada de humor y música.

Las actrices Denise Cotton y Karen Koch interpretan a estrella y blanca, dos actrices populares de los años 40 que se encuentran varadas en un pueblo de la Pampa húmeda. La desgracia de estas mujeres no viene por sí sola, sino se debe a un conjunto de decisiones en las que terminaron confiando en la persona equivocada, con promesas de ascenso y estrellado en el arte que promulgan. Aunque no todo era por el arte y el entusiasmo de crecer artísticamente, sino también el amor, o el desamor, jugó un papel fundamental para que estas actrices terminaran en el pozo, en un lugar que nadie las reconoce y que deben luchar para ganar apenas unos centavos para poder sobrevivir.

Las actrices demuestran entre sí resentimiento, que aunque resulta la parte humorística de la obra, denota el drama personal que vive cada una de ellas. De todos modos , a pesar de aquellas discusiones, existe cierta complicidad entre ambas artistas ya que resultan ser todo lo que tienen, y son las personas que mejor entienden el pesar de la otra. Al encontrarse en un escenario del ambiente artístico, encontramos la decoración de una compañía teatral tras bambalinas. Los vestuarios, la utileria y todo lo que llevan en una gira. La música también acompaña la obra, con Claudio Riva en la guitarra, que ayuda a las actrices en algunas representaciones artísticas, y en todo el recorrido que hacen nuestras protagonistas.

Gira trunca es una obra muy interesante, con dos actrices que dan todo en el escenario y demuestran la química que existe entre ellas y sus personajes, tanto en los buenos como malos momentos. Es una puesta que nos relata el drama y tragedia de sus protagonistas, pero que su humor nos permite disfrutar esta gira trunca, con San Benito dando la sorpresa.

Gira trunca puede verse los días miércoles a las 20 horas en Teatro del pueblo, las entradas pueden adquirirse en boleterias o a través de alternativa teatral.