La Butaca Web. El sitio de difusión de arte y cultura de Buenos Aires y España Reseñas, noticias, críticas en video y mucho más. Visitanos en www.labutacaweb.com ó en alguna de nuestras plataformas. Contacto labutacawebar@gmail.com
Otro de los estrenos más esperados del año es Don’t look up. De la mano de Netflix y su aparatoso motor de publicidad y más contando con este poderoso elenco, llega de una las sátiras más arriesgadas de los últimos tiempos. Su eslogan es: Basadas en hechos verdaderos que no aún ocurrido aún. En parte es así pero el filme puedes amarlo u odiarlo, la crítica y el público se van a dividir al verla.
Escrita, producida y dirigida por Adam McKay. La película está protagonizada por Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence como dos astrónomos de bajo nivel que intentan, a través de un recorrido por los medios, advertir a la humanidad sobre un asteroide que destruirá la Tierra. Rob Morgan, Jonah Hill, Mark Rylance, Tyler Perry, Ron Perlman, Timothée Chalamet, Ariana Grande, Scott Mescudi, Cate Blanchett y Meryl Streep completan el reparto.
Don’t Look Up es un filme de dos horas que no es la comedia parodia como nos tenían acostumbrados a comienzos del 2000 con las sagas de Scary Movie y otras, es una sátira por lo que el estilo de humor es afilado, ácido, cínico, algo déspota y bien en la cara.
Generalmente la sátira suele causar más polémica pues se usan chistes aplicados a la realidad pero con un sentido del humor delicado e inteligente. Lo que la verdad te puede ofender, a mí me puede dar gracia (o no).
Mckay con su frenético montaje y sagaz guión nos lleva al mundo actual en el que vivimos en una especie de idiocracia. Las redes sociales, los políticos, las conspiraciones, la economía, los influencers y los medios capaz no han vuelto algo idiotas y no hace falta una película que nos lo recuerde, solo hacer un repaso en las redes sociales y medios para ver cómo reaccionamos ante cualquier noticia global.
Mckay elige el finde del mundo y su visión de cómo lo enfrentaríamos, la cual es absurda, déspota, directa pero nada escapada de la realidad. Dicaprio y Lawrence interpretan a estos científicos que intentarán todo para que los políticos, los medios y la gente se den cuenta de la gravedad del asunto. Streep por un lado hace una especie de Trump mujer con su movimiento negacionista.
Todos los eventos y críticas que hace están pasando y elegir no verlo es parte de la intención de la película: ¿Qué tanto aceptamos la realidad?
La película crítica de forma salvaje al gobierno estadounidense, los influencers, medios de comunicación y la gente en general, pero también se crítica a si misma. Parte de la comedia es primero reírse de uno mismo para comenzar con los demás.
No es una película fácil y seguro no gustará a mucha gente pero el mensaje que deja es fuerte y hasta desolador. ¿En qué nos estamos convirtiendo cómo sociedad? Don’t look up en particular me ha gustado pero entiendo a quien no le vaya a gustar, así como lo hacen filmes como Borat, el filme va a dividir y capaz eso es lo interesante.
Sabíamos que esto algún día pasaría, de alguna forma u otra se las iban a ingeniar para resucitar la saga THE MATRIX. La primera película de la franquicia es una joya que supo fusionar conceptos previamente vistos y presentárselos al publico mainstream, de hecho, fue el primer producto para «gente grande» que me morfe de pequeñito y que me llevo a considerar el cine como una forma de vida. Ahora tenemos éste revival, que cuenta con un porcentaje de regresos bastante alto, no tenemos a Laurense Fishbourne pero tenemos a un harapiento Keanu Reeves y a una Carrie Anne Moss que parece sacada de una publicidad de maduras calientes a kilometros de usted. Lana Wachowski, una de las directoras de la original, regresa también para coescribir y dirigir éste nuevo capítulo que, sin intención de sonar goma, admito que es innecesario, pero ¿Es esto un problema? RELOADED y REVOLUTIONS ya eran al pedo, dejaban en claro que la idea estaba planteada para UNA PELÍCULA, por ende sí, un concepto tan rico como el que crearon las Wachowski merecía ser tratado con mucho cuidado en vez de convertirse en una saga de acción pochoclera.
Thomas Anderson (Keanu Reeves), ahora un trastornado programador conocido por crear la exitosa trilogía de videojuegos MATRIX, empieza a cuestionarse su realidad cuando una serie de eventos podrían estarle dando a entender que los hechos de su obra pudieron haber sido reales y que toda su vida es una simulación creada para hacerlo olvidar que él es Neo, el único y verdadero elegido.
El concepto dicho como se los digo suena muy interesante, y lo es durante la primera mitad de la película, cuando se perciben dejos de originalidad cargados de comentarios meta que funcionan de crítica para la industria creativa contemporánea, ya que uno de los problemas del primer acto es que Thomas, quien sufre de «trastornos mentales», tiene un brote cuando le exigen que continúe la trilogía MATRIX, un comentario muy acertado e interesante. A esto se le suma la aparición de Tiffany (Carrie Anne Moss), una mujer casada con hijos a la que conoce en un bar y parece tener una conexión implacable, y de un nuevo Morfeo (Yahya Abdul-Mateen II), quien ahora es un programa de computadora basado en el original, interpretado en su momento por Laurence Fishbourne. La primera mitad de la película cuenta con unas elecciones visuales copadas, si se hubiesen limitado en jugar con la flasheada de QUÉ ES REAL? y con la historia de amor entre Anderson y Tiffany pudimos haber tenido una reinvención de MATRIX que se acople con la actualidad, pero no, en cierto punto todo lo interesante se va al pasto y caemos en el terreno de lo genérico.
A partir de la segunda mitad empiezan a errarle. El guión juega con nosotros de una forma bastante tramposa, hacen una crítica a la manipulación mediante la nostalgia, usando LITERALMENTE escenas de la película original como motor para convencer a Thomas de que es Neo, con flashbacks o diálogos replicados. El nuevo Morfeo es un desperdicio actoral, ya que el tipo pone lo mejor de el y cuando está haciendo una reinterpretación copada del personaje suelta un chiste referencial que queda mas fuera de lugar Ésto me lleva a otro comentario ¿Se acuerdan de los comentarios religiosos y filosóficos de la saga? Bueno, acá desaparecen, no vaya a ser cosa que ofendan a alguien, ahora eso es sustituido por una cantidad excesiva de humor Marvel, porque había que ir a lo seguro. La historia esta contada desde el punto de vista de Bugs (Jessica Henwick) una nueva heroína a la que menciono recién ahora porque no recordé su existencia hasta éste punto de la reseña, un personaje que ejerce lo que a mí me gusta llamar «el efecto Rey Skywalker», que consiste en un personaje malo pero interpretado por un actor carismático.
A nivel visual pasa lo mismo que con la historia, el principio es interesante y despues cae en terrenos genéricos dignos de Dominic Toretto. Ésto representa un problema mayúsculo ya que podremos tener mil temas en contra de las dos secuelas de THE MATRIX, pero no se puede negar que las escenas de acción la rompían, tenían unos laburos que iban mas allá de buena coreografías, sino que los movimientos de cámara complementaban los característicos efectos especiales de la saga. La actuación de Keanu Reeves es lamentable, todo lo que dice parecen eslogans depresivos, ni siquiera su look estuvo a la altura, pareciendo un viaje ácido de John Wick. Carrie Anne Moss es la única actriz de la trilogía original que vuelve para darle clase al film, con una interpretación llena de carácter que se adecua al surrealismo del universo.
THE MATRIX: RESURRECTIONS es una síntesis de lo que fue la trilogía original, una idea que empezó siendo interesante y que con el tiempo paso a ser cualquier cosa. El error fue el enfoque, querer hacer de ésto una secuela de las originales cuando tenían la posibilidad de contar con otra de las encarnaciones del elegido o, mejor aún, una MATRIX en donde las primeras tres trilogías sean realmente una ficción. Una oportunidad desaprovechada, por mí parte me voy a volver a ver ANIMATRIX para sacarme el mal sabor de boca.
Castle on the Coast es un juego de colección hecho principalmente por una sola persona. No es particularmente largo y la longitud de sus segmentos individuales es bastante desigual.
Castle on the Coast cuenta la historia de una jirafa llamada George que navega hacia el castillo de la costa, al entrar al castillo, nos enteramos de que los hermanos magos, Aleandra y Vendrick, han estado en desacuerdo con los niños adoptados que están tratando de cuidar. Cerraron su residencia en lo alto de la torre y prohibieron la entrada a cualquiera.
Uno de los niños le pide a George que encuentre las cuatro piedras angulares necesarias para abrir el camino para que puedan ir a disculparse e intentar ponerse en la misma página. La historia está completamente interpretada por la voz con abundantes escenas de corte. Castle on the Coast tiene un cierto encanto de bajo presupuesto, con modelos de personajes angulares que me recuerdan a la era de Nintendo 64. Sin embargo, la presentación aún captura un tono realmente fantástico, lo que me hace sentir un capricho infantil inusual que no veo que los juegos aprovechen con éxito con tanta frecuencia. Castle on the Coast tiene un aspecto muy suave y dulce, pero definido que me hace sentir profundamente nostálgico.
Los controles son maravillosos, son extremadamente receptivos y George, a pesar de ser una jirafa, es muy móvil. Puede saltar, hacer doble salto, rodar como Mario en Odyssey, girar en el aire y ejecutar repetidos saltos de pared. Muchos de los desafíos de plataformas del juego serían difíciles con muchos protagonistas de plataformas. También tiene un jet pack que se puede usar para moverse con mayor facilidad. En el centro del castillo, hay entradas a las cuatro áreas que contienen piedras angulares. Pero necesitarás usar objetos coleccionables para abrir las puertas. Estos están escondidos por todas partes.
Ningún sistema complejo te impide agarrar los coleccionables, simplemente te acercas a ellos y se suman. Además, hay pétalos que puedes encontrar por todas partes y que puedes usar para comprar disfraces. Hablando de esos disfraces, algunos de ellos son versiones diferentes de George. Pero puedes vestirte como otros personajes, incluidos los antagonistas. Me alegré mucho al entrar en la primera de las cuatro áreas principales, ya que tenía tantos coleccionables para agarrar como el centro principal. Obtener esa primera piedra angular se sintió sustancial, que culminó en un viaje a un mundo extraño lleno de plataformas giratorias que parecían estar hechas de papel maché metálico cambiante.
Esta sección llegó a un punto crítico con una batalla de jefes. George puede saltar sobre los enemigos o girar hacia ellos. El giro es la única parte de su conjunto de movimientos que me pareció un poco extraño, ya que no tiene mucho alcance. Sin embargo, puedes usarlo indefinidamente en el suelo, lo que lo convierte en un derviche giratorio. Vencer a este primer jefe me dio la primera piedra angular, y partí con el entendimiento de que cada una de las tres áreas restantes sería similar.
Conclusión
Castle on the Coast está lejos de ser difícil, además hay numerosos puntos de control, por lo que es probable que nadie termine frustrado al jugarlo. Sin embargo, las plataformas están lo suficientemente complicadas como para que incluso los aficionados se lo pasen en grande.
Castle on the Coast me tomó alrededor de 3.5 horas casi lograr el 100% de finalización.
¿Quién no recuerda al menos una escena de Chaplin? El británico además de actor y humorista, fue guionista, productor, director y compositor. Su larga carrera en Hollywood lo hizo consagrarse como la leyenda más importante de los inicios del cine. El humor era el medio por el cual Chaplin podía transmitir mensajes políticos y sociales. Las risas fue el remedio que aplicó a sus millones de espectadores a nivel mundial que hoy en día lo siguen reivindicando.
»Un encuentro mágico entre Charles Chaplin y Charlot , su famoso personaje, el vagabundo, con humor desopilante, música y su genialidad única. La relación con su hija Geraldine, quien lo acompaña siempre e intenta entrar en su mundo. Una invitación al universo del artista donde la sonrisa y el optimismo llegan directo al corazón.» Es la sinopsis de la obra escrita y dirigida por Jazmin Bitrán.
Victoria Arrabaça, Alejandro Canuch y Daniel Groppo protagonizan esta historia homenaje al eterno Chaplin. El espacio cultural Sábato fue el escenario para que los actores dieran cátedra de actuación, mímica y momentos musicales.
Alejandro Canuch como Charlot es quien se lleva el show. Su caracterización de este icónico personaje hace querer levantarse y aplaudir. Su coreografía para interpretar las escenas más memorables junto a los pasos y gestos es, se vuelve un resultado eficaz. Todo esto gracias a la música en vivo de Martin Pomerantz, el cual interpreta la banda sonora de la filmografía Chaplianiana.
Smile, un día sin reír es un día perdido es una obra entrañable, bien coreografiada y delicada donde más allá del claro homenaje a Chaplin, establece su compromiso al retratar vínculos familiares.
Smile, un día sin reír es un dia perdido estará disponible en su nueva temporada en febrero en Espacio cultural Ernesto Sábato (Uriburu 763)
“Al igual que en la vida, desde el momento en el que abres los ojos y abandonas la protección del sueño, estás bastante jodido”
Los shooters cooperativos no son algo nuevo. Desde que el hombre tuvo acceso a la red, no tardó en utilizarla para conectar sus arsenales con los de sus amigos, ya sea para confrontar juntos un mal superior, o para auto agujerearse el pecho. De modo que, a lo largo de la historia del medio, existen muchos ejemplos de disparos en grupo. Pero no fue hasta 2008, cuando Turtle Rock desarrolló, junto a Valve, uno de los juegos más icónicos de la historia para ordenadores: Left 4 Dead. El título planteó, dentro de la premisa de un apocalipsis zombie, un modo de juego basado en la unión de cuatro jugadores, para ir del punto A al punto B, acribillando a todo lo que se cruce en el camino. Sin ser conscientes plenamente de lo que estaban logrando, el equipo de Turtle Rock había cambiado las reglas del juego. Uno tras otro, muchos títulos han seguido utilizando este modo de juego, e incluso el propio equipo original presentó hace pocos meses un sucesor espiritual de la saga que lo empezó todo, con Back 4 Blood. En esta ocasión, el tema que nos concierne es GTFO, un título que se embebe de las características que hicieron triunfar este estilo de juego (cuatro jugadores, hordas de enemigos cuasi infinitas) y lo hace suyo dotándole de un estilo mucho más oscuro y perturbador. Bienvenidos al complejo, poneos cómodos, la visita no durará mucho tiempo.
El equipo sueco de 10 Chambers Collective, presenta con GTFO, una experiencia cooperativa para cuatro jugadores, en la que encarnaremos a un prisionero, que acaba de ser despertado de un proceso de hibernación por el Guardián, un ente cuyas motivaciones son desconocidas, que guiará a los reos a través del complejo, unas instalaciones abandonadas de un laboratorio, las cuales han quedado habitadas por todo tipo de desagradables y peligrosas criaturas, otrora humanos. Con una muy baja esperanza de vida, cumplir la misión que se nos encarga dependerá sobremanera de nuestra capacidad para cooperar, aprovechando la ventaja numérica de forma que los puntos flacos de un personaje queden cubiertos por los fuertes de otro. Al igual que en otros títulos del mismo estilo, las misiones consistirán en ir del punto A al punto B, cumpliendo los requisitos que se nos pida. Pero a diferencia de sus hermanos, GTFO presenta un elevado nivel de dificultad en todos sus aspectos, empezando por el mero desplazamiento. El complejo es un gran laberinto de túneles y niveles, complicando en todo momento el avance. De forma habitual tendremos que localizar algún objeto, el cual es importante para el Guardián, y será lo más parecido al viejo dicho de “encontrar una aguja en un pajar”. Cada una de las zonas, separadas por altura o profundidad, es enorme, y la cantidad de callejones sin salida y divergencias en los caminos puede abrumar.
Pero por suerte contamos con la guía de nuestro amo. Mediante una suerte de telepatía, el Guardián nos transmitirá información sobre donde encontrar nuestro objetivo, la posición de nuestros compañeros y datos acerca de nuestro estado de salud y la munición de nuestras armas, formando un HUD intradiegético. Junto a esta guía, se encuentran las terminales, una más de las pruebas acerca de la exigencia que el título pide al jugador. Utilizando las terminales, podremos acceder a información acerca de la posición de los objetos o las zonas que buscamos, pero para ello tendremos que saber como pedírselo. Y es que más que un entorno gráfico como los que acostumbramos a usar en nuestra vida, nos encontraremos frente a una consola de comandos, comandos que tendremos que aprender a escribir para poder comunicarnos con la máquina. Si bien es cierto que la variedad de estos no es muy elevada, es más que suficiente para cortar el paso al disfrute a una amplia gamma de jugadores, a los que eso de programar le suene a chino. Pero el juego no perdona, y cualquier habilidad será de gran estima en la contienda que nos espera. No obstante, no hay que olvidar que se trata de un juego cooperativo, de forma que, a la hora de formar un grupo, junto a las propias utilidades que cada tipo de jugador puede equiparse, también aparecen este tipo de competencias no registradas directamente. Y conocer al dedillo como se programa una terminal es una de ellas, pudiendo convertirte en el informático oficial del equipo, algo que aumenta la inmersión y el disfrute.
Como ya hemos comentado, los objetivos se basan en avanzar del punto A al punto B, y más allá de las dificultades nombradas, el peligro acecha en cada esquina. Y es que no estamos solos, todo el complejo se encuentra infestado de letales criaturas dispuestas a darnos matarile desde el momento en el que nos detecten, y no dudarán en llamar a sus amigas. De forma que es recomendable intentar afrontar cada situación con sigilo, pero siempre hay que estar preparado para que las cosas salgan mal, y un ejercito de criaturas infernales se dirija a toda velocidad hacia nosotros. Para lidiar con estas situaciones, el título presenta un arsenal no muy amplio, pero apto para todo tipo de circunstancias. Antes de empezar nuestra misión podremos equiparnos dos armas, como pistolas, fusiles, francotiradores o escopetas. Cada una de ellas será más práctica en una situación que en otra y merece la pena dedicar tiempo antes de comenzar a asegurarse que entre los integrantes del equipo están contempladas todas las opciones. La munición es escasa, y fallar un disparo es realmente fácil, pero el “gunplay” del juego es excelente. Abatir monstruos se siente muy bien, ya sea utilizando una pistola simple o destruyendo a tus adversarios con una escopeta, es una experiencia muy satisfactoria. Por cierto, cuidado con esto, puesto que es fácil entrar en un frenesí sangriento y olvidar que existe el fuego amigo, siendo este uno de los principales motivos por los que una misión se va al garete.
Un factor importante en este tipo de juegos es la rejugabilidad, y es que, si ya de por sí este estilo suele permitir grandes dosis de repetición sin resultar aburrido, cada pocos meses, todos los mapas cambian, creándose nuevas misiones que aseguran nuevas dosis de diversión, y aumentando la información que el título nos cuenta acerca de la historia del mismo. Historia la cual se muestra en muy pequeñas dosis, siendo tarea del espectador unirlas para entender que diantres está pasando.
En resumidas cuentas, GTFO, si bien lleva varios años de recorrido en acceso anticipado, ahora en su versión 1.0, es una de las sorpresas del año. Divertido, frenético y oscuro, no deja de ser uno de los títulos más exigentes de esta modalidad cooperativa. Si estás dispuesto a aprender las bases del juego, a cambio de morir unas cuantas (decenas de) veces, obtendrás un disfrute considerable. Creo que es uno de los juegos con los que mejor lo he pasado en los últimos años y no veo el momento de volver a introducirme en el complejo a jugarme la vida en pos de las órdenes del Guardián. Siendo su precio de 40 euros, es una compra recomendada, pero todavía más si podéis encontrarlo rebajado a la mitad de este, precio no tan descabellado teniendo en cuenta que las ofertas de navidad están a la vuelta de la esquina.
Una grata sorpresa. Estas son mis sensaciones después de haber jugado al título desarrollado por Prideful Sloth (estudio australiano fundado en 2015).
La historia nos sitúa en un mundo de fantasía llamado Alaria donde nuestro personaje debe, a través de la alquimia, devolver al Árbol Eterno a su estado original previo al marchitamiento. Para ello, debemos elegir previamente el género del mismo (hombre, mujer o no binario) para luego ir asignándole una serie de atributos físicos (tipo de cuerpo, cara, ojos, etc) entre las diferentes opciones predefinidas. Una vez hecha nuestra selección contaremos con la inestimable ayuda de dos curiosos “ayudantes” como son un libro mágico (Guía) y un alambique (Alambicus) que nos servirán de apoyo para poder resolver las diferentes tareas que se nos plantean e inclusive nos facilitarán una serie de herramientas para ir cumpliendo con diferentes misiones. Para poder movernos a lo largo de este vasto mundo tendremos la posibilidad de ir a lomos de una criatura alada (Kazumi).
Nuestra misión a lo largo de esta divertida aventura consiste en ir repoblando diferentes zonas eliminando las malas hierbas para así poder sembrar y generar nueva flora que atraiga a nuevos habitantes para que se asienten allí. También debemos ir obteniendo diferentes tipos de materiales para mejorar dichas zonas con nuevas edificaciones. A nivel jugable nos encontramos con un título muy amigable donde el personaje se desenvuelve de manera fluida y las interacciones con el entorno son dinámicas e invitan a disfrutarlo sin prisas pudiendo ir investigando poco a poco entre las diferentes opciones disponibles (y descubrir numerosas zonas ocultas).
Por lo que respecta al apartado sonoro nos encontramos ante una serie de melodías que encajan perfectamente y nos permiten sumergirnos en este mundo de fantasía que se nos plantea. Un detalle muy positivo es que el juego está traducido al castellano.
A nivel gráfico cabe resaltar su estilo cartoon con una amplia variedad de colores logrando que visualmente nos encontremos ante uno de los títulos más atractivos que he podido jugar recientemente en la portátil de Nintendo. Por todo lo indicado en los apartados previos puedo aseguraros que nos encontramos ante una aventura variada con múltiples opciones disponibles que debe disfrutarse sin prisa, saborear las melodías que nos acompañan y dejarnos llevar por este mundo fantástico que se nos presenta delante de nuestros ojos. Este juego adolece de algunos fallos técnicos moderados (tiempos de carga excesivos entre misiones y caídas puntuales de frames en determinadas zonas) pero eso no hace que el conjunto luzca de manera muy positiva. Os recomiendo su compra para poder haceros más llevaderas las frías tardes que están por llegar.
Espero que os haya gustado este análisis y nos vemos pronto en La Butaca Web.
Es probable que la tercera parte de la nueva saga del arácnido sea el boom mas grande de la era pandemia. Lo sorprendente de ésto es la forma en la que la película se promociono, bah, la forma en la que, justamente, NO se promociono. La campana publicitaria estuvo lisa y llanamente construida por los fanáticos, con sus teorías, sus memes y sus espectativas, la promoción del film se construyó sóla. No soy gran fan de las dos películas individuales previas (HOMECOMING y FAR FROM HOME), tienen ciertos enfoques creativos, como los team up comiqueros con otros personajes del MCU (Tony Stark en la primera y Nick Fury en la segunda) o el carisma tontolon de Tom Holland como Peter Parker, pero el apartado visual, la carencia de drama y los personajes secundarios tiraban para abajo mis ganas de seguir con ésta saga. También tengo en cuenta que tuvimos en la década del 2000 la trilogía SPIDER-MAN del maestro Sam Raimi, la cual nos dejo la vara muy alta con respecto a lo que podemos esperar del personaje en el ámbito del séptimo arte. Con unos villanos, lineas y planos memorables se convirtió en un hito, un clásico moderno. Posterior a esto tuvimos las de AMAZING SPIDER-MAN dirigidas por Marc Webb, reinterpretación que paso media desapercibida al punto de ni siquiera haber concretado una trilogía. La calidad fue buena y Andrew Garfield es probablemente el actor mas carismático que haya encarnado al trepamuros, pero eso no basto y todo el universo que pleaneaba Sony, titular de los derechos cinematográficos del amigable vecino, se vino abajo cuando Disney negoció con la empresa un trato que prendió fuego años de memes centrados en Spidey excluido de los Avengers, presentando una nueva encarnación del héroe en CAPTAIN AMERICA: CIVIL WAR. Y como si ésto fuera poco se mandaron la galardonada SPIDER-MAN: INTO THE SPIDER-VERSE, centrada en Miles Morales, el sucesor de Peter Parker. En ésta se exploro el concepto de multiverso arácnido, que ya venía agarrando fuerza desde hace algunos años gracias a videojuegos y arcos comiqueros.
Tengo la teoría de que las primeras dos películas de la época Holland fueron flojas intencionalmente, todo a fin de que la tercera genere en los fanáticos una cálida experiencia basada en expectativas bajas. Les confieso que vi NO WAY HOME con mucho cuidado, teniendo en cuenta esto que les menciono a fin de no caer en la trampa de la nostalgia inducida. El hype en masa es peligroso, llevó a gente decir que el Thanos de Infinity War es una adaptación leal a los cómics y a afirmar que es una de las mejores películas de la historia y la mejor del subgenero de superhéroes (el podio, en lo que a mí respecta, lo tiene, justamente, SPIDER-MAN 2 de Sam Raimi), no obstante puedo afirmar que la película que protagoniza ésta reseña es un fan service benigno y amoroso hacía el fandom del cabeza de red. No obstante les aviso que es un homenaje para los seguidores del personaje en el ámbitos cinematográfico, ya que de los cómics solo hayamos destellos y ni siquiera destellos basados en obras que ni siquiera fueron bien recibidas en su momento.
La historia sigue a Peter Parker (Tom Holland) siendo perseguido tras haber sido expuesto por Mysterio al final de la película anterior, quien falsificó pruebas en contra del arácnido haciéndolo quedar como un asesino despiadado. Ahora todo el planeta sabe que él es Spider-Man, generando en él mismo y en sus amigos, MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon) una ecatombe personal que lleva a nuestro héroe a pedirle al hechiero supremo Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) que genere un hechizo capaz de devolverlo al anonimato, pero claro que las cosas salen para el traste y los enemigos de otros Spider-Men del multiverso caen en el MCU a hacer estragos.
Es muy difícil saber que es lo que ustedes consideran spoilers y que no. El hecho de que me cueste hablar de la película porque TODO es spoiler habla del contenido vacío de la misma. Hablando de los aspectos técnicos, como lo visual o lo artístico la película evoluciona mucho con respecto a sus predecesoras. Tenemos escenas muy bien logradas, con planos secuencias de mucha calidad y los personajes secundarios por primera vez se lucen, se sienten reales. A nivel actoral a todos se los nota mucho mas preparados y la película en sí se siente mucho mas seria, la primera mitad es muy Marvel Studios, mientras que la segunda tiene una onda mas Sony permitiendo al director Jon Watts llevar a los Protagonistas a situaciones de extrema oscuridad. Sigo sorprendido con la crudeza y dramatismo de algunas escenas, en mas de una vez sentí nudo en la garganta y todo en momentos que tienen como centrales a Tom Holland o a la Tia Milf, digo May, de Marisa Tomei. La justificación de porque los villanos del universo Raimi y el universo Webb caen al MCU es poco sólida, se entiende, pero hasta ahí, aunque la realidad es que no importa, el fan service de la película tiene como motor explorar lo que significa ser SPIDER-MAN, siendo pieza clave en la evolución del personaje. Me voy a limitar a hablar de Alfred Molina, Willem Dafoe y Jaime Foxx, quienes son los únicos actores oficialmente blanqueados. Me frustró un poco ver al Doc Ock rejuvenecido por CGI, un actor como Molina tendría que haber tenido su rostro real luciendose como el interprete de teatro puro que es, esa onda gráficos de Playstation 4 me distrajeron bastante, pero la presencia del personaje en escena no pasa de moda y, a pesar de no ser NI AHÍ lo que fue en su momento, se sigue sintiendo real. Foxx se redime como Max Dillon, A.K.A Electro, quien tuvo un paso bastante errante en THE AMAZING SPIDER-MAN 2, permitiendole acá ser el alivio cómico de los villanos multidimensionales alcanzando la redención que tanto quería el actor. Ahora quiero hablar de Willem Dafoe, la verdadera estrella de la película. El actor es un caso muy raro, ya que queda desnucado con el universo planteado por ser DEMASIADO BUENO, su actuación es terrorífica, da lo mejor que puede y se le nota disfrute en volver a ser Norman Osborn y su alter ego El Duende Verde. El personaje no se adapta a la moda family friendly de Disney, es literalmente el villano mas violento que vimos en mucho tiempo. Sus motivaciones son pura maldad, las gesticulaciónes del actor dejan en claro que no necesita máscara ni prótesis para ser el único Duende Verde del cine.
Si, de todos modos hay problemas. La primera mitad de la película se siente perezosa a nivel narrarivo. Si bien la dirección de Jon Watts resulto ser inesperadamente genial la forma en la que la historia se cuenta se pierde en lo ilógico, desaprovechando posibilidades infinitas de ver a Spiderman en situaciones nuevas. Una película sobre Peter Parker siendo acusado de asesinato hubiese sido mas que suficiente para brindarle al personaje una evolución solida, pero el estudio decidió en volcarse a la nueva amiga de Hollywood, la nostalgia. La segunda mitad toma mucha mas forma, se vuelve oscura y los recursos utilizados, como mencione mas arriba, se alinean con la construcción del protagonista y, por primera vez en la franquicia Holland, se siente que el pibe que no es el mismo.
SPIDER-MAN: NO WAY HOME es una carta de amor tóxico y manipulador para los fans, una carta redactada muy bien y con muchos dibujitos de colores … Una carta de amor llena de recuerdos alterados y flasheadas megalomaniacas de las cuales atesoraria con mucho afecto.
El Teatro Astral se llenó de gala este pasado domingo con la presencia del grupo NOIALTRI. Dos horas de concierto lírico cuyo repertorio recorrió temas de Cerati, Gloria Estefan, musicales como La novicia rebelde y Les Miserables y por supuesto, lo más importante: La ópera pop italiana.
Noialtri se trata de un conjunto conformado por el barítono Nicolás Manservigi y los tenores Javier Suárez y Juan Plante, que nace tras una búsqueda de talentos por el país y esta oportunidad contará con la incorporación del tenor y finalista del exitoso ciclo televisivo “La Voz” (Telefe), Ignacio Sagalá.
La euforia del público estuvo desde el momento uno cuando el trío inicial comenzó a cantar la famosa canzonetta ‘Caruso (Ti Voglio Bene)’ la cual artistas como Bocelli han reversionado. Los aplausos no pararon, el público pedía más y más. Este grupo es una especie de Il Volo o Il Divo argentino. Con frescura y jovialidad, se desenvolvieron en el escenario. Ignacio Sagalá fue la incorporación posterior, el público del astral se paró aplaudiendo para recibirlo. Con su guitarra interpretó las canciones que dio en su participación La Voz Argentina.
Los cuatro en el escenario son una bomba cuya onda llegará más allá del astral hacia toda calle corrientes.La energía que transmiten es inigualable, todo esto es gracias al entrenamiento de su coach vocal, la soprano Maia Barrio. Diego Rolón, Maylen Myskow, Ricardo Baez y Alejandro Cattaneo forman parte de la banda en vivo Piano, violín, bajo y batería servirán para dar música a estos integrantes líricos.
Al terminar el show, el grupo Noialtri dio una yapa y cerró el telón, pero la emoción del público fue mayor que insistieron en más canciones, así que volvieron. Esto demuestra la llegada y alegría que transmitieron hacia los espectadores.
Considero que el mayor desafío para un director es hacer toda su película en un plano secuencia. Estos resultan un ardúo trabajo de ingeniería y coordinación donde el guión debe someterse a las limitaciones de la fotografía, por lo que no se pueden establecer pasos en el tiempo ni trasladarse a otra ciudad, todo esto involucra también a los actores quienes deben ensayar tal y cual estuviesen en una obra de teatro sin los entreactos dramaturgos.
El plano secuencia es lo llamativo de la nueva película de Who la cual Juana Viale y Laura Novoa protagonizan junto a Pablo Mónaco, Esteban Bigliardi, María Soldi, Fabián Arenillas, Camila Peralta, Ariel Gigena, Ernesto Mischel, Marcos Woinski, Agustina Rudi, Gabriela Lerner, y Joselo Bella en el reparto.
»Este atrapante thriller cuenta la historia de Claudia (Juana Viale), quien se presenta en un bar para conocer a Luis (Pablo Mónaco), un médico que la contactó a través de una aplicación de citas. Claudia no se imagina lo que el destino le tiene preparado. Un secuestro que termina con una muerte inevitable, pero a la vez impredecible. Una historia de venganza, suspenso, y giros sorprendentes hasta el último segundo, narrada en un único plano secuencia». Es cómo Who describe su película.
Causalidad es un thriller indescifrable pues no hay pistas narrativas al suceder todo en tiempo real, no se sabe muy bien cuál será el desenlace o porqué, el hecho de que haya sido un plano secuencia sin cortes (reiterando este aspecto), lo hace destacable y aplaudible para poder coordinar la trama en una sola toma.
La historia de Causalidad no es nueva ni tampoco impactante. La cámara en mano tiende a marear y se pierde la estética que pudo tener al no acondicionar mejor la iluminación, paleta de colores y focos. La historia coge fuerza ya hacia mitad cuando ya sabemos hacia dónde se dirige, aunque el giro de tuerca del final no se espera, no convence en la ejecución del mismo.
Las actuaciones de Causalidad no son perfectas, pudo ser mejor el trabajo actoral sin embargo el esfuerzo de someterse a rodar dos horas de película en una toma, contando que si hay un error se debe grabar todo de vuelta, destaca las interpretaciones.
Causalidad es un thriller eficiente pero no sorprendente que se sostiene con los pocos recursos que tiene para contar una historia en una toma.
Hay infinidad de historias que a pesar de estar documentadas, no trascienden en la memoria colectiva, permanecen guardadas hasta que son difundidas, convertidas en obras o filmes, ¿Qué nos hace valientes para sobrevivir ante la mayor de las adversidades? Aquellas historias de naufragio y supervivencia causan fascinación, lo que si no sabía era sobre la aventura de los 28 marineros en la Expedición Imperial Transantártica (1914-1917), también conocida como Expedición Endurance.
»Basada en una historia real. En 1914 una expedición se pierde en la Antártida, su barco queda atrapado en el hielo. Son 28 hombres de distintas nacionalidades que en un ejemplar acto de fe luchan por sobrevivir en el clima más hostil con temperaturas por debajo de los 20 y 30 grados bajo cero durante largos meses en la más absoluta oscuridad, muertos de hambre y rodeados por el mar más peligroso del planeta. Quedan atrapados en el hielo hasta fines de 1916.» Silvia Copello es la autora y narradora de esta increíble historia, a su vez se basa en el libro SUR, relato de la expedición del Endurance de Ernest Shackleton (1920).
Copello narra esta historia con un magnetismo increíble, aporta una experiencia y sentimiento personal y nos transporta hacia el hielo, nos hace imaginar que estamos allí sobreviviendo bajo las duras condiciones, en el Sur del Sur pero con un grupo muy unido que quiere sobrevivir. Fernanda Gomez es quien dirige esta sencilla pero conmovedora obra. En un reducido espacio con cubos blancos y fotoproyecciones a cargo de Mariano Pozzi, Copello pone el cuerpo y voz. En su labor de narradora o cuentacuentos, el espectador queda atrapado en su magia.
Al salir de sala quedamos con ganas de más, de investigar sobre esta increíble historia real, quedamos también con la voz de Copello y su relato de amor hacia el hielo. 28 almas en el hielo está disponible para este último sábado 18. En el Teatro del pasillo (Colombres 35) a las 20 horas. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
La Butaca Web 