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En el Teatro Animal, de estilo rústico, rediseñado a partir de la estructura de una casa antigua en un rincón de Almagro, se presenta una vez cada algún tiempo la obra Bocetos. Ambiente muy tranquilo, con oferta de tragos y porciones de pizza entre otras consumiciones, nos reciben a los asistentes en el patio pintoresco que precede a la sala. Con todos los protocolos correspondientes, nos ubican antes de que comience la función, distribuyéndonos en las sillas que están estratégicamente repartidas en torno al escenario.
Cuatro actrices, tres de ellas representando las obras de arte vivas en un museo peculiar en que los personajes despiertan para contar su historia. La participación de la presentadora funciona como hilo conductor a través del resto de las intervenciones, con una interacción directa al público. Con momentos filosóficos y delirantes, nos guía para enfrentarnos a las intérpretes. Los monólogos de cada una van desde lo humorístico y bizarro hasta el drama profundo.
Se percibe, desde mi punto de vista, una gran creatividad detrás de cada narración, con propuestas, ideas y exploraciones corporales y verbales auténticas y muy particulares de cada una de las actrices, además del divertido final en el que las cuatro se unen para una misma puesta en escena de cierre.
Además del sonido y luces elegidos adecuadamente a cada momento, quiero destacar sobre todo el maquillaje y vestuarios que facilitan al espectador conectar con la invitación a la experiencia. La duración de la obra personalmente me resultó perfecta para lo que implica.
Puedo decir muy segura que se trata de una obra divertida, interesante y medida justamente para el entretenimiento de cualquier tipo de espectador. Conocer las obras artísticas es un plus para comprender el origen de los relatos. Para finalizar, recomiendo y me entusiasmo con el anuncio de una nueva función de Bocetos el día 16 de octubre a las 20 horas, esta vez con la renovación de los monólogos.
El viernes me traje un helecho del trabajo, con entusiasmo lo colgué en el patio interno de casa. Lo que nunca pude haber imaginado es que esta planta podría ser milagrosa, todo esto luego de ver la obra ELHECHO.
Siguiendo con la retrospectiva de la actriz, autora, directora teatral Mariana Chaud (de la cual hice reseña de Ubú Patagónico, obra que pertenece a esta retrospectiva), ELHECHO es una de las puestas en escena más originales, absurdas y divertidas que he visto.
Un helecho comienza a filosofar sobre su vida y las personas que lo rodean, estático un lugar donde poca luz le llega, dentro de una iglesia donde un sacerdote pierde la cordura e intenta comprobar la existencia científica de Dios, una mujer sumamente inocente y utilizada por todos los personajes, descubrirá los secretos milagrosos de este helecho. Al menos esta es la trama de la obra de dentro de una obra.
Ximena Banús, Santiago Gobernori, Walter Jakob, Laura López Moyano, Lalo Rotavería forman parte de esta alocada trama donde un grupo de actores ensaya una pésima obra que posiblemente jamás se monte, mediante musicales, momentos irrisorios, ridículos y exagerados, la cuarta pared no se rompe del todo aunque tiene la tentativa de hacerlo.
La escenografía de Ariel Vaccaro es meticulosa al recrear esta sala de estar eclesiástica. La música original de Gabriel Barredo junto a la coreografía de Luciana Acuña aporta el clímax de la obra y levanta el júbilo de los espectadores. Elhecho es una obra popular muy amena, la retrospectiva de Mariana Chaud es original, experimental y desafiante, se vuelve un teatro anti teatro donde lo absurdo, lo sin sentido y lo ridículo cobran forma. Esta obra seguramente hará que veas a tu helecho de forma distinta.
Elhecho está disponible de jueves a domingo a las 20 horas en el Teatro Sarmiento (Av. Sarmiento 2715 al lado del Ecoparque) Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Next Stage da un paso más y nos trae un genial hack’n’slash.
Es fascinante ver cómo estudios pequeños consiguen construir un mundo así de interesante y lanzarlo al combate contra los grandes del género.
Age y su destino
Como suele pasar en este tipo de juegos cuando provienen de estudios pequeños, la historia se queda como algo totalmente secundario que sirve simplemente para ir presentándonos enemigos y habilidades nuevas.
Age lucha contra el tiempo pues al iniciar el juego se nos informará de que nos quedan 7 días de vida. Así, nuestro protagonista se lanza a la aventura en busca de un artefacto que evitará la extinción humana y, por supuesto, su muerte.
Pero no estamos solos en esta hazaña, nos acompaña un robotito llamado Helvis que, aunque no nos ayuda demasiado, sí cuenta con ciertas habilidades que nos vendrán muy bien. Ciertamente este aspecto unido al mundo postapocalíptico en el que nos encontramos me recordó a Nier: Autómata, aunque guardando las distancias.
Combate frenético
Si destaca por algo Ultra Age es sin duda alguna por su combate. Un abanico de combos se entrelaza con la variedad de armas de que dispone Age, nuestro protagonista, para fundirse en un combate exquisito.
Las armas consisten en diferentes espadas creadas con cristales que conseguimos por el mundo y que contendrán unas habilidades diferentes que serán el counter perfecto para unos u otros enemigos.
Es cierto que me pareció algo escaso el número de combos disponible, pero según avanzas en el juego y manejas varias armas contra los enemigos te das cuenta de que las peleas serán lo mejor de todo el juego.
La jugabilidad es este aspecto es muy fluida y da como resultado un combate frenético, aunque permitiendo en todo momento saber qué estamos haciendo e incluso realizar cambios de enfoque en mitad de un ataque mientras saltamos sobre nuestro enemigo. Una auténtica pasada.
Armas y habilidades
Aunque no suele ser del todo habitual (o solía) tener un sistema de desarrollo de personaje en este género, aquí lo han introducido de manera más o menos aceptable.
Podemos mejorar las armas, a Helvis o a nuestro personaje. Podremos mejorar el daño que hace cada arma o según qué ataques mientras que también tendremos la posibilidad de mejorar las cuatro habilidades de Helvis.
No hay mucho que mejorar a pesar de tener varias armas con diferentes habilidades. Echo de menos una evolución real del personaje que nos indique que vamos por el buen camino leveando de forma que podremos hacer frente a lo que se nos viene sin problema.
Y es que este es un gran problema que veo pues la curva de dificultad es ridículamente extraña. Habrá ocasiones en las que los enemigos menores nos resulten un paseo y otras en las que nos cueste muchísimo avanzar si no estamos hechos a este género.
Además, destaco de manera negativa lo dispersos que están los puntos de control en el juego que harán que se alargue de manera innecesaria por la obligatoriedad de repetir zonas para volver al punto donde morimos.
Un gran mundo completamente vacío
Otro punto negativo del juego es que, aunque se ve bien, no llega a hacerle frente a los juegos con los que comparte espacio en el mercado. Si a esto le sumamos que no aporta nada nuevo en cuanto a los escenarios o los enemigos, tenemos un juego que se nos queda justo en lo que para mí es uno de los grandes apartados.
Un mundo postapocalíptico que como digo recuerda a Nier: Autómata, pero sin llegar a hacernos sentir ese desagarro sumamos poca variedad en los enemigos consistiendo en un puñado de robots y bestias cuadrúpedas que nos atacan sin ton ni son. Destacar aquí que, si bien la BSO no es nada del otro mundo, sí destaca en los combates con temas bastante movidos que despuntan frente a la tranquilidad del resto del juego. Y sí, hablo de tranquilidad puesto que a pesar de ser un mundo que aparentemente se ve bastante grande, está completamente vacío. Avanzamos por un pasillo para llegar a una zona más amplia donde no siempre habrá algo que explorar o matar
Conclusiones
Ultra Age es una grata sorpresa proveniente de un pequeño estudio. Teniendo eso en cuenta es un juego muy recomendable, pero debemos ser conscientes de que no tenemos ante nosotros un Devil May Cry o el nuevo Bayonetta. Es un juego justito que creo que debería haber salido a un precio reducido para poder competir de algún modo con los pesos pesados del género. Su escasa duración y variedad hacen que al final te deje un sabor algo amargo a pesar de que como digo el combate termina por ser exquisito (que realmente es lo interesante en estos juegos).
No obstante, y aunque queda un largo recorrido que llevar a cabo para poder estar a la altura de sus compañeros, Ultra Age me ha resultado interesante y divertido.
12 años después del lanzamiento de uno de los juegos más populares del mundo, League of Legends, Riot Games se prepara para lanzar Arcane, su primera serie de animación basada en el universo de Runaterra, que llegará el próximo 7 de noviembre a Netflix.
Arcane está distribuida en tres actos de tres capítulos cada uno. Los tres primeros episodios centrados en los inicios de las dos hermanas protagonistas, Vi y Jinx, se estrenarán el 7 de noviembre. El segundo acto estará disponible una semana después, el 13 de noviembre, mientras que el tercero se podrá ver a partir del 20 de noviembre.
Basada en el universo de League of Legends, Arcane profundiza en la delicada balanza que existe entre la rica ciudad de Piltover y el sórdido distrito de Zaun. Conocida en Runaterra como la “ciudad del progreso”, muchas mentes brillantes llaman a esta ciudad hogar. Sin embargo, la creación de hextech, la forma con la que cualquiera puede controlar la energía mágica, pone en riesgo este equilibrio.
Aunque Arcane cuenta el pasado de los campeones de League of Legends, la serie se ha creado para que pueda ser independiente, con un mundo complejo repleto de decisiones morales, una animación increíble y una historia de lo más interesante.
“Cuando iniciamos la producción de Arcane, sabíamos que teníamos algo muy especial con la historia de Jinx y Vi entre manos. Queríamos explorar la idea de hasta dónde somos capaces de llegar por la familia, los valores a los que renunciaríamos y el conflicto interno que nos supondría. La historia, combinada con un estilo artístico pintado a mano y la sutil animación de los personajes que creamos en colaboración con Fortiche, proporcionará a los jugadores una primera impresión del mundo de League of Legends con todo lujo de detalles”, afirma Christian Linke, cocreador de Arcane.
A los jugadores les sonarán varios personajes de Arcane, como Jinx, Vi, Jayce y Caitlyn, y descubrirán los sucesos que los llevaron a convertirse en los emblemáticos personajes que conocemos hoy día conforme avanzan sus historias. Además, también conocerán a otros personajes nuevos, como Vander y Silco, ciudadanos de Zaun, que tendrán un papel muy importante a la hora de darle forma a este mundo cambiante.
“Arcane cuenta una historia sobre la dualidad. Los personajes se dividirán en dos mitades de una ciudad con valores y oportunidades que, a pesar de ser opuestos, se complementan entre sí. Cada bando tiene sus cosas buenas y malas. Es posible que seáis los héroes de vuestra historia, pero los villanos de la historia de otra persona”, explica Alex Yee, cocreador de Arcane.
Los campeones que aparecen en Arcane son aquellos que han enamorado a los jugadores en los títulos de Riot durante estos años. Les resultarán familiares a los jugadores, pero tendrán ciertas diferencias al ser adaptados al formato de una serie de televisión.
La serie explorará los extremos a los que llegarán los personajes cuando la familia y la tradición se enfrenten a sus principios y creencias. Sus problemas personales influyen como jamás habrían imaginado en el mundo en el que viven y dan forma al futuro de las ciudades hermanas.
“Los jugadores de todo el mundo aman League of Legends y su universo. Su pasión es lo que nos inspira a crear nuevo contenido sobre Runaterra. El lanzamiento de Arcane marca el comienzo del siguiente capítulo de Riot y estamos deseando que los jugadores vean lo que tenemos preparado en diferentes juegos, contenido multimedia y deportes”, destaca Nicolo Laurent, CEO de Riot Games. “Queremos que los jugadores sean el centro de esta increíble experiencia de lanzamiento. Worlds y Arcane se combinarán en una celebración global, de espíritu competitivo, entretenimiento y comunidad. Pensad en ello como un increíble fin de semana para los jugadores”.
A principios de esta semana, Riot anunció los actores de doblaje a nivel mundial para Arcane. Aquí se pueden ver algunas de las voces en inglés:
No son pocos los videojuegos que nos plantean mundos alternativos, donde la magia, o el estilo steampunk se hace presente. Pero al menos quien les habla, casi no recuerda uno donde el azar y los dados sean claves para la trama; sin estar hablando de algo relacionado a un casino o similares. Así que prepárense para nuestra review de Lost in random.
El juego nos transporta a un mundo donde todo se rige por la ludopatía. Viviendo en un enorme reino, cada estado representa una de las caras de un dado; con sus habitantes y conflictos acorde a ese número. Nosotros somos una chica llamada Par, que ve como su hermana llamada Impar, es elegida por la Reina para vivir en el mayor y supuesto mejor de los estados. Pero Par sospecha que algo no anda bien, y decide embarcarse en la misión de rescatarla.
Pese a que estamos ante una producción independiente, el juego se siente bastante arriesgado. Esto se nota, sobre todo, en cómo se ve el mundo donde transcurre nuestra historia. Y es que pareciera que Tim Burton estuvo a cargo del diseño de arte de cada uno de lo estados donde nos moveremos. Si bien en los lugareños no se puso tanta imaginación, en los decorados y los personajes claves de la trama, podríamos decir que estamos ante un cruce entre Alicia en el país de las maravillas con Coraline.
Pero las particularidades no terminan ahí; ya que, para poder avanzar en el juego, tendremos que ir formando un maso de cartas que será clave en varios momentos, así como también, deberemos aprender las reglas de un juego de dados; llevando al máximo el espíritu de ludopatía que nos presenta Lost in random. Aunque si vale aclarar que una vez que le agarramos el chiste a esta mecánica, puede tornarse bastante monótona.
Pero esto no le resta merito a un juego que tampoco pretender ser la renovación de su medio. Viniendo de un estudio independiente, lo logrado a nivel artístico por Lost in random, debería conseguirle alguna nominación en este apartado en las próximas premiaciones a videojuegos.
7.5/10
Lo mejor: el apartado visual, interesante dinámica entre cartas y dados…
Lo peor: … que por desgracia se puede tornarse repetitiva.
No hay etapa más documentada que la adolescencia. Son toneladas de series, libros y películas que nos muestran el duro paso de la niñez a la adultez.Si bien muchas son representaciones idílicas, descontextualizadas y pop; hay muchos directores que desafían esta norma y nos muestran relatos más intimistas.
Si he de contar las representaciones realistas (que yo considero) sobre la adolescencia, lo cierto es que mis recuerdos siempre remiten al cine estadounidense, incluso estando en Buenos Aires solo podría pensar en dramas que ocurren acá. Karnawal nos lleva al norte en Jujuy, donde el Malambo es uno de los protagonistas. Cabra (Martin Lopez Lacci) es un adolescente metido en problemas cuya única convicción es competir y llegar al festival nacional de Malambo. En un entorno familiar difícil y en un ambiente polvoriento en la puna, este personaje usará el zapateo para escapar de su realidad, no obstante la llegada de su padre biológico (el gran Alfredo Castro) redefinirá las cosas.
Karnawal juega entre el drama familiar, el thriller y el drama de superación, en instantes es tensa y en otros se vuelve encantadora a medias, hay una fuerza increíble que transmite Lopez Nacci en sus escenas en solitario durante el baile, también cierta inocencia con la relación que establece su personaje con el de Alfredo Castro.
El personaje de Castro en este filme la hace remarcable, la ambivalencia entre la protección y violencia que ejerce, destaca un carácter con un destino ya marcado y que no puede formar parte del presente de Cabra. La relación entre ambos no existe pero se intenta reconstruir, el reflejo padre- hijo se vuelve difuso. Karnawal también es un road movie pues varias de las aventuras ocurren en las carreteras jujeñas. La representación del carnaval juyeño- boliviano la hace interesante pues le agrega color a una historia que no se define del todo en su estilo.
Juan Pablo Félix es el director y guionista de esta obra, su visión nos hace entrar en una atmósfera donde el polvo, el calor y las noches carnavalescas pero sombrías envuelven a estos personajes. El diálogo es preciso y no da muchas resoluciones a la trama pues el objetivo es llegar hacia el cometido del protagonista, así que los trasfondos quedarán a cargo de nosotros.
Karnawal estrena este 23 de septiembre en Argentina.
La carrera de Clint sigue en auge. A el no lo detiene la pandemia, ni la competencia, ni sus 91 años. El tipo no solo protagoniza éste hermoso viaje de autodescubrimiento, sino que también lo dirige!
La historia sigue a Mike Milo (Eastwood), un duro ranchero y domador de caballos que se encuentra en el ocaso de su vida. Tras ser despedido por su edad y su áspera actitud este macho cabrio accede a ayudar a un amigo de guita a traer de México a su conflictivo hijo Rafa, interpretado brillantemente por Eduardo Minet. En el viaje, nuestro heroe, va descubriendo que nunca es tarde para volver a vivir.
Basada en la novela homónima de N. Richard Nash la película se pensó en un principio para que Arnold Schwarzenegger la protagonice, pero el plan se vino abajo y llamaron a Clint, el macho definitivo, para que se haga con el rol principal de ésta idea que le viene al actor como anillo al dedo teniendo en cuenta los paralelismos entre la vida del protagonista y la carrera del interprete/director.
La película se la roba Eduardo Minet como Rafa, haciendo de contrapeso con Mike Miko. Me parece muy copado ver a Clint actuar y dirigir a tan alta edad, si bien su edad se nota y hasta tuvo que tenerse en cuenta en las escenas agitadas de la película, el tipo se sigue viendo convincente en camara.
CRY MACHO es una película que intenta dar un mensaje optimista, sin pinchar donde duele.
Una de las maravillas del teatro son los recursos con que maneja con el tiempo, no siempre son lineales ni tampoco los argumentos, es interesante cuando se encuentran obras impredecibles e inquietantes.
La tragedia de Sófocles »Edipo», ha estado muy presente en el teatro actual, en sus distintas reversiones, los dramas familiares han sucumbido en oscuridad dramatúrgica, esta vez Edipo está en Ezeiza o al menos es lo que creemos.
»En los restos fragmentados de un paisaje nacional que varía a cada momento, la familia se somete a feroces interrogatorios con el fin de descubrir al traidor disfrazado, al enemigo infiltrado. A más de un metro no se ve nada. El padre, la madre y el hijo son versiones incompletas y afásicas de un proyecto colectivo que se ha frustrado. Desde el picnic de Ezeiza las identidades familiares se han trastocado y ya no es posible afirmar una causa común ni una dirección. La lucha continúa por otros medios en un plano de realidad inenarrable. » Es la sinopsis de la obra escrita y dirigida por Pompeyo Audivert.
Edipo en Ezeiza juega a la confusión, nos adentramos en este laberinto argumental que en instantes se vuelve perturbador y exasperante, siendo las dosis de comedia y los rompimientos de la cuarta pared lo que la hace una buena elección.
La obra de Audivert parece haber sido sacada del sueño de un sueño o más bien una pesadilla, pero el lenguaje no es onírico, a medida que vamos transitando encajaremos las piezas para armar.
Francisco Bertín, Hugo Cardozo y Julieta Carrera son los actores que interpretarán a esta trastornada familia que se encuentra en una realidad distorsionada donde los hechos no son los ciertos sino los que ocurren entremedio. La fuerza del personaje de Carrera durante un monólogo en especial hizo que el público (y yo) aplaudiera cuando este terminó.
Edipo en Ezeiza es una confusión hilarante y ambivalente que hará que riamos pero también indaguemos en lo que sucede. No hay mejor cosa cuando el teatro nos hace juego mentales.
Edipo en Ezeiza está disponible los domingo a las 16 horas en el Teatro Picadero (Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857) Escribió Sebastián Arismendi para la Butaca Web.
Hace 53 años se estrenó en el circuito Off- Broadway Los chicos de la banda de Mart Crowley, show intimista e innovador para el teatro estadounidense, siendo uno de los mayores éxitos independientes que a su vez tuvo su adaptación en 1970 por William Friedkin, un par de años después de su estreno se realizaron adaptaciones en hispanoamérica, en Argentina en 1972 pero solo duró dos días, luego vendrían las dictaduras en el cono sur y las guerras civiles en centroamérica. Conflictos que harían difícil poner en escena esta obra.
Hoy el panorama es distinto al menos acá. Bajo el nombre »La fiesta de los chicos» se estrena la adaptación argentina de este clásico, esto es gracias a la leyenda viva de Ricky Pashkus.
»Michael organiza en su departamento la fiesta de cumpleaños de su amigo Harold. Están invitados otros amigos gays del homenajeado, irrumpe un «cowboy» como regalo sorpresa y llega una visita inesperada, un viejo compañero de la universidad que siempre se ha proclamado heterosexual. A medida que avanza la noche y el consumo de alcohol se acelera, van aflorando los resentimientos no resueltos entre los invitados. Los conflictos escalan aún más cuando Michael propone un juego de la «verdad», que terminará terriblemente mal. » Es la sinopsis de la obra de Mart Crowley, la cual es adaptada por Fernando Masllorens y Federico González del Pino.
Fer Dente, Nicolá Di Pace, Tomás Fonzi, Tupac Larriera, Nicolás Riera, Alfredo Staffolani, Agustín Suárez, Sergui Surraco y Manu Victoria forman parte del elenco de esta obra. Este grupo de nueve actores harán parte de los invitados de esta fiesta donde más allá de celebrar, los comentarios filosos y revelaciones provocarán tensiones y distancias.
La fiesta de los chicos (Los chicos de la banda) es un clásico que aún sigue vigente, de hecho hace un año se estrenó el remake de la película en Netflix dirigida por Joe Mantello..Los temas que trata dentro de la comunidad homosexual en Estados Unidos durante fines de los sesenta no están desfasados, siguen estando muy presentes y en el mundo occidental.
La escenografía de Mariana Tirantte es meticulosa y atrapante, siendo el color fucsia el que predomina en todo su decorado, lo cual hace del escenario un lugar apacible pero que refleja la artificialidad del protagonista.
Fer Dente es la estrella de la obra, su papel es venenoso y sagaz, pero sin duda Nicolás Di Pace es quien da el humor necesario para romper tensiones en la trama.
La fiesta de los chicos es un relato intimista y reflexivo, el cual nos hace replantear el cómo llevamos nuestras relaciones interpersonales y el alcance de nuestros comentarios sobre los demás. Qué está permitido decir y qué es mejor callarse. Hay que llevar la fiesta en paz y no sonar la cascabel.
La fiesta de los chicos está disponible los viernes (21:30), sábados (22:00) y domingos (20:00) en el Teatro Astral (Av. Corrientes 1639). Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
Más allá de la historia oficial que aprendemos en clase, nos perdemos de anécdotas que los historiadores no quisieron documentar, quizá porque no tenían un valor patriota, pero forman parte de la formación de nuestros pueblos. Entre esos hechos puedo señalar las historias de amor.
Por suerte hay dos hechos históricos románticos que están documentados: Camila O’Gorman y el sacerdote Ladislao Gutiérrez durante el gobierno de Juan Manuel de Rosas en Buenos Aires, en la primera mitad del siglo XIX. La segunda es la del Indio Bamba y Maria Magdalena (hija de un importante hacendado cordobés a mitad del siglo XIX). Lamentablemente ambas historias tuvieron finales trágicos. Los romances secretos y no aceptados por la sociedad, son condenados.
Las cautivas es la nueva obra de Mariano Tenconi Blanco, la misma es parte de la saga europea: Las cautivas, Las Ciencias Naturales, Las Invasiones Inglesas y Las traducciones, que se estrenarán en las diferentes salas del Complejo Teatral de Buenos Aires.
La compañía Teatro Futuro nos ofrece la historia de un romance prohibido entre una mujer francesa perdida en una misión jesuita, esta es rescatada por una indígena del lugar que se vuelve su protectora y ella su elegida. Ambas mujeres recorrerán el país enfrentando desafíos, descubriendo su sexualidad y forjando un profundo y genuino amor.
Laura Paredes y Lorena Vega son las protagonistas de esta hermosa obra. Una ofrece un relato lírico y jocoso y la otra uno más curioso y directo. Los personajes abstractos, de distintos continentes y culturas se unen por el amor inocente y salvaje.
La escenografía de Rodrigo González Garillo es simple pero encantadora, la cual nos refleja las estepas y todo el paisaje argentino por etapas. Ian Shifres es otro de los protagonistas de esta historia con la música original que compone, logrando tocar en vivo guitarra, piano acústico, flauta, sintetizador, percusión, etc. Shifres nos regala un espléndido perfomance que embellece aún más la presentación.
Las cautivas es una obra inolvidable, divertida, tierna y cargada de una belleza única; donde el romance entre estas mujeres trasciende la colonia y los juicios sociales.
Las cautivas tiene pasión y belleza que todos van a disfrutar en una agradable tarde de sábado el Teatro La Ribera (Pedro de Mendoza 1821), el barrio de La Boca nos abre las puertas a esta obra.
Disponible los Viernes, 19 horas. Sábados y domingos, 17 horas. Escribió Sebastián Arismendi para La Butaca Web.
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