Badur Hogar, film ambicioso, porque no se conforma con solo pertenecer al género de la comedia romántica, de enredos, sino por el contrario, va por más, apostando a ser un melodrama, en el buen sentido, un film con una carga emotiva fuerte. Ambos desarrollos están excelentemente logrados, gracias a la dirección de Rodrigo Moscoso.

La película se desarrolla teniendo como fondo a los hermosos paisajes de la provincia de Salta. Cuenta la historia de Juan Badur, nieto de inmigrantes árabes, que vinieron a la Argentina, con una mano atrás y otra adelante. El protagonista, un joven que no sobrepasa los 35 años, junto a un amigo, “sobreviven” de limpiar piletas de natación. Al iniciar el film, anda solito por el mundo, hasta que en una fiesta de casamiento conoce a su media naranja. La dama, se va enamorando, y acá nos detendremos, porque nos estaría faltando contar la trama deotras historias secundarias, pero que hacen al film que se van dando en paralelo y que están excelentemente manejados desde el guion, pasando por la dirección y las actuaciones.

No es un tema menor que ella sea una turista mientras Juan y el mejor amigo de Juan, sean oriundos de la provincia de Salta, le da un cierto encanto, invita a conocer la provincia.

El trabajo del elenco es excelente. El más difícil, tal vez, sea el papel de Juan, que está impecable, porque le da vida a un personaje con sus contrasentidos, que logra emerger y poner riendas a su vida a partir de encontrar el amor. La protagonista femenina, en ese proceso de enamoramiento gradual, con cierto grado de desconfianza, es un logro la composición actoral. Y el resto de los actores, el amigo “culiao” con el que comparte sus desventuras amorosas y la limpieza de piletas y las frustraciones económicas de que le deban plata por el trabajo que hacen, son tintes que la identifican con un sello personal.

Una película para enamorarse, un protagonista al cual trataremos de ponernos en su zapato, una pareja romántica, la cual nos dará placer verla crecer a lo largo del film, todo ello logrará que Badur Hogar tenga todo y al mejor precio.

Calificacion 8/10

Ficha técnica:

Reseña Diana Decunto inboxmatutino@gmail.com

Por Sebastián Sabio

Un largo camino, La Pampa en su estado mas puro y natural y una mujer embarazada en búsqueda de su libertad.

“Infierno grande” cuenta la historia de una mujer embarazada que, cansada de sus abusos, huye de su marido y busca atravesar la provincia de La Pampa para llegar al pueblo donde nació y que su hijo nazca ahí.

Con soberbias actuaciones de Guadalupe Docampo (personaje de Maria, mujer embarazada) y Alberto Ajaka (interpreta al esposo) estos personajes muestran a través de pequeños diálogos o solo con miradas un vínculo altamente tóxico, generando daños profundos en María y llevándola a tomar decisiones drásticas que no van a tener vuelta atrás.

En esta película se puede apreciar el mundo de pueblo. Un mundo que parece no apto para una mujer embarazada y sola. Un lugar lleno de paisajes tan hermosos como agrestes donde no se puede confiar en nadie y donde cualquiera puede ser un aliado o un enemigo.

“Infierno grande” es una historia original con muy bellos encuadres y tomas que le brinda poder a aquellos que parecen débiles por fuera.

Puntaje: 8/10

Por Agustín Villegas

Will Smith a todo ritmo.

Guy Ritchie es un director al que yo tengo muy arriba. Sus películas sobre el bajo mundo británico brillaban por sus historias y por su forma visual de llevar la historia, de hecho ‘REVOLVER’, protagonizada por un pelilargo Jason Statham y Ray Liotta, es una de mis favoritas. Su estilo tan marcado le llamo la atención a los cabecillas de Hollywood, en donde se lanzó a los blockbusters con ambas entregas de ‘SHERLOCK HOLMES’ (con una tercera en desarrollo), protagonizada por las superestrellas Robert Downey Jr y Jude Law. En la primera de estás el director prefirió correr menos riesgos, y se mando a hacer una película mas generica. Recién en su secuela ‘A Game of Shadows’ se le dejo meter mas sus planos subjetivos y veloces, generando un film medio flojo de guión pero visualmente genial. Ahora con Disney Ritchie hizo lo mejor que pudo, sinceramente con todas las limitaciones creativas que Disney pone en sus películas defiendo al director porque se nota que hizo lo mejor que pudo, sacando adelante una remake divertida pero fácil de olvidar.

La historia suena parecida a la de la película original, pero el intento de modernizar la historia fracasa fuerte. Un ladroncito arabe llamado Aladdin (Mena Massoud) es manipulado por el hechiero Jafar (Marwan Kentari) para que éste entre a la caverna de las maravillas y le lleve la lampara de EL GENIO, interpretado por un Will Smith exageradamente alegre. El pibe frota la lampara y el azulado personaje le cuenta que tiene tres deseos, los cuales planea usar para sorprender a la princesa Jasmín.

Para empezar el personaje de Jafar ni siquiera está cerca de cumplir con la espectativa que uno tenía con ver, en acción real, una versión de éste personaje tan bien diseñado. El personaje es como uno de esos villanos genericos de los años 30, con antifaces, galera y bigote, hasta una risa macabra y todo incluido. El actor elegido no es Jafar ni de cerca, no me lo creí ni por un segundo, la motivación del personaje en la película original era mucho mas clara, acá empieza queriendo ser el numero uno del sultan para despues quererse convertir en sultan y despues en emperador y despues casarse con Jasmín y convertirse en Dios y llega un punto en el que te perdes. Encima tenemos a una Jasmín que es pura bajada de linea progresista, sin ningun tipo de disimulo. Lo único que ella busca es ser sultana, algo ridículo no por el hecho en sí, una historia así podría ser buena, pero acá se convierte en una subtrama totalmente de relleno y con una peste política muy obvia. Will Smith como EL GENIO es básicamente eso, Will Smith haciendo de un genio. Es Will Smith, vestido de genio y nada más. Los poderes y comentarios del personaje son practicamente los mismos a los de la versión de Robin Williams, no hubo un gran cambio de estilo al respecto.

La música es regular, se le agregan temas que la verdad que ya ni recuerdo, pero los covers de las canciones originales son bastante rítmicos y el ojo de Ritchie los acompaño con una dirección muy energica y fluida. La puesta en escena se nota muy artificial, lo mismo con el CGI en muchas escenas. La cara de Will Smith en el cuerpo de El Genio parece mas un filtro de snapchat que un personaje motion capture.

Si comparo ‘Aladdin’ con ‘Dumbo’, definitivamente me quedo con ésta primera, a pesar de ser mediocre al menos es entretenida. Aunque siendo franco poner esa comparación solo deja en evidencia mis ganas de levantar este bodrio solo porque lo hace mí querido Guy Ritchie, la verdad les recomendaría que se queden con la versión animada en la mente y dejen pasar éste proyecto.

¿¿y la remake de ‘El Rey León’?? Creo que es momento de paniquearnos.

Calificación: 5.5/10

Por Ignacio Festa 

“¿A dónde vas María?”, le dice Lionel a su esposa mientras agarra el caño de la escopeta con la que le está apuntando.  Mientras María se encontraba cocinando, su espodo había tratado de manosearla. No era la primera vez que era agredida por su marido y se defendió golpeándolo en la cabeza con un pollo congelado. Lionel se despertó justo cuando ella abría la puerta de calle para irse de la casa. Después de un forcejeo, un disparo se incrustó en la cabeza del agresor que no logró terminar com su vida. A partir de allí, Lionel empezará a perseguir a María mientras ella busca como llegar a Naicó, el pueblo donde ella nació y donde quiere criar al hijo que está a punto de parir.

Infierno Grande es la nueva película de Alberto Romero, que reúne aspectos de el road movie, el western y el cómic, junto com un mensaje sobre la violencia de género. Interpretada por Guadalupe Docampo, el filme cuenta la historia de María, una maestra rural, que viaja por el las rutas que atraviesan el desierto en la provincia de La Pampa huyendo de la violencia de su esposo. La mujer se enfrentará al camino y a personajes extraños mientras busca el modo de llegar al pueblo donde nació para criar al hijo que lleva en la panza. El niño es el narrador de esta historia, que años más tarde se encarga de contar en qué circunstancias le tocó nacer.

“Naicó es tierra de huechuman, que significa cóndor fuerte. Todos los que nacen ahí son fuertes”, le dice un viajero de aspecto aborigen a María cuando le cuenta al lugar a donde quiere ir. La protagonista encarará un proceso de aprendizaje que le permitirá encontrarse con ella misma. Los obstáculos que le impone el desierto le permitirán aprender a valerse por sí sola. María ya se habrá convertido en otra mujer cuando vuelva a estar cara a cara com su marido.

La propuesta de Alberto Romero trasciende la intención de reunir diferentes géneros cinematográficos con un mensaje de género. Este western pampeano incorpora en su trama personajes autóctonos del desierto y vincula las reivindicaciones de mujeres com las luchas emancipatorias de los pueblos originarios, como así también la violencia que sufren los niños. Al igual que en películas anteriores, el director incorpora una voz en off que constituye un personaje más en la película como si fuera su marca registrada. Desde su mirada masculina, Alberto Romero a logrado crear un filme sobre la violencia contra las mujeres y de muchas otras problemáticas más que permite hacer más de una lectura.

Calificación 10/10

Por Agustín Villegas

Sutil como patada de burro.

La oportunidad fue desechada. El biopic del autor John Ronald Reuel Tolkien (Nicholas Hoult), creador de la ficticia TIERRA MEDIA, resulto ser un cursi homenaje al universo literario del autor más que al autor en sí. La historia del escritor se ve pasada por trescientos filtros que convierten al personaje en un ser de luz, un hombre buenazo más movido por sucesos que por su creatividad en sí. Los paralelismos con su obra son mostrados de dos formas: mediante trucos visuales interesantes pero carentes de toda creatividad y con lineas de diálogo que exceden la exposición argumental.

La historia sigue Tolkien (pronunciado correctamente se dice Tol-Keen, dato de color aprendido en el film) durante su infancia, adolescencia y adultez, mostrando como sus amistades, vivencias bélicas y experencia de vida lo llevaron a crear uno de los universos literarios mas fructíferos y amados de toda la historia.

La historia evade todo rastro del racismo que Tolkien tenía para con la comunidad negra de Sudáfrica, llegando a borrar el interesante dato de que el autor habría usado a los negros para crear a los famosos orcos, seres que en los libros cuentan con una descripción bastante alejada de lo que Peter Jackson termino haciendo en las películas. Recordemos que el escritor en pleno apartheid, por lo que presentar ésto en el film no hubiese sido algo para golpear a Tolkien, sino para presentar su persona desde un punto de vista más humano, mas cercano a un hombre real transitando una epoca oscura. Ésto ya retrata un poco la necesidad de Fox Searchlight por vender el producto de una forma pulcra y sin riesgos.

Nicholas Hoult es uno de los mejores actores que nos dio la industria, pero en éste film no brilla. Su personaje es un sujetito encantador y nada más. Lo mismo con Lily Collins como su interes amoroso Edith Bratt. Los personajes en sí intentan tener un estilo muy Spielberg que los deja en un area vacía.

Lo visual tengo que admitir que fue de lo mejor del biopic. El director Dome Karukoski nos brinda un mundo muy verosímil y bien adaptado, zona en la que las películas de época suelen tener mucho cuidado. La fotografía brinda detalles visuales que son lindos de ver para todo conocedor de la obra, pero abusan tanto de ésto que se torna un recurso inmersivo un poco chanta.

‘TOLKIEN’ no se siente como un biopic, sino como un homenaje de nenes de segundo grado con un gran presupuesto. La falta de conflicto interno nos deja una película más del monton, pero a pesar de ésto, como fan, me alegro haberla visto.

Calificación 5/10

Por Bruno Glas
¡Es una lucha!
“Soy el Fred Astaire del karate”
Jean-Claude Van Damme

El cine de acción puede, en sus mejores películas, ser un verdadero acontecimiento feliz. Género más de una vez menospreciado, extraño si tenemos en cuenta que en él se trata siempre de mostrar el movimiento en escena (¿y qué es lo inherente al cine al fin y al cabo, caramba?). La experiencia del cine de acción es la posibilidad de ver gente actuando con todo el cuerpo, arriesgando la integridad física de los personajes pero también la del propio intérprete.
Esta tercera, pero seguramente no última, entrega de John Wicktiene algo tremendamente gozoso en su interior. No podemos hablar de una comedia de acción hecha y derecha, y sin embargo hay una comicidad interna a las escenas de pelea. Acá el protagonista busca huir de quienes lo persiguen luego de que sus propios empleadores pusieran sobre su cabeza un enorme botín. Esta circunstancia lo llevará a enfrentarse a la legión de sicarios que quiere verlo muerto. Con esta premisa, el film se las ingenia para mostrar peleas coreografiadas con el mayor detalle pero también con una libertad absoluta. Como el mismo Wick, usa todo lo que tiene alrededor para enfrentarse a los que quieren bajarlo (y no saben cómo hacer). El timinges preciso no sólo a la hora de mostrar las peleas cuerpo a cuerpo, sino de lograr con ellas el efecto cómico mencionado. Vean sino los enfrentamientos en el cuarto donde se exhiben las armas, o en el establo con los caballos. El buenhacer del director, y sobre todo de Keanu Reeves, logra que creamos posible lo hiperbólico de estas escenas. Así como estos extensos momentos de acción funcionan de maravillas, las partes más flojas son aquellas donde interviene la palabra. Es cierto que la saga involucra un universo complejo donde comparten lugar asesinos de varias agrupaciones, pero el manejo de información que los personajes llevan a cabo se hace un poco pesada. El tono pomposo de los diálogos desentona con la ligereza y la diversión de las luchas. Aún con estos reparos, el momento que mejor representa la esencia de John Wick 3proviene de una línea de diálogo. Zero (Mark Dacascos), uno de los asesinos contratados para matar al protagonista, termina arrodillado junto a él, con dos katanas atravesándole el pecho. Como si el dolor que el personaje debiera sentir fuese menor al placer que el mismo Dacascos debió experimentar filmando, le dice tranquilamente “fue una gran pelea”. Lo mismo digo.

Aclaración: la copia que se exhibió en la privada mostraba varios cortes, con la pantalla yéndose a negro. Desde este espacio esperamos que la exhibición en cines no corra la misma suerte.

Calificación 7/10

Por Daniel Alvarez

El cine dirigido hacia el público adolescente, pasó por una época en el que se realizaban adaptaciones de novelas de ciencia ficción hasta el hartazgo. Este género se fue apagando de a poco a medida que llegaban films con una calidad cuestionable, y que tampoco resultaban rentables en la taquilla. Este tipo de cine tomó un nuevo rumbo, el de adaptar dramas adolescentes, en la que hemos tenido cintas interesantes como Extraordinario, Las ventajas de ser invisible, entre otros. Lamentablemente ya se está sintiendo aquel abuso al género, donde hemos tenido bazofias como After o Cada día, solo siendo llamativas para un número reducido de espectadores, los lectores de los libros. El sol también es una estrella es una película que llega callada dentro de este género, y si bien puede resultar algo fantasiosa e inverosímil, se coloca como un film entretenido y con un interesante punto de vista sobre el tema de la inmigración.

La protagonista pertenece a una familia proveniente de Jamaica, debido a una redada aleatoria que se hizo en el bar donde trabaja su padre, deberán abandonar los estados unidos por encontrarse viviendo ilegalmente. Ya su familia resignada a tener que irse a su hogar, ella busca hasta el último recurso para quedarse, y es en el camino donde se encuentra con un chico surcoreano, con el que tendrá un fugaz romance. Quizá el punto flaco de la historia, es la forma en que se lleva a cabo esta historia de amor, tomando como excusas las casualidades y el destino para su encuentro, y que por ello deben estar juntos. Aún así su recorrido es interesante, ya que todo sucede en un solo día y logran dar un correcto desarrollo a los personajes.

Los protagonistas Yara Shahidi (Black-ish) y Charles Melton (Riverdale) están correctos en sus papeles, aunque obviamente caen en los clichés de su guión, pero a pesar de todo existe química entre los personajes , haciendo creíble su relación, más allá de la fantasía.

El sol también es una estrella es una película correcta y entretenida, que para ser dirigida al público juvenil, está muy bien lograda en comparación a los últimos estrenos dentro de este subgénero de dramas adolescentes. Mantiene un planteo interesante sobre el tema de la inmigración, aunque no se les escapan los diálogos lleno de clichés y situaciones un tanto inverosímiles. Es una película que que denota carisma desde su sencillez, aunque no esté abierto a todo el público.

Calificación 6.5/10

Por Rodrigo F. Ruiz.

UglyDolls- ¡Que vivan los feos!

En toda película para niños siempre me llama la atención lo que los grandes estudios norteamericanos suponen que es mostrable y lo que no. En este género tan particular donde conviven los recortes que rozan la censura, UgglyDolls es un caso más aunque con algunas particularidades.
La película trata sobre el deseo de un juguete rechazado/defectuoso por convertirse en un objeto de consumo,o en otras palabras por convertirse en el juguete de alguien. El mercado, la compra y la venta serán omitidas en la película, aquí primará la elipsis cuando el hecho, la consumación del deseo se concrete.
En lo que sí, la película hará énfasis en mostrar es en el proceso de formación y tormento por el cual la protagonista debe pasar para convertirse en el juguete de alguien. Es significativo el hecho que en la mayor parte de la película se resalta la tenacidad de Moxy ( la protagonista, el juguete feo) por adecuarse a las reglas de un sistema totalitario y penitente. Podemos decir que la película plantea la problemática de la vida en una sociedad donde a todo ser (u objeto en este caso) se le exige venderse y mostrarse como en una vitrina de supermercado. Y la película nos lo cuenta desde los excluidos de este sistema, desde los juguetes rechazados, lo hace de una forma en donde no encuentra alternativas o ni siquiera las plantea, es más, la película realiza un festejo de la tenacidad de los excluidos para enfrentar a las exigencias absurdas que le presenta el sistema, sin contradecirlas. Los personajes obedecerán hasta el absurdo; su único dolor y el nuestro como espectadores será cuando se enteren que nunca tuvieron chances reales de ser comprados por alguien.
Ahora, fuera de la crítica ideológica, en la cual UglyDolls es similar a todas las películas que pertenecen a este particular género ( aunque por lo menos Buzz Lightyear tomaba consciencia de ser un producto), el problema de Ugly Dolls en mi humilde opinión es su realización en general. Si podemos tomar casos similares en donde la realización, la épica, el humor remediaban carencias éticas de los filmes, esta no es el caso. Ugly Dolls contiene un conjunto de personajes indiferenciados entre sí, el grupo de amigos que parte a la aventura son tan chatos como los que se encontrarán más adelante, los traídos al mundo para ser puestos en una vitrina. Retaría a alguien que salga del cine y pueda nombrar a los amigos de Moxy, es imposible. Sumando que los segmentos musicales, en las que tanto Disney como luego Pixar brillaban en su realización, ahora se estancan en animaciones básicas.
En síntesis, Ugly Dolls plantea un acercamiento interesante desde su temática a nuestra sociedad actual, al poner el foco en los excluidos del sistema, la cuestión es que su ejecución es nefasta. Si el 70% de la película es mostrar esta adecuación a cualquier precio por parte de los personajes al mundo de la compra/ venta, no hay happy end que la salve. Sobre lo que se puede o no decir, tengamos en cuenta que esto se encuentra bien controlado, sobre lo que es bello y lo que es feo, deberíamos saber que la belleza ( o la fealdad) de Moxy y sus amigos era lo que los hacía únicos en este mundo totalitario propuesto por el film. Si la fealdad es el arma para permanecer fuera del ambiente concentracionario que es el proceso de selección de juguetes ¡Que vivan los feos!

Calificación : 3/ 10

Por María Luz Stella 

Mercedes se despierta casi a la hora de la siesta, enciende un cigarrillo, va al baño, luego se dirige a la cocina, se sirve café y enciende otro cigarrillo. Empieza a preparar un tuco para comer pasta con su hijo, mientras corta los vegetales conversa por teléfono con una amiga… Es en ese momento en el cual comienza un diálogo que parece interminable hasta el clímax de la película. Pero volvamos al inicio. Mientras se cocina el tuco, Mercedes (interpretada por Mónica Raiola) va realizando distintas tareas hogareñas como doblar ropa y lavar. En montaje paralelo vemos como el personaje de Mirna (interpretado por Maruja Bustamante) recorre en bicicleta las calles de tierra de un pueblo o pequeña ciudad ubicada en las afueras de Buenos Aires. La película inicia con un ritmo lento para el ojo acostumbrado al cine comercial, porque muestra casi como en un tiempo real lo que cada una va haciendo hasta el momento del encuentro. Con un dejo del cine oriental, la directora decide mostrar los detalles de cada acción para que acompañemos a estas mujeres en sus recorridos por la vida diaria.

Como bien dijo la directora, y logra verse reflejado en esta obra, hay un interés por indagar en la palabra y su uso desmedido para ilustrar un universo femenino específico en una película que tiene como base la cotidianidad y la conversación, con una simpleza en cuanto a lo técnico, logra construir una historia firme que deja abiertas las puertas para la reflexión.

Se estrena en las salas el jueves 16 de mayo.

Ficha técnica:

Guión y dirección: Azul Lombardía

Producción Ejecutiva: Lucas Mirvois, Pablo Ingercher y Ramiro Pavón.

Producida por: La Maldita y Oh My Gómez! Films

Dirección de Fotografía y Cámara: Eric Elizondo

Dirección de Arte: Santiago Badillo

Montaje: Nicolás Goldbart

Vestuario: Victoria Nana

Maquillaje y Peinado: Lorena Superville

Dirección de Sonido: Maxi Gorriti

Música Original: Mariano Otero

Con dirección de Luciano y Nicolás Onetti, guion cinematográfico de Carlos Goitia, Luciano Onetti y Nicolás Onetti, una película, argentina, del género policial, filmada en el 2018, estrenada en sala, el 9 de mayo,pasado.

Con la actuación de Germán Baudino encarnando a Lorenzo, un mago de unos cuarenta años, quien heredó el oficio de su padre, quien es conocido como “Gran Dante”.

Lorenzo vive una seguidilla de asesinatos de mujeres, que pertenecen a su círculo. A medida que avanza la película, la muerte lo persigue, y no hay ninguna pista que pruebe su inocencia, pero tampoco no hay huellas de culpabilidad.

En ABRAKADABRA, haciendo homenaje al gran Houdini, todo es misterio. Tiene un estilo de dirección que recuerda mucho a las películas de terror más que al género policial.

Todos se convierten en sospechosos, tampoco hay indicios de inocentes.

Un film donde la muerte la intenta atajar a la locura. No contamos más para motivarlos a verla.

La peli fue filmada en las ruinas de Epecuén, que fue adquirido por NETFLIX. La película se presentó en el Marché du Film (Festival de Cine de Cannes), dentro de la sección “Upcoming Fantastic Films” de Blood Window, y tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Sitges, España; el festival más importante de cine de género a nivel mundial. Además fue seleccionada por otros festivales como ser: SITGES 2018 (Premiere Mundial, España), Frightfest (San Sebastián (España), Imagine (Holanda), Nocturna Madrid (España), Molins de Rei (España), Obscura Berlin (Alemania), Night Visions (Finlandia), Abertoir (U.K.), Mar del Plata International Film Festival (Argentina), Buenos Aires Rojo Sangre (Argentina), Mórbido (México), Zinema Zombie Fest (Colombia), Montevideo Fantástico (Uruguay), Insólito (Perú), Horrorant (Grecia), Blood Window Film Festival (Argentina), 15th Grossmann Fantastic Film and Wine Festival, Black Nights Film Festival (Estonia) y Bloody Weekend Film Festival.

Calificación 5/10

Diana Decunto – Reseña inboxmatutino@gmail.com