Por María Luz Stella

Cine Argentino/Cine x Mujeres

Opera prima de Ana García Blaya que se ha estrenado a nivel mundial la semana pasada en el Festival Internacional de Cine de Toronto en la sección Discovery y que llegará a las salas argentinas en diciembre de este año. Su equipo técnico se conforma en algunas áreas por integrantes de la familia de la directora como es el caso del de la producción que está a cargo de su hermana Juana García Blaya.
La película nos transporta a la década del 90 creando un clima envuelto de melancolía por aquellos años en los que se comercializaba música en formatos analógicos y se usaba vhs en televisores de tubo. Se centra en la esfera de la cotidianidad de tres hermanos cuyos padres divorciados son completamente distintos. Pareciera ser que el protagonista de este film es el padre de la historia, Gustavo, interpretado por Javier Drolas, ya que narrativamente es el personaje que está más descripto y tiene mayor presencia en la historia. Se caracteriza por tener una personalidad totalmente despreocupada, ser indiferente a los compromisos (incluyendo a sus hijos), es encargado de una disquería, músico y aficionado camarógrafo. Sin embargo, es Amanda, la hija mayor, una preadolescente que es interpretada por Amanda Minujín, quien mueve la historia y la lleva adelante con pequeñas acciones que hacen a la relación padre-hija y que constituye la línea argumental.
Ante una decadencia económica y la falta de colaboración de Gustavo, Ceci (Jazmín Stuart), la madre de los niños, toma la decisión de trasladarse a Paraguay donde su marido (interpretado en una breve colaboración por Juan Minujín) tiene una oferta laboral que mejorará su calidad de vida. Gustavo entiende que es la mejor opción, aunque le duela, y lo acepta pero Amanda no está conforme y decide quedarse con su padre.
Una historia repleta de momentos de la niñez entre ellos: la escuela, reuniones familiares, pasar el tiempo acostados en la cama mirando la televisión, los desayunos, etc. Con el agregado de un padre que vive en la suya pero que transmite, a su manera, un gran amor por sus hijos.

Calificación 6/10

Critica por: Gonzalo Esteban Borzino

En el crepúsculo del amor, a punto de terminar con los dramas de su sobre dependiente pareja, Christian (Jack Reynor) recibe una llamada desesperada. Una tragedia familiar ha dejado a su novia Dani (Florence Pugh) más vulnerable, encadenándolo en una relación de la que ya no quiere formar parte. Sintiéndose culpable, la invita a participar de un viaje de estudio que realiza con sus colegas antropólogos Josh (William Jackson Harper) y Mark (Will Poulter) a Midsommar, un festival de verano que se celebra cada 90 años en una aldea remota de Suecia. Este sitio, hogar natal de su callado amigo Pelle (Vilhelm Blomgren), parece el lugar ideal para descansar y trabajar en sus tesis, pero poco a poco comienza a mostrar su verdadero rostro cuando presencian el notorio choque cultural provocado por los rituales de una comuna aislada.

Golpeando de frente a nuestras expectativas genéricas, retorna Ari Aster (Hereditary) con su segundo largometraje, construido sobre sentimientos de dolor y aislamiento. Una protagonista en soledad, a pesar de estar junto a su novio; un grupo aislado, a pesar de estar abrazados por la aparente calidez de los locales; una ominosa oscuridad, a pesar de nunca ponerse el sol. Un guion de tensión exponencial, comenzando sutil y lento, toma del espectador pequeños permisos para mostrar su folclore de forma paulatina, aprovechando el esquema de las festividades. Esta serie de avances no es gratuito, sino que mama de viajes psicodélicos provocados por el reiterativo consumo de drogas, las cuales fomentan la deformación del apartado visual , generando una idea de realidad ajena o, cuanto menos, puesta de cabeza. Asimismo, la cinta está poblada de pequeños momentos humorísticos propios del cruce cultural, habilitando el discurso justificativo de «la cultura ajena» y quitando pesadez a la lentitud de un acto y medio sin demasiados riesgos. Para cuando se quiere reaccionar, tanto los personajes como los espectadores, descubren que fueron ellos mismos los culpables de haber bajado la guardia, confiando en las sonrisas nórdicas.

Ari Aster ha encontrado una forma de narrar una historia de encierro, sin la necesidad de mostrar ninguna cadena.

Su tagline lo dice todo: el terror no espera a la noche. La puesta es casi en su totalidad dispuesta en exteriores luminosos de día, desarmando las expectativas del subgénero donde cultos realizan ritos en criptas y claustros. Asimismo, demuestra que no hace falta buscar soporte en lo sobrenatural y en la imaginación que la oscuridad avala, sino que podemos descubrir que la monstruosidad humana al alcance de nuestra mano. Al momento de leer la sinopsis uno predice similitudes del culto de Hårga con clásicos dementes como los Hewitt (La masacre de Texas, 1974), grandes procesiones paganas que toman incautos mediante engaños (El hombre de mimbre, 1973) o, incluso, trampas turísticas en lugares perdidos en medio de la nada (Hostel, 2005). Sin embargo, quien se atreviese a realizar tan temprano análisis se toparía rápidamente con un error, puesto que Ari Aster ha encontrado una forma de narrar una historia de encierro, sin la necesidad de mostrar ninguna cadena. Los personajes se mantienen en la zona de peligro por voluntad propia y no por un motivo superior o ajeno, compartiendo con el espectador la impresión de que las cosas no están tan mal como parecen, para luego caerles encima de forma impredecible.

Otro elemento que ayuda a generar ese vinculo de confianza a ser roto es el arte. Este se soporta de las tradiciones rurales, destacando como contraposición de la hostil frialdad con la que abre la película. Junto a los amplios paisajes paradisiacos bañados por el sol de media noche, se hayan grandes casas comunales pobladas por los arios habitantes, portando blancos vestidos bordados y utilizando tecnología tradicional para las labores hogareñas, cargando al entorno de una encapsulada época pasada. Las construcciones resultan distintivas y es posible ubicarse en la aldea en todo momento gracias a ellas, logrando que uno nunca se sienta perdido en Hårga. La paz de la campiña solo se ve afectada por la irrupción de las agresivas notas de Bobby Krlic, que nos ponen alerta a los cambios en el entorno, sin necesidad de caer en aberrantes sobresaltos, sino que por la construcción atmosférica disonante.

Midsommar es una película de terror que se atreve a desarmar el terror pagano, volviéndolo algo verdaderamente aterrador, sin presentar ninguna criatura ni «dioses verdaderos». Su multipremiado elenco no se ve eclipsado por la pasividad de la protagonista o el eslabón de débil caracterización que es Mark (Cuyo actor es Colin en Bandersnatch), quien cae en redundantes accionares innecesarios para dotarlos de la banalidad del «tonto del grupo». Ari Aster hace un llamamiento al dolor en soledad, famoso motor captador de sectas de raciocinio torcido. Es el verdadero monstruo, el que te deshace como sociedad y te hace insertarte en su vientre de forma voluntaria. Sin hipnosis ni pociones, solo humanos que muestran empatía. Es la locura incomprensible desde afuera, la tradición coherente para sus adentros, y el terror que no espera la noche, porque esta siempre latente.

Su estreno en Argentina será el próximo 7 de noviembre.

Puntaje: 9.0/10.0

El miércoles 11 de septiembre, terminó el Festival Internacional de Documentales. Tuve la oportunidad de asistir al cine Gaumont, donde el cierre fue un lujo y un orgullo nacional, porque estamos demostrando que podemos construir y exportar nuestro material al mundo. Los directores Camila Menendez y Lucas Peñafort. argentinos, jóvenes, con inquietudes, con alto profesionalismo filmaron en una localidad a 5 horas de Nueva Delhi (India), superando los obstáculos que se imaginen, desde el idioma, el traslado del set de filmación es maravilloso.

En el pueblo de Pilantri, a partir del 2005, con una cantera la cual contaminó el pueblo, sus habitantes decidieron plantar 111 árboles por cada mujer que nace, porque además de ese desastre económico, era una costumbre, que las mujeres que nacían, se las descuidaba para que muriesen. Las mujeres necesitan de «dote» y además se van cuando se casan a vivir a la casa de los suegros, no son «económicamente convenientes»,

Una película, excelentemente filmada, estuvieron en la sala, ambos directores, y contaron las peripecias por las que tuvieron que atravesar, es la primera película que se pasa con el dialecto que se habla en Pilantri.

Tiene un excelente guión, que permite familiarizarnos con el lugar y una excelente fotografía, que logra la cámara imprimir un país de una cultura a la cual es todo un desafío el conocer, que nace por nuestro desconocimiento y falta de divulgación, como si fueran mundos diferentes.

Se las recomiendo, para ver que la lucha de las mujeres, en busca del respeto, un lugar de reconocimiento como madres, hijas, es duro en todas las latitudes y es una lucha por buscar el espacio que tiene que continuar hasta lograr sus objetivos.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com

Por Tomás Manzo

No oyes ladrar a los perros

«El placer físico de hacer cine¨ decía Godard entre uno de sus tantos aforismos. El caso es que la última obra del cineasta paraguayo Hugo Giménez pregona el ¨deleite¨ en un contexto absolutamente adverso: la historia de dos hombres (Ever Enciso y Aníbal Ortiz) encargados de enterrar a las víctimas de la dictadura militar de Stroessner.

En el relieve de este sencillo argumento se avizoran duelos, silencios, miradas sostenidas y tiempos muertos que vuelven insoportable la ¨estancia¨. Parte de este mérito claustrofóbico se debe a la abrumadora dominación del espacio: la naturaleza se torna invasiva en cada momento. Este paisaje que doblega el cuerpo, remite a Lucrecia Martel con sus climas contenidos en dónde todo parece a punto de estallar. Y este no es el único punto de contacto que tiene con la realizadora salteña, ya que el lenguaje se mimetiza con el ambiente y las cosas. Y las cosas hasta se pueden oler y palpar.

Aun así, no es una película que se estanque solo en la portentosa puesta en escena, ya que son tres los personajes que caminan sobre el suelo cerril.
Su presencia es ambigua, particularmente porque la abyección de su oficio no determina la ética de los mismos. Esa indiferencia aparente con su trabajo (la cual parece a veces ceder con los cadáveres) organiza un complejo mecanismo de identificación, que se vuelve emotivamente oscuro en el vínculo que establecen con el personaje de Jorge Román.

Primero girando en torno a zonas de lo fantástico y luego hacia un suspenso minimalista, sutilmente se van inoculando géneros. Sin embargo, esta sutileza no está expresada en el aparato discursivo. A lo largo se nombra la presencia de un perro salvaje que desentierra cuerpos, pero este animal no aparece nunca en escena. Solo se escuchan sus ruidos y percibimos que está escondido.
El otro animal oculto en la película es el gobierno militar. Aquí Giménez recurre alegorías subrayadas (la trasmisión de radio en off mientras vemos uno de los cuerpos en descomposición), el goce no concretado de la vida militar o el mundial del 78 dando un contrapeso evidente de sosiego y frivolidad en una historia completamente cruenta. El relato en sí y la densidad de su mundo es un cuadro de reflexión crítica suficiente sobre ese momento. Por eso resulta abundante la aparición del fuera de cuadro.

De todas formas, esa nimiedad no genera ningún desmedro para la obra de Hugo Giménez. Sus dos cortometrajes (¨Sin felicidad¨ y ¨Las imágenes también mueren¨) y el extraordinario documental «Fuera de campo» construyen un imaginario audiovisual paraguayo (en los tres casos con la masacre de Curuguaty como contexto) a partir de la propia entidad de la imagen. Su última obra supone la consolidación de un autor que encuentra sus obsesiones en la propia identidad histórica y social de su pueblo.

«Matar a un muerto» transmite el ¨placer físico¨ en cada órgano del inmenso cuerpo del monte: el viento, la lluvia y el fuego no son «gritos» románticos como en Nazareno Cruz (como bien alude el subtítulo de la película de Favio), sino ladridos de un sistema que ha sometido durante décadas a todo el territorio latino.

Calificación 9/10

Luciano Barisone, importante periodista italiano y crítico de cine, para revistas especializadas como así también desde 1997, ha colaborado en numerosos festivales internacionales de cine, el miércoles 4 de setiembre en el aula Magna de la UMET (Universidad Metropolitana para la Educación y el Trabajo), se contó con su presencia en una Master Class donde se abordó el tema: PACTO DE FE CON LA REALIDAD.

Luciano expuso su punto de vista sobre que discrepa del término documental, sostiene que la documental es cine, donde el espectador confía en la imagen que ve e inclusive considera que la documental no siempre tiene la obligación de estar enseñando o explicando algo. Se pasaron cinco películas donde mostró este pacto de fe con la realidad es posible. Etre et avoir, Nicolas Philibert (Francia, 2002) Mein liebster Feind – Klaus Kinski, Werner Herzog (Alemania, 1999) Katatsumori, Naomi Kawase (Japón, 1994) La devinière, Benoît Delvaux (Bélgica, 2000) Un silenzio particolare, Stefano Rulli (Italia, 2004).

Lo invitamos a que si le interesa el género de «documental», hasta el 11 de septiembre, consulte la programación, http://www.fidba.com.ar/2019/programa/

Asimismo tengan en cuenta, las otros dos master class que se dictarán: Chus Dóminguez creador audiovisual el jueves 5 de septiembre en el mismo horario o Heather Haynes (Canadá), el sábado 7 de setiembre de 14:30 a 16:30.

Reseña Diana Decunto – inboxmatutino@gmail.com