Por Macarena Maidana

Dos amigas: Amy y Molly tendrán un golpe de realidad en la víspera de su graduación cuando descubran de todo lo que se perdieron al perseguir el objetivo de las mejores notas de su clase. Decididas a recuperar el tiempo perdido, planean vivir 4 años de diversión en una sola noche.

Olivia Wilde da el paso detrás de las cámaras y estrena su ópera prima, Booksmart: La noche de las nerds.
El reparto incluye a Beanie Feldstein (Lady Bird, Buenos Vecinos 2), Kaitlyn Dever (Beautiful Boy), Diana Silvers (MA), Billie Lourd (Star Wars El Despertar de la Fuerza, Star Wars Episodio VIII), Jason Sudeikis y Lisa Kudrow , entre otros. Como dije al principio, está dirigida por Olivia Wilde y escrita por Emily Halpern, Sarah Haskins, Susanna Fogel y Katie Silverman.

Amy (Kaytlin Dever) y Molly (Beanie Feldstein) son mejores amigas desde que tienen uso de razón, las típicas nerds a las que nos tienen acostumbrados las películas.
Nunca se interesaron por asistir a fiestas o hacer lo que generalmente se hace a esa edad. Su preocupación era sacar buenas notas para aplicar, cada una, a la Universidad de sus sueños.
Pero en la víspera de graduación, Molly se entera que el resto del curso pudo hacer ambas cosas : fiesta y estudio; lo que la obliga a caer en una reflexión un tanto exagerada: recuperar cuatro años de fiesta en una noche.
En el transcurso de la noche, Molly y Amy también se exponen a una lección sobre la importancia de esa primera amistad, el amor y muchas primeras veces.

Puede ser que pise en falso en varias escenas cargadas de clichés y chistes fáciles, pero no se puede decir que Olivia no hizo un impecable trabajo, ya que, decide jugar con «las apariencias engañan». El cine nos tiene acostumbrados al plot twist fácil en lo que a películas de adolescentes confiere : la chica nerd se enamora del popular y la porrista del mejor amigo; bueno nada de eso pasa y es lo que atrae de la cinta y el guión.

Booksmart no está dirigida a un público que supere los 30 años, me animo a decir, con algunas excepciones.
Aunque las protagonistas sean las estrellas de la película, las sorpresivas revisitas de Gigi (Billie Lourd) a ellas, son las que logran el clima cómico a lo largo de la historia.
Sin ir más lejos ni entrar en detalles, es una lástima que llegue tan tarde a nuestras salas, porque de verdad se posiciona entre lo mejorcito en lo que va del año y es una espectacular debut para la joven directora.

Calificación 8.5/10

Por Candela Otero

Un documental que acompaña a Marta Buneta, una mujer de más de setenta años, en situación de calle, que, lejos de estar triste por su realidad, todos los días disfruta de realizar un show en la vereda, al cual denomina: «Marta show».

Marta, en el pasado, ha sido una de las principales bailarinas de cabaret de Buenos Aires. Los directores, Malena Mofatt (una de las mujeres que acompaña y ayuda a Marta), y Bruno López, logran transmitir la pasión que Marta siente por el espectáculo. Además, a lo largo del documental, conocemos otros aspectos de su vida: Su particular manera de cuidar a los árboles y a las palomas y algún que otro dato de su pasado. A Marta en ningún momento se la ve intimidada por las cámaras, sino que podemos sentir que la acompañamos en su día a día.

El show que brinda a diario, generalmente, consta de algún número de baile o de la interpretación de canciones reconocidas. Con el correr de los días, va adquiriendo una función social importante y cada vez se vuelve más concurrido por otras personas, también en situación de calle, quienes son invitados a participar y lo hacen con muchísima alegría.

Un documental que nos invita a reflexionar y a reformularnos varias preguntas. La sociedad señala a Marta como una «loca», pero para ella, en cambio, es la sociedad quien ha enfermado hace mucho tiempo.
A Marta no le importa que la señalen, ni quedar mal con la gente. Tampoco busca dinero, ni que alguien la saque de la calle. Ella solo quiere hacer su show, y cuando lo hace, se siente absolutamente plena y deja de importarle todo lo demás.

Calificación: 7/10

Por Bruno Glas

Envejecida

Rodolfo se jubila después de 50 años de ser obstetra. Al comienzo del filme lo vemos siguiendo su rutinaria vida de retiro, sin demasiados sobresaltos. A Rodolfo no lo notamos muy contento. Sabremos que es viudo. Pero poco más que eso. Lo notamos siempre cansado, con un dejo de agotamiento en los ojos, como si la vejez y el consecuente cese de su trabajo implicaran el fin de cualquier alegría posible para el personaje. Desconocemos sus gustos, sus manías, sus aficiones. La vejez del protagonista tal cual la caracteriza la película parecería estar signada por esta única cualidad. Incluso en los pocos momentos en que Rodolfo sonríe lo notamos como incómodo. La llegada de Ignacio, un amigo suyo, que cae a su casa sin avisar y con intenciones de festejo, constituye un gag efectivo, porque en su irrupción exagerada rompe con la congoja de Rodolfo.

La tranquilidad de Rodolfo se verá afectada cuando quede al cuidado de Diego, el hijo de 8 años de la mujer que limpia en su casa, y que se ha ido a Santiago del Estero. Laura, la hija de Rodolfo, toma la decisión de quedarse con ellos en la casa, y es a partir de la convivencia entre los tres que gira el núcleo dramático. Pero este no llega nunca a buen puerto. Y esto ocurre por la ya mencionada unidimensionalidad de Rodolfo, con un Luis Brandoni monogestual hasta lo exasperante. A ello debemos sumar los constantes reclamos que Laura le hace a su padre, puestos en diálogos que subrayan el cariño que él le ha tomado a Diego, pero que ella jamás obtuvo. De hecho, el vínculo padre-hija entre ambos aparece de forma muy superficial, a las apuradas, y sólo para llegar a una resolución forzada, y por tanto malograda en su búsqueda emotiva. Lo mismo pasa con la muerte de uno de los personajes secundarios, como por un volantazo de guión, que sirve solamente para que éste ilustre en un grosero primer plano la idea de que “hay que aprovechar la vejez”.

En medio de todo esto, está Diego, que con su presencia otorga una imprevisibilidad que al resto del filme y a sus personajes les falta. Su comportamiento de niño rebelde aparece en dos escenas clave. La primera, cuando vemos que el quilombo que ha hecho en la cocina de Rodolfo fue especialmente para prepararle el desayuno. Y la segunda, en el acto escolar al enunciar el discurso “verdadero” del Sargento Cabral antes de morir en batalla. Son dos momentos donde los componentes emotivo y cómico funcionan, en una película que por lo demás no sabe sostenerlos en el resto del metraje.

Calificación: 4/10

Por Marina Biondi

Poli Martínez Kaplun nos presenta su segunda película documental llamada “La casa de Wannsee”. Durante todo el film la directora se adentra a una historia familiar desconocida para ella y de la que todos parecen querer olvidar. Desde siempre supo que los orígenes de su familia se radicaban en el judaísmo pero ella jamás se identificó como judía. Su familia no practicaba la religión y su educación tampoco correspondía a una familia judía tradicional ni mucho menos; fue con la sorprendente celebración del Bar Mitzva de su hijo que ella se dispone a indagar en sus orígenes y en su historia familiar. A través de maravillosos registros fotográficos y fílmicos característicos de su familia, logra reconstruir su historia y su propia identidad viajando en el tiempo y espacio, reedificando acontecimientos históricos, familiares y redescubriendo paisajes maravillosos que no solo contribuyen a la reconstrucción de sucesos familiares, sino también a su propia historia e identidad.

Poli va adentrándose a su historia familiar al mismo tiempo que lo hace el espectador, entrevistando a sus familiares, dejando en evidencia como la misma historia varía e impacta de diferente forma en cada uno, pero siempre dirigiéndose a un mismo camino en común. El documental emociona, impacta e invita al espectador a querer saber más sobre su propia historia, ya que evidencia que nada es casual y que, en parte, todos somos consecuencia de experiencias y sucesos heredados.
La casa de Wannsee es la casa de su historia y la de sus antepasados, una casa que a pesar de los daños y de los años sigue en pie reflejando que la familia y la identidad son más fuertes que cualquier suceso o situación.

Calificación: 9/10

Por Macarena Maidana
Si de live actions hablamos, Disney tiene bastantes de un tiempo a esta parte. Quizás no sean su fuerte en cuanto a agradar al público adulto, pero a los que repetimos los diálogos de principio a fin es un cariño al alma enorme. El Rey León (The Lion King,2019) regresa a las salas de cine de una manera casi controversial.

Aunque, más que live action es remake en CGI del clásico animado que se estrenó allá por 1994 ;¿Innecesario ? Puede ser, pero que sigue causando el mismo impacto, hay que reconocerlo. Esta vez dirigida por Jon Favreau, quien estuvo al mando de El Libro de la Selva ( The Jungle Book, 2016) , y escrita por Jeff Nathanson. Para la banda de sonido, regresa el ganador del oscar de la primer versión, Hanz Simmer sin perder absolutamente nada de su talento. La música es una pieza casi fundamental en los clásicos de Disney, y por supuesto el Rey León es de las más icónicas.
Para aquellos que no recuerdan la sinopsis o,simplemente no la vieron: Simba, un cachorro de león, es el heredero al trono en la sabana africana. Su padre, el Rey Mufasa, de quien aprende todo lo que necesita saber para enfrentar su destino. Pero cuando el malvado tío Scar causa una tragedia para apoderarse del reino, Simba termina en el exilio. Ahora, con la ayuda de 2 curiosos amigos, Simba iniciará el camino de regreso a casa y reclamará el trono que le pertenece.-
Esta remake tiene algo seductor que , por lo menos a mi , me atrajo desde un principio y es el reparto de voces que van desde Donald Glover, Seth Rogen, Chiwetel Ejiofor, James Earl Jones hasta la mismísima Beyoncé Knowles. Con un despliegue visual demencial, digno de pagar la entrada al cine más cercano y con mejor sala (si el bolsillo lo permite), El Rey León es una copia más del Clásico que está cumpliendo 25 años , pero no deja de ser una joya para nuestros ojos.

Calificación 7.5/10

Elogio del amor.

Por Rodrigo F Ruiz

El cine, desde sus inicios ha demostrado su capacidad para narrar el pasado, el presente y el futuro.  Esta manipulación temporal evidencia o al menos cuestiona la verdad del relato, al poner en primer plano el tratamiento subjetivo del tiempo. Ricordi? , de Valeriano Mieli, es un relato sobre la subjetividad, sobre el recuerdo y como este se transforma, en el recorrido de una relación amorosa.  Lo que en la literatura se vuelve forzado, en la pintura y la fotografía extremadamente críptico, en el cine es casi su materia prima, su capacidad máxima. Las imágenes y sonidos provenientes de la mente de los protagonistas del filme, sus recuerdos y sus deseos nos configuran un relato que funciona como una multiplicación de espejos, donde el reflejo al transformarse constantemente alude al incesante transformar y re armar de la mente, de los vínculos, de la vida.

En Ricordi? se narran los pormenores de una relación amorosa. Pensemos cómo narrar el amor; en una relación se comparten recuerdos construidos, elaborados, idealizados. La construcción de un pasado y un futuro en común, el tener un testigo de la vida del otro. El amor, en muchos casos consta de compartir el ser con otra persona, abrirse al mundo. Este film lo construye a través de la manipulación temporal, vemos el pasado, el presente de los dos protagonista, hay saltos temporales constantes, prácticamente de plano a plano, lo cual da una profundidad y una forma de narrar contemporaneamente bella. Quizá tan bella como intrigante o bella justamente porque la intriga se construye mediante esta pregunta de lo idealizado y de lo bello y como eso se marchita o mejor decir se renueva para representar y para poder presentar.

El film trata esta tensión constante entre el pasado y el presente, el pasado entrando en tensión con el presente, transformándolo. Es que somos nuestro pasado, pero nuestro pasado es subjetivo y se transforma con cada acción del presente; esto busca representar el film, y lo trabaja sobre algo que el amor o las relaciones amorosas nos fuerzan a enfrentar y es pasar desde la idealización completa a la realidad. El recuerdo idealizado, o  peor petrificado se transforma indefectiblemente con el paso del tiempo y del amor. El recuerdo traumático pasa a poder ser sobrellevado, tamizado , por la complejidad de la vida, complejidad en el sentido de la variante. Aquí se nos muestra dos formas de transformación del recuerdo desde la desidealización en el caso de la protagonista hasta, el dejar de ver todo negro en el pasado departe de el protagonista. El autor, expone esta hipótesis sobre el amor, donde al compartir esta experiencia aprenden a matizar la vida. Así el arte cinematográfico exhibe todos sus trucos, desde el trabajo con el color, que nos permite establecer que tipo de recuerdo expectamos, hasta el puro trabajo de punto de vista de cámara, donde revivimos una misma situación desde la mirada o el tamiz de otro personaje, o del mismo pero con una visión diferente de lo sucedido. La mayor virtud en el film es también su defecto, en la constante manipulación del espacio / tiempo en el film muchas veces no queda aire, justamente se fuerzan ciertas situaciones y al recurrir siempre al artificio se esquiva la crudeza. En este gesto podríamos decir, inquieto del director, hay una falta de sutilezas y una dirección demasiado incisiva sobre el adónde mirar.

Como dije al principio esta forma de narración es la que hace propio al cine, es una forma que despega todas sus facultades. Ricordi se enfrenta tanto con su forma, como con su tema frente a dos cuestiones universales, eternamente tratadas y sale airosa, extremando en la forma y profundizando en el tema logra desde sus minutos iniciales meternos en la particularidad de su tiempo narrativo, y una intensa identificación con sus protagonistas. Este tipo de films muestra  cómo a estos 100 años de cine, el autor puede darse grandes libertades a sabiendas que cualquier espectador podrá seguirlo. Ricordi resulta una película atrayente y recomendable, y una muestra que siempre hay una nueva forma de volver a tratar los temas de siempre. Porque el amor y el tiempo no son solo la materia prima del cine, sino de la vida.

CALIFICACIÓN: 7.5 / 10

Título original: Ricordi?

Estreno: 04.07.2019

Clasificación: Apta para mayores de 16 años

Actores: Luca Marinelli, Linda Caridi, Giovanni Anzaldo, Camilla Diana

Director: Valerio Mieli

Guionistas: Valerio Mieli

Director de fotografía: Daria D`Antonio

Montaje: Desideria Rayner

Producción: Angelo Barbagallo

Ricordi? fue estrenada, en nuestro país, en el marco del “La semana de Cine Italiano”. A partir de el primer fin de semana de Julio puede verse en el BAMA y en el Village Recoleta.   

rfraudiovisual@gmail.com

por Ignacio Festa

“¿Como vamos a hacer? Somos niños”,  le dice Mariel al mono Vivaldi. Este dibujo animado, que habla gracias a la voz de el negro Rada, le dijo a ella y a sus amigos que son ellos quienes tienen que luchar con la empresaria que quiere destruir la selva. Increíblemente, la magia de la naturaleza le permitirá a estos chicos que viven una pequeña ciudad del noroeste argentino entorpecer los planes de una empresa multinacional.

Cara Sucia, con la magia de naturaleza es la nueva película de Gastón Gularte. El film cuenta la historia de Mariel, una chica que vive en la provincia de Misiones, en un localidad cercana a las cataratas. Ella y sus amigos tiene mucha preocupación por cuidar a los animales del lugar y la naturaleza. Después que su papá pierde su trabajo talando árboles, ella y sus compañeros de escuela reciben la visita del mono Vivaldi. Una empresa dirigida por una malvada ingeniera se acaba de instalar en el lugar con el fin de destruir la selva y se ha ganado el agrado de los adultos haciéndoles regalos para que apoyen el proyecto de la compañía. Por este motivo, el mono les dice que son ellos quienes deben luchar por salvar la naturaleza, que con su magia les permitirá a los chicos transformarse en dibujos animados y tener superpoderes.

“Los niños somos el presente señor. El presente y el futuro”, le dice Mariel al comandante del ejército que ha ido a secuestrar a la malvada empresaria. La película transmite como mensaje la capacidad de los chicos de dejar de lado el dinero para hacer valoraciones y defender lo que para ellos es importante. El problema es que la trama se plantea de una manera poco realista y los personajes, en particular el de la antagonista, están demasiado exacerbados. El desenlace de la historia conduce a que los adultos recapacitan sobre su actitud de respaldar a la empresaria y terminan ayudando a los chicos para derrotarla.

Cara Sucia, con la fuerza de la naturaleza es una película que fracasa por su falta de innovación. El papel de los personajes está propuesto sin ningún aporte creativo y transmite un mensaje poco realista. Lo único destacable del largometraje es que incorpora imágenes de la selva misionera y a animales autóctonos como algunos de los personajes animados. La trama se basa en el reiterativo argumento de que los buenos triunfan sobre los malos.

Calificación 3/10

Por Macarena Maidana

Spiderman: Lejos de Casa (Spider-Man: Far From Home, 2019) es la tan esperada secuela de Spiderman: De Regreso a Casa (Spider-Man: Homecoming, 2017). Jon Watts vuelve a ser el director así como el guión otra vez está co-escrito por Chris McKenna y Erik Sommers. Tom Holland vuelve a ponerse el traje arácnido;y junto a él también regresan los personajes interpretados por Jacob Batalon, Zendaya, Jon Favreau, Marisa Tomei, Tony Revolori, Angourie Rice, Martin Starr, entre otros. Samuel L. Jackson y Cobie Smulders, también están presentes como Nick Fury y Maria Hill respectivamente; y a este gran cast llegó el increíble Jake Gyllenhaal como el nuevo villano: Mysterio.

La película retoma luego de lo sucedido en Avengers: Endgame, Peter Parker (Tom Holland) debe lidiar con la tristeza de haber perdido a su héroe y mentor, mientras carga una pesada mochila, la que conocemos como «herencia». Intenta despejarse aprovechando una excursión escolar a Europa, con la intención de hacer cosas respectivas a la edad que tiene y llevar a cabo su plan de conquistar a MJ (Zendaya).
Pero, por supuesto, la tranquilidad no existe en el vocabulario de un superheroe. En Venecia, Peter y sus amigos serán testigos del ataque de un villano compuesto de agua. Poco después de dicha catástrofe, Nick Fury contacta a Peter (Samuel L. Jackson), por lo que pronto conocerá a Quentin Beck (Jake Gyllenhaal ), un superhéroe que viene de otra dimensión (explicando como funciona el multiverso) en donde los Elementales (fuerzas del mal en forma de fuego, tierra, agua y aire) mataron a su familia. De esta manera, Peter Parker no tarda en unirse con Quentin para que Italia no sea un desastre .

El fin de la Fase 3 dentro del Universo Cinematográfico de Marvel, Spiderman: Lejos de Casa llega a la cartelera siendo una agradable secuela. Y lo hace fiel al estilo Marvel,con la cuota justa de comedia y acción, el amigable Hombre Araña logra ser mucho mejor que su predecesora.
Aunque la trama puede volverse un poco previsible para los que conocemos los cómics o a los que les dio curiosidad el papel de Gyllenhaal como para googlear que traje se calzaría, el desarrollo, tanto de, los personajes nuevos como los que ya conocemos esta muy bien adaptado y no deja nada sin explicar.

El lado más adolescente de Peter Parker está súper bien tratado, Tom Holland retruca (una vez más) por qué es el perfecto Hombre Araña. El guión hace un destacado trabajo al relucir lo que realmente es: un chico de 16 años bajo muchísima presión por aceptar el lugar que no le corresponde e intentar ser quien no es.

Por suerte para nosotros, el villano que construye Jake Gyllenhaal es impecable, logra que todos nos lanzemos de cabeza a su Quentin Beck. Hasta me animo a decir que se ubica en el top tres de villanos dentro del MCU.
Y si hablo de un gran desarrollo de personajes, es el momento de Zendaya, la joven se encuentra en un excelente camino actoral y nos regala una genuina y muy querible MJ. (Face it, haters) .

Spiderman: Lejos de Casa es el claro ejemplo que a las segundas partes del amigable vecino, siempre hay que darles una oportunidad. Con una montaña rusa de situaciones que van desde el romance hasta el típico autodescubrimiento heroico, es una espectacular adaptación del gran Hombre Araña.

Por último, pero nunca está demás aclarar, la cinta cuenta con dos escenas post créditos, y si, ambas valen la pena.