Por Agustín Villegas

Y no NUESTRO Hellboy…

Se me hace casi imposible analizar un reboot de un personaje que no tuvo un cierre digno en su primera adaptación. No solo es la insatisfacción de no poder ver el final del arco argumental … sino que las dos entregas dirigidas por Guillermo Del Toro son obras de arte tan intensas que intentar acostumbrarse a un nuevo enfoque es casi imposible. Antes de hablar de esta nueva versión voy a contarles un poco de lo que iba a tratar el cierre de la trilogía del cornudo agente de lo paranormal. Anung Un Rama (Ron Perlman) y Liz (Selma Blair) se convertían en padres de dos pequeños con unas características muy interesantes, uno era angelical pero malvado y el otro demoníaco pero bondadoso. Éstos nuevos personajes iban a verse envueltos en la resolución del conflicto que le da vida al demoníaco heroe, el hecho de que eventualmente iba a cumplir con la profesia de ser la bestia que traería el apocalipsis a la tierra. Ésto desencadenaba en que Hellboy moriría heroicamente en algún punto de la historia el cual se desconoce ¿por qué no llegamos a ver ésta tercera parte? En su momento se decidió estrenar la segunda parte juntito a «THE DARK KNIGHT», haciendo que la facturación del proyecto quede por abajo de lo estimado. Además Guille pidió una torta de guita muy grande para la tercera parte, una plata que el estudio no se animo a poner despues de los numeros de ‘HELLBOY II: THE GOLDEN ARMY’. Si bien las películas de Del Toro no eran adaptaciones fieles al material original se podía sentir el cariño y el laburo artístico del director mexicano y su equipo. Cuanto mas hablo de esas dos obras de arte que tanto quiero mas me enojo pensando en éste reboot, así que saltemos a hablar de éste film.

Hellboy, interpretado por David Harbour, es un demonio educado por los humanos y trabaja protegiendo a la tierra de sus incomprendidos compatriotas del mundo de las criaturas mágicas. El personaje tendrá que elegir un bando cuando la bruja Nimue (Mila Jovovich) regresa de su tormentoso exilio para terminar con el mundo de los hombres.

Y miren que les avisamos eh, todo el fandom les gritaba que no hagan está locura, que no iba a funcionar. La única esperanza era que se enfoquen en el lado terrorífico de los cómics, pero terminan brindando escenas exageradamente perturbadoras que se alejan del terror y se vuelven asquerosas de ver. La historia es un revuelto gramajo de conceptos sacados de los cómics que están presentes solo para hacernos pensar que los guionistas estaban siendo fieles al material original. La película comienza con un enfrentamiento muy a lo ‘Hellboy en México’ pasando por unos flashbacks que intentan contarnos un poco lo visto en ‘Seed Of Destruction’ para luego enfrentar al investigador demoníaco contra unos gigantes sacados de ‘The Wild Hunt’, con el club Osiris y todo incluido. Pasando en limpio, el primer acto busca atrapar a los fanáticos de los cómics pero de una forma tan apresurada que todo quedo apretado y forzado.

David Harbour interpreta a un Hellboy histérico y lloron, un personaje mal construido con el cual los guionistas nos vuelven a intentar tomar por boludos queriendonos hacer pensar que es un tipo sufrido y complejo. El personaje pega gritos dignos de una spoof movie noventera. Los personajes secundarios tienen subtramas que se supone que tendrían que darle riqueza a la trama, pero el efecto es completamente inverso, uno quiere apartarlos para seguir prestandole atención a los monstruos, único elemento que hace de ésta película algo medianamente mirable, pero tengo un párrafo reservado para los escasos puntos a favor de este nuevo Hellboy.

Puede que ésto se deba a la inevitable comparación que uno hace con las películas de Guille Del Toro (prometo intentar dejar de nombrarlas), pero la puesta en escena se ve MUY berreta. Los ambientes son indignos para un personaje tan potente como Hellboy, hay una fotografía muy fuera de lugar, con una iluminación mal puesta. La carencia de sombreado y la inestabilidad visual del ambiente hace que cueste concentrarse en la película, hasta los sets se ven poco creíbles. Las escenas de acción son dentro de todo buenas, se puede notar una inspiración muy palpable de los video juegos de ‘GOD OF WAR’, pero la violencia excesiva y los momentos perturbadores (MUY perturbadores) se convierte en otro truquito para que el espectador promedio se distraiga del pesimo argumento.

Tocando algún que otro punto positivo es probable que si la ven con los sentidos alterados por alguna sustancia a su elección puede les saque alguna que otra sonrisa, tiene chistes que rosan lo bizarro. Las criaturas de la película estan MUY bien diseñadas y animadas, el rostro de Hellboy funciona mucho mejor de lo que pense en cámara. El trabajo de efectos especiales pareciese que se hizo por dos empresas distintas, por momentos brillan y por otros son malos con ganas. Otro detalle que me emociono y que no recordaba que iba a estar presente fue la fugaz aparición de Lobster Johnson, un agente cazador de nazis, interpretado por Thomas Haden Church, un pequeño abrazo entre tanta decepción.

¿HELLBOY es peor o mejor de lo que esperaba? La respuesta es … ninguna de las dos. Desde el principio las espectativas eran bajas, por lo que la desilusión estuvo presente pero no fue un golpe tan duro. Esperen a poderla ver en sus casas, porque van a sentir que tiraron la plata yendola a ver al cine.

Por cierto … ahora que este reboot fue un fracaso ¿¿podríamos llegar a ser bendecidos con una ‘HELLBOY III’?? Permitanme soñar con que sí. El estudio tuvo que haber sido conciente de los riesgos de estrenar algo tan mediocre en medio de grandes proyectos como ‘SHAZAM!’ y ‘AVENGERS: ENDGAME’.

Calificación: 4.5/10

Por Rodrigo F. Ruíz

Sobre las dificultades de volverse invisible
En estos tiempos en que nuestras vidas cada vez más son pantallas, tiempos de red como telaraña, de soledades conectadas, de distancias, el filme “Una chica invisible” de Francisco Bendomir, estrenada esta semana en el BAFICI, llega como una de esas obras que al tocar temas tan actuales son interesantes a priori.

Existe una inquietud compartida socialmente y a esta inquietud, a esta molestia, a este choque en las formas de relacionarse, la película responde con el humor. Comedia dramática, ya que en tono ligero se pone en juego la vida de los protagonistas, el voyeurismo ( pasión de la contemporaneidad) se pone en cuestión, es que lo que vemos ( y ve el protagonista ) al otro lado de la pantalla son un conjunto de tragedias individuales.
Los minutos iniciales del film son ilustrativos en cuál será el tono y el ritmo del audiovisual. Vemos un intento de suicidio pero la suicida para lograrlo mira un tutorial en you tube. Vemos a una niña que juega con un cuchillo, el accidente será festejado, ya que al estar grabandose, el numero de visitas a su canal se incrementa. Este es el terreno del film, entre la tensión, la puesta en riesgo de los personajes y la banalidad, la liviandad de lo actual.
“La chica invisible”; como no podía ser de otra forma, se desarrolla en espacios cerrados, donde cada uno de los protagonistas tiene su lugar diferenciado, característico. Hay un trabajo importante de la dirección de arte en este aspecto. Al cada personaje tener su propio lugar se elabora un tratamiento particular de la soledad en que habitan. Pensandolo es un film que prácticamente carece de planos conjuntos, cada personaje tiene su encuadre, su arte, y permanece aislado del resto. Esto se esclarece por contraste, cuando vemos el desayuno entre padre e hija, y este si, se nos muestra con ambos personajes en cuadro, lo que se marca, lo que notamos es la distancia entre ellos, un desayuno sin mirarse, un desayuno frente a pantallas. Este énfasis en la desconexión, en la mediación en las relaciones abunda en la película siempre tratado desde el humor.
En síntesis, el film cuenta con grandes actuaciones, un buen ritmo y logra despertar risas. En épocas de transparencia obligatoria, de completa visibilidad, la chica invisible logra entretener reflexionando sobre las dificultades del volverse invisible.

Calificación: 8/ 10

FICHA TÉCNICA
Guion y Dirección: Francisco Bendomir
Producción: Vanesa Weimer, Francisco Bendomir
Director de Fotografía: Mariano de Rosa
Dirección de Arte: Luis Montoya
Sonido: Fernando Ribero
Música Original: Pablo Crespo
Duración: 80 minutos
Género: Comedia/Drama
Año: 2019
Idioma/s: Español | Japonés
País de Origen: Argentina

ELENCO
Andrea: Andrea Carballo
Daniel: Javier de Pietro
Mauro: Pablo Greco
Juana: Lola Ahumada
Diógenes: Leandro Martín López
José: Claudio Torres
Andrea Niña: Rory Widd
Daniel Niño: Lennon Acero
Cacariana: Amancay Kazgudenian
Arcel: María Rosa Fugazot

ESPECIAL BAFICI – La Butaca WEB es Prensa Invitada del 21º BAFICI (3 al 14/4/2019).

EL DIABLO BLANCO (@eldiabloblancofilms) País: Argentina – Distribuidora: Magma Cine (@magmacine) / Director: Ignacio Rogers / Intérpretes: Ezequiel Díaz, Violeta Urtizberea, Julián Tello, Nicola Siri, Martina Juncadella.

Sección: COMPETENCIA OFICIAL VANGUARDIA Y GÉNERO (Premiere Mundial).

Funciones: Sábado 6 Abril 20.35h. Multiplex Belgrano / Domingo 7 Abril 14.35h. Multiplex Belgrano / Miércoles 10 Abril 22.55h. Cine Gaumont.

Crítica: CJ COLANTONIO.

Una película que se queda a medio camino para quien tiene conocimientos sobre los clásicos films de clase B norteamericanos de los ochenta ó noventa como Pesadilla o Cementerio de animales, de los cuales -según las palabras del director en su última proyección en el BAFICI- él se basó.

Esta sin embargo tiene esa marca donde los personajes son adolescentes en plena tormenta hormonal que se van de campamento y los ataca un ser diabólico.  Como digo, está a medio camino, porque el campamento –aquí la cabaña- y el bosque están, y el ser diabólico también, casi obvio como reza su título. También circundan los diálogos vacíos que tanto bien le hacían a este género de culto, porque lo importante era la irrupción de una escena altamente erótica para que el ser diabólico atacara.

Lamentablemente para quienes respetamos éste tipo de marca de género -como lo ha demostrado Tarantino también- carece de escena erótica, hay poca sangre a excepción de prometedor inicio- y hay diálogos que comienzan a erigir una trama donde se habla de un posible embarazo; la que es completamente innecesaria.

Calificación: 3/10.

Por Bruno Glas

La pasion manda

La Roca es alto, corpulento, inmenso. Cuando aparece sonríe, simpático, como con picardía. No tiene más de media hora en pantalla, pero ese magro tiempo le alcanza para brillar con luz propia. La Roca es, en el mundo de la lucha libre, uno de sus representantes. Es posible que no todos lo sepan, y el epílogo, con cierto humor, lo deja bien clarito: Dwayne “La Roca” Johnson se dedicó a la actuación después de dejar este deporte.

En “Luchando con mi familia” a quien primero vemos aparecer es a La Roca. Me explico: no lo vemos interpretando a un personaje, lo vemos haciendo de sí mismo. Para ser más preciso, lo que vemos de él es un footage, una imagen de archivo. A través de la pantalla de un televisor, lo vemos ingresar al cuadrilátero. Esa pantalla es la que, muy emocionado, mira un pibe que sueña con estar ahí algún día. Llega su hermana menor, y rápidamente cambia de canal. La pelea que sigue entre ambos se resuelve con un gag brillante y preciso, que nos presenta a los padres. Los Knight (nunca tan acertado el apellido) son una familia de luchadores, y la lucha como tal adquirirá en el film varios sentidos. Es la lucha de Paige, por formar parte de la WWE, algo así como la compañía más grande de lucha libre del mundo. La de su Zak, que enfrenta la decepción de no haber sido seleccionado para formar parte de ese mundo con el que tanto soñó, a diferencia de su hermana. La pelea final por el título de campeón, que decidirá la suerte de Paige… y la de la película misma. El film fusiona acertadamente los momentos cómicos con los elementos más dramáticos, con un pulso que hace que el ritmo no decaiga nunca. Y así logra un humor con mucha ironía pero sin caer en el cinismo fácil (ver, por ejemplo, el genial encuentro entre la familia protagonista y los padres de la novia de Zak), y una profundidad dramática que esquiva como si fuese una trompada la tentación sentimentalista. “Luchando con mi familia” se inscribe en el subgénero de film deportivo, donde el triunfo del que se hace desde abajo tiene un lugar acuciante, y con esta premisa nos encaja un knock-out con toda la energía posible. Stephen Merchant confía en una narración clásica, construyendo en el camino personajes memorables: desde el padre de Paige, suerte de hooligan bruto pero de buen corazón, hasta sus compañeras de entrenamiento, que desarman el estereotipo que a simple vista podían encarnar. Sin dejar de lado tampoco al entrenador de la WWE, un Vince Vaughn imperturbable, y responsable de algunos de los mejores chistes del filme.
Sólo cuando la película muestra el conflicto entre los hermanos, con pelea en el bar de manual, tambalea un poco. Allí el peso dramático se torna explícito, poniéndose por encima de lo que, hasta el momento, era una narración ligera y atrapante. Pero el filme culmina de la mejor manera posible. Paige, insegura pero valiente, sube al ring a dar pelea. Y nosotros, detrás de la pantalla, subimos con ella.

Nota: 8/10

PARQUE MÁGICO (Wonder Park) País: E.E.U.U. – España / Director: David Feiss, Clare Kilner, Robert Iscove. / Estreno en Argentina: Jueves 11 de abril de 2019. / Crítica: CJ COLANTONIO.

Esta película coproducida por Estados Unidos y desarrollada en ordenador por “ilion Animation Studios” -compañía española afincada en la localidad madrileña de Las Rozas- no es un simple relato de aventuras y comedia.  Producida en conjunto por Paramount Animation y Nickelodeon Movies, cuenta con las voces de Matthew Broderick, Jennifer Garner, y Mila Kunis, entre otros, aunque es posible que la vean doblada.

Es una experiencia inmersiva si optan por verla en 4D.  No sólo en lo que se refiere a esta maravillosa tecnología, sino porque su temática está pensada para grandes y chicos, con lo cual no tiene nada que envidiarle a ningún otro estudio, menos a Disney, quienes con sus equívocos relatos, han dado nacimiento a nuevos exponentes.

La temática que tiene que ver con aprender a superar las situaciones irremediables de una manera positiva, da muestra del desastre que puede suceder a nuestro alrededor si -por el contrario- optamos por enrabiarnos con los problemas que de seguro se presentarán en nuestra vida.  Con una duración perfecta, avanza por el drama de manera concisa para enfocarse en la importancia de lo que nuestra imaginación puede hacer si se toma en serio. ¡Recomendable!

Lo único que podría llegar a criticar negativamente es cómo los personajes adultos parecen están viviendo en un idilio hasta en los peores momentos, como si tuvieran un conocimientos superado en todos los aspectos.

Calificación: 9/10.

ESPECIAL BAFICI – La Butaca WEB es Prensa Invitada del 21º BAFICI (3 al 14/4/2019).

Il primo re (Título inglés: Romulus & Remus — The First King) / Coproducción: Italia y Bélgica / Director: Matteo Rovere.  

Idiomas: Proto-itálico

Sección: Nocturna (Premiere Latinoamericana).

Funciones: Lunes 8 Abril 17.35h. Multiplex Belgrano / Jueves 11 Abril 17.10h. Multiplex Belgrano.

Crítica: CJ COLANTONIO.

Matteo Rovere sorprende con IL PRIMO RE, película histórica sobre el mito de la fundación de la ciudad de Roma, lugar de nacimiento de este director italiano.  Sorprende, al revisar su trabajo, los que se asentaron principalmente en la comedia, luego con VELOZ COMO EL VIENTO sobre una piloto de carreras, cinta con la que se alzó con los más importantes premios David Donatello, que otorga la Academia del cine italiano.

En esta, se concentra en el periplo que emprenden los hermanos Rómulo y Remo, y lo hace de una manera que nos hunde en el fango, desde el idioma en que fue rodada –un latino arcaico- hasta en la mugre y las vestiduras realistas del  700 Antes de Cristo, algo carente hasta el absurdo en películas hollywoodenses.

El relato se centra en Remo, a quien da vida uno de los actores italianos más reconocidos del momento, Alessandro Borghi. Y les regalo una de las frases finales de Rómulo que no les quitará ningún misterio a increíble película, bellísimamente fotografiada y con escenas de acción en medio del bosque que es para deleitarse.  Dice algo así: – Del dolor y la sangre de mi hermano se erige Roma, que no se olviden que el futuro se erigió del dolor.

CALIFICACIÓN: 8/10.

Por Ignacio Festa

Hojas Verdes del Otoño es una película que cuenta la historia de Dante, un chico que  vive junto a su familia en un pueblo rural. El padre de Dante es adicto al alcohol, por lo que su madre trata de ser el sostén de la casa. La conducta de su marido y la ausencia del hermano mayor de Dante, que huye de la casa y se la pasa pescando en el río, hacen que la situación familiar sea insostenible. Los abuelos  han enviudado hace tiempo. Reciben a sus nietos en su casa para merendar o para que pasen la noche, pero los enfrentamientos con otros integrantes de la familia y los obstáculos que impone la vejez hacen que no logren cumplir rol de adultos. Dante es nexo de esta familia dividida y contiene a sus seres queridos, brindándoles apoyo emocional y contención.

Al estar adentrándose en la adolescencia, Dante se encuentra en constante búsqueda. Las inquietudes que despierta salir de la niñez generan que empiece a buscar nuevas respuestas y cuestionarse la situación a la que se debe enfrentar. Empieza a descubrir el papel que cumple su padre en el ámbito familiar. Su ausencia, su adicción, una enfermedad hepática de la cual no se hace cargo, el engaño y la falta de afecto hacen que Dante empiece a replantearse el lugar que le toca ocupar. A su vez, la atracción por Melisa, una chica del colegio, lo lleva a enfrentarse con otros compañeros y lo obliga a luchar por sus sentimientos. Esto transcurre en medio de un pequeño poblado rural, donde las habladurías y las rivalidades suceden de forma latente.

Hojas Verdes del Otoño es la nueva película de Fabio Junco y Julio Mindú, en la cual tuvieron el desafío de integrar el trabajo de reconocidos actores y el de los vecinos de Saladillo, con los que realizaron el proyecto Cine con Vecinos. En su ciudad natal, los directores se propusieron producir películas con la actuación de los vecinos, adaptando los personajes a la sus capacidades y sus cualidades. Han logrado recrear a los personajes característicos que se repiten en los pueblitos rurales, los cuales no se ausentan en esta nueva producción.

El film busca mostrar cómo, ante situaciones familiares adversas, los chicos toman el papel de los adultos. Se ven expuestos a soportar la incomunicación y la falta de atención de sus familiares y se hacen cargo de problemas que no son su responsabilidad. A su vez, la historia, al estar ambientada en un pueblo, se vuelve un testimonio verídico de cómo es la vida cotidiana en los pueblo pequeños, la cual está demasiado idealizada pero que aun así tiene sus miserias

Calificación 10/10

Por Bruno Glas

Pocos géneros son tan indisociables del cine como el coming of age. Repasemos la definición básica: una historia de crecimiento, donde el personaje es siempre un chico o chica que transita los cambios de una etapa, por lo general de la niñez a la adolescencia. Y, obvio, lo que se narra tiene que ver con el aprendizaje del protagonista en este pasaje. Si bien se trata de un género que tiene sus raíces en la novela, el vínculo con el cine tiene que ver con el registro de este desarrollo, asociado al movimiento. Tenemos ejemplos para rato: de Los cuatrocientos golpes a Boyhood, pasando por Cuenta conmigo y Mid 90’s (nunca estrenada y muy recomendable, de paso).
Hojas verdes de otoño es, ni más ni menos, un coming of age. Pero su mayor problema es de registro: la mayor parte del metraje da la sensación de algo estanco, sin movimiento alguno. Son varias las escenas en que vemos al personaje de Dante, un pibe de unos doce o trece años, interactuando con sus familiares o con aquellos más cercanos que lo rodean. Y en su mayoría se trata de planos medios, con los personajes discutiendo, pero sin moverse. Esta quietud, por mejor encuadrada que esté, genera un estatismo que termina por ser tedioso. A esto debemos sumarle la dirección de actores. Tanto cuando la cámara muestra el rostro de alguno de ellos en primer plano, como cuando se concentra en los diálogos, lo que hay es una afectación impostada, con un tono enfático. Como si los directores, incapaces de crear un clima de tristeza con las imágenes, dijeran a puro golpe de guión “acá tienen que emocionarse”. Por momentos, la mirada de Dante se muestra capaz de lograr cierta profundidad: el chico debe cargar con las diversas complicaciones de su entorno mientras crece, y en su accionar independiente del mundo adulto es donde mejor se ve el aprendizaje del personaje. Pero claro que ni él parece ser capaz de cargar sobre los hombros una puesta en escena mayormente chata.

Nota: 3/10