Por Daniel Alvarez

El cine dirigido hacia el público adolescente, pasó por una época en el que se realizaban adaptaciones de novelas de ciencia ficción hasta el hartazgo. Este género se fue apagando de a poco a medida que llegaban films con una calidad cuestionable, y que tampoco resultaban rentables en la taquilla. Este tipo de cine tomó un nuevo rumbo, el de adaptar dramas adolescentes, en la que hemos tenido cintas interesantes como Extraordinario, Las ventajas de ser invisible, entre otros. Lamentablemente ya se está sintiendo aquel abuso al género, donde hemos tenido bazofias como After o Cada día, solo siendo llamativas para un número reducido de espectadores, los lectores de los libros. El sol también es una estrella es una película que llega callada dentro de este género, y si bien puede resultar algo fantasiosa e inverosímil, se coloca como un film entretenido y con un interesante punto de vista sobre el tema de la inmigración.

La protagonista pertenece a una familia proveniente de Jamaica, debido a una redada aleatoria que se hizo en el bar donde trabaja su padre, deberán abandonar los estados unidos por encontrarse viviendo ilegalmente. Ya su familia resignada a tener que irse a su hogar, ella busca hasta el último recurso para quedarse, y es en el camino donde se encuentra con un chico surcoreano, con el que tendrá un fugaz romance. Quizá el punto flaco de la historia, es la forma en que se lleva a cabo esta historia de amor, tomando como excusas las casualidades y el destino para su encuentro, y que por ello deben estar juntos. Aún así su recorrido es interesante, ya que todo sucede en un solo día y logran dar un correcto desarrollo a los personajes.

Los protagonistas Yara Shahidi (Black-ish) y Charles Melton (Riverdale) están correctos en sus papeles, aunque obviamente caen en los clichés de su guión, pero a pesar de todo existe química entre los personajes , haciendo creíble su relación, más allá de la fantasía.

El sol también es una estrella es una película correcta y entretenida, que para ser dirigida al público juvenil, está muy bien lograda en comparación a los últimos estrenos dentro de este subgénero de dramas adolescentes. Mantiene un planteo interesante sobre el tema de la inmigración, aunque no se les escapan los diálogos lleno de clichés y situaciones un tanto inverosímiles. Es una película que que denota carisma desde su sencillez, aunque no esté abierto a todo el público.

Calificación 6.5/10

Por Rodrigo F. Ruiz.

UglyDolls- ¡Que vivan los feos!

En toda película para niños siempre me llama la atención lo que los grandes estudios norteamericanos suponen que es mostrable y lo que no. En este género tan particular donde conviven los recortes que rozan la censura, UgglyDolls es un caso más aunque con algunas particularidades.
La película trata sobre el deseo de un juguete rechazado/defectuoso por convertirse en un objeto de consumo,o en otras palabras por convertirse en el juguete de alguien. El mercado, la compra y la venta serán omitidas en la película, aquí primará la elipsis cuando el hecho, la consumación del deseo se concrete.
En lo que sí, la película hará énfasis en mostrar es en el proceso de formación y tormento por el cual la protagonista debe pasar para convertirse en el juguete de alguien. Es significativo el hecho que en la mayor parte de la película se resalta la tenacidad de Moxy ( la protagonista, el juguete feo) por adecuarse a las reglas de un sistema totalitario y penitente. Podemos decir que la película plantea la problemática de la vida en una sociedad donde a todo ser (u objeto en este caso) se le exige venderse y mostrarse como en una vitrina de supermercado. Y la película nos lo cuenta desde los excluidos de este sistema, desde los juguetes rechazados, lo hace de una forma en donde no encuentra alternativas o ni siquiera las plantea, es más, la película realiza un festejo de la tenacidad de los excluidos para enfrentar a las exigencias absurdas que le presenta el sistema, sin contradecirlas. Los personajes obedecerán hasta el absurdo; su único dolor y el nuestro como espectadores será cuando se enteren que nunca tuvieron chances reales de ser comprados por alguien.
Ahora, fuera de la crítica ideológica, en la cual UglyDolls es similar a todas las películas que pertenecen a este particular género ( aunque por lo menos Buzz Lightyear tomaba consciencia de ser un producto), el problema de Ugly Dolls en mi humilde opinión es su realización en general. Si podemos tomar casos similares en donde la realización, la épica, el humor remediaban carencias éticas de los filmes, esta no es el caso. Ugly Dolls contiene un conjunto de personajes indiferenciados entre sí, el grupo de amigos que parte a la aventura son tan chatos como los que se encontrarán más adelante, los traídos al mundo para ser puestos en una vitrina. Retaría a alguien que salga del cine y pueda nombrar a los amigos de Moxy, es imposible. Sumando que los segmentos musicales, en las que tanto Disney como luego Pixar brillaban en su realización, ahora se estancan en animaciones básicas.
En síntesis, Ugly Dolls plantea un acercamiento interesante desde su temática a nuestra sociedad actual, al poner el foco en los excluidos del sistema, la cuestión es que su ejecución es nefasta. Si el 70% de la película es mostrar esta adecuación a cualquier precio por parte de los personajes al mundo de la compra/ venta, no hay happy end que la salve. Sobre lo que se puede o no decir, tengamos en cuenta que esto se encuentra bien controlado, sobre lo que es bello y lo que es feo, deberíamos saber que la belleza ( o la fealdad) de Moxy y sus amigos era lo que los hacía únicos en este mundo totalitario propuesto por el film. Si la fealdad es el arma para permanecer fuera del ambiente concentracionario que es el proceso de selección de juguetes ¡Que vivan los feos!

Calificación : 3/ 10

Por María Luz Stella 

Mercedes se despierta casi a la hora de la siesta, enciende un cigarrillo, va al baño, luego se dirige a la cocina, se sirve café y enciende otro cigarrillo. Empieza a preparar un tuco para comer pasta con su hijo, mientras corta los vegetales conversa por teléfono con una amiga… Es en ese momento en el cual comienza un diálogo que parece interminable hasta el clímax de la película. Pero volvamos al inicio. Mientras se cocina el tuco, Mercedes (interpretada por Mónica Raiola) va realizando distintas tareas hogareñas como doblar ropa y lavar. En montaje paralelo vemos como el personaje de Mirna (interpretado por Maruja Bustamante) recorre en bicicleta las calles de tierra de un pueblo o pequeña ciudad ubicada en las afueras de Buenos Aires. La película inicia con un ritmo lento para el ojo acostumbrado al cine comercial, porque muestra casi como en un tiempo real lo que cada una va haciendo hasta el momento del encuentro. Con un dejo del cine oriental, la directora decide mostrar los detalles de cada acción para que acompañemos a estas mujeres en sus recorridos por la vida diaria.

Como bien dijo la directora, y logra verse reflejado en esta obra, hay un interés por indagar en la palabra y su uso desmedido para ilustrar un universo femenino específico en una película que tiene como base la cotidianidad y la conversación, con una simpleza en cuanto a lo técnico, logra construir una historia firme que deja abiertas las puertas para la reflexión.

Se estrena en las salas el jueves 16 de mayo.

Ficha técnica:

Guión y dirección: Azul Lombardía

Producción Ejecutiva: Lucas Mirvois, Pablo Ingercher y Ramiro Pavón.

Producida por: La Maldita y Oh My Gómez! Films

Dirección de Fotografía y Cámara: Eric Elizondo

Dirección de Arte: Santiago Badillo

Montaje: Nicolás Goldbart

Vestuario: Victoria Nana

Maquillaje y Peinado: Lorena Superville

Dirección de Sonido: Maxi Gorriti

Música Original: Mariano Otero

Con dirección de Luciano y Nicolás Onetti, guion cinematográfico de Carlos Goitia, Luciano Onetti y Nicolás Onetti, una película, argentina, del género policial, filmada en el 2018, estrenada en sala, el 9 de mayo,pasado.

Con la actuación de Germán Baudino encarnando a Lorenzo, un mago de unos cuarenta años, quien heredó el oficio de su padre, quien es conocido como “Gran Dante”.

Lorenzo vive una seguidilla de asesinatos de mujeres, que pertenecen a su círculo. A medida que avanza la película, la muerte lo persigue, y no hay ninguna pista que pruebe su inocencia, pero tampoco no hay huellas de culpabilidad.

En ABRAKADABRA, haciendo homenaje al gran Houdini, todo es misterio. Tiene un estilo de dirección que recuerda mucho a las películas de terror más que al género policial.

Todos se convierten en sospechosos, tampoco hay indicios de inocentes.

Un film donde la muerte la intenta atajar a la locura. No contamos más para motivarlos a verla.

La peli fue filmada en las ruinas de Epecuén, que fue adquirido por NETFLIX. La película se presentó en el Marché du Film (Festival de Cine de Cannes), dentro de la sección “Upcoming Fantastic Films” de Blood Window, y tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Sitges, España; el festival más importante de cine de género a nivel mundial. Además fue seleccionada por otros festivales como ser: SITGES 2018 (Premiere Mundial, España), Frightfest (San Sebastián (España), Imagine (Holanda), Nocturna Madrid (España), Molins de Rei (España), Obscura Berlin (Alemania), Night Visions (Finlandia), Abertoir (U.K.), Mar del Plata International Film Festival (Argentina), Buenos Aires Rojo Sangre (Argentina), Mórbido (México), Zinema Zombie Fest (Colombia), Montevideo Fantástico (Uruguay), Insólito (Perú), Horrorant (Grecia), Blood Window Film Festival (Argentina), 15th Grossmann Fantastic Film and Wine Festival, Black Nights Film Festival (Estonia) y Bloody Weekend Film Festival.

Calificación 5/10

Diana Decunto – Reseña inboxmatutino@gmail.com

Por Ignacio Festa 

“Si estás vestida así es porque esperas a alguien”, le dice Mirna a Mercedes después de recalcarle que se le ve la ropa interior. Está convencida que mercedes es la amante de su esposo y la ha visitado con el único objetivo de enfrentarla.

Doberman es la primera película de Azul Lombardía, basada sobre la obra de teatro que presento en el ciclo de óperas primas del Centro Cultural Rojas en 2013. Interpretado por Mónica Riola y Maruja Bustamanente, el film trata sobre la conversación que Mercedes mantiene con Mirna en la cocina de su casa. Mientras espera que su hijo regrese, prepara un tuco para recibirlo con un plato de pastas. La visita de Mirna no es una casualidad: cree que su marido le es infiel con la dueña de casa y ha ido hasta allí en busca de una respuesta. El encuentro hará que las realidades de las dos mujeres se vean enfrentadas y termine de la peor manera: una tragedia doméstica.

La película busca retratar las habladurías que se gestan entre vecinos y como la envidia, el prejuicio y la hipocresía  repercuten en la vida de barrio. La personalidad de los personajes se va construyendo a través del diálogo. Si bien la conversación entre Mercedes y Mirna tiende a extraviarse, como suele ocurrir en cualquier charla ocasional, el espectador logra conocer la identidad de las protagonistas. El modo en que está filmada la película hace que el espectador se sumerja en ese mundo y presencie lo que ocurre en la película como si formara parte de la escena. A medida que la película avanza, las mujeres se irán embrollando cada vez más en la conversación, llevando al encuentro a un final inesperado.

A su vez, el film deja un mensaje de género acerca de una cuestión que afecta a ambas mujeres: la ausencia de la figura masculina. Mercedes es divorciada y, si bien vive con su hijo, pasa mucho tiempo sola porque el muchacho suele ausentarse en la casa. Mirna es madre de seis hijos, es consciente de que su pareja muestra poco interés en cumplir su papel de padre y esposo, pero se siente en la obligación de retenerlo para poder garantizar el sustento económico de su familia.

Doberman logra representar desde la cotidianeidad tanto miserias de estas mujeres como una problemática femenina que las damnifica a ambas. La cercanía de las circunstancias donde transcurre la historia hace que el mensaje que la película busca transmitir sea tangible para el espectador. La propuesta no carece de imaginación y creatividad como de verosimilitud. En un lugar cualquiera, donde parece que nada extraño puede llegar a ocurrir, suceden acontecimientos fuera de lo normal.

Calificación: 7/10

Por Macarena Maidana 

Maestras del Engaño (The Hustle,2019)  es una remake de la película de 1988 , Dos Pícaros Sinverguenzas . Protagonizada por Anne Hathaway y Rebel Wilson, ambas maestras del arte de la estafa se conocen en un viaje y deciden hacer equipo para mejorar sus habilidades y atacar a su próxima víctima: un multimillonario del negocio de la tecnología.-

Penny (Rebel Wilson) es una estafadora de poca monta que se dedica a estafar hombres por redes sociales, mientras que Josephine (Anne Hathaway) es una estafadora de que se dedica a engañar a lo grande. Ambas se cruzan en un viaje y no tardarán en establecer alianzas para ganar más dinero del que poseen actualmente.

Siendo este el debut como director de Chris Addison, yo diría que es un paso en falso. Lamentablemente el guión está cargado de chistes malos, los típicos chistes que hacen referencia al aspecto físico de Rebel Wilson en cada una de las películas que protagoniza. Quizás hubiese funcionado de una mejor forma sin hacer tanto hincapié en la contraparte que se da entre Anne y Rebel, “la gorda y la flaca” es una puesta en escena que ya vimos mil veces, desaprovechando por completo el talento para la comedia tanto de Hathaway como de Wilson, que hicieron lo que pudieron con lo que les dieron.

Por eso, Maestras del Engaño es eso, un engaño al espectador que va a salir completamente víctima de esta película que tenía bastante para dar pero lo desaprovechó.

TITULO: Maestras del engaño

TITULO ORIGINAL: The Hustle

DIRECCIÓN: Chris Addison.

ACTORES: Anne Hathaway, Rebel Wilson.

GUION: Stanley Shapiro, Paul Henning.

FOTOGRAFIA: Michael Coulter.

MÚSICA: Anne Dudley.

GENERO: Comedia .

ORIGEN: Estados Unidos.

DURACION: 94 Minutos

Calificación 4/10

Por Ignacio Festa

Cruz se mete dentro de un túnel oscuro. La luz se ve al final del pasadizo, donde el camino vuelve a salir al aire libre. Mientras maneja el patrullero, escucha en el mp3 el audio de una conversación del asesino con una psiquiatra del hospital donde está internado. El esposo de su amante, principal sospechoso del crimen de su mujer, dice que hay una voz en su mente que le dice reiterativamente “muere, monstruo, muere”. Cuando Cruz vuelve en sí se encuentra detenido a un costado de la ruta. La ilusión del sospechoso de que el culpable de degollar a las mujeres es un monstruo empieza a atraparlo a él también.

Muere Monstruo Muere, la última película de Alejandro Fadel, es un thriller acerca de cómo el policía rural Cruz se enfrenta a la investigación de una sucesión de asesinatos. En zona de precordillera, varias mujeres aparecen decapitadas y parecen haber sido corrompidas. Francisca, la amante del policía, se convierte en una de las víctimas cuando aparece degollada en un descampado. En la escena del crimen, los compañeros de Cruz encuentran a David, esposo de la víctima. El marido, que es un desequilibrado mental, se vuelve el principal sospechoso del asesinato y es encerrado en un Psiquiátrico. Cuando habla con los médicos, David dice que el culpable de los crímenes es un monstruo y que escucha una voz en su cabeza que le susurra constantemente “muere, monstruo, muere”.

La resolución del caso terminará volviéndose una causa personal para Cruz. El policía siempre le reprochó a su amante no poder desprenderse de la carga que significaba su marido. Luego del asesinato de Francisca las cosas cambian. Cruz comienza a dudar de la existencia del monstruo. Empieza a perseguirse y obsesionarse com que el culpable de los asesinatos es un ser sobrenatural. La historia de David, al que él había descalificado tantas veces por su falta de cordura, se vuelve un tormento también para él. El hallazgo de una nueva víctima terminará desenmascarando al culpable de los asesinatos y hará que los personajes se choquen con algo peor que sus pensamientos.
Muere Monstruo Muere es un thriller que pierde su fuerza por querer ser una crítica a la violencia de género. Es atractivo porque propone utilizar la locura para generar suspenso. Encuentra el modo de retratar cómo los pensamientos pueden afectar lo que se presenta en la realidad, basándose en la distancia entre la razón y el delirio. Pero utilizar a un monstruo como vehículo para hablar de la violencia contra las mujeres se torna osado e inverosímil. La película se termina resolviendo de una manera desalentadora y poco atractiva que buscaba ser impactante y terrorífica

Calificación 5/10

Por Bruno Glas

Lo mínimo prescindible

Una de las principales discusiones que, dentro de la crítica, suscitó el cine nacional hacia mediados de la década anterior, tenía que ver con la tendencia minimalista por la que apostaban muchos de los filmes del momento. El llamado “Nuevo Cine Argentino”, surgido en la década del noventa, hace rato ya se había consolidado. Los directores de esta camada tenían en su haber más de tres películas, y era posible asociar su nombre a caracteres determinados de su cine. Caetano, Trapero, Martel, Burman, Alonso y la lista sigue: cada uno de ellos había afianzado ya un estilo propio, asociado a una mirada sobre el mundo. Pero ocurre que el cine argentino de la década siguiente se mostraba imbuido de una cierta apatía. A diferencia de la corriente anterior, no había personajes delineados con particularidades, con rasgos definidos; se los veía abúlicos, desganados. Las intenciones de contar, de narrar de forma clásica, también parecían haber sido desplazadas. Se veía más bien el intento por construir ciertos climas, pero esta decisión terminaba por llevar el relato hacia una suerte de abismo nadista. El universo de estas películas desembocaba, entonces, en una especie de apatía y desidia vital. Claro que después llegaría “Historias extraordinarias” y este panorama volaría por los aires, pero esa es otra historia.
Todo esto viene a propósito de “Traslasierra”. Es que la película de Juan Pablo Sasiaín apela al minimalismo como fondo, contando una historia simple. Es cierto que logra construir personajes definidos, pero en su decisión de narrar con una distancia prudente termina por diluir cualquier conflicto. La trama sigue a Martín, interpretado por el mismo director, un artista joven que, junto a su novia, vuelve a la casa de su padre ubicada en las Sierras. Allí se encuentra con Coqui, una amiga de la infancia, que es ahora madre soltera, y por la que Martín aún tiene cierta atracción. Descubrirá que la hija de su amiga bien podría ser la suya. Al mismo tiempo recibe la noticia de que su actual pareja está embarazada, y sabe que su padre se halla en los últimos momentos de su vida.
Hay un acierto por parte del director, y es el de manejar las situaciones que rodean al protagonista con discreción, evitando cualquier sobresalto o dramatismo exagerado . Esto se muestra en la puesta de cámara: por ejemplo, en los momentos donde Martín y su novia están juntos en la cocina. Ella ya intuye que él siente algo por Coqui. Vemos muy poco de ambos: un plano escorzo que muestra apenas una parte del rostro del protagonista que le pregunta qué le sucede, mientras que ella permanece desenfocada. Esta escena por sí sola basta para mostrar la tensión que se percibe entre los dos. Lo mismo en la cena entre los tres personajes, cuando la incomodidad aparece siempre a través de lo que nunca se dice, pero se puede intuir perfectamente. Ahora bien: así como el tono bajo, contenido, resulta muy adecuado en estos momentos, también termina por anquilosar a la mayor parte de la película. Es que el desarrollo minimalista no parece otorgarle a la película mayor vuelo. Los miedos de Martín frente a los diversos problemas que lo atraviesan se exhiben casi siempre mediante diálogos que muy poco aportan (ver, sino, las múltiples conversaciones con su padre). Más tarde, cuando se termina por cerrar el vínculo de Martín con Coqui, comprendemos que ha llegado demasiado tarde: muy poco es lo que el filme mostró entre ambos como para que aquella escena tenga algún peso dramático. Y en la búsqueda de “Traslasierra” de narrar una historia chiquita, despojada, termina por quedarse en la superficie.

Calificación:  5/10

Por Agustín Villegas

Si queres llorar, llora!

Mientras Marvel triunfa con su universo cinematográfico (y otros fracasan intentando imitarlo) en las tinieblas se viene formando otra mega saga de varias franquicias de terror que, calladita y en silencio, se hizo con las salas de cine presentando más de un éxito. A éste gran proyecto me gusta llamarlo CONJURINGVERSE, aunque su nombre real es THE CONJURING UNIVERSE, ya que todos los films que integran el paquete derivan de las geniales dos entregas de los films de James Wan. Tuvimos ‘ANNABELLE’ (1, 2 y una 3 en desarrollo con cameos de Los Warren), ‘LA MONJA’ (1 y una futura 2) y, en desarrollo, otro spin-off centrado en ‘EL HOMBRE TORCIDO’. Pero hoy nos toca hablar de «La Maldición de La Llorona», una nueva versión de la popular leyenda mexicana que tanto aterra a la cultura latina hace más de una generación.

El mito en si esta adaptado de una forma respetuosa, la calidad de la película es bastante solida. El director Micheal Chaves, un joven discípulo del maestro James Wan, no impone un estilo personal muy marcado, pero su simulación del trabajo de su maestro hace que el proyecto nos haga pegar unos sustos bastante grosos. Además el universo se ve más enriquecido con apariciones de algunos personajes vistos en otros films, que sin entrar en spoilers, les aconsejo que vean ‘ANABELLE’ para saber de que hablo.

La historia sigue a ANNA (Linda Cardellini), una trabajadora social que, en un intento de salvar dos niños, se ve agarrada de los pelos por la maldición de La Llorona. Ahora debe proteger a sus propios hijos de éste espíritu maligno que busca llevarse pal otro lado a sus hijos de una forma horrorosa.

Lo mejor de ‘THE CONJURING’ y sus hijas … o sobrinas fue que la historia se situó en otra época, lo cual genera una atmósfera mucho mas personal y atrapante para el publico. En éste film se repite esa fórmula, llevandonos a los 70′, una epoca muy rica y diversa para introducirnos una leyenda universal y atemporal como la que le da el nombre a la película. Si bien las actuaciones no son para nada sobresalientes la puesta en escena es una de las mejores del Conjuringverse, siendo posiblemente la mejor despues de la segunda entrega de la saga madre.

La historia tiene unos pares de cliches muy marcados, el tipico detonante (la parte del guión en la que se adelanta el primer punto de giro) de una persona metiendose hasta los huevos en un quilombo sobrenatural solo para ayudar, erroneamente, a otra que estaba siendo protegida. Los sustos son solidos y creativos, pero se cae bastante en el susto repentino facilongo al que nos tiene acostumbrado nuestro Hollywood tóxico que tanto amamos y odiamos.

Si son consumidores de cine de terror pueden pasar un buen rato con La Llorona, de lo contrarío mejor guarden ganitas para la tercera entrega de THE CONJURING, la cual estará dirigida por el pibe que se encargo de éste proyecto. Esas dos entregas son buenas en terminos generales, no solo para los estándares del cine de terror (los cuales, con todo respeto al que le gusta, suelen ser bastante bajos) sino para el cine en general.

Calificación 6/10

Por Daniel Alvarez

Lamentablemente esta no debería ser una crítica, porque no me gustaría hablar sobre el desarrollo de la película aunque no contenga spoilers. Voy a hablar sobre el film Avengers Endgame como el suceso que es, más bien retratando mis impresiones sobre el mismo, que puede servir para aumentar o no el hype que este genera. Es así como llega a culminar una fase, que a lo largo de los últimos años nos han brindado con la presentación y unión de muchos de sus personajes. Thanos ha logrado ser el villano definitivo, quien nos dejó una bomba en Infinity War, y que en esta fase final, el objetivo era reparar todo el daño ocasionado, que obviamente tendrá consecuencias.

Si hay algo que caracteriza a Avengers Endgame es la imprevisibilidad, porque a lo largo del año hemos tenido cientos de teorías sobre lo que podía llegar a suceder, y más allá de que nuestros pronósticos pudieron ser acertados o no, este film tiene la capacidad de sorprender en numerosas ocasiones. Otro aspecto más que caracteriza a Endgame es la emotividad, si , es el capítulo más emotivo de la saga. Todos sabemos que algo está terminando, es la finalización de toda una construcción, aunque los films de Marvel todavía sigan produciéndose, seguramente por un nuevo rumbo. Los personajes parecen que están al tanto de que algo está por terminarse, ese sentimiento de que «ya nada será igual» , así que para los más sensibles, a no olvidarse los pañuelos.

Que el equipo de los vengadores haya sido reducido ante el inminente chasquido de Thanos, le ha sentado muy bien a esta historia. Es así como la historia nos permite hacer un repaso sobre lo que sucedió en el MCU en sus capítulos anteriores, estableciendo una conexión de todas sus historias de una forma más simplificada y que ha efectuado muy bien. Sus tres horas de duración no se hacen para nada largas, puede que sea debido a su imprevisibilidad antes mencionada , ya que deja a uno expectante sobre lo que llegara a suceder. Quizá el único adelanto que puedo llegar a dar , es que el film tiene un ritmo pausado en relación a la acción, lejos de ser un aspecto negativo , esto sirve para preparar la batalla final sin que nada resulte apresurado. El humor característico de Marvel obviamente está presente, sobre todo en su primer tramo, que por cierto no viene nada mal su alivio cómico para anticipar la montaña de emociones que el film genera.

Obviamente que no es una película perfecta, en su historia existen algunas lagunas, que más bien serán para un análisis posterior y lleno de spoilers. Pero aún así eso no importa. Endgame sigue siendo la perfecta culminación que nos dejó Infinity War, gracias Thanos. El trabajo realizado por Anthony y Joe Russo es soberbio por la capacidad que han tenido para unir todas las piezas y construir un arco narrativo propio y que funciones para cerrar un fase, casi de una forma definitiva. Del apartado técnico no hay mucho que decir, tanto su música como sus efectos visuales están mejor que nunca, dejándonos su último y épico momento de acción.

Sepan disculparme si no he hablado sobre los personajes o el desarrollo de la historia, creo que lo fundamental es ir a verla sabiendo poco de ello. Solo aquí vengo a dar mi opinión para aquellos ansiosos que andas buscando repuestas sobre si la película está a la altura de las expectativas, y claro que lo está. Puede parecer una frase cliché, pero Avengers Endgame es una montaña de emociones, que logra despedir una etapa de una manera gloriosa. Simplemente vayan a emocionarse y cuidado con los spoilers…

Calificación 9/10