Por Agustín Villegas

Johnny Depp suelto en Paris.

El backstory del universo Harry Potter siempre fue digno de adaptarse de forma audiovisual. El laburo que J.K Rowling hizo en como los personajes mencionaban hechos del pasado en los libros (y películas) hizo que la curiosidad del espectador se vea totalmente estimulada. La primer película de estas cinco precuelas que ya estan en el horno fue un proyecto de gran calidad, con un reparto fuerte y una historia fresca que reutilizaba los mejores elementos de las adaptaciones cinematograficas del mago cuatrochi.

¿La secuela mantuvo la calidad? A grandes rasgos se podría decir que sí. Si bien hay un punto en el que la historia se torna muy enredada y repleta de giros argumentales al cuadrado (y hasta el cubo) los personajes mantienen el relato de forma sólida ya que se nos hace casi imposible no empatizar con alguno de estos. Newt Scamander es un personaje que desborda peculiaridad y misterio, en la primera entrega me gusto pero me costaba imaginarlo en cuatro secuelas mas … en esta continuación cambie de opinión.

Johnny Depp como Grindelwald quedó bien gracias a las lineas que le dieron, se noto mucho como los problemas personales del actor influyeron en su desempeño interpretativo. Por otro lado Jude Law como Albus Dumbledore es un caso similar al de Ewan McGregor como Obi-Wan Kenobi, su interpretación no solo le hace honor a la original sino que hasta le ofrece una vuelta de tuerca propia que nos hace olvidar que ya sabemos como va a terminar la historia del personaje.

El enredo argumental y el intento de ser epicos jugaron en contra haciendo un efecto de grandilocuencia excesiva similar al que afecto a la trilogía de ‘EL HOBBIT’. La trama pudo haberse complicado más llegando al tercer film, dejando ésta segunda parte como una introducción al villano y a lo que se viene. Considerando lo gradual que fué la saga Harry Potter en su caída hacia la oscuridad visual y argumental siento que hubiese quedado mejor y mas fiel a la poética de éste universo haber esperado una película más para que todo se desmadre.

Hay unas subtramas muy interesantes, el hecho de dividir la historia en fuerzas en un BIEN vs MAL genero que ciertos personajes tomen caminos que los hacen mucho mas complejos de lo que pensabamos que podían ser. David Yates ya tiene re calado este mundo y hasta se toma el trabajo de innovar con unos planos muy locos a la hora de hacer diálogos íntimos entre los personajes, planos muy poco convencionales en el cine hollywoodense.

La nueva película de ANIMALES FANTÁSTICOS está más que aprobada. El apresuramiento de los guionistas la tiró un poco abajo, pero lo visual y lo actoral corrige esto y me hace querer ver mas de este universo mágico que sigue conquistando generaciones.

Calificación 8/10

“Hell Fest: juegos diabólicos” (EE.UU.) dirigida por Gregory Plotkin – Crítica de CJ Colantonio.

Para quien sea amante de las películas de género slasher, ésta es una cita obligada porque queda claro que este es el comienzo de una nueva zaga -a mi modo de ver- ó eso es lo que intentan.  Es muy posible que pueda tener cierto éxito en un momento donde desde Scream de Wes Craven no pasa nada y donde la heroína es una mujer astuta.  Es más, este arquetipo es el que ayudó a redefinir a los héroes y heroínas clásicos estadounidenses.

Para quien no conozca el término, se trata de películas que tuvieron su auge con “Halloween” de John Carpenter y “Viernes 13”, y donde un enmascarado guiado por el deseo de venganza (alguien lo humilló) asesina brutalmente a cuchilladas -de ahí el término- o hachas, sierras eléctricas y machetes- pero a jóvenes de padres ausentes y que están en el momento donde sus hormonas se encuentran descontroladas.

En tal caso, es decepcionante, encontrarse cómo se desaprovecha un género que despertó en el público tanta curiosidad y fanatismo.  Acá sólo habrá un que otro beso y una sola situación para taparse la cara. El público joven que podría comenzar a interesarse no estará invitado y el que como yo espera algo más, volverá a los clásicos.

EXTRAS: El Director ha sido editor de GET OUT (película de terror psicológico, ganadora del Oscar al mejor guión) y cuatro películas de Actividad Paranormal, además director de la sexta entrega de ésa saga.

Escrita por Seth M. Sherwood, Blair Butler y Akela Cooper, desde una historia de William Penick, Christopher Sey y Stephen Susco).

(Calificación: 6/10).

Critica de Diana Decunto

Cobertura del 33° Festival internacional de cine de Mar Del Plata

Documental del director Heinz Emigholz, en el marco del 33th Festival de Cine de Mar del Plata.  Muestra dos iglesias,  una catedral gótica italiana y una iglesia neogótica danesa,   con estilos diferentes de alrededor del siglo XVI. La filmación es excelente, estimo ha sido realizada con ayuda de drones, es un paneo de interiores y exteriores, con diferentes luces, con sol y nublado. La única crítica que le haría es la falta de un subtitulado o voz en off que describa más detalladamente que se está viendo. Tiene un cartel al comienzo y luego es un despliegue de imágenes que se van mostrando como quien desenrolla una alfombra.

La cámara y edición son excelentes, en el lugar y momento adecuado. La fotografía es destacable como logra rescatar la solidez de las obras arquitectónicas que tienen cinco siglos o más y se las ve, hoy,  fuertes y robustas.

Viendo este film no puedo evitar  preguntar ¿Cuántos siglos más durarán? ¿Qué evidencias  históricas guardaremos de lo que alguna vez fue? ¿Tal vez en algún momento se presente la necesidad de implotarlas,  porque todo tiene una vida útil? Por eso me parece que esta documental formara parte de la historia y el otro interrogante es ¿cómo se hicieron estas construcciones? Hay fuerza, importancia en la estética, prolijidad, detalle, calidad en el material, precisión cuando no existían excavadoras, ni grúas, ni palas mecánicas, ni diversidad de materiales como hoy. El material se reducía a madera, piedra y ladrillo al horno. Y me surgen más dudas. ¿Por qué la construcción de hoy  no intenta cuidar la estética con tantas herramientas que si lo permitirían? Muchos a los cuales lean mi reseña y que no es difícil encontrar que sepan más que yo sobre construcción y arquitectura, me repliquen que los edificios modernos siguen otro estilo de estética a la cual contestaré que si pero actualmente la estética está subordinada a la funcionalidad y no es un fin en sí mismo, como evidentemente lo fue en épocas pasadas.

Ya está fuera de cartel, porque estuvo el 11 y 12 de noviembre en el cine Ambassador.

Calificación 9/10

Duración 36 minutos

Director Heinz Emigholz

2017 Bickels: Socialism
2007 Streetscapes [Dialogue]
1984 Die Basis des Make-Up

Nació en Alemania en 1948. Es director, escritor, dibujante, productor y profesor de cine en European Graduate School en Saas-Fee, Suiza. Dirigió más de 15 largometrajes; entre ellos, Schindler’s Houses (2007, 22º Festival).

Reseña Diana Decunto

Consignas.de.radio@gmail.com

Crítica de Diana Decunto

Cobertura del 33° Festival internacional de cine de Mar Del Plata

Como en todos los órdenes de la vida, siempre hay una de cal y otra de arena. En el marco  del 33th Festival Internacional de Cine de Mar del Plata del 10 al 17 de noviembre, no me agradó y no tuvo aplausos por parte del  público fue el film de origen estadounidense: The American dreamer.

Este film con dirección de L.M. Kit Carson, Lawrence Schiller  hace alusión al sueño americano, el cual no creo para nada que sea el que plantea la película con respecto al sueño que busca la gente común, que ha sufrido y lo seguirá haciendo con la pérdida de sus propiedades, por hipotecarlas y no contar con fondos para pagarlas, por la desocupación, las leyes inmigratorias discriminantes, etcétera, etcétera.

Lejos del sueño americano, esta película  muestra el consumo de sustancias tóxicas, el uso de armas. Realmente una pena en un excelente actor como Dennis Hopper, que hizo excelentes films. Mi evaluación es en cuanto al contenido fílmico, no aporta nada y sino quisiese involucrar al sueño americano, podría tomarlo como la visión particular de un actor y cineasta, que tiene derecho a expresar sus ideas pero me parece ofensivo querer llevar en alto una bandera a la cual el ciudadano común no comparte.

Muy buena la música de balada que acompaña el film, también la fotografía y en defensa de la película hay parte del monologo que  resulta de cierto interés.

Quien esté interesado en conocer esta historia, la puede ver en Sala  4 del cine Ambassador el 13 de noviembre a las 10:00. Duración 90 minutos.

Sobre la programación del festival puede recurrir a la página: http://www.mardelplatafilmfest.com/es/programacion

Calificación 3/10

Directores:

L.M. Kit Carson, Lawrence Schiller

1971 The Lexington Experience

Lawrence Schiller nació en Brooklyn en 1936. Produjo y dirigió más de veinte telefilms.

Kit Carson nació en 1941. Actor, guionista y productor, coprodujo Bottle Rocket (1996) escribió varios guiones y adaptó, entre otros, el de París, Texas (1984). Falleció en 2014.

Reseña Diana Decunto

Consignas.de.radio@gmail.com

Crítica de Diana Decunto

Cobertura del 33° Festival internacional de cine de Mar Del Plata.

La segunda película,  del domingo 11 de noviembre, dentro del 33th Festival Internacional de Cine en Mar del Plata,  una película estadounidense, con un estilo muy particular para narrar la historia, pero el final contiene un hermoso mensaje el cual,  tal vez, desentona con el estilo en general del film, pero termina siendo un detalle.

Es la historia de un joven de nombre Harold, cuya edad oscila entre los 16 y 18 años pertenecientes a una emblemática familia de EEUU, vive con su madre, la cual es indiferente a lo que le pasa a su hijo. Harold intenta llamarle la atención con sus teatralizados intentos de suicidio, a los cuales la madre permanece indiferente.

Para tratar de sacarle esa obsesión compulsiva, Harold tiene asistencia sicológica sin mayores progresos, su tío insiste en la necesidad de ser enlistado  en el ejército y su madre prefiere recurrir al casamiento. Mientras este joven, con escenas grotescas y/o risa, se resiste a todas estas posibilidades, de casualidad se encuentra con Maude.  Una adorable anciana, de métodos no convencionales para moverse en el mundo, amante de la vida y ambos Maude y Harold comienzan a congeniar y mutuamente se complementan, sin ser la edad un obstáculo. Comienzan  construyendo una amistad. Maude le abre caminos como lo podría hacer una abuela o una madre y la relación entre ambos se profundiza.

Maude logra en Harold,  hacerlo reír y llorar, consigue que las  emociones afloren.

Los protagonistas principales Ruth Gordon, Bud Cort, excelente la actuación y los papeles secundarios, también impecables en cuanto a la caracterización de los personajes.

Este film quien esté interesado lo puede ver en el ámbito del festival de cine de Mar del Plata en el Ambassador, Sala 4, el viernes 16 a las 19:30. Su duración son 91’.

Calificación 9/10

 El director

Hal Ashby

Nació en 1929 en Utah y dirigió 12 largometrajes, incluido El regreso (1978), por el que fue nominado al Oscar por Mejor Director. Murió en 1988 en Malibú.

Reseña Diana DECUNTO DIANA

Consignas.de.radio@gmail.com

Critica por Douglas Poito

Instagram @douglaspoito  Twitter @dpTalento

Julia (48), ex actriz y su hija Emma (12) se instalan en una casona en un pueblo de Córdoba, Argentina. Es invierno y Julia debe arreglar la casa para venderla. Ha pasado el tiempo desde la muerte de su esposo y el padre de Emma, pero todavía viven el duelo. La tristeza ha hecho a Julia callada y distante con su hija. Una noche, Julia se encuentra con Gaspar, un amigo de toda la vida. Junto con Emma, ambos encuentran una manera de reconstruir sus vidas comenzando un proyecto incierto de un nuevo tipo de familia. Con esta interesante trama llegará el próximo 29 de noviembre a las salas de Buenos Aíres, este filme argentino que demuestra el linaje que ha ido proyectando el cine de este país en los últimos tiempos .Un filme escrito y dirigido por la cordobesa  Inés María Barrionuevo y protagonizado por Umbra Colombo en el personaje de Julia. Considero que esta película es una joya visualmente hablando. Es una película “pretenciosa”, sin llegar a ser peyorativo, por su cuidado estético. Es un filme que es sumamente prolijo en sus encuadres, cinematografía, vestuario, maquillaje, composición escénica, planimetría y puesta en escena. Nada está fortuito, todo está milimétricamente bien cuidado. Se nota y realza el gusto exquisito de la directora y su empatía por lo bello y elegante. Todo esto hace que el filme no sea espontáneo si no que resalta sobremaneramente la dirección, cuestión que lo digo sin ánimos de ser negativo, debo confesar que soy amante de la belleza en una composición escénica como la que está presente en esta película. Es un filme de ritmo lento que te va atrapando sin darte cuenta, sin estar consciente, de un momento a otro estás sumergido en su trama. Las actuaciones son de buena calidad. Colombo en el personaje de Julia está de muy buen nivel. La música y su banda sonora también tienen sus méritos. Es un filme que recomiendo si eres amante del cine de calidad, a pesar de no ser comercial. Confieso que no entiendo el nombre de la película y su vínculo con el zorro debido a que en el filme mismo no se establece una relación emocional contundente de este animal con Julia. Más se evidencia a pesar de no ser presencial, un nexo con el personaje de Emma, hija de Julia en la película.

Ficha:

Elenco: Umbra Colombo (JULIA), Victoria Castelo Arzubialde (EMMA), Pablo Limarzi (GASPAR)

Guión y Dirección: Inés María Barrionuevo

Productora: Tarea Fina

Productores: Juan Pablo Miller y Inés María Barrionuevo

Producción Ejecutivo: Juan Pablo Miller

Dirección de Producción: Candela Treffinger

Jefe de Producción: Nicolás Giorgis

Dirección de Casting: Soledad San Martin

Asistente de Dirección: Luciano Giletta

Dirección de Fotografía y Cámara: Ezequiel Salinas

Dirección de Arte: Carolina Vergara

Vestuarista: Sol Muñoz

Maquillaje y Peinado: Eva Perea

Dirección de Sonido: Atilio Sanchez

Música: Germán A. Sanchez

Montaje: Rosario Suarez

Duración: 105 min.

Distribuye: Cinetren.

Puntuación: 7,5/10

Descubriendo a mi hijo (Ga’agua) dirigida por Savi Gabizon (Israel) de estreno en Argentina el 15/11/18 (Distribuidora: Mirada Distribution) – Crítica de CJ Colantonio.

La historia se ha contado algunas veces, “un hombre descubre que tiene un hijo”, pero no de esta manera.  Ahí es donde esta cinta demuestra que la creación de los personajes es tan importante en el proceso de escritura de un guión, desde mi experiencia, fundamental antes de pensar en un relato.

Cómo piensa el protagonista y cómo el espectador descubre con él a un hijo que lo siente como una esperanza en una vida donde el éxito económico lo encuentra sólo. Con cierto aire italiano, Fellinesco (de Fellini, que juega entre la realidad y la fantasía), Savi Gabizon (Israelí) hace alarde de su enorme creatividad al abordar temas que lo había hecho sobre el amor no correspondido (La tragedia de Nina) y los vínculos rotos.

Sería muy fácil spoilear esta película y como no tengo la intención de hacerlo, voy a aprovechar para alentar a quienes como -en definitiva- ponen en bandeja lo que vas a ver cuando te sientas en una butaca.  No sólo es la prensa ó los cineastas que dan una mirada sobre sus colegas; acá la osadía es de Mirada Distribution que trae esta película -y otras tantas- y abren algo más que los ojos del público.

(Calificación: 8/10).

JULIA Y EL ZORRO de Inés María Barrionuevo, de estreno en el festival de Mar del Plata – Crítica de CJ Colantonio.

    Cuando hay problemas en el guión es muy difícil remontar con la fotografía, es más, se vuelve errática, intentando buscar algo que no hay.  Si no queda claro de qué la va, de pronto se te ocurre hacer una que otra buena imagen fuera de la trama que el espectador con cierta esperanza cree que dice algo más, pero no, sólo es eso.  No hay siquiera un poco de respeto por el espectador cuando se pretende remontar un relato con esas pequeñas luces.

La protagonista no cae bien porque no hay nada siquiera valioso en lo que dice.  No tiene ninguna luz. Nada es una fábula como parece pretender el título, no enmascara nada al espectador que sólo ve una pintura natural de poco color, no realista, incoherente.  No existe intención alguna. Su depresión la ciega en continuar algo y llega tarde siempre, además se arrepiente. No tiene fuerza en sus piernas, como no tiene convicción en sus palabras, nada le crees a este personaje lavado, sin construcción, sólo una descripción pequeña de un media carilla donde se lee: su marido falleció en un accidente de coche, pero no me prestaba atención.  

¿Cómo es posible que una protagonista no encuentre iniciativa o le dure tan poco el impulso?  Es por eso que se le escapan las cosas, es una espectadora más. Sus conflictos lo único que le hacen es remarcar sus limitaciones y ni siquiera atina a enfrentarlas, abre el capó y que salga el humo, deja que la hoja se la lleve el río como si ello quisiera decir que se le va el ego, es muy enclenque.  No hay admiración acá. Sólo un “cholulismo” mediocre de los personajes que la rodean. Ninguna acción es sostenida.

Es desilusionante que nadie de quienes estuvieron involucrados en este relato tenga dos dedos de frente para leer el guión ni siquiera en montaje.  Como si justamente eso no fuera lo más importante. Así estamos, todo el mundo que escribe algo, cree que tiene un guión, cero respeto por el arte del guionista.

De pronto el cine argentino demuestra algo con coraje, otras veces no; después nos quejamos.  Que quede claro, dejemos de improvisar, para eso existen otros lugares.

(Calificación: 3/10).

Matar o morir (Peppermint) de Pierre Morel con Jennifer Garner. // Por CJ. Colantonio.

Para quien le gusta la violencia y en este caso femenina, está invitado a ver algo que en muchas ocasiones te hará reír de lo absurdo, y no me refiero a que las mujeres no sean rudas (no entremos en campo minado), pero de aquí a cargarse a la policía, al FBI, a los narcotraficantes… hay una gran diferencia.  Y no es spoiler, desde el principio sabes que todo esto que va a pasar porque además empieza en un pequeño raconto. Acá la idea es el “cómo”, aunque cuando llega el momento, no te sorprende en absoluto, lento y sin sonido.  A mi modo de ver, tendría que haber sido todo lo contrario.  Rápido, como en un abrir y cerrar de ojos (así se te va la vida); pero no, la combinación de lo peor del cine yanqui (efectista) y lo franchute (extremadamente discursivo); es como ir al McDonald’s y que te den un BigMac pero en una baguete, con las hamburguesas de lado.

Claro, el guionista no era Luc Besson, quien le escribió Taken.  Con decirte que para graficar que una mujer está acostumbrada al dolor, a perder sangre, la protagonista se pone una toallita femenina… un gag de medio pelo que hubiera sido más efectivo usado por un hombre.  Aún no entiendo quien lee estos guiones porque allá en yanquilandia los revisan una y otra vez. Capaz se les cayó una taza de café y quedó aprobado. Con decirte que el título original corresponde al helado que le gustaba a su hija, de menta…

Entiendo que para un director como Pierre Morel, le puede resultar difícil darse cuenta que la protagonista no es Liam Nesson (un ex agente de la CIA y de las Fuerzas Especiales, experto en seguridad y en combate cuerpo a cuerpo), quien derriba todas las paredes, o personas que hagan falta para rescatar a su hija contratiempo y antes que la vendan, pero lo hace para desenmascarar una red de prostitución comandado por Albaneses.  Acá, ella lo hace por venganza, que no es poco y no desenmascara nada, sino que todos sabían, pero policías, jueces, varios estaban comprados y los demás una sarta de inútiles. AH, los narcotraficantes son latinos, aprobados por Trump. ¿Ya lo viste? Yo también. Igual sé que irás, Jennifer sigue buena (me refiero al lomo, pero le falta chimichurri para actuar).

Calificación: 4/10